Introduction

Dans ce dossier, nous allons présenter le rôle des couleurs dans les œuvres d’art, introduire le concept de la théorie des couleurs et le rôle des couleurs dans la création d’un sens de la profondeur et de la perspective. Pour ce faire, dans la section thématique de ce dossier, nous nous pencherons d’abord sur les origines des couleurs, puis nous fournirons des informations complètes sur la théorie des couleurs, en introduisant des concepts tels que la teinte, la valeur, la saturation, le contraste, etc. Enfin, nous présenterons les différentes méthodes permettant d’utiliser les couleurs pour créer de la profondeur.

Puis, dans la deuxième section de ce dossier, nous vous proposerons une série d’exemples d’œuvres d’art utilisant ces techniques, ainsi que deux activités détaillées pour initier vos apprenants aux différents concepts de ce dossier.

Les objectifs de ce dossier sont les suivants :

• Découvrir comment nos yeux voient les couleurs,
• définir ce qu’est la théorie des couleurs,
• apprendre des techniques et des termes spécifiques liés aux couleurs,
• comprendre comment les points susmentionnés ont façonné la peinture à travers l’histoire,
• découvrir la signification des couleurs dans certaines situations,
• comprendre comment la couleur est utilisée pour créer de la profondeur,
• s’entraîner à utiliser la couleur pour créer un sentiment de profondeur.

Le thème

La nature du thème

Qu’est-ce que la couleur ? Qu’est-ce que la profondeur ? Ce sont des questions auxquelles il peut être facile de répondre, mais qui deviennent particulièrement pertinentes dans le domaine de l’art.

Théoriquement, la couleur est définie comme « l’aspect des choses qui est causé par les différentes qualités de lumière qu’elles reflètent ou émettent ». Pour voir la couleur, il faut de la lumière. Lorsque de la lumière brille sur un objet, certaines couleurs rebondissent sur l’objet et d’autres sont absorbées par celui-ci. » Mais la couleur est plus que la lumière et son reflet, elle est le principal outil d’un artiste pour s’exprimer, partager ses croyances ou transmettre un message. Les artistes utilisent leur connaissance de la couleur pour dépeindre l’humeur, la lumière, la profondeur et le point de vue dans une œuvre d’art.

Les couleurs ont 3 propriétés principales :

• La teinte : La teinte fait référence à la couleur elle-même. Elle est distincte de toute autre couleur et représente le nom que nous attribuons à cette couleur, comme le bleu, le jaune et l’indigo.

• La valeur : La valeur (ou luminosité) est l’obscurité ou la clarté d’une teinte. Lorsque des teintes sont mélangées avec du blanc, la couleur résultante aura une valeur plus claire appelée teintes. Lorsque les teintes sont mélangées avec la couleur noire, elles ont une valeur plus sombre appelée nuances. Les nombreuses valeurs d’une teinte peuvent être représentées sur un spectre de gradients ressemblant à des échantillons de peinture.

• Chroma ou saturation : Le chroma d’une couleur fait référence à la pureté de la couleur. Le chroma est lié à la saturation, les couleurs à haute teneur en chroma apparaissant plus brillantes et les couleurs à faible teneur en chroma apparaissant plus ternes.

Théorie des couleurs

Pour maîtriser pleinement l’utilisation des couleurs, un artiste doit comprendre les bases de la théorie des couleurs, un ensemble de directives pour mélanger, combiner et manipuler le spectre des couleurs.

La théorie des couleurs remonte à l’Antiquité et a évolué au fil du temps. De l’enseignement d’Aristote sur la façon dont le mélange des couleurs peut en créer d’autres, à la théorie des couleurs d’Isaac Newton en passant par le rôle des couleurs primaires, le sujet a fait l’objet de recherches et de débats importants.

La théorie des couleurs la plus utilisée aujourd’hui repose sur la règle fondamentale selon laquelle trois couleurs ne peuvent être obtenues en mélangeant d’autres couleurs. Ces trois couleurs sont le rouge, le bleu et le jaune, et sont considérées comme les couleurs primaires. Lorsqu’elles sont mélangées, ces trois couleurs primaires peuvent former de nombreuses autres couleurs.

Les couleurs secondaires sont le résultat du mélange de deux couleurs primaires. Dans le modèle de couleur traditionnel, les trois couleurs secondaires sont le vert (jaune plus bleu), l’orange (jaune plus rouge) et le violet (rouge plus bleu).

Ensuite, les couleurs tertiaires sont la combinaison d’une couleur primaire avec une couleur secondaire. Il existe six couleurs tertiaires sur le cercle chromatique traditionnel : magenta (rouge-violet), vermillon (rouge-orange), ambre (jaune-orange), chartreuse (jaune-vert), sarcelle (bleu-vert) et violet (bleu-violet).

Créer un contraste avec les couleurs

Bien que les couleurs aient des teintes différentes et puissent créer des contrastes différents, certaines théories permettent de créer une peinture plus harmonieuse.

Les couleurs complémentaires sont des couleurs qui se situent à l’opposé l’une de l’autre sur la roue chromatique. Les couleurs complémentaires comprennent le bleu avec l’orange, le rouge avec le vert et le jaune avec le violet. Les couleurs complémentaires contrastent fortement.

Par exemple, dans Impression, Soleil levant de Claude Monet (1872), un petit soleil orange et une lumière orange se reflètent sur les nuages et l’eau au centre d’un paysage bleu brumeux. Cette peinture, avec son utilisation frappante des couleurs complémentaires que sont l’orange et le bleu, est un parfait exemple de complémentarité.

Le bleu et l’orange étaient une combinaison de couleurs très populaire chez les impressionnistes. Ils étudiaient la théorie des couleurs et savaient que l’orange placé à côté du bleu rendait les deux couleurs beaucoup plus lumineuses. Auguste Renoir peignait des bateaux avec des bandes de peinture orange chromé tout droit sorties du tube. Paul Cézanne utilisait un orange fait de touches de jaune, de rouge et d’ocre sur un fond bleu.

Vincent van Gogh appréciait particulièrement cette technique ; il a même créé ses propres oranges avec des mélanges de jaune, d’ocre et de rouge. Ci-dessous, Le semeur, 1888, de Vincent Van Gogh.

Alors que les couleurs complémentaires se situent à l’opposé du spectre des couleurs, les couleurs analogues se situent les unes à côté des autres sur le cercle chromatique. Elles comprennent le jaune associé à la chartreuse et au vert ; le rouge associé au vermillon et à l’orange ; et le bleu associé à la sarcelle et au violet. Les trois couleurs de chaque association partagent une teinte commune, de sorte qu’elles semblent s’accorder.

Dans le tableau ci-dessous, Bassin aux nymphéas (1904) de Claude Monet, vous pouvez voir l’utilisation de couleurs analogues et l’utilisation de verts, de verts clairs, de bleus clairs et de touches de violet et plus encore.

La température des couleurs :

Pour comprendre comment des couleurs peuvent créer de la profondeur, il est important de comprendre les différentes températures que peuvent prendre les couleurs. La température fait référence à la chaleur qu’une couleur contient. Ces couleurs sont généralement identifiées comme des couleurs chaudes ou froides.

Les artistes divisent généralement la roue chromatique en deux, par le milieu. Ainsi, les rouges, les oranges et les jaunes sont généralement considérés comme des couleurs chaudes, tandis que les bleus et les verts sont généralement considérés comme des couleurs froides.

À l’aide de peintures, voici des exemples de tons chauds et froids.

Couleurs chaudes : Rouge, jaune, orange et autres tons similaires.

Couleurs froides : Bleu, vert, violet et autres tons similaires.

Couleur et profondeur :

Il existe de nombreuses méthodes que les artistes peuvent utiliser pour créer de la profondeur dans une peinture. Selon l’époque, le style et les techniques de l’artiste, la création d’un sentiment de profondeur et de perspective peut varier considérablement d’une peinture à l’autre.

Alors, qu’est-ce que la profondeur ?

En art, la profondeur désigne la distance perçue entre l’arrière-plan et le premier plan d’une composition. Elle peut être comparée à la création de l’illusion d’un espace tridimensionnel sur une toile bidimensionnelle. Il existe un large éventail d’outils tels que la perspective, les lignes, les couleurs et les ombres qui peuvent créer l’illusion de l’espace et ajouter une couche de réalité.

Dès lors, comment les artistes créent-ils cette sensation de profondeur et de perspective en utilisant des couleurs ? La théorie repose sur l’idée que les couleurs chaudes semblent plus proches du spectateur, tandis que les couleurs froides semblent plus éloignées. L’inverse est également vrai sur un fond blanc.

En effet, les longueurs d’onde des couleurs chaudes sont plus longues, de sorte que vos yeux les voient plus rapidement que les longueurs d’onde plus courtes des couleurs froides.

Cette technique est également appelée perspective atmosphérique ou perspective aérienne. Ce procédé utilise la modification de la valeur (teinte) pour créer la sensation de profondeur. En d’autres termes :

• Au fur et à mesure que les objets s’éloignent de l’observateur : les valeurs sont moins contrastées, les couleurs deviennent plus faibles et plus froides, et les détails deviennent moins distincts.
• Lorsque les objets s’avancent et se rapprochent de l’observateur : les valeurs sont plus contrastées, les couleurs sont plus fortes et plus chaudes, et les détails deviennent plus nets.

Pour créer ce type de perspective, les couleurs doivent être modifiées par les intensités chromatiques, les caractéristiques des bords, les types de pinceaux et les détails, ainsi que la taille des touches de couleur dans l’image.

L’intensité chromatique

Les degrés d’intensité chromatique (ou de luminosité d’une couleur) peuvent donner l’impression que des zones s’avancent ou s’éloignent visuellement par rapport à d’autres zones de couleur. Les couleurs plus froides ont tendance à s’effacer devant les couleurs moins froides. Les couleurs plus froides ont tendance à s’éloigner de celles qui sont plus chaudes. Les mélanges de couleurs qui contiennent plus de pigments blancs semblent s’éloigner des couleurs qui sont plus pures et contiennent donc moins de pigments blancs. Dans le tableau ci-dessous, Lake George Reflection, 1921, de Georgia O’Keeffe, vous pouvez voir que les couleurs les plus vives apparaissent fortes et lumineuses, tandis que les tons plus pâles s’estompent et créent une impression de profondeur, les couleurs devenant de plus en plus claires à l’horizon.

Lake George Reflection de Georgia O’Keeffe, 1921. This artwork is a Property from the Collection of J.E. Safra, therefore it cannot be used in this dossier.

Les bords

Les bords d’un trait de couleur ou d’un objet de couleur seront mis en évidence de manière plus efficace si les bords sont plus nets et plus clairs que ceux qui les entourent.

Le concept général est le suivant : des traits, des couleurs ou des marques plus nets, plus clairs et plus précis sont mis en avant, tandis que des traits plus doux, moins définis et aux bords plus souples s’éloignent en comparaison. Si l’on associe cela à la couleur, on peut dire que les couleurs qui ont des bords plus nets et des traits plus clairs se mettent en avant par rapport à celles qui ont des bords plus flous et des traits moins clairs. Dans le tableau ci-dessous, Wanderer above the sea of fog, 1818, de Caspar David Friedrich, la roche sombre et solide ressort avec une intensité plus forte que les gris et les bleus insaisissables et légers de l’arrière-plan. La relation de bordure entre le premier plan et l’arrière-plan crée un fort sentiment de profondeur.

Échelle et formes :

Les grandes touches de couleur sont généralement plus visibles que les petites. Les zones de couleur dont les formes et la taille sont plus claires et plus audacieuses rapprochent le premier plan de l’observateur, tandis que les zones plus petites et plus légères semblent s’éloigner. Ces concepts sont particulièrement utiles lorsque l’artiste veut un premier plan, un milieu et un arrière-plan forts et clairement définis.

Contexte historique – une brève histoire des couleurs

Les couleurs ont été mélangées pour la première fois à l’aide de pigments très naturels – une combinaison de terre, de graisse animale, de charbon de bois brûlé et de craie – il y a 40 000 ans déjà, créant une palette de base de cinq couleurs : rouge, jaune, brun, noir et blanc. Depuis lors, de la Renaissance à l’impressionnisme, les couleurs ont évolué grâce aux explorations ou aux découvertes scientifiques et ont créé des couleurs nouvelles et inédites.

Le rouge est l’une des plus anciennes couleurs. Présente dans les sols riches en fer, l’ocre rouge est l’un des plus anciens pigments utilisés dans les grottes préhistoriques. Plus tard, au cours des 16e et 17e siècles, un insecte (la cochenille) a été utilisé pour créer un colorant rouge.

Le bleu était l’une des couleurs les plus chères, car la pierre précieuse dont il provenait ne pouvait être trouvée que dans une seule chaîne de montagnes en Afghanistan. Considérée comme un matériau précieux, le prix de cette pierre précieuse (le lapis-lazuli) était similaire à celui de l’or. Ce n’est que dans les années 1950 qu’une version synthétique du bleu outremer a été créée et que l’utilisation de cette couleur s’est démocratisée.

Le jaune n’était pas une couleur très populaire dans la peinture classique. Des artistes tels que J.M.W. Turner et Vincent van Gogh ont été parmi les rares à adopter cette couleur. J.M.W. Turner a souvent été critiqué pour son utilisation du jaune, affirmant que ses peintures « étaient atteintes de jaunisse ».

Les pigments verts, bien qu’utilisés pour évoquer la nature et le printemps, étaient parmi les plus toxiques de l’histoire. Contenant de l’arsenic, le vert de Sheele, un vert vif, est devenu instantanément populaire à l’époque victorienne, malgré sa dangerosité. Plus tard, le vert de Paris, une alternative plus durable utilisant un rodenticide et un insecticide, a été utilisé par Claude Monet, Paul Cezanne et Pierre-Auguste Renoir. Cette couleur était toujours très toxique et pourrait être responsable du diabète de Cezanne et de la cécité de Monet.

Le violet était particulièrement apprécié des impressionnistes tels que Claude Monet. Il a déclaré un jour : « J’ai enfin découvert la vraie couleur de l’atmosphère. C’est le violet. L’air frais est violet ».

Contexte social et culturel – la signification des couleurs

Le symbolisme de la couleur dans l’art fait référence à l’utilisation de la couleur comme symbole dans diverses cultures. Il existe une grande diversité dans l’utilisation des couleurs et de leurs associations entre les cultures et même au sein d’une même culture à différentes époques.

Le rouge est souvent associé à l’amour et à la passion. Il peut également être associé au danger et à l’avertissement (pensez aux étiquettes, aux stops, aux feux rouges, etc.). Le rouge peut avoir un effet physique sur les gens, en augmentant la pression sanguine et la fréquence respiratoire.

L’orange est une couleur très vibrante et énergique. Dans ses formes atténuées, il peut être associé à la terre et à l’automne. En raison de son association avec le changement des saisons, l’orange peut représenter le changement et le mouvement en général. L’orange est également fortement associé à la créativité.

Le jaune est souvent considéré comme la plus brillante et la plus énergisante des couleurs chaudes. Il est associé au bonheur et au soleil. En France, le jaune peut également être associé à la tromperie et à la lâcheté.

Le vert est une couleur très terre à terre. Elle peut représenter les nouveaux départs et la croissance. Il signifie également le renouveau et l’abondance. Par contre, le vert peut aussi représenter l’envie ou la jalousie, ainsi qu’un manque d’expérience.

Le bleu est souvent associé à la tristesse dans la culture anglaise. La couleur bleue est également très utilisée pour représenter le calme et la responsabilité. Les bleus clairs peuvent être rafraîchissants et amicaux. Les bleus foncés sont plus forts et plus fiables. Le bleu est également associé à la paix et a des connotations spirituelles et religieuses dans de nombreuses cultures et traditions.

Le violet est une combinaison de rouge et de bleu et possède certains attributs de ces deux couleurs. Il est également associé à la créativité et à l’imagination. Les colorants utilisés pour créer des teintes violettes étaient extraits d’escargots et étaient très coûteux, de sorte que seuls les rois et les personnes très riches pouvaient se les offrir.

Approche pédagogique

Il est important de comprendre la couleur et la profondeur pour comprendre l’art dans son ensemble. Grâce aux couleurs, les artistes sont capables de transmettre du sens, d’envoyer des messages à leur public et de susciter des sentiments et des émotions. En utilisant les couleurs pour créer de la profondeur, ils sont en mesure de donner vie à des images bidimensionnelles et de guider l’œil de l’apprenant pour qu’il puisse voir les détails, comprendre la perspective et ressentir plus de choses.

Pourquoi ce thème est-il pertinent pour les apprenants adultes ?

Ce thème est particulièrement pertinent pour les apprenants adultes car la théorie des couleurs est un processus complexe et bien conçu qui peut être analysé à travers la plupart des peintures. Dans tous les musées, expositions ou centres d’art, les artistes ont utilisé une sorte de schéma de couleurs pour créer de la profondeur.

Quels sont les résultats d’apprentissage de l’intégration de ce thème artistique dans une activité éducative ?

Les couleurs jouent un rôle crucial dans la création d’une atmosphère, l’expression d’un sentiment, la démonstration d’une expression et plus encore. Les couleurs sont les meilleurs outils dont disposent les peintres pour transmettre leur message. C’est pourquoi il est important de comprendre les théories et les techniques qui sous-tendent l’utilisation de ces couleurs pour comprendre une peinture dans son ensemble.

Mode d’emploi : stratégies, outils et techniques.

Les apprenants peuvent aborder la théorie et la profondeur des couleurs par le biais de différents outils, que ce soit par l’analyse de peintures célèbres ou en travaillant eux-mêmes avec une palette de couleurs.

Œuvres d’art

Œuvre d’art #1 La mort de Germanicus, Nicolas Poussin, 1627.

• Rapport au thème : Cette peinture utilise les principales couleurs primaires de la roue chromatique. Remarquez les bleus, rouges et jaunes forts qui ressortent par rapport aux tons pâles et foncés de la peau et aux blancs.

• Courte description : Le tableau représente le jeune général romain Germanicus sur son lit de mort, après avoir été empoisonné par l’empereur Tibère. La scène montre Germanicus demandant à ses amis de le venger tandis que sa femme se morfond. Il s’agit d’une représentation de l’héroïsme et de la dignité.

• Emplacement et dimension européenne : Le tableau se trouve au Minneapolis Institute of Art, à Minneapolis, MN, aux États-Unis. Il s’agit de la première grande peinture historique de Nicolas Poussin représentant une scène de mort. La composition, avec des personnages serrés les uns contre les autres au premier plan, s’inspire des reliefs des sarcophages romains. Poussin a passé beaucoup de temps à Rome où il a développé un style classique qui a fortement influencé l’art italien et français par la suite.

• Possible exploitation pédagogique : La Mort de Germanicus est un tableau assez ancien ; il date de 1627. Il peut donc être intéressant de voir si les couleurs, notamment les bleus, avaient une signification particulière dans la représentation du tableau. Les différentes couleurs représentent-elles des armées différentes ? Vous pouvez introduire la signification du bleu aux apprenants pour mieux comprendre la structure du pouvoir dans la peinture.

Œuvre d’art #2 La raie verte, Henri Matisse, 1905

 

• Rapport au thème : Cette peinture montre l’utilisation des couleurs complémentaires (rouge et vert) sur la roue chromatique.

• Courte description : Ce tableau est un portrait de la femme de Matisse, Amélie Noellie Matisse-Parayre. C’est une peinture à l’huile sur toile, et elle a été nommée la Raie verte pour la ligne qui divise son visage en deux. Matisse a voulu créer une sensation de lumière, d’ombre et de volume sans utiliser d’ombres traditionnelles.

• Emplacement et dimension européenne : La peinture d’Henri Matisse a choqué à l’époque, car elle brisait les conventions. Des œuvres telles que la sienne ont marqué le début d’un mouvement appelé « Les Fauves ». Le fauvisme mettait l’accent sur les couleurs fortes plutôt que sur les valeurs réalistes. Le tableau se trouve à Copenhague, au Statens Museum for Kunst.

• Possible exploitation pédagogique : Les couleurs étaient d’une importance capitale pour les Fauves. Explorez avec vos apprenants comment ils ont utilisé les couleurs pour se démarquer des styles plus traditionnels de leurs prédécesseurs, les impressionnistes.

Œuvre d’art #3 Impression, Soleil levant, Claude Monet, 1872

• Rapport au thème : Cette peinture de Monet utilise les couleurs complémentaires bleu et orange pour montrer son paysage. Ce tableau utilise également les techniques intéressantes des bordures douces et de la perspective aérienne pour créer de la profondeur.
• Courte description : Impression, Soleil levant, a été créé à partir d’une scène dans le port du Havre. Monet dépeint une brume, qui fournit un arrière-plan brumeux à la pièce située dans le port français. Les teintes orangées et jaunes contrastent bien avec les bateaux sombres, dont peu de détails, voire aucun, sont visibles pour le public.
• Emplacement et dimension européenne : Le tableau Impression Soleil levant a été présenté pour la première fois lors d’une exposition qui allait devenir l’ »Exposition des impressionnistes ». À l’origine, le terme impressionniste était utilisé de manière dépréciative, mais Monet et ses collègues artistes l’ont adopté comme nom de drapeau de leur mouvement. Le tableau se trouve aujourd’hui au Musée Marmottan Monet à Paris. Courte description: Impression, Soleil levant, a été créé à partir d’une scène dans le port du Havre. Monet dépeint une brume, qui fournit un arrière-plan brumeux à la pièce située dans le port français. Les teintes orangées et jaunes contrastent bien avec les bateaux sombres, dont peu de détails, voire aucun, sont visibles pour le public. Emplacement et dimension européenne: Le tableau Impression Soleil levant a été présenté pour la première fois lors d’une exposition qui allait devenir l’ »Exposition des impressionnistes ». À l’origine, le terme impressionniste était utilisé de manière dépréciative, mais Monet et ses collègues artistes l’ont adopté comme nom de drapeau de leur mouvement. Le tableau se trouve aujourd’hui au Musée Marmottan Monet à Paris.
• Possible exploitation pédagogique : Le tableau ci-dessus est un tableau important d’un point de vue historique. Il est considéré comme la première représentation d’un style pictural « impressionniste » ; il a donné son nom au mouvement. Vous pouvez explorer avec vos élèves la façon dont la peinture a été reçue et comment elle a inspiré les artistes à adopter des techniques de peinture similaires.

Œuvre d’art #4 Femme aux cheveux jaunes, Pablo Picasso, 1931

Cette oeuvre est sous licence détenue par ©The Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York, c’est pourquoi elle ne peut pas être utilisée dans ce dossier. L’oeuvre originale peut être vue au Guggenheim Museum in New York, USA.

• Rapport au thème : Cette peinture est une représentation des couleurs complémentaires violet et jaune, ainsi que vert et rouge.
• Courte description : Cette peinture de Picasso représente un portrait de son amante secrète Marie-Thérèse Walter. Elle était blonde et fut la muse de Picasso pendant de nombreuses années.
• Emplacement et dimension européenne : Le style de Picasso a changé dans les années 1925-30, à partir de la fin du cubisme, l’art de Picasso a évolué vers un style plus sensuel, biomorphique qui a été célébré dans le tableau de sa maîtresse. Il voulait représenter son corps voluptueux et ses boucles avec cette peinture. La façon dont il a modelé son visage est également devenue une signature de ses œuvres d’art ultérieures, apparaissant dans des sculptures, des gravures et autres. Le tableau est actuellement exposé au Solomon R. Guggenheim Museum, à New York, aux États-Unis.

Le tableau est actuellement exposé au Solomon R. Guggenheim Museum, à New York, aux États-Unis.

• Possible exploitation pédagogique : La phase précédente de Picasso était la célèbre phase du cubisme. Vous pouvez découvrir avec vos apprenants les différences frappantes entre les couleurs et la forme droites, presque sévères, qu’il utilisait auparavant, en comparaison avec la forme corporelle, douce et arrondie qu’inspire le tableau ci-dessus.

Œuvre d’art #5 Les oliviers, Vincent Van Gogh, 1889

• Rapport au thème : Cette peinture utilise la technique des couleurs analogues (bleus, verts, etc.), situées les unes à côté des autres sur le cercle chromatique. Courte description: Le tableau représente des champs d’oliviers dans la région de Saint-Remy, dans le sud de la France. Pour Van Gogh, ces arbres ont une signification particulière, car ils représentent la vie, le divin et le cycle de la vie.
• Courte description : Le tableau représente des champs d’oliviers dans la région de Saint-Remy, dans le sud de la France. Pour Van Gogh, ces arbres ont une signification particulière, car ils représentent la vie, le divin et le cycle de la vie.
• Emplacement et dimension européenne: Avant la série des Oliviers, l’œuvre de Van Gogh était plus terne et plus sombre. Après avoir rencontré des artistes tels que Degas et Seurat, qui étaient de fins techniciens des couleurs, Van Gogh lui-même a commencé à submerger sa peinture de couleurs, au point de l’appeler parfois « expressionnisme ».

Le tableau est aujourd’hui exposé au Musée d’art moderne de New York, aux États-Unis.

• Possible exploitation pédagogique : Il existe au moins 15 peintures d’oliviers réalisées par Van Gogh à cette époque. Explorez quelques-unes des plus célèbres, découvrez comment son séjour dans un asile français a façonné son style et apprenez ses techniques uniques.

Œuvre d’art #6 La Jeune Fille à la perle, Johannes Vermeer, 1665

• Rapport au thème : La Jeune fille à la perle est un chef-d’œuvre de couleur, de profondeur et d’intimité. Grâce à l’utilisation d’un fond sombre, le sujet se détache clairement, tandis que l’utilisation de couleurs plus claires pour son visage contraste avec le ton plus sombre du reste du sujet. Le rouge, une couleur chaude, est utilisé uniquement sur ses lèvres, ce qui attire davantage l’attention sur son visage et son regard mystérieux.
• Courte description : Le tableau de Vermeer est une tronie (une étude de caractère et non un portrait strict) d’une jeune fille. Nous ne savons pas qui est cette jeune fille, mais Vermeer lui a donné une apparence « exotique » en lui faisant porter un foulard, un article de mode peu utilisé aux Pays-Bas à l’époque.
• Emplacement et dimension européenne : Cette œuvre d’art a fait l’objet d’études approfondies au fil des ans. En 1994, on a découvert que le fond était à l’origine un vert glacé foncé et non pas noir. En 2018, alors que beaucoup supposaient que la fille était une fiction de l’imagination, l’étude a montré qu’il peignait une personne réelle. La Jeune fille à la perle a également eu un impact sur de nombreuses représentations culturelles, du cinéma à l’art de rue.

L’œuvre est exposée à la Mauritshuis, à La Haye, aux Pays-Bas.

• Possible exploitation pédagogique : Vermeer avait un style unique car il n’a pas produit de grandes quantités de peintures. Vous pouvez comparer ces tronies à ses peintures de genre et de style de vie, pour comprendre tout son panel d’art.

Œuvre d’art #7 Le déclin de l’empire carthaginois, J.M.W Turner, 1817

• Rapport au thème : L’utilisation de couleurs chaudes pour créer l’impression de soleil couchant est très délicate. En outre, l’utilisation de couleurs plus froides déclinant en teintes des coins vers les extérieurs contribue à créer cette sensation. La ville est dans des nuances d’orange, qui sont complémentaires du bleu. La technique consistant à utiliser des couleurs plus sombres au premier plan et des couleurs plus claires à l’arrière-plan renforce également la sensation de profondeur.
• Courte description : Cette peinture représente le déclin de Carthage, l’empire d’Afrique du Nord, qui était le plus puissant avant l’avènement de la Rome antique. Le déclin est symbolisé par le soleil couchant, que Turner considère comme inévitable.
• Emplacement et dimension européenne : J.M.W. Turner était, probablement, l’un des peintres britanniques les plus prolifiques de son temps. Son utilisation des couleurs, de la lumière et de l’atmosphère est bien connue. Pour cette œuvre, Turner a utilisé les techniques des « maîtres anciens », en particulier celles de Claude Lorrain. Il aimait tellement l’œuvre de Claude Lorrain qu’il a demandé à ce que le tableau soit accroché près des œuvres de son homologue après sa mort.

Le tableau se trouve actuellement au Tate Museum, à Londres, au Royaume-Uni.

• Possible exploitation pédagogique : Vous pouvez explorer comment Turner a utilisé des tons plus ternes, plus clairs et plus doux pour créer une belle sensation de profondeur à l’arrière-plan alors que le soleil se couche. Il a utilisé différentes techniques, telles que le contraste des couleurs, l’intensité chromatique et la relation des bords pour y parvenir.

Œuvre d’art #8 Le pont de Charing Cross, Andre Derain, 1906

• Rapport au thème : Cette peinture utilise des couleurs très saturées, ainsi que des techniques de couleurs complémentaires.
• Courte description : André Derain a peint en hiver le « Pont de Charing Cross », un célèbre pont de Londres, en Angleterre. La peinture montre la Tamise, ainsi que la brasserie Lion’s (sur la gauche).
• Emplacement et dimension européenne : Derain était une figure clé du mouvement fauviste, qui utilisait des couleurs fortes et des images hautement saturées comme signature principale (en plus des traits audacieux). Les peintures fauves étaient imaginatives et audacieuses. Ils n’utilisaient pas les normes des artistes typiques.

Elle est aujourd’hui exposée à la National Gallery of Art, à Washington, aux États-Unis.

• Possible exploitation pédagogique : La peinture ci-dessus est issue du mouvement fauviste. Vous pouvez découvrir avec votre classe comment la taille et la forme des coups de pinceau affectent notre façon de voir et de nous concentrer sur des aspects spécifiques de la peinture.

Œuvre d’art #9 Terrasse du café le soir, Vincent van Gogh, 1888

• Rapport au thème : Cette peinture est une signature clé de Van Gogh et de son utilisation des couleurs. Il utilise un fort contraste (sombre à l’arrière-plan, plus clair au premier plan) ainsi que des couleurs complémentaires (ciel bleu et café jaune), ce qui crée un sens de la perspective, de la ligne, de la profondeur et de la composition tout à fait unique.
• Courte description : Le tableau est une œuvre pittoresque. Il donne l’impression de se promener dans une rue du sud de la France la nuit, en passant devant des cafés et des gens qui se prélassent. Il s’agit d’un vrai café, situé à Arles. Lors de la création de cette œuvre, Van Gogh a déclaré : « La nuit est plus vivante et plus richement colorée que le jour”.
• Emplacement et dimension européenne : Dans ce tableau, van Gogh a utilisé pour la première fois sa signature, les « tourbillons bleus et jaunes », pour peindre un ciel nocturne et étoilé. Pour représenter la nuit, il n’a pas utilisé une seule touche de noir, mais une large gamme de ses couleurs.

L’œuvre est aujourd’hui exposée au musée Kröller-Müller, aux Pays-Bas.

• Possible exploitation pédagogique : Vous pouvez explorer comment la lumière a été créée en utilisant des tons plus chauds, tout en créant de la profondeur avec des couleurs plus sombres et plus intenses. Vous pouvez également profiter de ce moment pour explorer le ciel et présenter une peinture plus célèbre : La nuit étoilée.

Œuvre d’art #10 Le Vieux guitariste, Pablo Picasso, 1903

Cette oeuvre est sous copyright et par conséquent ne peut pas être utilisée dans ce dossier. L’oeuvre originale peut être vue à l’Art Institute of Chicago in Chicago, USA.

• Rapport au thème : Cette peinture est une bonne représentation d’une peinture monochromatique (une technique où les images sont composées d’une seule couleur ou valeur), avec un ton unique plus clair. Sa peinture semble refléter son expérience de la pauvreté et de l’instabilité relatives, en représentant des mendiants, des vagabonds des rues, des personnes âgées et fragiles et des aveugles. Cette technique monochrome donne à la peinture un style très plat, en 2D. Elle dégage un sentiment de mélancolie, de tristesse et de tragédie.
• Courte description : Le tableau représente un vieil homme, dans les rues de Barcelone, en Espagne, dans des vêtements rudes et un comportement pauvre. Il semble entre la vie et la mort. La guitare, qui est le point central du tableau en raison de son ton plus clair, représente le monde du guitariste et son seul espoir de survie.
• Emplacement et dimension européenne : La période bleue de Picasso fait partie de ses œuvres les plus célèbres. Elle est aussi une parfaite représentation de la signification des couleurs. En effet, Picasso, après avoir appris la mort d’un ami proche, est entré dans une phase de dépression, qui a conduit à sa période bleue. Comme mentionné dans ce dossier, le bleu est souvent une couleur associée à la tristesse.

Le tableau est actuellement exposé à l’Art Institute of Chicago, aux États-Unis.

• Possible exploitation pédagogique : Picasso a eu de nombreuses périodes et différentes phases dans sa carrière. Utilisez cette peinture pour explorer sa période bleue et la comparer à une autre (rose, cubisme, etc.). Essayez de trouver des thèmes communs aux deux styles et explorez les différences !

Activités pratiques

Activité 1

Intitulé de l’activité

Dessine-moi un océan

Objectifs

Comprendre le rôle des couleurs pour créer de la profondeur en utilisant les couleurs.

Matériel

• Pinceaux
• Un choix de peintures (acryliques, aquarelles, huiles, etc.)
• Une palette

Si le matériel de peinture n’est pas disponible, les apprenants peuvent également utiliser des crayons de couleur.

• Un exemplaire imprimé de ce paysage :

Gallery & Templates • Concepts App • Infinite, Flexible sketching

Phase préparatoire pour les éducateurs/médiateurs

Expliquez à vos élèves le contenu de ce dossier pédagogique, et comment les couleurs peuvent être utilisées pour créer de la profondeur.

Présentez-leur le rôle des couleurs chaudes et froides, ainsi que les tons spécifiques qu’ils peuvent utiliser.

Rappelez-leur que la perspective des couleurs stipule que les teintes les plus chaudes de jaune et de vert s’estompent dans l’atmosphère bleue au loin.

Développement

Commencez par dire à vos apprenants qu’ils vont devoir créer de la profondeur et une perspective atmosphérique en utilisant des couleurs. Ne leur montrez pas tout de suite l’image du paysage et du coucher de soleil.

Commencez par travailler sur une palette. Vous pouvez soit leur donner quelques couleurs au choix (bleu, jaune, rouge) pour qu’ils créent leurs propres tons de couleurs en utilisant les couleurs primaires, soit préparer déjà avec eux une palette de couleurs plus complète. Cela dépendra de leur niveau et de leurs compétences.

Ensuite, présentez les différents types d’ombrage qui peuvent avoir lieu. Utilisez des couleurs plus sombres pour le rocher à l’avant, et des couleurs plus claires et plus floues pour l’arrière-plan. Là encore, faites-le en fonction du niveau de votre apprenant.

Demandez-leur ensuite de colorier le paysage en utilisant des couleurs chaudes sur le bord le plus proche et des couleurs froides près de la ligne horizontale.

Copies à distribuer ou fiches pratiques

You will find the landscape template here.

Activité 2

Intitulé de l’activité

Chasse au trésor

Objectifs

Aider les élèves à rechercher et à chercher une peinture en utilisant leurs connaissances de la théorie des couleurs.

Matériel

• Un accès à Internet
• Un ordinateur, un smartphone ou une tablette La galerie Team of Art Un projecteur
• La galerie Team of Art
• Un projecteur

Phase préparatoire pour les éducateurs/médiateurs

Cet exercice est destiné à développer l’esprit critique de l’apprenant en ce qui concerne les couleurs et la profondeur. Les éducateurs doivent se préparer à recevoir différentes opinions et à mener une discussion. Il n’y a pas de préparation physique.

Développement

Choisissez dans la galerie une série de tableaux aux couleurs vives et à l’impression de profondeur. Selon la taille de votre classe, vous pouvez en choisir entre 8 et 10.

Projetez-les au tableau si vous le pouvez ou demandez aux apprenants de les consulter sur leur propre ordinateur. Divisez votre classe en groupes de 2 ou 3, pour permettre la collaboration.

Demandez-leur ensuite d’identifier certains éléments de ces tableaux :

• Pouvez-vous identifier les techniques utilisées pour créer des illusions d’optique de profondeur et de lumière ?
• Quels tableaux présentent les ajustements les plus subtils entre les nuances ?
• Quelles peintures ont un contraste plus élevé ?
• Comment décrivez-vous l’effet que chaque image produit sur votre œil ?

Ensuite, lancez la discussion avec l’ensemble du groupe. Quels apprenants ont eu des réponses similaires ? Les réponses étaient-elles unanimes au sein du groupe ? Qui avait des opinions divergentes ?

Une fois la conversation terminée, ouvrez également l’exercice aux galeries extérieures. Vous trouverez des liens vers différentes ressources sur le site de Team of Art.

Demandez à vos apprenants, toujours en groupes, de trouver différentes images :

• Une peinture à fort contraste.
• Une peinture à faible contraste.
• Une image d’une peinture avec des couleurs de valeurs très contrastées.
• Une image d’une peinture avec des couleurs de valeur similaire.
• Une peinture dans laquelle le niveau de contraste de valeur affecte l’humeur de l’image.
• Une peinture dans laquelle le contraste de valeur crée une texture.
• Une peinture dans laquelle le contraste de valeur met l’accent sur le point central de l’image.
• …

Enfin, en fonction du niveau de votre apprenant, vous pouvez créer un atelier d’analyse. En utilisant des questions d’analyse d’art telles que celles proposées ici : « Analyse d’une œuvre d’art« , choisissez une ou deux peintures ayant une grande importance et une grande signification pour analyser l’œuvre d’art.

Copies à distribuer ou fiches pratiques

Référez-vous aux fiches pratiques basées sur :

• Éléments d’analyse de l’art
• Comment repérer l’art en dehors des musées et des centres culturels ?
• Apprécier et comprendre la valeur de l’art
• Comment utiliser Europeana?