Въведение

В този документ ще представим ролята на цветовете в произведенията на изкуството, ще представим концепцията за теорията на цветовете и ролята на цветовете в създаването на усещане за дълбочина и перспектива. За да направим това, в тематичния раздел на този документ първо ще разгледаме произхода на цветовете, след което ще предоставим изчерпателна информация относно теорията на цветовете, като въведем понятия като нюанс, стойност, цветност, контраст и други. И накрая, ще представим различните методи, при които цветовете могат да се използват за създаване на дълбочина.

След това, във втората част на този документ, ще предоставим поредица от примери за произведения на изкуството, използващи тези техники, както и две подробни дейности, за да покажем как вашите обучаеми да се запознят лесно с представените различни концепции.

Целите на настоящото съдържание са:

• да разберем как очите ни виждат цветовете,
• да дефинираме какво е теория на цветовете,
• да научете специфични техники и термини, свързани с цветовете,
• да се разбере как гореспоменатите точки са оформили живописта през историята,
• да откриете значението на цветовете в определена ситуация,
• да се разбере как се използва цвета за създаване на дълбочина,
• практически насоки как да използвате цветовете, за да създадете усещане за дълбочина.

Тема

Естество на темата

Какво е цвят? Какво е дълбочина? Това са въпроси, на които може да има лесен отговор, но които стават изключително важни в областта на изкуството.

Теоретично, цветът се определя като „аспектът на нещата, който е причинен от различни качества на светлината, която се отразява или излъчва от тях. За да видите цвят, трябва да имате светлина. Когато светлината свети върху обекта, някои цветове отскачат от него, а други се поглъщат от него. Но цветът е нещо повече от светлина и нейното отражение, той е основното средство на художника да изразява себе си, да споделя своите вярвания или да предава послания. Художниците използват знанията си за цвета, за да изобразят настроение, светлина, дълбочина и гледна точка в произведение на изкуството.

Цветовете притежават 3 основни свойства

• Отенък: отенъкът се отнася до самия цвят. Той е различен от всеки друг цвят и представлява името, което даваме на този цвят, като синьо, жълто и индигo
• Стойност (светлина): Стойността (или лекотата) е тъмнината или светлината на оттенъка. Когато нюансите се смесват с бяло, полученият цвят ще има по-светла стойност – оттенък. Когато нюансите се смесват с черния цвят, те имат по-тъмна стойност, наречена сянка. Многото стойности на оттенъка могат да бъдат показани на градиентен спектър, наподобяващ образци от боя.

• Яркост- Наситеност: Яркостта на цвета се отнася до чистотата на цвета. Яркостта е свързана с наситеността, като цветовете с висока наситеност изглеждат по-ярки, а цветовете с ниска наситеност изглеждат по-тъмни.

Теория на цветовете

За да овладее напълно използването на цветовете, художникът трябва да разбере основите на теорията на цветовете; набор от насоки за смесване, комбиниране и манипулиране на цветовия спектър.

Теорията за цветовете датира от Античността и се е развила с течение на времето. От учението на Аристотел за това как смесването на цветовете може да създаде други, до теорията на Исак Нютон за цветовете и ролята на основните цветове, по тази тема има сериозни изследвания и дебати.

Tеорията на цветовете, която е най-широко използвана днес, се основава на основното правило, че три цвята не могат да бъдат направени чрез смесване на други цветове. Тези три цвята са червен, син и жълт и се считат за основни. Когато се смесят, тези три основни цвята могат да образуват много други цветове.

Вторичните цветове са резултат от смесването на два основни цвята. В традиционния цветови модел трите вторични цвята са зелено (жълто плюс синьо), оранжево (жълто плюс червено) и лилаво (червено плюс синьо).

След това третичните цветове са комбинацията от един основен цвят с един вторичен цвят. В традиционното цветово колело има шест третични цвята: магента (червено-лилаво), вермилион (червено-оранжево), кехлибар (жълто-оранжево), шартрез (жълто-зелено), синьо-зелено (синьо-зелено) и виолетово (синьо -лилаво).

Създаване на контраст с цветовете

Докато цветовете задават различни тонове и могат да създадат различен контраст, има някои теории, които помагат да се създаде по-хармонична картина.

Допълнителните цветове са цветове, които седят един срещу друг на цветово колело. Допълнителните цветови схеми включват синьо с оранжево, червено със зелено и жълто с лилаво. Допълнителните цветове ще контрастират значително.

Например в Импресия, Изгряващо слънце на Клод Моне (1872), малко оранжево слънце и малко оранжева светлина се отразяват върху облаците и водата в центъра на мъглив син пейзаж. Тази картина с поразителното си използване на допълващите се цветове оранжево и синьо е перфектен пример за допълване.

Синьото и оранжевото са много популярна комбинация от цветове за импресионистите. Те са изучавали теорията на цветовете и са знаели, че оранжевото, поставено до синьото, прави и двата цвята много по-ярки. Огюст Реноар рисува лодки с ивици хромирана оранжева боя направо от тръбата. Пол Сезан използва оранжево, направено от нотки на жълто, червено и охра на син фон.

Винсент Ван Гог особено цени тази техника; той дори създава свои собствени оранжеви тоново със смеси от жълто, охра и червено. По-долу е Сеячът, 1888 от Винсент Ван Гог.

Докато допълнителните цветове се намират на противоположната страна на цветовия спектър, аналогичните цветове седят един до друг в цветовото колело. Те включват жълто, съчетано с шартрез и зелено; червено с вермилион и оранжево; и синьо с тила и виолетово. Трите цвята във всяко сдвояване споделят общ нюанс, така че да изглежа че съвпадат.

В картината по-долу, Водни лилии (1904) от Клод Моне, можете да видите използването на аналогични цветове при използването на зелено, светло зелено, светло синьо и нотки на лилаво и др.

Цветна температура:

За да разберете как дълбочината може да бъде създадена от цветовете, е важно да разберете и различните температури, които цветовете могат да приемат. Температурата се отнася до топлината, която съдържа един цвят. Тези цветове обикновено се идентифицират като топли или студени цветове.

Художниците обикновено разделят цветното колело на две по средата. Така че червените, оранжевите и жълтите обикновено се считат за топли цветове, а синьото и зеленото обикновено се считат за студени цветове.

Използвайки картини, ето примери за топли и по-хладни тонове.

Топли цветове: червено, жълто, оранжево и подобни.

Студени цветове: синьо, зелено, лилаво и подобни тонове

Цвят и дълбочина:

Има много методи, които художниците могат да използват, за да създадат дълбочина в рисуването. В зависимост от периода, стила и техниките на художника, създаването на усещане за дълбочина и перспектива може значително да варира от една картина до друга.

И така, какво е дълбочина?

В изкуството дълбочината се отнася до възприеманото разстояние между фона и предния план на композицията. Може да се сравни със създаването на илюзията за триизмерно пространство върху двуизмерно платно. Има широка гама от инструменти като перспектива, линии, цветове и засенчване, които могат да създадат илюзията за пространство и да добавят слой реалност.

Следователно, как художниците създават усещането за дълбочина и перспектива, използвайки цветове? Теорията се основава на идеята, че топлите цветове се появяват по-близо до зрителя, докато студените цветове се появяват по-далеч. Обратното също е вярно на бял фон.

Това е така, защото дължините на вълните на топлите цветове са по-дълги, така че очите ви ги виждат по-рано от по-късите дължини на вълните на по-хладните цветове.

Тази техника се нарича още атмосферна перспектива или въздушна перспектива. Този процес използва промяна на стойността (тона), за да създаде усещането за дълбочина. С други думи:

• Тъй като обектите се отдалечават от зрителя: стойностите стават по-малко контрастни, цветовете стават по-слаби и по-хладни, а детайлите стават по-малко отчетливи.
• Когато обектите се приближават напред и по-близо до зрителя: стойностите имат повече контраст, цветовете стават по-силни и по-топли, а детайлите стават по-отчетливи.

За да създадете този тип перспектива, цветовете трябва да бъдат модифицирани от хроматични интензитети, описания на ръбовете, видове и детайли на четката и размера на цветните докосвания в изображението.

Хроматичен интензитет

Степените на хроматичен интензитет (или яркост на цвета) може да предизвика визуално издигане или отдръпване на областите спрямо други цветни зони. Цветовете, които са по-сиви, ще се отдалечат оптически до цветовете, които са по-малко сиви. По-хладните цветове са склонни да се оттеглят до тези, които са по-топли. Цветни смеси, които имат повече бял пигмент в тях, ще изглеждат все едно се оттеглят до цветове, които са по-чисти и така имат по-малко бял пигмент в тях. На картината по-долу, Размисли в езерото Джордж 1921 от Джорджия О’Кийф, можете да видите, че по-ярките цветове изглеждат силни и светли, докато по-бледите тонове се отдръпват и създават усещане за дълбочина, тъй като цветовете стават все по-светли и по-светли на хоризонта.

This artwork is a Property from the Collection of J.E. Safra, therefore it cannot be used in this dossier.

Крайни връзки

Ръбовете на цветен щрих или цветен обект ще излязат по-добре, ако ръбовете са по-остри и по-ясни от тези около тях.

Общата концепция е, че: по-острите, по-ясните, по-определените щрихи, цветове или белези се появяват напред, докато по-меките, по-малко дефинирани щрихи , тези с по-меки очертания се отдръпват в сравнение с предните. Ако някой комбинира това с цвят, може да се каже, че цветовете, които имат по-остри ръбове и по-ясни щрихи, излизат по-напред в сравнение с тези, които имат по-меки ръбове и по-малко ясни щрихи. На картината по-долу, Скитник над морето от мъгла, 1818 г. от Каспар Давид Фридрих, тъмната и твърда скала излиза с по-силен интензитет от неуловимите и меки сиви и сини скали на заден план. Връзката на ръба между преден план и фон създава силно усещане за дълбочина.

Мащаб и форма:

По-големите цветни щрихи обикновено излизат повече визуално в сравнение с по-малките. Цветните области, които имат по-ясни, смели форми и размери, ще доближат предния план до зрителя, докато по-малките, по-меки ще изглеждат отдалечени. Тези концепции са особено ценни, когато художникът иска силен и ясно дефиниран преден план, среден план и фон.

Исторически контекст – кратка история на цветовете

За първи път цветовете са смесени чрез използване на много естествени пигменти – комбинация от почва, животинска мазнина, изгорени въглени и тебешир – още преди 40 000 години, създавайки основна палитра от пет цвята: червено, жълто, кафяво, черно и бяло. Оттогава, от Ренесанса до импресионизма, цветовете се развиват чрез изследвания или научни открития и създават нови и никога невиждани цветове.

Червеното е един от най-старите цветове. Намерена в богата на желязо почва, червената охра е един от най-старите пигменти, използвани в праисторическите пещери. По-късно, през 16-ти и 17-ти век, насекомото (кохинила) е използвано за създаване на червено багрило.

Синьото е бил един от най-скъпите цветове, тъй като скъпоценният камък, от който е идвал, можеше да се намери само в една планинска верига в Афганистан. Считан за скъпоценен материал, цената на този скъпоценен камък (Lapis lazuli) е била подобна на тази на златото. Едва през 50-те години на миналия век е създадена синтетична версия на ултрамарин синьо и цветът става по-достъпен в използването му.

Жълтото не е много популярен цвят в класическата живопис. Художници като J.M.W. Търнър и Винсент ван Гог са едни от малкото художници, които прегръщат цвета. J.M.W. Търнър често е критикуван за използването му на жълто, казвайки, че картините му „са били засегнати от жълтеница“.

Зелените пигменти, макар и използвани за предизвикване на природата и пролетта, са едни от най-отровните в историята. Изпълнен с арсен, Sheele’s Green, ярко зеленото, веднага става популярен във викторианската епоха, въпреки своята опасност. По-късно Paris Green, по-трайна алтернатива, използваща родентицид и инсектицид, е използвана от Клод Моне, Пол Сезан и Пиер-Огюст Реноар. Цветът все още е силно токсичен и може да се смята, че е отговорен за диабета на Сезан и слепотата на Моне.

Лилавото е особено популярно за импресионисти като Клод Моне. Веднъж той казва: „Най-накрая открих истинския цвят на атмосферата. виолетово е. Свежият въздух е виолетов”.

Cоциален и културен контекст – значението на цветовете

Цветовата символика в изкуството се отнася до използването на цвета като символ в различни култури. Съществува голямо разнообразие в използването на цветовете и техните асоциации между културите и дори в рамките на една и съща култура в различни периоди от време.

Червеното често се свързва с любов и страст. Може също да бъде свързано с опасност и предупреждение (помислете за етикети, знаци за спиране, червени светлини и т.н.). Червеното може да има физически ефект върху хората, повишавайки кръвното налягане и дишането.

Оранжевото е много жив и енергичен цвят. В приглушените си форми може да се асоциира със земята и с есента. Поради връзката си със смяната на сезоните, оранжевото може да представлява промяна и движението като цяло. Оранжевото също е силно свързано с творчеството.

Жълтото често се смята за най-яркия и най-енергизиращ от топлите цветове. Свързва се с щастие и слънце. Във Франция жълтото също може да бъде свързано с измама и страхливост.

Зеленото е много земен цвят. Може да представлява ново начало и растеж. Също така означава обновяване и изобилие. Като алтернатива, зеленото може също да представлява завист или ревност и липса на опит.

Синьото често се свързва с тъга в английската култура. Синьото също се използва широко, за да представи спокойствие и отговорност. Светло синьото може да бъде освежаващо и приятелско. Тъмно сините тонове са по-силни и по-надеждни. Синьото също се свързва с мир и има духовни и религиозни конотации в много култури и традиции.

Лилавото е комбинация от червено и синьо и придобива някои атрибути и от двете. Свързано е и с творчеството и въображението. Боите, използвани за създаване на лилави нюанси, са извлечени от охлюви и са много скъпи, така че само кралските особи и много богатите могат да си ги позволят.

Педагогически подход

Разбирането на цвета и дълбочината е важно за разбирането на изкуството като цяло. С цветовете художниците са в състояние да предадат смисъл, да изпращат послания до публиката си и да създават чувства и емоции. Използвайки цветовете за създаване на дълбочина, те са в състояние да вдъхнат живот на двуизмерни образи и да насочат окото на обучаемия да види детайли, да разбере перспективата и да почувства повече.

Защо тази тема е подходяща за възрастните обучаеми?

Тази тема е особено актуална за възрастните обучаеми, тъй като теорията на цветовете е сложен и добре проектиран процес, който може да бъде анализиран чрез повечето картини. Във всеки музей, изложба или арт център художниците са използвали някаква цветова схема, за да създадат дълбочина.

Какви са резултатите от обучението от въвеждането на тази художествена тема в образователна дейност?

Цветовете играят решаваща роля за създаване на атмосфера, изразяване на чувство, показване на изражение и др. Цветовете са най-добрите инструменти, чрез които художниците трябва да предадат своето послание. Следователно, разбирането на теориите и техниките зад използването на тези цветове е важно, за да се разбере картината като цяло

Как да го направим: стратегии, инструменти и техники.

Обучаемите могат да подходят към теорията на цветовете и дълбочината чрез различни инструменти, независимо дали става дума за анализ на известни картини, или като сами работят с цветова палитра.

Произведения на изкуството

Картина #1 Смъртта на Германик, Никола Пусен, 1627 г.

• Позицията-връзка с темата: Тази картина използва основните цветове от цветното колело. Забележете силното присъствие на синьо, червено и жълто, които се открояват в сравнение с по-бледите и по-тъмни тонове на кожата и белите.
• Кратко описание: Картината представя младия римски генерал Германик на смъртното си легло, след като е бил отровен от император Тиберий. Сцената показва как Германик моли приятелите си да отмъстят за него, докато жена му скърби. Това е символ на героизъм и достойнство.
• Местоположение и европейско измерение: Картината се намира в Минеаполския институт по изкуствата, Минеаполис, Минесота, САЩ. Това е първата голяма историческа картина на Никола Пусен пресъздаваща сцена на смъртта. Композицията с фигури, събрани близо до предната част, се базира на релефи от римски саркофаг. Пусен прекарва много време в Рим, където развива класически стил, който оказва силно влияние както на италианското, така и на френското изкуство по-късно.
• Възможно ползване за образователни цели: Смъртта на Германик е доста стара картина; тя датира от 1627 г. Може да бъде интересно да се види дали цветовете, особено синьото, имат някакво специално значение в представянето на картината. Различните цветове представят ли различни армии? Можете да представите значението на синьото на обучаемите, за да разберат повече за силовата структура в картината.

Картина #2 Зелената ивица, Анри Матис, 1905 г

 

• Позицията-връзка с темата: Тази картина показва използването на допълващи се цветове (червен и зелен) от цветното колело.
• Кратко описание: Картината е портрет на съпругата на Матис, Амели Ноели Матис-Парайр. Това е маслена картина върху платно и е наречена Зелената ивица заради линията, която разделя лицето й на две. Mатис имал за цел да създаде усещане за светлина, сянка и обем, без да използва традиционното засенчване.
• Местоположение и европейско измерение: Картината на Анри Матис е била шокираща за времето, когато е създадена, тъй като нарушава стереотипите. Произведения като това поставят началото на движение, наречено „Les Fauves“ (дивите зверове). Фовизмът набляга на силните цветове пред реалистичните величини. Картината се намира в Копенхаген, в музея Statens Museum for Kunst.
• Възможно ползване за образователни цели: Цветовете са били от първостепенно значение за фовистите. Разгледайте с обучаемите как те са използвали цветовете, за да се разграничат от по-традиционните стилове на техните предшественици-импресионистите.

Картина #3 Импресия Изгряващо слънце от Клод Моне, 1872 г

• Позицията-връзка с темата: Картината на Моне използва допълващи се цветове синьо и оранжево, за да покаже пейзажа. Той също използва интересни техники с меки кантове и въздушна перспектива, за да създаде дълбочина.
• Кратко описание: Импресия, Изгряващо Слънце е създадена от сцена на пристанището на Льо Хавър. Моне изобразява мъгла, която осигурява замъглен фон на основния акцент във френското пристанище [1]. Оранжевите и жълтите нюанси контрастират добре с тъмните лодки, където малко детайли могат да бъдат забелязани , ако изобщо се забелязват от зрителите.
• Местоположение и европейско измерение: Картината Импресия Изгряващо Слънце  е показана за първи път на шоу, което се превръща в „Изложба на импресионистите“. Първоначално терминът импресионист е използван  с омаловажителна нотка, но Моне и неговите колеги приемат термина като име и своеобразен флаг на движението. Сега картината се намира в Musée Marmottan Monet в Париж.
• Възможно ползване за образователни цели: Картината показана по-горе е доста важна от историческа гледна точка. Смята се за първото представяне на стила на „импресионистите“ ,на който се основава и името на движението. Можете да изследвате заедно с обучаемите как е била приета картината навремето и как е вдъхновила художниците да възприемат подобни техники за рисуване.

Kaртина #4 Жена с жълта коса (Femme aux cheveux jaunes), Пабло Пикасо, 1931 г.

This artwork is under a copyright, owned by ©The Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York, and therefore cannot be used in this dossier. The original artwork can be seen in the Guggenheim Museum in New York, USA.

• Позицията-връзка с темата: Тази картина е представяне на допълващи се цветове лилаво и жълто, както и зелено и червено.
• Кратко описание: Тази картина на Пикасо представлява портрет на неговата тайна любовница Мари-Терез Валтер. Тя е била блондинка и дълги години е и музата на Пикасо.
• Местоположение и европейско измерение: Стилът на Пикасо се променя между 1925-30 г., от края на кубизма, изкуството на Пикасо еволюира в по-чувствен, биоморфен стил, който се прославя и в изображението на неговата любовница. Той е искал да представи сладострастното й тяло и коси  точно с тази картина. Начинът, по който той оформя лицето й, също се превъща в подпис на по-късните му произведения на изкуството, проявяващи се в скулптура, щампи и др.

Понастоящем картината е изложена в музея на Соломон Р. Гугенхайм, Ню Йорк, САЩ

• Възможно ползване за образователни цели: Предишната фаза на Пикасо е добре познатата фаза на кубизма. Можете да откриете с учениците си големите разлики между правите, почти строги цветове и форми, които той е използвал преди, в сравнение с телесната, мека и заоблена форма, която вдъхновява картината по-горе.

Картина #5 Маслиновите дървета, Винсент Ван Гог, 1889 г

• Позицията-връзка с темата: Тази картина използва техниката на аналогични цветове (синьо, зелено и т.н.), застанали един до друг на цветното колело.
• Кратко описание: Картината представя полета от маслинови дървета в района на Сен Реми в Южна Франция. За Ван Гог те имат специално значение, тъй като представляват живота, божественото и цикъла на живота.
• Местоположение и европейско измерение: Преди поредицата от маслинови дървета работата на Ван Гог е била по-скучна и по-тъмна. След като се среща с художници като Дега и Сьора, които са използвали много фино технологията на цветовете, самият Ван Гог започва да затрупва картината си с цветове до такава степен, че да я нарича понякога „експресионизъм“.

Картината сега е изложена в Музея на модерното изкуство, Ню Йорк, САЩ

• Възможно ползване за образователни цели: Има поне 15 картини на маслинови дървета, направени от Ван Гог през този му период. Разгледайте някои от най-известните, открийте как престоят му във Франция оформя стила му и научете повече за уникалните му техники.

Картина #6 Момичето с перлената обица, Йоханес Вермеер, 1665 г

• Позицията-връзка с темата: Момичето с перлената обица е шедьовър от цвят, дълбочина и интимност. С използването на тъмен фон обектът се откроява ясно, докато използването на по-светли цветове за лицето й контрастира с по-тъмния тон на останалата част. Червен, топъл цвят е използван само на устните, което допълнително привлича вниманието към лицето и мистериозния й вид.
• Кратко описание: Картината на Вермеер е трони (изследване на характера, а не строг портрет) на младо момиче. Не знаем кое е момичето, но той й придава „екзотичен“ вид с помощта на забрадка, моден артикул, който не се използва често в Холандия по това време.
• Местоположение и европейско измерение: Произведението на изкуството е обстойно проувано през годините. През 1994 г. беше открито, че фонът първоначално е бил тъмно зелен, а не черен. През 2018 г., докато мнозина предполагаха, че момичето е измислица на въображението на твореца, проучването показа, че той е рисувал истински човек. Момичето с перлената обица също повлиява върху много културни течения от филми до улично изкуство.

Картината е изложена в Mauritshuis, Хага, Нидерландия.

• Възможно ползване за образователни цели: Вермеер притежава уникален стил, тъй като не е реализирал много на брой от неговата живопис. Можете да сравните този трони с неговия начин на живот и жанрова живопис, за да се запознаете с пълния му набор от произведения на изкуството.

Картина #7 Упадъкът на картагенската империя, J.M.W Turner, 1817

• Позицията-връзка с темата: Използването на топли цветове за създаване на впечатление за залязващо слънце е представено много деликатно. Освен това, използването на по-хладни тонове, намаляващи оттенъка от ъглите към вътрешността, помага да се създаде това усещане. Градът е в нюанси на оранжево, които се допълват със синьото. Техниката на използване на по-тъмен цвят на преден план и по-ярки цветове на заден план също засилва усещането за дълбочина.
• Кратко описание: Тази картина представя упадъка на Северноафриканската империя, Картаген, която е била най-мощната империя преди възхода на древен Рим. Упадъкът се символизира от залязващото слънце, което Търнър вижда като неизбежно.
• Местоположение и европейско измерение: Търнър вероятно е един от най-плодотворните британски художници на своето време. Неговото ползване на цветове, светлина и атмосфера е добре известно. За това произведение на изкуството Търнър използва техники от „Старите майстори“, особено от един, Клод Лорен. Той толкова обича работата на Клод Лорен, че моли картината да бъде окачена близо до някои от произведенията на неговия връстник, след като той умре.

Картината сега се намира в музея Тейт, Лондон, Великобритания.

• Възможно ползване за образователни цели: Можете да изследвате как Търнър е използвал по-притъмнени, по-светли и по-меки тонове, за да създаде красиво усещане за дълбочина на фона, когато слънцето залязва. Той използва различни техники, като цветови контраст, хроматичен интензитет и връзка на ръбовете.

Картина #8 Мост Чаринг Крос, Андре Дерен, 1906 г

• Позицията-връзка с темата: Тази картина използва някои силно наситени цветове, както и допълнителни цветови техники.
• Кратко описание: Андре Дерен рисува моста Чаринг Крос през зимата, известен мост в Лондон, Англия. Картината показва река Темза, както и Лъвската пивоварна (вляво).
• Местоположение и европейско измерение: Дерен е ключова фигура в движението на фовизма, което използва силни цветове и силно наситени изображения като него основен подпис (в допълнение към смелите щрихи). Картините на фовистите са смели и изпълнени с въображение. Те не използват стандартите на художниците по това време.

Сега картината е изложена в Националната художествена галерия, Вашингтон, САЩ.

• Възможно ползване за образователни цели: Картината по-горе е представител на движението фовизъм. Можете да откриете с вашия клас как размерът и формата на щрихите на четката влияят върху начина, по който виждаме и се фокусираме върху конкретни аспекти на картината.

Kартина #9 Кафене Тераса през нощта, Винсент ван Гог, 1888 г

• Позицията-връзка с темата: Тази картина е ключова в творчеството на Ван Гог и неговото използване на цветове. Той използва силен контраст (тъмна на заден план, по-светла на преден план) и допълващи се цветове (Синьо небе и жълто кафене), което създава усещане за перспектива, линия, дълбочина и композиция,която е уникална.
• Кратко описание: Картината е произведение на живопистта. Създава впечатление, че се разхождате по улица в Южна Франция през нощта, докато минавате покрай кафенета и релаксиращи хора. Кафенето е истинско, намира се в Арл. Когато създава това произведение, Ван Гог е казал: „Нощта е по-жива и по-богато оцветена от деня“.
• Местоположение и европейско измерение: В тази картина Ван Гог използва за първи път своя подпис „сини и жълти завихряния“, за да пресъздаде нощното и звездно небе. За да изобрази нощта, той не използва нито едно докосване с черно, а вместо това използва широка гама от цветове.

Сега е изложена в музея Kröller-Müller в Нидерландия

• Възможно ползване за образователни цели: Можете да изследвате как светлината е пресъздадена с помощта на по-топли тонове, като същевременно се създава дълбочина с по-тъмни и по-интензивни цветове. Можете също да използвате това, за да изследвате небето и да запознаете обучаемите с една още по-известна картина, а именно- Звездната нощ.

Картина #10 Старият китарист, Пабло Пикасо, 1903 г

This artwork is under a copyright and therefore cannot be used in this dossier. The original artwork can be seen in the Art Institute of Chicago in Chicago, USA.

• Позицията-връзка с темата: Тази картина е страхотно представяне на монохроматична картина (техника, при която изображенията са съставени от един цвят), с уникален по-светъл тон. Картината му сякаш отразява преживяването и усещането за бедност и нестабилност, изобразявайки просяк, старост, крехкост и слепота. Тази монохроматична техника създава много плосък, 2D стил на картината. Издава чувство на меланхолия, тъга и трагедия.
• Кратко описание: Картината представя старец по улиците на Барселона, Испания, в грубо облекло и лошо състояние на духа. Той изглежда се рее между живота и смъртта. Китарата, централният фокус на картината заради по-яркия си тон, представя света на китариста и единствената му надежда за оцеляване.
• Местоположение и европейско измерение: Синият период на Пикасо е един от най-известните му трудове. Също така е перфектно представяне на значението на цветовете. В действителност, Пикасо, след като научил за смъртта на негов близък приятел, навлиза във фаза на депресия, която води и до неговия син период. Както споменахме по-горе, синьото е цвят, свързван с тъгата.

Картината сега е изложена в Института по изкуствата в Чикаго, САЩ.

• Възможно ползване за образователни цели: Пикасо има много периоди и различни фази, през които преминава в кариерата си. Използвайте тази картина, за да изследвате неговия син период и я сравнете с друга (розово, например кубизъм и т.н.). Опитайте се да намерите общи теми в двата стила и проучете разликите!

Разгледайте произведенията на изкуството в картата!

Практически дейности

Дейност 1

Име на дейността

Нарисувай ми океан

Цели

Да разберем ролята на цветовете в създаването на дълбочина чрез тях.

Maтериали

• Четки за рисуване
• Избор на бои (акрил, акварел, маслени и др.)
• Палитра

Ако материалите за рисуване не са налични, обучаемите могат да използват и цветни моливи.

• Разпечатано копие на този пейзаж:

Gallery & Templates • Concepts App • Infinite, Flexible sketching

Подготвителен етап за обучители /медиатори

Обяснете на вашите обучаеми съдържанието на това педагогическо досие и как цветовете могат да се използват за създаване на дълбочина.

Запознайте ги с ролята на топлите и студените цветове, както и със специфичните тонове, които могат да използват.

Напомнете им, че цветовата перспектива гласи, че най-топлите нюанси на жълто и зелено избледняват в синьото в далечината.

Развитие

Започнете, като кажете на обучаемите си, че ще трябва да създадат дълбочина и перспектива, използвайки цветове. Не им показвайте веднага образа на пейзажа и залеза.

Започнете с работа върху палитрата. Можете или да им дадете няколко цвята, от които да избират (синьо, жълто, червено), за да създадат свои собствени цветове, използвайки основни цветове, или можете да подготвите по-пълна цветова палитра с тях. Това зависи от тяхното ниво и умения.

След това представете различните видове засенчване, които могат да се направят. Представете използването на по-тъмни цветове за скалата отпред и по-светли, по-размити цветове за фона. Отново, направете това в зависимост от нивото на вашите обучаеми.

След това ги помолете да оцветят пейзажа, като използват топли цветове в най-близкия ръб и студени цветове близо до хоризонталната линия.

Практически препратки

You will find the landscape template here.

Дейност 2

Име на дейността

Лов на съкровище

Цели

Помага на учениците да търсят картини, като използват знанията си по теория на цветовете.

Maтериали

• Достъп до интернет
• Компютър, смартфон или таблет
• Галерията на Team of Art
• Проектор

Подготвителен етап за обучители /медиатори

Това упражнение има за цел да развие уменията за критично мислене на учащия относно цветовете и дълбочината. Педагозите трябва да се подготвят за различни мнения и да водят дискусия. Няма физическа подготовка.

Развитие

Изберете серия от картини от Галерията, които имат силни цветове и усещане за дълбочина. В зависимост от размера на вашата класна стая, можете да избирате между 8 и 10.

Прожектирайте ги на дъската, ако можете, или помолете учащите да ги отворят на тяхното електронно устройство. Разделете класната си стая на групи от 2 или 3, за да има работа в екип.

След това ги помолете да идентифицират някой компонент от тези картини:

• Можете ли да идентифицирате техниките, използвани за създаване на оптични илюзии за дълбочина и светлина?
• Кои картини имат най-фините корекции между нюансите?
• Кои картини имат по-висок контраст?
• Как описвате ефекта, който всяко изображение има върху окото ?

След това направете дискусия за цялата група. Кои учащи са имали подобни отговори? Единодушни ли бяха отговорите в групата? Кой имаше различно мнение?

След като разговорът приключи, упражнението може да продължи и чрез препратки към външни галерии. Можете да намерите връзки към различни ресурси на уебсайта на Team of Art

Помолете учащите си, докато все още работят в групи, да намерят различни изображения на:

• Рисунка с висок контраст.
• Нискоконтрастна картина.
• Изображение на картина с цветове със силно контрастиращи стойности.
• Изображение на картина с цветове с подобни стойности.
• Картина, в която нивото на контраст влияе върху настроението на изображението.
• Картина, в която стойностният контраст създава текстура.
• Картина, в която стойностният контраст подчертава фокуса на изображението.
• … 

И накрая, в зависимост от нивото на вашите обучаеми, можете да създадете  семинар за анализ. Използвайте въпроси за анализ на изкуството като например тези тук: ‘Analysis Artwork’,изберете една или две значими  картини, за да анализирате произведение на изкуството.

Практически препратки

Вижте практическите листове базирани на:

• Елементи на художествения анализ
• Как да търсим изкуство извън музеите и културните центрове?
• Оценяване и разбиране на стойността на изкуството
• Как да използвате Europeana?