Introducción
En este dossier, presentaremos el papel de los colores en las obras de arte, introduciremos el concepto de teoría del color y el papel de los colores en la creación de una sensación de profundidad y perspectiva. Para ello, en la sección temática de este dossier, veremos primero los orígenes de los colores, después proporcionaremos información exhaustiva sobre la teoría del color, introduciendo conceptos como el tono, el valor, el croma y el contraste, entre otros. Por último, presentaremos los diferentes métodos en los que se pueden utilizar los colores para crear profundidad.
A continuación, en la segunda sección de este dossier, ofreceremos una serie de ejemplos de obras de arte que utilizan estas técnicas, así como dos actividades detalladas para introducir a tus alumnos en los diferentes conceptos de este dossier.
Los objetivos de este dossier son:
- descubrir cómo nuestros ojos ven los colores,
- definir qué es la teoría del color,
- aprender técnicas y términos específicos relacionados con los colores,
- comprender cómo los puntos anteriores han dado forma a la pintura a lo largo de la historia,
- descubrir el significado de los colores en determinadas situaciones,
- comprender cómo se utiliza el color para crear profundidad,
- practicar cómo utilizar el color para crear una sensación de profundidad.
El tema
La naturaleza del tema
¿Qué es el color? ¿Qué es la profundidad? Son preguntas que pueden tener una respuesta simple, pero que cobran increíble fuerza en el campo del arte.
En teoría, el color se define como «el aspecto de las cosas causado por las diferentes calidades de luz que reflejan o emiten». Para ver el color, hay que tener luz. Cuando la luz incide sobre un objeto, algunos colores rebotan en él y otros son absorbidos por él” Pero el color es más que la luz y su reflejo, es la principal herramienta de un artista para expresarse, compartir sus creencias o transmitir mensajes. Los artistas utilizan su conocimiento del color para representar el estado de ánimo, la luz, la profundidad y el punto de vista en una obra de arte.
Los colores tienen 3 propiedades principales:
- Matiz: El matiz se refiere al color en sí mismo. Es distinto de cualquier otro color y representa el nombre que le asignamos a ese color, como el azul, el amarillo y el índigo.
- Valor: El valor (o luminosidad) es la oscuridad o claridad de un matiz. Cuando los matices se mezclan con el blanco, el color resultante tendrá un valor más claro llamado tonalidades. Cuando los matices se mezclan con el color negro, tienen un valor más oscuro llamado sombras. Los distintos valores de un matiz pueden mostrarse en un espectro de gradiente que se asemeja a las muestras de pintura.
- Croma o saturación: El croma de un color se refiere a la pureza de un color. El croma está relacionado con la saturación, ya que los colores con croma alto aparecen más brillantes y los colores con croma bajo aparecen más apagados.
Teoría del color
Para dominar completamente el uso de los colores, un artista debe comprender los fundamentos de la Teoría del Color; un conjunto de pautas para mezclar, combinar y manipular el espectro de colores.
La teoría del color se remonta a la Antigüedad y ha evolucionado con el tiempo. Desde las enseñanzas de Aristóteles sobre cómo la mezcla de colores puede crear otros, hasta la teoría de los colores de Isaac Newton y el papel de los colores primarios, ha habido importantes investigaciones y debates sobre el tema.
La teoría del color más utilizada hoy en día se basa en la regla fundamental de que no se pueden hacer tres colores mezclando otros. Estos tres colores son el rojo, el azul y el amarillo, y se consideran los colores primarios. Cuando se mezclan, estos tres colores primarios pueden formar muchos otros colores.
Los colores secundarios son el resultado de la mezcla de dos colores primarios. En el modelo de color tradicional, los tres colores secundarios son el verde (amarillo más azul), el naranja (amarillo más rojo) y el morado (rojo más azul).
Entonces, Los colores terciarios son la combinación de un color primario con un color secundario. Hay seis colores terciarios en la rueda de color tradicional: magenta (rojo-púrpura), bermellón (rojo-naranja), ámbar (amarillo-naranja), chartreuse (amarillo-verde), cerceta (azul-verde) y violeta (azul-púrpura).
Crear contraste con los colores
Aunque los colores establecen diferentes tonos y pueden crear diferentes contrastes, hay algunas teorías que ayudan a crear una pintura más armoniosa.
Los colores complementarios son los que se encuentran en el lado opuesto de la rueda de colores. Los colores complementarios incluyen el azul con el naranja, el rojo con el verde y el amarillo con el morado. Los colores complementarios contrastan mucho.
Por ejemplo, en Impresión, sol naciente de Claude Monet (1872), un pequeño sol anaranjado y algo de luz naranja se reflejan en las nubes y el agua en el centro de un paisaje azul brumoso. Este cuadro, con su llamativo uso de los colores complementarios naranja y azul, es un ejemplo perfecto de complementariedad.
El azul y el naranja eran una combinación de colores muy popular entre los impresionistas. Estudiaban la teoría del color y sabían que el naranja colocado junto al azul hacía que ambos colores fueran mucho más brillantes. Auguste Renoir pintaba barcos con franjas de pintura naranja cromada directamente del tubo. Paul Cézanne utilizaba el naranja con toques de amarillo, rojo y ocre sobre un fondo azul .
Vincent van Gogh apreciaba especialmente esta técnica; incluso creó sus propias naranjas con mezclas de amarillo, ocre y rojo. A continuación, El sembrador, 1888, de Vincent Van Gogh.
Mientras que los colores complementarios se sitúan en el lado opuesto del espectro cromático, los colores análogos se sitúan uno al lado del otro en la rueda de colores. Por ejemplo, el amarillo se combina con el chartreuse y el verde; el rojo con el bermellón y el naranja; y el azul con el verde azulado y el violeta. Los tres colores de cada pareja comparten un tono común, por lo que parecen coincidir.
En el cuadro de abajo, Estanque de lirios (1904) de Claude Monet, se puede ver el uso de colores análogos y el uso de verdes, verdes claros, azules claros y toques de púrpura y más.
Temperatura de los colores
Para entender cómo se puede crear profundidad con los colores, es importante entender las diferentes temperaturas que pueden tomar los colores. La temperatura se refiere a la calidez que contiene un color. Estos colores suelen identificarse como colores cálidos o fríos.
Los artistas suelen dividir la rueda de colores en dos por la mitad. Así, los rojos, naranjas y amarillos se consideran generalmente colores cálidos, y los azules y verdes se consideran generalmente colores fríos.
A partir de los cuadros, a continuación, se muestran ejemplos de tonos cálidos y fríos.
Colores cálidos: Rojo, amarillo, naranja y tonos similares.
Colores fríos: Azul, verde, púrpura y tonos similares.
Color y profundidad
Hay muchos métodos que los artistas pueden utilizar para crear profundidad en la pintura. Dependiendo de la época, el estilo y las técnicas del artista, la creación de una sensación de profundidad y perspectiva puede variar mucho de un cuadro a otro.
Entonces, ¿qué es la profundidad?
En arte, la profundidad se refiere a la distancia percibida entre el fondo y el primer plano de una composición. Puede compararse con la creación de la ilusión de un espacio tridimensional en un lienzo bidimensional. Existe una amplia gama de herramientas como la perspectiva, las líneas, los colores y el sombreado que pueden crear la ilusión de espacio y añadir una capa de realidad.
Por lo tanto, ¿cómo crean los artistas la sensación de profundidad y perspectiva utilizando los colores? La teoría reside en la idea de que los colores cálidos parecen más cercanos al espectador, mientras que los fríos parecen más lejanos. Lo contrario también es cierto contra un fondo blanco.
Esto se debe a que las longitudes de onda de los colores cálidos son más largas, por lo que los ojos los ven antes que las longitudes de onda más cortas de los colores fríos.
Esta técnica también se denomina perspectiva atmosférica o perspectiva aérea. Este proceso utiliza la modificación del valor (tono) para crear la sensación de profundidad. En otras palabras:
- A medida que los objetos se alejan del espectador: los valores se vuelven menos contrastados, los colores se vuelven más débiles y fríos, y los detalles se vuelven menos nítidos.
- A medida que los objetos se acercan al espectador: los valores tienen más contraste, los colores se vuelven más fuertes y cálidos, y los detalles se vuelven más nítidos.
Para crear este tipo de perspectiva, los colores deben ser modificados por las intensidades cromáticas, las descripciones de los bordes, los tipos y detalles de las pinceladas y el tamaño de los toques de color en la imagen.
Intensidad cromática
Los grados de intensidad cromática (o el brillo de un color) pueden hacer que algunas zonas se adelanten o se alejen visualmente de otras zonas de color. Los colores más grises se alejan ópticamente de los colores menos grises. Los colores más fríos tienden a retroceder junto a los más cálidos. Las mezclas de colores que tienen más pigmento blanco parecerán retroceder junto a los colores que son más puros y, por tanto, tienen menos pigmento blanco. En el siguiente cuadro, Lake George Reflection, 1921 de Georgia O’Keeffe, se puede observar que los colores más brillantes parecen fuertes y luminosos, mientras que los tonos más pálidos retroceden y crean una sensación de profundidad a medida que los colores se aclaran en el horizonte.
This artwork is a Property from the Collection of J.E. Safra, therefore it cannot be used in this dossier.
Relaciones de borde
Los bordes de un trazo de color o de un objeto de color se mostrarán con mayor eficacia si los bordes son más nítidos y claros que los que los rodean.
Un concepto general es que: los trazos, colores o marcas más nítidos, claros y definidos se adelantan mientras que los trazos más suaves, menos definidos y con bordes más suaves retroceden en comparación. Si se combina esto con el color, se puede decir que los colores que tienen bordes más nítidos y trazos más claros se adelantan en comparación con los que tienen bordes más suaves y trazos menos claros. En el cuadro siguiente, Vagabundo sobre el mar de niebla, 1818, de Caspar David Friedrich, la roca oscura y sólida se presenta con mayor intensidad que los grises y azules esquivos y suaves del fondo. La relación de los bordes entre el primer plano y el fondo crea una fuerte sensación de profundidad.
Escala y forma
Los trazos de color más grandes generalmente se adelantan visualmente en comparación con los más pequeños. Las áreas de color con formas y tamaños más claros y atrevidos acercarán el primer plano al espectador, mientras que las más pequeñas y suaves parecerán retroceder en la distancia. Estos conceptos son especialmente útiles cuando el artista desea un primer plano, un segundo plano y un fondo fuertes y claramente definidos.
Contexto histórico: breve historia de los colores
Los colores se mezclaron por primera vez utilizando pigmentos muy naturales -una combinación de tierra, grasa animal, carbón quemado y tiza- hace ya 40.000 años, creando una paleta básica de cinco colores: rojo, amarillo, marrón, negro y blanco. Desde entonces, desde el Renacimiento hasta el Impresionismo, los colores han evolucionado a través de la exploración o los descubrimientos científicos y han creado colores nuevos e inéditos.
El rojo es uno de los colores más antiguos. Encontrado en suelos ricos en hierro, el ocre rojo es uno de los pigmentos más antiguos que se utilizaba en las cuevas prehistóricas. Más tarde, durante los siglos XVI y XVII, se utilizó un insecto (la cochinilla) para crear un tinte rojo.
El azul era uno de los colores más caros, ya que la piedra preciosa de la que procedía sólo podía encontrarse en una única cordillera de Afganistán. Considerado un material precioso, el precio de esta piedra preciosa (lapislázuli) era similar al del oro. Hasta la década de 1950 no se creó una versión sintética del azul ultramar, y el color se democratizó en su uso.
El amarillo no era un color muy popular en la pintura clásica. Artistas como J.M.W. Turner y Vincent van Gogh fueron algunos de los pocos que adoptaron este color. J.M.W. Turner fue criticado a menudo por su uso del amarillo, diciendo que sus cuadros «estaban afligidos por la ictericia.
Los pigmentos verdes, aunque se utilizaban para evocar la naturaleza y la primavera, eran algunos de los más venenosos de la historia. El verde de Sheele, con arsénico, se hizo muy popular en la época victoriana, a pesar de su peligrosidad. Más tarde, Claude Monet, Paul Cezanne y Pierre-Auguste Renoir utilizaron el Verde París, una alternativa más duradera que utilizaba raticida e insecticida. El color seguía siendo muy tóxico y puede haber sido el responsable de la diabetes de Cezanne y la ceguera de Monet.
El color púrpura era especialmente popular entre los impresionistas, como Claude Monet. En una ocasión declaró: «Por fin he descubierto el verdadero color de la atmósfera. Es el violeta. El aire fresco es violeta”.
El simbolismo del color en el arte se refiere al uso del color como símbolo en diversas culturas. Existe una gran diversidad en el uso de los colores y sus asociaciones entre culturas e incluso dentro de la misma cultura en diferentes periodos de tiempo.
El rojo se asocia a menudo con el amor y la pasión. También puede asociarse con el peligro y la advertencia (pensemos en las etiquetas, las señales de stop, los semáforos en rojo, etc.). El rojo puede tener un efecto físico en las personas, aumentando la presión sanguínea y la frecuencia respiratoria.
El naranja es un color muy vibrante y energético. En sus formas apagadas, puede asociarse a la tierra y al otoño. Por su asociación con los cambios de estación, el naranja puede representar el cambio y el movimiento en general. El naranja también se asocia fuertemente con la creatividad.
El amarillo suele considerarse el más brillante y energético de los colores cálidos. Se asocia con la felicidad y el sol. En Francia, el amarillo también puede asociarse con el engaño y la cobardía.
El verde es un color muy realista. Puede representar nuevos comienzos y crecimiento. También significa renovación y abundancia. Por otro lado, el verde también puede representar la envidia o los celos, y la falta de experiencia.
El azul se asocia a menudo con la tristeza en la cultura inglesa. El azul también se utiliza mucho para representar la calma y la responsabilidad. Los azules claros pueden ser refrescantes y acogedores. Los azules oscuros son más fuertes y sólidos. El azul también se asocia con la paz y tiene connotaciones espirituales y religiosas en muchas culturas y tradiciones.
El púrpura es una combinación del rojo y el azul y adopta algunos atributos de ambos. También se asocia con la creatividad y la imaginación. Los tintes utilizados para crear tonos púrpura se extraían de los caracoles y eran muy caros, por lo que sólo la realeza y los muy ricos podían permitírselos.
Enfoque pedagógico
Comprender el color y la profundidad es importante para entender el arte en su conjunto. Con los colores, los artistas son capaces de transmitir un significado, de enviar mensajes a su público y de crear sentimientos y emociones. Al utilizar los colores para crear profundidad, son capaces de dar vida a las imágenes bidimensionales y guiar el ojo del alumno para que vea los detalles, comprenda la perspectiva y sienta más.
¿Por qué este tema es relevante para los estudiantes adultos?
Este tema es especialmente relevante para los estudiantes adultos, ya que la teoría del color es un proceso complejo y bien diseñado que puede analizarse a través de la mayoría de los cuadros. En todos los museos, exposiciones o centros de arte, los artistas han utilizado algún tipo de esquema de color para crear profundidad.
¿Cuáles son los resultados del aprendizaje al integrar este tema artístico con una actividad educativa?
Los colores desempeñan un papel crucial a la hora de crear una atmósfera, expresar un sentimiento, mostrar una expresión y mucho más. Los colores son las mejores herramientas que tienen los pintores para transmitir su mensaje. Por lo tanto, entender las teorías y técnicas que hay detrás del uso de estos colores es importante para comprender una pintura en su totalidad.
Cómo hacerlo: estrategias, herramientas y técnicas.
Los alumnos pueden acercarse a la teoría del color y a la profundidad a través de diferentes herramientas, ya sea mediante el análisis de cuadros famosos, o trabajando ellos mismos con una paleta de colores.
Obras de arte
Obra de arte #1. La muerte de Germánico, Nicolas Poussin, 1627.
- Su posición-relación con el tema: Este cuadro utiliza los principales colores primarios de la rueda de colores. Fíjate en los azules, rojos y amarillos fuertes que destacan en comparación con los tonos de piel más pálidos y oscuros y los blancos.
- Breve descripción: El cuadro representa al joven general romano Germánico en su lecho de muerte, tras ser envenenado por el emperador Tiberio. La escena muestra a Germánico pidiendo a sus amigos que le venguen, mientras su esposa se lamenta. Es una representación del heroísmo y la dignidad.
- Ubicación y dimensión europea: El cuadro se encuentra en el Instituto de Arte de Minneapolis, Minneapolis, MN, Estados Unidos. Es el primer cuadro de historia importante de Nicolas Poussin que representa una escena de muerte. La composición, con figuras apiñadas cerca del frente, se basa en los relieves de sarcófagos romanos. Poussin pasó mucho tiempo en Roma, donde desarrolló un estilo clásico que influyó fuertemente en el arte italiano y francés posterior.
- Posible explotación educativa: La muerte de Germánico es un cuadro bastante antiguo; data de 1627. Puede ser interesante entonces ver si los colores, especialmente los azules, tenían algún significado especial en la representación del cuadro. ¿Los diferentes colores representan a los diferentes ejércitos? Puedes presentar el significado del azul a los alumnos para que comprendan mejor la estructura de poder en el cuadro.
Obra de arte #2. La línea verde, Henri Matisse, 1905
- Su posición-relación con el tema: Este cuadro muestra el uso de los colores complementarios (rojo y verde) en la rueda de colores.
- Breve descripción: El cuadro es un retrato de la esposa de Matisse, Amélie Noellie Matisse-Parayre. Es una pintura al óleo sobre lienzo, y recibió el nombre de la Franja Verde por la línea que divide su rostro en dos. Matisse pretendía crear una sensación de luz, sombra y volumen sin utilizar el sombreado tradicional.
- Ubicación y dimensión europea: La pintura de Henri Matisse fue impactante en su momento, ya que rompía las convenciones. Obras como la suya marcaron el inicio de un movimiento llamado «Les Fauves» (las fieras). El fauvismo hacía hincapié en los colores fuertes por encima de los valores realistas. El cuadro se encuentra en Copenhague, en el Statens Museum for Kunst.
- Posible explotación educativa: Los colores tenían una importancia primordial para los fauves. Explora con tus alumnos cómo utilizaban los colores para separarse de los estilos más tradicionales de sus antecesores, los impresionistas.
Obra de arte #3 Impresión, sol naciente, de Claude Monet, 1872
- Su posición-relación con el tema: El cuadro de Monet utiliza los colores complementarios azul y naranja para mostrar su paisaje. También utiliza interesantes técnicas de bordes suaves y perspectiva aérea para crear profundidad.
- Breve descripción: Impresión, sol naciente, fue creada a partir de una escena en el puerto de Le Havre. Monet representa una niebla, que proporciona un fondo brumoso a la pieza ambientada en el puerto francés. Las tonalidades anaranjadas y amarillas contrastan bien con los barcos oscuros, en los que apenas se ven detalles para el público.
- Ubicación y dimensión europea: El cuadro Impresión, sol naciente se expuso por primera vez en una muestra que se convertiría en la «Exposición de los Impresionistas». Originalmente, el término impresionista se utilizaba de forma despectiva, pero Monet y sus compañeros adoptaron el término como nombre de bandera del movimiento. El cuadro se encuentra actualmente en el Museo Marmottan Monet de París.
- Posible explotación educativa: El cuadro de arriba es una pintura de gran importancia histórica. Se considera la primera representación de un estilo pictórico «impresionista»; el nombre del movimiento se basó en él. Los alumnos pueden estudiar cómo se recibió el cuadro y cómo inspiró a los artistas a adoptar técnicas pictóricas similares.
Obra de arte #4 La mujer de pelo amarillo (Femme aux cheveux jaunes), Pablo Picasso, 1931
This artwork is under a copyright, owned by ©The Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York, and therefore cannot be used in this dossier. The original artwork can be seen in the Guggenheim Museum in New York, USA.
- Su posición-relación con el tema: Este cuadro es una representación de los colores complementarios púrpura y amarillo, así como del verde y el rojo.
- Breve descripción: Este cuadro de Picasso representa un retrato de su amante secreta Marie-Thérèse Walter. Era rubia y fue la musa de Picasso durante muchos años.
- Ubicación y dimensión europea: El estilo de Picasso cambió en los años 1925-30, desde el final del cubismo, el arte de Picasso evolucionó hacia un estilo más sensual y biomórfico que alcanzó su máxima expresión en el cuadro de su amante. Con este cuadro quiso representar su cuerpo voluptuoso y sus mechones. La forma en que modeló su rostro también se convirtió en una firma de sus obras posteriores, apareciendo en esculturas, grabados y más
El cuadro se expone ahora en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, EE. UU
- Posible explotación educativa: La fase anterior de Picasso fue la conocida fase del cubismo. Los alumnos podrán descubrir las marcadas diferencias entre los colores y la forma recta y casi severa que utilizaba anteriormente en comparación con la forma corporal, suave y redondeada que inspira el cuadro de arriba.
Obra de arte #5 Los Olivos, Vincent Van Gogh, 1889
- Su posición-relación con el tema: Este cuadro utiliza la técnica de los colores análogos (azules, verdes, etc.), situados uno al lado del otro en la rueda de colores.
- Breve descripción: El cuadro representa campos de olivos en la región de Saint-Remy, en el sur de Francia. Para Van Gogh, tienen un significado especial, ya que representan la vida, lo divino y el ciclo de la vida.
- Ubicación y dimensión europea: Antes de la serie de los Olivos, la obra de Van Gogh era más apagada y oscura. Tras conocer a artistas como Degas y Seurat, que eran finos técnicos del color, el propio Van Gogh empezó a abrumar su pintura con colores, hasta el punto de llamarla a veces «expresionismo».
El cuadro se expone ahora en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Estados Unidos
- Posible explotación educativa: El cuadro se expone ahora en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, EE.UU. Hay al menos 15 cuadros de olivos realizados por Van Gogh en este periodo. Los alumnos pueden explorar algunos de los más famosos, descubrir cómo su estancia en un asilo francés moldeó su estilo y aprender sus técnicas únicas.
Obra de arte #6 La joven de la perla, Johannes Vermeer, 1665
- Su posición-relación con el tema: La joven de la perla es una obra maestra de color, profundidad e intimidad. Con el uso de un fondo oscuro, el sujeto destaca claramente, mientras que el uso de colores más claros para su rostro contrasta con el tono más oscuro del resto del sujeto. El rojo, un color cálido, se utiliza sólo en sus labios, lo que atrae aún más la atención hacia su rostro y su mirada misteriosa.
- Breve descripción: El cuadro de Vermeer es un tronie (un estudio de carácter y no un retrato estricto) de una joven. No sabemos quién es la chica, pero le ha dado un aspecto «exótico» con el uso de un pañuelo en la cabeza, un artículo de moda que no se usaba a menudo en los Países Bajos en esa época.
- Ubicación y dimensión europea: La obra se ha estudiado ampliamente a lo largo de los años. En 1994 se descubrió que el fondo era originalmente de color verde vidriado oscuro y no negro. En 2018, aunque muchos asumieron que la chica era una ficción de la imaginación, el estudio demostró que estaba pintando a una persona real. La chica del pendiente de perla también ha influido en muchas representaciones culturales, desde películas hasta arte callejero.
La obra se expone en la Mauritshuis, La Haya, Países Bajos.
- Posible explotación educativa: Vermeer tenía un estilo único, ya que no producía gran cantidad de cuadros. Se puede comparar este tronie con su pintura más de estilo de vida y de género, para entender su panel artístico completo.
Obra de arte #7 El declive del imperio cartaginés, J.M.W Turner, 1817
- Su posición-relación con el tema: El uso de colores cálidos para crear la impresión de puesta de sol es muy delicado. Además, el uso de colores más fríos que disminuyen el tono desde las esquinas hasta los exteriores ayuda a crear esta sensación. La ciudad está en tonos anaranjados, que son complementarios con el azul. La técnica de utilizar colores más oscuros en el primer plano y más brillantes en el fondo también refuerza la sensación de profundidad.
- Breve descripción: Este cuadro representa la decadencia del imperio norteafricano, Cartago, que fue el más poderoso antes del ascenso de la antigua Roma. La decadencia está simbolizada por el sol poniente, que Turner consideraba inevitable.
- Ubicación y dimensión europea: J.M.W. Turner fue, probablemente, uno de los pintores británicos más prolíficos de su tiempo. Su uso de los colores, la luz y la atmósfera es bien conocido. Para esta obra, Turner utilizó técnicas de los «viejos maestros», especialmente de uno, Claude Lorrain. Le gustaba tanto la obra de Claude Lorrain que pidió que el cuadro se colgara cerca de algunas obras de sus compañeros después de su muerte.
El cuadro se encuentra ahora en el Museo Tate de Londres, Reino Unido.
- Posible explotación educativa: Los alumnos pueden explorar cómo Turner utilizó tonos más apagados, más claros y más suaves para crear una hermosa sensación de profundidad en el fondo mientras el sol se pone. Para ello utilizó diferentes técnicas, como el contraste de colores, la intensidad cromática y la relación de los bordes.
Obra de arte #8 El Puente de Charing Cross, Andre Derain, 1906
- Su posición-relación con el tema: Este cuadro utiliza unos colores muy saturados, así como técnicas de colores complementarios.
- Breve descripción: Andre Derain pintó el «Puente de Charing Cross», un famoso puente de Londres, Inglaterra, en invierno. El cuadro muestra el río Támesis, así como la cervecería Lion’s Brewery (a la izquierda).
- Ubicación y dimensión europea: Derain fue una figura clave del movimiento fauvista, que utilizaba colores fuertes e imágenes muy saturadas como su firma clave (además de los trazos audaces). Los cuadros fauvistas eran imaginativos y atrevidos. No utilizaban los estándares de los artistas típicos.
Ahora se expone en la Galería Nacional de Arte de Washington, Estados Unidos.
- Posible explotación educativa: El cuadro de arriba pertenece al movimiento fauvista. Los alumnos pueden descrubrir cómo el tamaño y la forma de las pinceladas afectan a la forma en que vemos y nos centramos en aspectos concretos del cuadro.
Obra de arte #9 Terraza de café por la noche, Vincent van Gogh, 1888
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- Su posición-relación con el tema: Este cuadro es una firma clave de Van Gogh y su uso de los colores. Utiliza un fuerte contraste (oscuro en el fondo, más claro en el primer plano) y también colores complementarios (cielo azul y café amarillo), lo que crea un sentido de la perspectiva, la línea, la profundidad y la composición bastante único.
- Breve descripción: El cuadro es una obra pintoresca. Da la impresión de estar recorriendo una calle del sur de Francia por la noche, mientras se pasea junto a los cafés y la gente que descansa. El café es real, está situado en Arles. Cuando creó esta obra, Van Gogh dijo: «La noche es más viva y más rica en colores que el día».
- Ubicación y dimensión europea: En este cuadro, van Gogh utilizó por primera vez sus característicos «remolinos azules y amarillos» para pintar un cielo nocturno y estrellado. Para representar la noche, no utilizó ni un solo toque de negro, sino que empleó una amplia gama de sus colores.
Ahora se expone en el Museo Kröller-Müller de los Países Bajos
- Posible explotación educativa: Los alumnos pueden explorar cómo se creó la luz utilizando tonos más cálidos, a la vez que se crea profundidad con colores más oscuros e intensos. También pueden aprovechar este momento para explorar el cielo e introducir la pintura en uno más famoso: La noche estrellada.
Obra de arte #10 El Viejo guitarrista ciego, Pablo Picasso, 1903
This artwork is under a copyright and therefore cannot be used in this dossier. The original artwork can be seen in the Art Institute of Chicago in Chicago, USA.
- Su posición-relación con el tema: Este cuadro es una buena representación de una pintura monocromática (técnica en la que las imágenes se componen de un solo color o valor), con un único tono más claro. Su pintura parecía reflejar su experiencia de relativa pobreza e inestabilidad, representando a mendigos, vagabundos, ancianos y frágiles y ciegos. Esta técnica monocromática crea un estilo muy plano y 2D en la pintura. Da una sensación de melancolía, tristeza y tragedia.
- Breve descripción: El cuadro representa a un anciano, en las calles de Barcelona (España), con ropas bastas y un comportamiento pobre. Parece estar entre la vida y la muerte. La guitarra, foco central del cuadro por su tono más brillante, viene a representar el mundo del guitarrista y su única esperanza de supervivencia.
- Ubicación y dimensión europea: El período azul de Picasso es uno de los más famosos en relación a sus obras de arte. También es una perfecta representación del significado de los colores. De hecho, Picasso, tras enterarse de la muerte de un amigo cercano, entró en una fase de depresión, que le llevó a su periodo azul. Como se menciona en este dossier, el azul suele ser un color asociado a la tristeza.
El cuadro se expone ahora en el Instituto de Arte de Chicago (Estados Unidos).
- Posible explotación educativa: Picasso atravesó muchos periodos y diferentes fases en su carrera. Los alumnos pueden utilizar este cuadro para explorar su periodo azul, y compararlo con otro (rosa, cubismo, etc.). Pueden encontrar temas comunes en ambos estilos y explorar las diferencias.
¡Echa un vistazo a las obras de arte en un solo mapa!
Actividades prácticas
Actividad 1
Nombre de la actividad 1
Dibújame un océano
Objetivos
Comprender el papel de los colores en la creación de profundidad mediante el uso de colores.
Materiales
- Pinceles
- Elección de pinturas (acrílicos, acuarelas, óleos, etc.)
- Una paleta
Si no se dispone de materiales de pintura, los alumnos pueden utilizar también lápices de colores.
- Una copia impresa de este paisaje:
Gallery & Templates • Concepts App • Infinite, Flexible sketching
Fase preparatoria para los educadores/mediadores
Explica a tus alumnos el contenido de este dossier pedagógico y cómo se pueden utilizar los colores para crear profundidad.
Preséntales el papel de los colores cálidos y fríos, así como los tonos específicos que pueden utilizar.
Recuérdales que la perspectiva del color establece que los tonos más cálidos de amarillos y verdes se desvanecen en la atmósfera azul de la distancia.
Desarrollo
Empieza por explicar a tus alumnos que tendrán que crear profundidad y perspectiva atmosférica utilizando los colores. No les muestres enseguida la imagen del paisaje y la puesta de sol.
Empieza por trabajar con una paleta. Puedes darles unos cuantos colores para que elijan (azul, amarillo, rojo) y creen sus propios tonos de colores utilizando los colores primarios, o bien preparar ya con ellos una paleta de colores más completa. Esto dependerá de sus niveles y habilidades.
A continuación, introduce los diferentes tipos de sombreado que pueden realizarse. Utiliza colores más oscuros para la roca de delante y colores más claros y difuminados para el fondo. De nuevo, hazlo en función del nivel de tus alumnos.
A continuación, pídeles que coloreen el paisaje utilizando colores cálidos en el borde más cercano, y colores fríos cerca de la línea horizontal.
Fichas o láminas prácticas
Encontrarás la plantilla apaisada aquí.
Actividad 2
Nombre de la actividad
Búsqueda del tesoro
Objetivos
Ayudar a los alumnos a investigar y encontrar la pintura utilizando sus conocimientos de la teoría del color.
Materiales:
- Acceso a Internet
- Un ordenador, un smartphone o una tablet
- El Equipo de la Galería de Arte
- Un proyecto
Fase preparatoria para los educadores/mediadores
Este ejercicio pretende desarrollar las habilidades de pensamiento crítico del alumno en relación con los colores, y la profundidad. Los educadores deben prepararse para diversas opiniones y para dirigir un debate. No hay preparación física.
Desarrollo
Escoge una serie de cuadros de la Galería que tengan colores fuertes y sensación de profundidad. Dependiendo del tamaño de tu aula, puedes elegir entre 8 y 10.
Proyéctalos en la pizarra si puedes o pide a los alumnos que accedan a ellos en su propio ordenador. Divide tu clase en grupos de 2 o 3, para permitir la colaboración.
A continuación, pídeles que identifiquen algún componente de estos cuadros:
- ¿Puedes identificar las técnicas utilizadas para crear ilusiones ópticas de profundidad y luz?
- ¿Qué cuadros tienen los ajustes más sutiles entre las sombras?
- ¿Qué cuadros tienen un mayor contraste?
- ¿Cómo describes el efecto que produce cada imagen en tu ojo?
A continuación, abra el debate a todo el grupo. ¿Qué alumnos tuvieron respuestas similares? ¿Fueron las respuestas unánimes dentro del grupo? ¿Quiénes tuvieron opiniones divergentes?
Una vez terminada la conversación, abre el ejercicio también a las galerías externas. Puedes encontrar enlaces a diferentes recursos en la página web del Equipo de Arte.
Pide a tus alumnos, todavía en grupos, que busquen diferentes imágenes:
- Un cuadro de alto contraste.
- Una pintura de bajo contraste.
- Una imagen de un cuadro con colores de valores muy contrastados.
- Una imagen de un cuadro con colores de valor similar.
- Una pintura en la que el nivel de contraste de valores afecta al estado de ánimo de la imagen.
- Un cuadro en el que el contraste de valores crea textura.
- Una pintura en la que el contraste de valores enfatiza el enfoque de la imagen.
- …
Por último, en función del nivel de los alumnos, puedes crear un taller de análisis. Utilizando preguntas de análisis de arte como las que aparecen aquí: ‘Analysis Artwork’, elige uno o dos cuadros de gran importancia y significado para analizar la obra de arte.
Fichas o láminas prácticas
Consulta las láminas prácticas basadas en:
- Elementos de análisis del arte
- Cómo buscar arte fuera de los museos y centros culturales
- Apreciar y comprender el valor del arte
- ¿Cómo utilizar Europeana?