Introduction

Dans ce dossier, nous aborderons le thème de la perspective dans l’art et son contexte en Europe. Nous examinerons 10 exemples de perspective dans des œuvres d’art européennes et nous présenterons une activité en classe qui nous aidera à apprendre les différents types de perspective et à voir si nous pouvons les différencier.

Les objectifs du dossier sont :

• apprendre les origines de la perspective et les raisons pour lesquelles les artistes ont ressenti le besoin de la développer davantage ;
• comprendre le contexte des progrès de la perspective ;
• apprendre les différents styles de perspective et les techniques utilisées ;
• être capable d’identifier quel type de perspective a été utilisé dans une peinture.

Contexte européen 

Nous avons choisi le thème de la perspective pour ce dossier pour deux raisons principales:

• L’identité culturelle influence la création artistique. Comprendre pourquoi les artistes ont utilisé un type de perspective spécifique à chaque époque peut nous aider à en savoir un peu plus sur l’œuvre d’art et son contexte. Qu’est-ce qui a ému l’artiste ? Quel était le message qu’il voulait nous faire percevoir ? Dans ce dossier, nous pouvons en apprendre davantage sur l’art et l’histoire, deux concepts qui vont toujours de pair.
• Renforcer la pensée créative chez les adultes. L’art était autrefois considéré comme un outil éducatif simple et direct. Il était créé dans l’intention de démystifier et de simplifier des concepts complexes afin qu’ils puissent être facilement compris. De même, l’art était utilisé pour mettre en valeur et mettre l’accent sur des concepts qui, même si nous les aimions, auraient pu être rejetés s’ils n’avaient pas été présentés de manière explicite ou attrayante. La religion – le christianisme – est un exemple éclatant de l’application éducative de l’art en Europe qui a été communiquée par l’art. Le christianisme européen a laissé un vaste héritage architectural et artistique, notamment des sculptures, non pas parce que l’Église se souciait de la beauté, mais parce qu’elle reconnaissait son pouvoir. L’art est un outil pédagogique puissant qui peut renforcer l’impact d’une notion ou d’une idée. En outre, il peut servir de catalyseur pour renforcer notre capacité créative. Lorsque nous sommes exposés à un environnement artistique, cela nous aide à nous engager dans une pensée abstraite et analytique. Nous devenons plus réceptifs aux idées et aux approches originales.

Le thème

Au cours de l’histoire, l’intérêt de représenter la troisième dimension sur une surface plane a été très présent. Les Grecs ont été les premiers à découvrir le raccourcissement, qui repose sur l’idée qu’une personne ne peut pas voir un objet dans son intégralité en une seule fois.

Ils ont donc représenté en sculpture ce qui pouvait être vu d’un certain point, sans prendre en compte les autres éléments.

À l’époque de la Grèce classique, les artistes et les architectes connaissaient la perspective, ils savaient que les objets éloignés doivent être dessinés plus petits que ceux qui sont proches. Vitruve le confirme dans le seul traité d’architecture latin qui existe (46 av. J.-C.) lorsqu’il mentionne spécifiquement que la perspective était bien connue depuis l’Antiquité.

Contexte

L’art médiéval

L’une des caractéristiques les plus remarquables de la peinture médiévale, avant la découverte de la perspective, était la taille différente des objets en fonction de leur position relative dans l’image. Mais la plupart du temps, cette différence de taille n’était pas proportionnelle aux objets environnants.

Comme on le voit dans l’image suivante, les hommes à l’arrière-plan sont tout simplement trop grands pour l’image, et presque aussi hauts que les arbres. En général, les artistes médiévaux avaient tendance à rendre les objets prééminents de l’arrière-plan trop grands par rapport à leur représentation en perspective, même s’ils comprenaient bien que les objets de l’arrière-plan semblent rapetisser avec la distance.

Deux des concepts les plus importants dans la représentation de l’échelle et de la distance dans l’art médiéval (précédents directs de la représentation en perspective) sont la conceptualisation et la polydimensionnalité.

Dans la conceptualisation, la taille relative des objets d’une image est donnée principalement par l’importance absolue, ou relative, que l’auteur donne à cet objet, qu’il soit situé au premier plan ou à l’arrière-plan. Le reste des objets est secondaire, en taille et en échelle relative, par rapport aux principaux, ce qui produit des distorsions dans la taille des personnages des images, comme on peut le voir dans le tableau suivant, dans lequel Jésus fait son entrée à Jérusalem. Le personnage le plus important est Jésus, qui est aussi grand que les murs de la ville.

Un autre concept intéressant pour comprendre l’art médiéval pré-perspective, est la polydimensionnalité. La polydimensionnalité consiste à montrer certains objets d’un point de vue différent du reste de l’image, en cherchant presque toujours la meilleure position pour montrer ces objets. Ainsi, même certaines figures sont représentées de différents points de vue simultanés, comme dans l’image suivante, où le mur entourant le jardin est représenté vu d’en haut, au lieu d’être vu horizontalement, comme le reste de l’image.

La technique la plus courante à cette époque était de mélanger les deux types de représentations, comme dans l’image précédente, où à la multidimensionnalité s’ajoute la conceptualisation, car comme nous pouvons le voir, le mur du jardin lui-même part du premier plan, bien qu’il soit beaucoup plus petit que les personnages représentés au même premier plan, puisque l’artiste ne le trouvait pas aussi important.

L’inventeur de la perspective telle que nous la connaissons aujourd’hui est Brunelleschi, l’artiste italien, qui a commencé à appliquer les techniques déjà décrites des lignes et des points de fuite à ses constructions et à ses dessins, afin de donner une sensation plus grande et plus complète de tridimensionnalité et d’espace. Brunelleschi utilisait la perspective pour capturer dans ses dessins une approximation, aussi fidèle que possible, du résultat final de ses futures constructions. Joseph W. Dauben nous montre, dans ses pages sur L’art de la science de la Renaissance, deux images : un dessin de Brunelleschi lui-même de son église du Saint-Esprit et une photographie de la même église vue du même endroit que le dessin, qui nous donne une idée de la perfection perspectiviste de Brunelleschi.

L’art de la Renaissance

C’est à la Renaissance que les peintres florentins ont commencé à étudier sérieusement la perspective comme une science, avec ses lois et ses principes mathématiques. Des génies comme Mategna, Ghiberti, Massaccio et d’autres ont établi certains principes nécessairement observables pour reproduire la distance.

C’est Filippo Brunelleschi (1377 – 1446), l’un des grands architectes florentins de la Renaissance, qui a découvert le système mathématique permettant de calculer la proportion dans laquelle les objets diminuent de taille en s’éloignant.

Les théories de Brunelleschi ont influencé Paolo Uccelo (1397 – 1476). Dans sa célèbre scène de la bataille de San Romano, peinte vers 1450, Uccello applique la géométrie dans sa composition. Au premier plan, il a peint un soldat mort, le premier corps raccourci à apparaître dans une peinture. Cependant, l’œuvre d’Ucello est quelque peu rigide ; il ne maîtrisait pas l’utilisation de la lumière et de l’ombre, si importante pour souligner la profondeur et l’espace.

La principale caractéristique de la Renaissance est qu’elle s’est éloignée du concept médiéval de Dieu (et de l’église) comme centre omnipotent de la vie, s’intéressant davantage à l’étude des hommes et du monde naturel.

Léonard de Vinci (1452-1519), étudiant en botanique, anatomie, ingénierie et peinture, représente l’esprit d’investigation de la Renaissance.

Bien qu’elle ait déjà été utilisée dans l’Antiquité, c’est De Vinci qui impose la perspective atmosphérique à la Renaissance, obtenant ainsi un effet de perspective beaucoup plus abouti, et rompant avec l’impression de dureté et de rigidité de la peinture du Quattrocento, qui a évolué en perspective, mais uniquement de façon linéaire (à partir de points de fuite).

De tous les types de perspective, la perspective atmosphérique (également appelée « aérienne ») est la plus efficace, car elle utilise dans sa conception le rôle joué par la lumière et la couleur dans notre perception.

Elle produit une sensation de profondeur en imitant l’effet de l’atmosphère, de sorte que les objets apparaissent plus pâles et plus bleus à mesure qu’ils s’éloignent de l’observateur.

La raison en est très simple : les particules de poussière et d’humidité flottant dans l’atmosphère diffusent la lumière. La lumière de courte longueur d’onde (bleue) se diffuse davantage et la lumière de longue longueur d’onde (rouge) se diffuse moins. C’est pourquoi le ciel est bleu et les objets sombres vus de loin ont une couleur bleutée.

Les artistes reproduisent cet effet naturel en utilisant des tons faibles, pâles et bleutés sur l’horizon.

Léonard l’explique ainsi : « Parmi les choses plus sombres que l’air, la plus éloignée sera la moins sombre. Parmi les choses plus claires que l’air, la moins blanche sera la plus éloignée de l’œil ».

Les artistes de la Renaissance se sont rapidement intéressés aux lois et principes de la perspective afin d’ajouter cette attitude à leurs œuvres.

Albrecht Dürer (1471-1528) a méticuleusement utilisé la nouvelle technique de la perspective pour ajouter des détails et de la précision à ses œuvres. Son célèbre « Lièvre » peint en 1502 est une leçon de dessin d’illustration.

La Renaissance qui s’est diffusée en Europe au cours du 15e siècle a déplacé le centre d’attention vers les hommes et, soutenue par les progrès de la philosophie et de la science, a apporté une nouvelle discipline analytique et une nouvelle perspective pour représenter la forme et l’espace. Les figures acquièrent un plus grand volume et une plus grande souplesse dont les scénarios montrent plus clairement l’espace tridimensionnel.

En travaillant avec des modèles humains et en copiant l’environnement dans lequel ils vivaient, les artistes ont commencé à dessiner ce qu’ils voyaient au lieu de s’appuyer sur des conventionnalismes ; l’étude de l’anatomie et de la perspective est devenue partie intégrante du travail de l’artiste, lui permettant de représenter correctement ce qu’il voyait.

L’impressionnisme

L’utilisation du dessin pour étudier la nature, pour expérimenter la géométrie, la perspective, les proportions, la composition et la libre expression, en tant que produit de la Renaissance, a dominé l’art et la formation artistique en Occident, jusqu’à l’émergence du modernisme à la fin du 19e siècle, en particulier avec les impressionnistes et les postimpressionnistes.

Les impressionnistes, tout en continuant à représenter le monde réel, ont accepté la qualité bidimensionnelle du plan : l’art n’était plus seulement figuratif mais aussi abstrait. Avec ces nouvelles attitudes, les artistes ont été encouragés à étudier d’autres traditions artistiques non occidentales, devenant ainsi de plus en plus importantes pour les spécialistes du dessin, car nombre de ces traditions ont été incorporées dans l’œuvre de nombreux artistes des 19e et 20e siècles.

L’art moderne

L’art moderne représente un ensemble d’idées en évolution parmi un certain nombre de peintres, de sculpteurs, d’écrivains et d’artistes qui, à la fois individuellement et collectivement, ont cherché de nouvelles approches du métier d’artiste. Bien que l’art moderne ait commencé rétrospectivement vers 1850 avec l’avènement du réalisme, les approches et les styles de l’art moderne ont été définis et redéfinis tout au long du 20e siècle. Les praticiens de chaque nouveau style étaient déterminés à développer un langage visuel original et représentatif de l’époque.

De la Renaissance au 19e siècle, le plan pictural est considéré comme une fenêtre à travers laquelle le monde est vu.

Crak! Roy Lichtenstein, 1964 – avec l’aimable autorisation de ©The Estate of Roy Lichtenstein. Cette oeuvre est sous copyright, c’est pourquoi elle ne peut pas être utilisée dans ce dossier. L’oeuvre originale est à la National Gallery of Art in Washington, USA.

Le Néerlandais Mauris Cornelis Escher (1898-1972) était un dessinateur et graveur qui a révolutionné la perspective du plan et est considéré comme l’interprète des concepts mathématiques, abstraits par définition, qui soutiennent la relativité de l’espace-temps proposée par Einstein en 1905 et 1915, une idée poursuivie par ses disciples, qui l’ont étendue, approfondie et même modifiée.

La perspective est sans doute l’une des ressources les plus importantes qui rendent ses gravures et ses dessins si intéressants. Il a souvent recours à des jeux visuels pour superposer simultanément plusieurs points de vue sur un même objet ou espace, généralement géométrique. Cette transgression ou combinaison des règles de la représentation nécessite une grande maîtrise des plans de projection et une connaissance de l’optique pour générer ces perspectives impossibles. Ainsi, avec des références aux polyèdres et aux dimensions géométriques opposées, avec des jeux de perception typiques des illusionnistes, Escher a travaillé la perspective comme un moyen de jouer avec certains concepts.

Les jeux optiques et les déceptions perceptives qu’il réalise sur le plan du papier font que son dessin devient, d’une certaine manière, une poésie visuelle. Son travail tend à créer une confrontation ou une dichotomie entre des concepts tels que le jour et la nuit, la mer et le ciel, la symétrie de la composition ou la confusion entre des contraires tels que la descente et l’ascension, la chute et la montée. Dans ses réseaux modulaires, un animal se transforme souvent en un autre, ou s’insère dans son vide, dans le négatif de sa forme. Son imagerie fait également référence à un circuit infini, à un cercle d’éternel retour ou de mouvement perpétuel. Ces images poétiques nous parlent d’une idée très typique de son époque : la relativité de la perception et du sens des choses. Tout ce qui monte redescend, ou peut-être monte et redescend simultanément, car tout dépend du point de vue d’où l’on se place.

Dans ses dessins, l’espace est simulé avec différents codes de représentation qui établissent différents niveaux de lecture et créent un trompe-l’œil qui nous fait réfléchir sur ce qui est réel et ce qui est dessin. En ce sens, Escher construit l’espace au-delà de la perspective, simulant que la création prend vie sur le papier, que les dessins de tesselles deviennent réels ou directement que c’est la main dessinée qui se dessine elle-même. C’est cette grande maîtrise technique des codes spatiaux, tant en deux qu’en trois dimensions, qui confère à ses œuvres un fini presque mathématique, et donne de la véracité à la supercherie.

On dit qu’il n’y a pas de coïncidences, surtout dans les domaines de la science et de l’art, qui, à quelques exceptions près, vont de pair. Escher, comme Léonard de Vinci en son temps, a réussi à saisir le moment crucial de la civilisation dans laquelle ils se sont développés.

L’art postmoderne

Le postmodernisme est un terme très complexe, qui a des approches différentes selon l’auteur ou l’artiste auquel on se réfère. Ce n’est pas un terme qui définit un style artistique. Comme le terme modernité, la postmodernité définit une période culturelle.

Dans ce type d’art, les éléments suivants sont pertinents pour le sujet de la perspective dans le contexte européen.

Expressionnisme abstrait – Mark Tobey

Dans une tentative de renier les formes et les dessins traditionnels, il a adopté les techniques de la calligraphie orientale pour créer ce qu’il a appelé l’écriture blanche, un motif confus de lignes filiformes d’encre blanche sur un fond sombre. Un sens de la profondeur est suggéré dans ces œuvres par le chevauchement des lignes plutôt que par l’utilisation de la perspective traditionnelle.

Op Art

Parmi les œuvres les plus représentatives de l’Op Art figurent les tableaux peints par Victor Vasarely dans les années 1960 et 1970. Dans Vonal-Stri (1975), le regard se précipite vers le carré noir au centre de la toile. La sensation de mouvement est renforcée par l’illusion de courbure du plan à gauche.

Nouvelle peinture européenne

La Nouvelle peinture européenne est un terme artistique historique utilisé pour décrire la peinture contemporaine en Europe des années 1980 et 1990 à aujourd’hui. Ce mouvement se caractérise par une nouvelle figuration par rapport à l’abstraction américaine précédemment dominante, marquée par notre histoire collective, notre mémoire et le traumatisme de l’après-guerre.

Lorsque nous pensons à la perspective en termes traditionnels, nous l’associons très probablement au concept de perspective linéaire, à un ou deux points.

Les artistes postmodernes et contemporains d’aujourd’hui poussent le principe de la perspective au-delà du concept de base de la perspective linéaire et l’envisagent sous un angle entièrement différent.

Julian Beever est un artiste de rue bien connu qui utilise l’anamorphose pour créer l’illusion de trois dimensions. Lorsqu’on les regarde sous l’angle préféré, les dessins de Beever sur les trottoirs ont une hauteur et une profondeur qui étonnent le spectateur. Cependant, en marchant simplement autour de ces dessins, l’illusion est perdue.

Felice Varini intègre également le concept de perspective localisée dans son travail. Lorsqu’on les regarde sous le bon angle, les peintures de lignes et de cercles de Varini flottent comme par magie dans l’espace. Lorsque le spectateur se déplace légèrement vers la gauche ou la droite, l’œuvre semble n’être rien d’autre que d’étranges marques sur les murs et le sol.

Approche pédagogique

Pourquoi ce thème est-il pertinent pour les apprenants adultes ?

L’histoire de l’art nous permet de comprendre notre passé humain et sa relation avec notre présent, car l’acte artistique est l’une des activités les plus omniprésentes de l’humanité. La perspective est pertinente dans ce cas, car elle nous aide à comprendre ce qui importait à l’artiste à chaque époque. Par exemple, dans la perspective théorique, nous pouvons voir un reflet de la société de l’époque. Avec la Renaissance, nous commençons à voir comment la curiosité et le besoin d’aller plus loin commencent.

L’apprentissage de la perspective dans l’art de l’histoire européenne peut également stimuler la créativité des apprenants adultes et leur fournir davantage d’outils pour comprendre et expliquer l’art.

Quels sont les résultats d’apprentissage de l’intégration de ce thème culturel/artistique dans une activité éducative ?

Tous les enfants apprennent à l’école à dessiner un cube. Les bases de la perspective. Tout ce qui nous entoure suit ces règles de perspective. Nous l’avons appris : ce n’est qu’une illusion, mais les compétences en matière de technique de perspective jouent un rôle majeur dans le dessin et la peinture. Lorsque nous peignons avec ces compétences, nous pouvons mieux comprendre l’image globale de notre travail. Ainsi, si nous enseignons à nos élèves comment utiliser ces techniques de perspective, nous les aiderons à avoir une vision plus spatiale du monde de l’art.

Mode d’emploi : stratégies, outils et techniques.

Les apprenants adultes étudieront l’histoire de certaines œuvres d’art à travers les techniques utilisées et seront capables de créer leur propre peinture en mettant en pratique ces connaissance.

Œuvres d’art

Œuvre d’art #1 La Tempête, Giorgione (Renaissance)

• Rapport au thème : perspective aérienne ou perspective atmosphérique
• Courte description : un paysage naturel avec des éléments architecturaux et trois personnages visibles au premier plan. En arrière-plan, on remarque que les structures sont sur le point d’être prises par une tempête.
• Emplacement et dimension européenne : Gallerie dell’Accademia, Venise, Italie
• L’auteur : Giorgio Barbarelli da Castelfranco (Giorgione). Giorgione est un peintre italien de l’école vénitienne de la Haute Renaissance, mort à l’âge de trente ans. Il est connu pour la qualité poétique insaisissable de son œuvre, bien que seuls six tableaux conservés lui soient fermement attribués.
• Possible exploitation pédagogique : Giorgione était un maître de la perspective aérienne. Il l’utilisait si correctement qu’elle atteint des niveaux sublimes de réalisme. Dans ce tableau, nous pouvons apprécier une remarquable perspective aérienne : la couleur se dégrade à mesure que la distance augmente, de même que la netteté des contours, qui disparaît presque dans le fond du paysage. Le contraste entre la clarté des couleurs et des contours du premier plan et le fond noir et menaçant de l’orage est très évident. Les lignes de fuite sont claires : le ruisseau et la ligne des maisons.

Œuvre d’art #2 Les Ménines, Velázquez (Baroque)

• Rapport au thème : perspective aérienne ou perspective atmosphérique
• Courte description : il y a une pièce sombre dont le centre est le portrait de l’Infante Marguerite entourée de sa petite cour. À gauche, Velázquez est devant une toile. À l’arrière-plan, il y a des tableaux et un homme debout dans l’embrasure d’une porte.
• Emplacement et dimension européenne : Museo del Prado, Madrid, Espagne
• L’auteur : Diego Velázquez. Velázquez était un peintre espagnol, le principal artiste de la cour du roi Philippe IV d’Espagne et du Portugal, et du Siècle d’or espagnol. Il était un artiste individualiste de la période baroque contemporaine (vers 1600-1750). Il a commencé à peindre dans un style ténébriste précis, développant plus tard une manière plus libre caractérisée par des coups de pinceau audacieux. Outre de nombreuses représentations de scènes d’importance historique et culturelle, il a peint de nombreux portraits de la famille royale espagnole et de gens du peuple, dont le chef-d’œuvre Las Meninas (1656).
• Possible exploitation pédagogique : Cette grande œuvre est la bible de la perspective, un condensé de toutes les stratégies visant à nous tromper spatialement par la recréation d’un espace illusoire. Dans Les Ménines, nous trouvons :

• Perspective linéaire : avec des lignes et des points de fuite
• Perspective colorée
• Perspective décroissante
• Point de vue élevé
• Alternance lumière-pénombre

Œuvre d’art #3 Retable de Saint Christophe, peintre inconnu (Gothique)

• Rapport au thème : perspective théologique
• Courte description : un saint au milieu du retable avec des images de clercs autour de lui.
• Emplacement et dimension européenne : Museo del Prado, Madrid, Espagne
• L’auteur : Inconnu
• Possible exploitation pédagogique : Dans l’art gothique médiéval, les figures les plus importantes, en l’occurrence Saint Christophe, sont plus grandes. Nous ne trouvons pas de sensation de profondeur, seulement des figures sur une surface plane. Les couleurs ne présentent pas de gradation et les effets de lumière ne sont pas réfléchis. On dirait des dessins d’enfants, splendides par leur simplicité et leur ingéniosité, mais dépourvus d’une science picturale qui pourrait s’apparenter à une peinture à la réalité.

Œuvre d’art #4 La Mona Lisa, De Vinci (Renaissance italienne)

• Rapport au thème : sfumato
• Courte description : portrait d’une femme à moitié souriante, les mains posées l’une sur l’autre
• Emplacement et dimension européenne : Musée du Louvre, Paris, France
• L’auteur : Léonard de Vinci. Léonard de Vinci était un polymathe italien de la Haute Renaissance, actif en tant que peintre, dessinateur, ingénieur, scientifique, théoricien, sculpteur et architecte. Le génie de Léonard de Vinci a incarné l’idéal humaniste de la Renaissance et ses œuvres collectives constituent une contribution aux générations ultérieures d’artistes qui n’a d’égale que celle de son jeune contemporain, Michel-Ange.
• Possible exploitation pédagogique : Les préoccupations picturales de Léonard de Vinci l’ont amené à faire des recherches dans le domaine de la perspective, où il a apporté son célèbre « sfumato », une technique consistant à estomper les contours, à se passer de la ligne noire qui contient les figures et à obtenir une atmosphère vaporeuse et suggestive. Le sfumato progressif (plus il est éloigné, plus il est évident) permet d’obtenir une grande sensation de réalisme, les objets apparaissant d’autant plus flous que la distance qui les sépare de l’observateur est grande.

Œuvre d’art #5 L’école d’Athènes, Raphaël (Renaissance italienne)

• Rapport au thème : perspective conique ou frontale
• Courte description : une scène idéalisée du monde classique et de sa relation avec la philosophie est représentée. Ainsi, Raphaël réunit dans un même espace tous les philosophes classiques, en plaçant Platon et Aristote en son centre. Héraclite, Euclide, Alciabades, Diogène, Protagoras, etc. font également une apparition dans ce tableau. Par curiosité, plusieurs de ces figures classiques sont représentées par des portraits de leurs contemporains.
• Emplacement et dimension européenne : Palais Apostolique, Cité du Vatican
• L’auteur : Rafael Sanzio. Raphaël était un peintre et architecte italien de la Haute Renaissance. Son œuvre est admirée pour la clarté de ses formes, la facilité de sa composition et la réalisation visuelle de l’idéal néoplatonicien de la grandeur humaine.
• Possible exploitation pédagogique : Dans la fresque nous voyons une composition absolument symétrique et équilibrée (les personnages sont distribués en masses symétriques à droite et à gauche de l’axe vertical de l’image ainsi que les éléments de l’architecture représentée). L’image est ordonnée par un dessin très précis, avec une nette prépondérance de la couleur et une parfaite perspective conique frontale (dont le point de fuite se trouve sur l’axe vertical de l’image) et lui permet de représenter avec une précision absolue l’architecture dans laquelle les personnages sont placés.

Œuvre d’art #6 Peinture murale dans un immeubles, Patrick Commecy (Nouvelle peinture européenne)

• Rapport au thème : perspective et profondeur parfaites avec effet 3D
• Courte description : une ruelle avec des escaliers et des voisins vaquant à leurs occupations, peinte sur le côté d’un bâtiment
• Emplacement et dimension européenne : Eyzin-Pinet, France
• L’auteur : Patrick Commecy. L’artiste français Patrick Commecy est basé à Eyzin-Pinet, en France, mais voyage dans tout le pays pour peindre des murs. En utilisant la façade des bâtiments comme toile, il capture l’histoire et la culture du lieu à travers son art. Commecy utilise le trompe-l’œil, une technique qui consiste à utiliser des scènes d’apparence réaliste pour créer des illusions d’optique. Ce qui est intéressant ici, c’est que si ces façades réalistes mais fausses vous trompent à première vue, certaines des personnes peintes étaient autrefois réelles. Commecy peint souvent de nombreuses personnalités de l’histoire de la ville où se trouve la peinture murale.
• Possible exploitation pédagogique : le travail de perspective est si précis qu’on a vraiment l’impression qu’il y a une allée au milieu du bâtiment.

Œuvre d’art #7 « Cinq Ellipses Ouvertes, » Exposition: Constellation, Felice Varini (Nouvelle peinture européenne)

• Rapport au thème : perspective localisée
• Courte description : des lignes tracées sur plusieurs bâtiments qui, vues d’un côté exact, donnent l’impression d’être des arceaux ou des piliers en saillie
• Emplacement et dimension européenne : entrée du Centre Pompidou-Metz, Metz, France
• L’auteur : Felice Varini. Varini est un artiste suisse basé à Paris qui a été nominé pour le prix Marcel Duchamp 2000/2001. Il est surtout connu pour ses peintures géométriques localisées en perspective dans des pièces et d’autres espaces, utilisant les techniques du projecteur et du pochoir. Felice peint sur des espaces architecturaux et urbains, tels que des bâtiments, des murs et des rues. Varini soutient que l’œuvre existe comme un tout – avec sa forme complète ainsi que les fragments. « Ma préoccupation, dit-il, est ce qui se passe en dehors du point de vue de la vue ».
• Possible exploitation pédagogique : Le travail sur la profondeur est précis et donne vraiment l’impression que l’objet dépasse de la « toile ».

Œuvre d’art #8 Les Demoiselles d’Avignon, Picasso (Cubisme)

Cette oeuvre est sous licence, c’est pourquoi elle ne peut pas être présentée dans ce dossier. L’oeuvre originale peut être vue au Museum of Modern Art in New York, USA.

• Rapport au thème : sans perspective, c’était le début de l’éloignement des normes établies par la Renaissance quand ils ont réalisé qu’il y avait d’autres possibilités.
• Courte description : cinq femmes nues, dont deux portent des masques de style africain. Elles forment une sorte de demi-cercle et devant elles se trouve une coupe de fruits.
• Emplacement et dimension européenne : Museum of Modern Art (MoMA), New York, Etats-Unis.
• L’auteur : Pablo Picasso. Picasso était un peintre, sculpteur, graveur, céramiste et décorateur de théâtre espagnol qui a passé la majeure partie de sa vie adulte en France. Considéré comme l’un des artistes les plus influents du 20e siècle, il est connu pour avoir cofondé le mouvement cubiste, l’invention de la sculpture construite, la co-invention du collage et pour la grande variété de styles qu’il a contribué à développer et à explorer. Parmi ses œuvres les plus célèbres, citons le proto-cubiste Les Demoiselles d’Avignon (1907) et Guernica (1937), une représentation dramatique du bombardement de Guernica par les forces aériennes allemandes et italiennes pendant la guerre civile espagnole.
• Possible exploitation pédagogique : Picasso élimine tout le sublime de la tradition, rompant avec le réalisme, les canons de la profondeur spatiale et l’idéal existant du corps féminin, réduisant toute l’œuvre à un ensemble de plans.

Œuvre d’art #9 Mains dessinant, Escher (Art moderne)

• Rapport au thème : 2D et 3D
• Courte description : deux mains qui se peignent l’une l’autre en même temps
• Emplacement et dimension européenne : Il est mentionné dans le livre Gödel, Escher, Bach, de Douglas Hofstadter (Escher était un artiste néerlandais).
• L’auteur : Maurits Cornelis Escher. Escher était un artiste graphique néerlandais qui réalisait des gravures sur bois, des lithographies et des mezzotintes d’inspiration mathématique. Malgré un large intérêt populaire, Escher a été pendant la majeure partie de sa vie négligé dans le monde de l’art, même dans son pays natal, les Pays-Bas. Il a eu 70 ans avant qu’une exposition rétrospective ne soit organisée. À la fin du 20e siècle, il est devenu plus largement apprécié et, au 21e siècle, il a été célébré dans des expositions dans le monde entier.
• Possible exploitation pédagogique : C’est un exemple de ce que l’auteur Douglas Hofstadter a appelé une « boucle étrange », un système paradoxal qui se répète continuellement de manière autoréférentielle sans sembler avoir de début ou de fin. Escher était fasciné par ces récursions paradoxales, qu’il les explore sous la forme d’escaliers, de chutes d’eau ou de mains auto-illustrées. Il s’agit également de l’une des explorations les plus claires d’Escher de l’illusionnisme implicite dans l’art figuratif, la frontière entre le dessin bidimensionnel et la réalité tridimensionnelle étant habilement mise en jeu.

Œuvre d’art #10 La persistance de la mémoire, Dali (Surréalisme)

Cette oeuvre est sous licence, c’est pourquoi elle ne peut pas être présentée dans ce dossier. L’oeuvre originale peut être vue au Museum of Modern Art in New York, USA.

• Rapport au thème : Perspective linéaire
• Courte description : Une plage de vue avec des rochers sur le côté droit en arrière-plan. Un petit arbre ou une branche sortant de ce qui semble être une table. 3 horloges fondantes, une sur la branche, une sur la table, et une autre sur ce qui ressemble à une figure humaine ou animale. Il y a une horloge orange en bas à gauche du tableau, couverte de fourmis.
• Emplacement et dimension européenne : The Museum of Modern Art, New York City, États-Unis (peintre catalan)
• L’auteur : Salvador Dalí. Dalí était un artiste surréaliste espagnol réputé pour ses compétences techniques, la précision de ses dessins et les images frappantes et bizarres de ses œuvres.
• Possible exploitation pédagogique : Cette peinture représente une perspective linéaire. Les objets situés à l’avant de l’œuvre, l’arbre, les horloges, la table, ressortent plus que les objets que l’artiste veut faire remarquer aux spectateurs, comme la montagne, le ciel, l’océan et les rochers à l’arrière-plan.

Activités pratiques

Activité 1 – Analyser une peinture, sa perspective et son contexte

Objectifs

Analyser deux images (en essayant qu’elles soient très différentes l’une de l’autre) et essayer d’identifier quel type de perspective a été utilisé et les raisons derrière les intentions des artistes.

Matériel

Un ordinateur portable, un ordinateur ou une tablette par élève ou par groupe d’élèves et un accès à l’internet.

Phase préparatoire

Montrez les deux tableaux aux élèves, demandez-leur de rechercher la biographie de l’auteur et l’époque.

Développement

Présentez deux œuvres d’art aux élèves et demandez-leur de faire d’abord une petite recherche sur le contexte. L’idée est qu’ils aient une certaine connaissance de la chronologie et qu’il leur soit plus facile de procéder.

Ensuite, en groupes ou individuellement, demandez-leur de noter :

• quel type de perspective a été utilisé ;
• ce qu’ils pensent de ce qui a pu pousser l’artiste à agir de la sorte ;
• comparer une peinture à l’autre.

Exemple de deux peintures qui iraient bien ensemble :

• Documents ou fiches pratiques – ce guide des types de perspectives et comment les identifier :

Types of perspective drawing — Cristina Teaching Art

Références

• Dauben, Joseph W.: The Art of Renaissance Science
• Dutch, Steven: Perspective in Art – Slides
• Perspective art lesson
• Todo Sobre Arte
• Contemporary Art Issue (CAI)
• The Art of Education University
• Sartle ; blog
• Joy of museums virtual tours: Virtual Tours of Museums, Art Galleries, and Historic Sites
• Bavarian State Painting Collections
• Totally History