Introducción

En este dossier trataremos el tema de la perspectiva en el arte y su contexto en Europa. Veremos 10 ejemplos de perspectiva en obras de arte europeas y presentaremos una actividad en el aula que nos ayudará a conocer los distintos tipos de perspectiva y a ver si somos capaces de diferenciarlos.

Los objetivos del dosier son:

• conocer los orígenes de la perspectiva y las razones por las que los artistas sintieron la necesidad de desarrollarla;
• comprender el contexto del progreso de la perspectiva;
• conocer los diferentes estilos de perspectiva y las técnicas utilizadas;
• ser capaz de identificar qué tipo de perspectiva se ha utilizado en un cuadro.

Antecedentes europeos

Hemos elegido el tema de la perspectiva para este dossier por dos razones principales:

• La identidad cultural influye en la creación del arte. Entender por qué los artistas utilizaron un tipo de perspectiva concreto en cada época, puede ayudarnos a averiguar un poco más sobre la obra de arte y su contexto. ¿Qué motivó al artista? ¿Cuál era el mensaje que querían que percibiéramos? En este dossier podemos aprender sobre arte e historia, que son dos conceptos que siempre van de la mano.
• Potenciar el pensamiento creativo de los adultos. El arte fue considerado en su día como una herramienta educativa simple y sencilla. Se creaba con la intención de desmitificar y simplificar conceptos complejos para que se pudieran entender fácilmente. Además, el arte se utilizaba para enfatizar y enfocar conceptos que, aunque nos gustaran, podríamos haber rechazado si no se presentaban de forma explícita o atractiva. La religión -el cristianismo- es un brillante ejemplo de la aplicación educativa del arte en Europa que se ha comunicado a través del arte. El cristianismo europeo ha dejado un vasto legado arquitectónico y artístico, incluidas las esculturas, no porque la Iglesia se preocupara mucho por la belleza, sino porque reconoció su poder. El arte es una potente herramienta de instrucción que puede aumentar el impacto de una noción o idea. No sólo eso, sino que puede actuar como catalizador para potenciar nuestra capacidad creativa. Cuando nos exponemos al entorno del arte, nos ayuda a participar en el pensamiento abstracto y analítico. Nos volvemos más receptivos a ideas y enfoques innovadores.

El tema

La necesidad de representar el espacio en toda su profundidad ha sido objeto de investigación por parte de los artistas desde la antigüedad. La palabra perspectiva, que proviene del latín perspicere, significa «ver a través». Pero más allá de hablar del concepto, es interesante revisar su origen y trayectoria, así como su influencia en la pintura.

A lo largo de la historia, el interés por representar la tercera dimensión en una superficie plana ha estado muy presente. Los griegos fueron los primeros en descubrir el escorzo, que se basa en la idea de que una persona no puede ver un objeto en su totalidad de una vez.

Por ello, representaban en la escultura lo que se podía ver desde un punto determinado, sin tener en cuenta los demás elementos.

En la época griega clásica, los artistas y arquitectos conocían la perspectiva, sabían que los objetos lejanos deben dibujarse más pequeños que los cercanos. Vitruvio lo confirma en el único tratado latino de arquitectura que existe (46 a.C.) cuando menciona específicamente que la perspectiva era bien conocida desde la antigüedad.

Antecedentes

Arte Medieval

Una de las características más destacadas de la pintura medieval, antes del descubrimiento de la perspectiva, era el diferente tamaño de los objetos según su posición relativa en la imagen. Pero la mayoría de las veces esta diferencia de tamaño no guardaba una proporción relativa con los objetos circundantes.

Como se ve en la siguiente imagen, los hombres del fondo son simplemente demasiado grandes para la imagen, y casi tan altos como los árboles. En general, los artistas medievales tendían a hacer que los objetos preeminentes del fondo fueran demasiado grandes en comparación con su representación en perspectiva, aunque entendían claramente que los objetos del fondo parecen reducirse con la distancia.

Dos de los conceptos más importantes en la representación de la escala y la distancia en el arte medieval (precedentes directos de la representación en perspectiva) son la conceptualización y la polidimensionalidad.

En la conceptualización, el tamaño relativo de los objetos de una imagen viene dado principalmente por la importancia absoluta, o relativa, que el autor otorga a ese objeto, independientemente de que esté situado en primer o segundo plano. El resto de los objetos están subordinados, en tamaño y escala relativa, a los principales, produciendo distorsiones en el tamaño de las figuras en las imágenes, como se ve en el siguiente cuadro, en el que Jesús hace su entrada en Jerusalén. El personaje más importante aquí sería Jesús, que es tan alto como los muros de la ciudad.

Otro concepto interesante para entender el arte medieval pre-perspectivo, es la polidimensionalidad. La polidimensionalidad es cuando algunos objetos se muestran desde un punto de vista diferente al del resto de la imagen, buscando casi siempre la mejor posición para mostrar esos objetos. Esto hace que incluso algunas figuras se representen desde diferentes puntos de vista simultáneos, como se ve en la siguiente imagen, donde el muro que rodea el jardín se representa visto desde arriba, en lugar de en horizontal, como el resto de la imagen.

La técnica más habitual en esta época era mezclar ambos tipos de representaciones, como en la imagen anterior, donde a la multidimensionalidad se suma la conceptualización, ya que como vemos, el propio muro del jardín parte del primer plano, aunque es mucho más pequeño que las figuras representadas en el mismo primer plano, ya que al artista no le parecía tan importante.

El que resulta ser el inventor de la perspectiva tal y como la conocemos hoy, es Brunelleschi, el artista italiano, que comenzó a aplicar las técnicas ya descritas de líneas y puntos de fuga a sus construcciones y dibujos, para dar una mayor y más completa sensación de tridimensionalidad y amplitud. Brunelleschi utilizó la perspectiva para plasmar en sus dibujos una aproximación, lo más fiel posible, al resultado final de sus futuras construcciones. Joseph W. Dauben nos muestra, en sus páginas sobre El arte de la ciencia del Renacimiento, dos imágenes: un dibujo del propio Brunelleschi de su Iglesia del Espíritu Santo y una fotografía de la misma iglesia vista desde el mismo lugar que el dibujo, que nos da una idea de la perfección perspectiva de Brunelleschi.

Arte del Renacimiento

Fue en el Renacimiento cuando los pintores florentinos comenzaron a investigar seriamente la perspectiva como ciencia, con sus leyes y principios matemáticos. Genios como Mategna, Ghiberti, Massaccio y otros establecieron ciertos principios necesariamente observables para reproducir la distancia.

Fue Filippo Brunelleschi (1377 – 1446), uno de los grandes arquitectos florentinos del Renacimiento, quien descubrió el sistema matemático para calcular la proporción en que los objetos disminuyen de tamaño a medida que se alejan.

Las teorías de Brunelleschi influyeron en Paolo Uccelo (1397 – 1476). En su famosa escena de la Batalla de San Romano, pintada hacia 1450, Uccello aplicó la geometría en su composición. En el primer plano pintó un soldado muerto, el primer cuerpo en escorzo que aparece en un cuadro. Sin embargo, la obra de Ucello es algo rígida; no dominaba el uso de las luces y las sombras, tan importantes para enfatizar la profundidad y el espacio.

La principal característica del Renacimiento fue la fase en la que se alejaron del concepto medieval de Dios (y la iglesia) como centro omnipotente de la vida, adquiriendo más interés en el estudio de los hombres y el mundo natural.

Leonardo Da Vinci (1452 – 1519), estudiante de botánica, anatomía, ingeniería y pintura, representa el espíritu investigador del Renacimiento.

Aunque ya se había utilizado en la antigüedad, es Da Vinci quien impone la perspectiva atmosférica en el Renacimiento, consiguiendo un efecto de perspectiva mucho más logrado, y rompiendo con la impresión de dureza y rigidez de la pintura del Quattrocento, que ha evolucionado en perspectiva, pero sólo linealmente (a partir de puntos de fuga).

De todos los tipos de perspectiva, la atmosférica (también llamada «aérea») es la más eficaz, ya que utiliza en su concepción el papel que desempeñan la luz y el color en nuestra percepción.

Produce la sensación de profundidad imitando el efecto de la atmósfera, de manera que los objetos aparecen más pálidos y azules cuanto más lejos están del espectador.

La razón es muy sencilla: las partículas de polvo y humedad que flotan en la atmósfera dispersan la luz. La luz de menor longitud de onda (azul) se dispersa más y la luz de mayor longitud de onda (roja) se dispersa menos. Por eso el cielo es azul y los objetos oscuros vistos desde la distancia tienen un color azulado.

Los artistas reproducen este efecto natural utilizando tonos tenues, pálidos y azulados en el horizonte.

Leonardo lo explica de esta manera: «De las cosas más oscuras que el aire, la más lejana será la menos oscura. De las cosas más claras que el aire, la menos blanca será la más alejada del ojo».

Los artistas del Renacimiento se interesaron rápidamente por conocer las leyes y los principios de la perspectiva para añadir esa actitud a sus obras.

Alberto Durero (1471-1528) empleó meticulosamente la nueva técnica de la perspectiva para añadir detalle y precisión a sus obras. Su famosa «Liebre» pintada en 1502 es una lección de dibujo ilustrativo.

El Renacimiento que se extendió en Europa durante el siglo XV desplazó el foco de atención hacia el hombre y, apoyado en los avances de la filosofía y la ciencia, aportó una nueva disciplina analítica y perspectiva para representar la forma y el espacio. Las figuras adquieren mayor volumen y flexibilidad cuyos escenarios mostraban con mayor claridad el espacio tridimensional.

Trabajando con modelos humanos y copiando el entorno en el que vivían. Los artistas comenzaron a dibujar lo que veían en lugar de basarse en los convencionalismos adquirieron el estudio de la anatomía y la perspectiva se convirtió en parte del trabajo del artista, lo que les permitió representar adecuadamente lo que veían.

Impresionismo

El uso del dibujo como medio de investigación de la naturaleza, la experimentación con la geometría, la perspectiva, la proporción, la composición y la libre expresión como producto del Renacimiento dominaron el arte y la formación artística en Occidente, hasta la aparición del Modernismo a finales del siglo XIX, especialmente relacionado con los impresionistas y postimpresionistas.

Los impresionistas, sin dejar de representar el mundo real, aceptaron la bidimensionalidad del plano: el arte ya no era sólo figurativo, sino también abstracto. Con estas nuevas actitudes, se animó a los artistas a estudiar otras tradiciones artísticas no occidentales, lo que se convirtió en algo cada vez más importante para los estudiosos del dibujo, ya que muchas de estas tradiciones se han incorporado a la obra de muchos artistas de los siglos XIX y XX.

Arte moderno

El arte moderno representa un conjunto de ideas en evolución entre una serie de pintores, escultores, escritores y artistas que, tanto individual como colectivamente, buscaron nuevos enfoques en el ámbito del arte. Aunque el arte moderno comenzó en retrospectiva alrededor de 1850 con la llegada del realismo, los enfoques y estilos del arte moderno se definieron y redefinieron a lo largo del siglo XX. Los practicantes de cada nuevo estilo estaban decididos a desarrollar un lenguaje visual que fuera original y representativo de la época.

Desde el Renacimiento hasta el siglo XIX, el plano pictórico fue visto como una ventana, a través de la cual se veía el mundo.

Crak! de Roy Lichtenstein, 1964 – courtesy of ©The Estate of Roy Lichtenstein. This artwork is under a copyright, therefore it cannot be used in this dossier. The original artwork is now in the National Gallery of Art in Washington, USA.

El holandés Mauris Cornelis Escher (1898-1972) fue un dibujante y grabador que revolucionó la perspectiva del plano y es considerado el intérprete de los conceptos matemáticos, por qué son abstractos por definición, que sustentan la relatividad del espacio-tiempo propuesta por Einstein en 1905 y 1915, idea que continuaron sus seguidores, ampliándola, profundizándola e incluso modificándola.

La perspectiva es sin duda uno de los recursos más importantes que hacen que sus grabados y dibujos sean tan interesantes. A menudo utiliza juegos visuales para superponer simultáneamente varios puntos de vista de un mismo objeto o espacio, generalmente geométrico. Esta transgresión o combinación de las reglas de representación requiere un gran control de los planos de proyección y un conocimiento de la óptica para generar estas perspectivas imposibles. Así, con referencias a los poliedros y a las dimensiones geométricas opuestas, con juegos de percepción propios de los ilusionistas, Escher trabajó con la perspectiva como medio para jugar con ciertos conceptos.

Los juegos ópticos y los engaños perceptivos que realiza sobre el plano del papel hacen que su dibujo se convierta, en cierto modo, en una poesía visual. Su obra tiende a crear una confrontación o dicotomía entre conceptos como el día y la noche, el mar y el cielo, la simetría de la composición o la confusión entre opuestos como el descenso y el ascenso, la caída y la subida. En sus redes modulares, un animal suele transformarse en otro, o encajar en su vacío, en el negativo de su forma. Su imaginería también remite a un circuito infinito, a un círculo de eterno retorno o de movimiento perpetuo. Estas imágenes poéticas nos hablan de una idea muy propia de su tiempo: la relatividad tanto de la percepción como del sentido de las cosas. Todo lo que sube baja, o quizás sube y baja simultáneamente, porque todo depende del punto de vista desde el que se muestre.

En sus dibujos, el espacio se simula con diversos códigos de representación que establecen varios niveles de lectura y crean un trampantojo que nos hace reflexionar sobre lo que es real y lo que es dibujo. En este sentido, Escher construye el espacio más allá de la perspectiva, simulando que la creación cobra vida en el papel, que los dibujos de las teselas se hacen reales o directamente que es la mano dibujada la que se dibuja a sí misma. Este gran control técnico de los códigos espaciales, tanto bidimensionales como tridimensionales, es lo que hace que sus obras tengan un acabado casi matemático, y da veracidad al engaño.

Dicen que no hay coincidencias, sobre todo en los campos de la ciencia y el arte, que, salvo excepciones, van de la mano. Escher, al igual que Leonardo da Vinci en su momento, logró captar el momento crucial de la civilización en la que se desarrollaron.

Arte posmoderno

El posmodernismo es un término muy complejo, que tiene diferentes enfoques según el autor o artista al que nos refiramos. No es un término que defina un estilo artístico. Al igual que el término modernidad, la postmodernidad define un periodo cultural.

Dentro de este tipo de arte, son relevantes para el tema de la perspectiva en el contexto de Europa.

Expresionismo abstracto – Mark Tobey

En un intento de negar las formas y diseños tradicionales, adoptó las técnicas de la caligrafía oriental para crear lo que denominó escritura blanca, un confuso patrón de líneas filiformes de tinta blanca sobre un fondo oscuro. En estas obras se sugiere una sensación de profundidad por la superposición de líneas más que por el uso de la perspectiva tradicional.

Op Art

Entre las obras más representativas del Op Art se encuentran los cuadros pintados por Victor Vasarely durante las décadas de 1960 y 1970. En Vonal-Stri (1975) la mirada se precipita hacia el cuadrado negro del centro del lienzo. La sensación de movimiento se ve reforzada por la ilusión de curvatura del plano de la izquierda.

Nueva pintura europea

La Nueva Pintura Europea es un término artístico histórico utilizado para describir la pintura contemporánea en Europa desde los años 80 y 90 hasta la actualidad. Este movimiento se caracteriza por una nueva figuración en relación con la abstracción americana anteriormente dominante, marcada por nuestra historia colectiva, la memoria y el trauma de la posguerra.

Cuando pensamos en la perspectiva en términos tradicionales, lo más probable es que la asociemos con el concepto de perspectiva lineal, de uno y dos puntos.

Los artistas postmodernos y contemporáneos actuales llevan el principio de la perspectiva más allá del concepto básico de la perspectiva lineal y lo contemplan desde una perspectiva totalmente diferente.

Julian Beever es un conocido artista callejero que utiliza la anamorfosis para crear la ilusión de tres dimensiones. Cuando se ven desde el ángulo preferido, los dibujos de las aceras de Beever tienen una altura y profundidad que asombran al espectador. Sin embargo, con sólo caminar alrededor de estos dibujos de acera, la ilusión se pierde.

Felice Varini también incorpora el concepto de perspectiva localizada en su obra. Cuando se ven desde el ángulo correcto, las pinturas de líneas y círculos de Varini flotan mágicamente en el espacio. Cuando el espectador se desplaza ligeramente hacia la izquierda o la derecha, la obra parece no ser más que extrañas marcas en las paredes y el suelo.

Enfoque pedagógico

¿Por qué este tema es relevante para los estudiantes adultos?

La historia del arte nos proporciona un medio para entender nuestro pasado humano y su relación con nuestro presente, porque el acto de hacer arte es una de las actividades más ubicuas de la humanidad. La perspectiva es relevante en este caso porque nos ayuda a entender lo que le importaba al artista en cada periodo. Por ejemplo, en la perspectiva teórica podemos ver un reflejo de la sociedad de entonces. Con el Renacimiento empezamos a ver cómo la curiosidad y la necesidad de profundizar comienza.

El aprendizaje de la perspectiva en el arte de la historia europea también puede potenciar la creatividad de los estudiantes adultos, y proporcionarles más herramientas para entender y explicar el arte.

¿Cuáles son los resultados del aprendizaje al integrar este tema cultural/artístico con una actividad educativa?

Todos los niños en la escuela aprenden a dibujar un cubo. Los fundamentos de la perspectiva. Todo lo que nos rodea sigue estas reglas de perspectiva. Hemos aprendido sobre ella: todo es una ilusión, pero las habilidades de la técnica de la perspectiva desempeñan un papel importante en el dibujo y la pintura. Cuando pintamos con esas habilidades, podemos entender mejor el panorama general de nuestra obra. Así que, si enseñamos a nuestros alumnos a utilizar esas habilidades de perspectiva, les ayudaremos a tener un punto de vista más espacial del mundo del arte.

Cómo hacerlo: estrategias, herramientas y técnicas.

Los alumnos adultos estudiarán la historia de determinadas obras de arte a través de las técnicas utilizadas y podrán crear su propia pintura poniendo en práctica esos conocimientos.

Obras de arte

Obra de arte #1 La Tempestad de Giorgione (Renacimiento)

• Su posición-relación con el tema: perspectiva aérea o perspectiva atmosférica
• Su posición-relación con el tema: perspectiva aérea o perspectiva atmosférica
• Breve descripción: un paisaje natural con elementos arquitectónicos y tres personajes visibles en primer plano. En el fondo se aprecia que las estructuras están a punto de ser tomadas por una tormenta.
• Breve descripción: un paisaje natural con elementos arquitectónicos y tres personajes visibles en primer plano. En el fondo se aprecia que las estructuras están a punto de ser tomadas por una tormenta.
• Posible explotación educativa: Giorgione fue un maestro de la perspectiva aérea. La utilizó tan correctamente que alcanza niveles sublimes de realismo. En este cuadro podemos apreciar una notable perspectiva aérea: el color se degrada a medida que aumenta la distancia, al igual que la nitidez de los contornos, que casi desaparece en el fondo del paisaje. El contraste entre la claridad de los colores y los contornos del primer plano y el fondo negro y amenazante de la tormenta es muy evidente. Las líneas de fuga son claras: el arroyo y la línea de casas.

Obra de arte #2 Las Meninas de Velázquez (Barroco)

• Su posición-relación con el tema: perspectiva aérea o perspectiva atmosférica
• Breve descripción: hay una sala oscura cuyo centro es el retrato de la infanta Margarita rodeada de su pequeña corte. A la izquierda está Velázquez delante de un lienzo. Al fondo hay cuadros y un hombre de pie en una puerta.
• Ubicación y dimensión europea: Museo del Prado, Madrid, España
• El autor: Diego Velázquez. Velázquez fue un pintor español, el principal artista de la corte del rey Felipe IV de España y Portugal, y del Siglo de Oro español (c.1600 – 1750). Comenzó a pintar en un estilo tenebrista preciso, desarrollando más tarde una manera más libre caracterizada por una pincelada audaz. Además de numerosas representaciones de escenas de importancia histórica y cultural, pintó decenas de retratos de la familia real española y de plebeyos, que culminaron en su obra maestra Las Meninas (1656).
• Posible explotación educativa: esta gran obra es la biblia de la perspectiva, un compendio de todas las estrategias destinadas a engañarnos espacialmente mediante la recreación de un espacio ilusorio. En las Meninas encontramos:

• Perspectiva lineal: con líneas y puntos de fuga
• Perspectiva de color
• Perspectiva decreciente
• Punto de vista alto
• Punto de vista alto

Obra de arte #3 Retablo de San Cristóbal, pintor desconocido (gótico)

• Su posición-relación con el tema: perspectiva teológica
• Breve descripción: un santo en el centro del retablo con imágenes de clérigos a su alrededor.
• Ubicación y dimensión europea: Museo del Prado, Madrid, España
• El autor: desconocido
• Posible explotación educativa: en el arte gótico medieval las figuras más importantes, en este caso San Cristóbal, son de mayor tamaño. No encontramos sensación de profundidad, solo figuras sobre una superficie plana. Los colores no presentan gradación ni se reflejan efectos de luz. Es como un dibujo infantil, espléndido en su sencillez e ingenio, pero carente de ciencia pictórica que pueda asemejar la pintura a la realidad.

Obra de arte #4 La Mona Lisa de da Vinci (Renacimiento italiano)

• Su posición-relación con el tema: sfumato
• Breve descripción: retrato de una mujer medio sonriente con las manos apoyadas una sobre otra
• Ubicación y dimensión europea: el Museo del Louvre, Paris, Francia
• El autor: Leonardo da Vinci. Da Vinci fue un polímata italiano del Alto Renacimiento que ejerció como pintor, dibujante, ingeniero, científico, teórico, escultor y arquitecto. El genio de Leonardo personificó el ideal humanista del Renacimiento, y su obra colectiva constituye una contribución a las generaciones posteriores de artistas solo igualada por la de su joven contemporáneo, Miguel Ángel.
• Posible explotación pedagógica: las inquietudes pictóricas de Da Vinci le llevaron a investigar en el campo de la perspectiva, donde aportó su famoso “sfumato”, técnica consistente en difuminar los contornos, prescindiendo de la línea negra que contiene las figuras y consiguiendo una atmósfera vaporosa y sugerente. Con el sfumato gradual (cuanto más lejos, más evidente) se consigue una gran sensación de realismo, los objetos aparecen más borrosos cuanto mayor es la distancia entre ellos.

Obra de arte #5 La Escuela de Atenas de Rafael (Renacimiento italiano)

• Su posición-relación con el tema: perspectiva cónica o frontal
• Breve descripción: se representa una escena idealizada del mundo clásico y su relación con la filosofía. Así Rafael reúne en un mismo espacio a todos los filósofos clásicos, situando en el centro a Platón y Aristóteles. Heráclito, Euclides, Alcibíades, Diógenes, Protágoras, etc., hacen también su aparición en esta pintura. Como curiosidad, muchas de estas figuras clásicas están representadas a través de retratos de sus contemporáneos.
• Ubicació y dimensión europea: Palacio Apostólico, Ciudad del Vaticano
• El autor: Rafael Sanzio. Rafael fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Su obra es admirada por la claridad de sus formas, la facilidad de su composición y el logro visual del ideal neoplatónico de grandeza humana.
• Posible explotación pedagógica: En el fresco vemos una composición absolutamente simétrica y equilibrada (las figuras se distribuyen en masas simétricas a derecha e izquierda del eje vertical de la imagen, así como los elementos de la arquitectura representada). La imagen está ordenada con un dibujo muy preciso, con una clara preponderancia del color y una perfecta perspectiva cónica frontal (cuyo punto de fuga está en el eje vertical de la imagen) y permite representar con absoluta precisión la arquitectura en la que se sitúan los personajes.

Obra de arte #6 Mural en un edificio de Patrick Commecy (Nueva Pintura Europea)

• Su posición-relación con el tema: perspectiva y profundidad perfectas con efecto 3D
• Breve descripción: un callejón con escaleras y vecinos haciendo su vida cotidiana, pintado en el lateral de un edificio
• Ubicación y dimensión europea: Eyzin-Pinet, Francia
• El autor: El artista francés Patrick Commecy tiene su sede en Eyzin-Pinet (Francia), pero viaja por todo el país para pintar paredes. Utilizando la fachada de los edificios como lienzo, capta la historia y la cultura del lugar a través de su arte. Commecy utiliza el trompe-l’œil, una técnica en la que se utilizan escenas de aspecto realista para crear ilusiones ópticas. Lo interesante aquí es que, aunque estas fachadas realistas pero falsas engañan a primera vista, algunas de las personas pintadas fueron en su día reales. Commecy suele pintar a muchas personas notables de la historia de la ciudad en la que se encuentra el mural.
• Posible explotación educativa: el trabajo de perspectiva es tan preciso, que realmente parece que hay un callejón en medio del edificio

Obra de arte #7 «Cinq Ellipses Ouvertes», Exposición: Constelación de Felice Varini (Nueva Pintura Europea)

• Su posición-relación con el tema: perspectiva localizada
• Breve descripción: líneas dibujadas en varios edificios que vistas desde un lado exacto dan la impresión de ser aros o pilares salientes
• Ubicación y dimensión europea: entrada del Centro Pompidou-Metz, Metz, Francia
• El autor: Felice Varini. Varini es un artista suizo afincado en París que fue nominado para el Premio Marcel Duchamp 2000/2001, Es conocido sobre todo por sus pinturas geométricas de perspectiva localizada en habitaciones y otros espacios, utilizando técnicas de proyector-plantilla. Felice pinta sobre espacios arquitectónicos y urbanos, como edificios, paredes y calles. Varini sostiene que la obra existe como un todo, tanto con su forma completa como con los fragmentos. «Mi preocupación», dice, «es lo que ocurre fuera del punto de vista.»
• Possible educational exploitation: The depth work is accurate and really gives the impression that the object is protruding from the «canvas»

Obra de arte #8 Les Demoiselles d’Avignon (Las señoritas de la calle de Avinyó) de Picasso (Cubismo)

This artwork is under a copyright, therefore it cannot be presented in this dossier. The original artwork can be seen in Museum of Modern Art in New York, USA.

• Su posición-relación con el tema: sin perspectiva, esto fue el comienzo de alejarse de las normas establecidas por el Renacimiento cuando se dieron cuenta de que hay otras posibilidades
• Breve descripción: cinco mujeres desnudas, dos de ellas con máscaras de estilo africano. Están en una especie de medio círculo y delante de ellas hay un cuenco de fruta.
• Ubicación y dimensión europea: Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York, Estados Unidos
• El autor: Pablo Picasso. Picasso fue un pintor, escultor, grabador, ceramista y diseñador teatral español que pasó la mayor parte de su vida adulta en Francia. Considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX, es conocido por ser el cofundador del movimiento cubista, la invención de la escultura construida, la co-invención del collage y por la gran variedad de estilos que ayudó a desarrollar y explorar. Entre sus obras más famosas están la protocubista Les Demoiselles d’Avignon (1907) y el Guernica (1937), una dramática representación del bombardeo de Guernica por las fuerzas aéreas alemanas e italianas durante la Guerra Civil española.
• Posible explotación pedagógica: Picasso elimina todo lo sublime de la tradición, rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente del cuerpo femenino, reduciendo toda la obra a un conjunto de planos

Obra de arte #9 Manos que dibujan de Escher (Arte Moderno)

• Su posición-relación con el tema: 2D y 3D
• Short description: two hands painting each other at the same time
• Location and European dimension: It is referenced in the book Gödel, Escher, Bach, by Douglas Hofstadter (Escher was a dutch artist)
• El autor: Maurits Cornelis Escher. Escher fue un artista gráfico holandés que realizó xilografías, litografías y mezzotintas de inspiración matemática. A pesar del gran interés popular, Escher fue ignorado durante la mayor parte de su vida en el mundo del arte, incluso en su Holanda natal. Tenía 70 años antes de que se celebrara una exposición retrospectiva. A finales del siglo XX fue más apreciado, y en el siglo XXI ha sido celebrado en exposiciones de todo el mundo.
• Posible explotación educativa: Es un ejemplo de lo que el autor Douglas Hofstadter ha llamado un «bucle extraño», un sistema paradójico que se repite continuamente de forma autorreferencial sin que parezca tener un principio o un final. A Escher le fascinaban estas recursiones paradójicas, tanto si las exploraba en forma de escaleras, cascadas o manos autoilustradas. Esta es también una de las exploraciones más claras de Escher sobre el ilusionismo implícito en el arte representativo, ya que la línea entre el dibujo bidimensional y la realidad tridimensional están hábilmente en juego.

Obra de arte #10 La persistencia de la memoria de Dalí (Surrealismo)

This artwork is under a copyright, therefore it cannot be presented in this dossier. The original artwork can be seen in Museum of Modern Art in New York, USA.

• Su posición-relación con el tema: Perspectiva lineal
• Breve descripción: una playa a la vista con rocas a la derecha en el fondo. Un pequeño árbol o rama que sale lo que parece ser una mesa. 3 relojes fundidos, uno en la rama, otro en la mesa y otro sobre lo que parece una figura humana o animal. Hay en un reloj naranja en la parte inferior izquierda del cuadro cubierto de hormigas.
• Location and European dimension: The Museum of Modern Art, New York City, United States (Catalan painter)
• El autor: Salvador Dalí. Dalí fue un artista surrealista español reconocido por su habilidad técnica, su precisión en el dibujo y las impactantes y extrañas imágenes de su obra.
• Posible explotación educativa: Este cuadro representa una perspectiva lineal. Los objetos delante de la obra, el árbol, los relojes, la mesa destacan más que los objetos en los que el artista quiere que se fijen los espectadores como la montaña, el cielo, el océano y las rocas del fondo.

Actividades prácticas

Actividad 1 – Analizar un cuadro, su perspectiva y su contexto

Objetivos

Analizar dos cuadros (intentar que sean muy diferentes entre sí) e intentar identificar qué tipo de perspectiva se ha utilizado y las razones de las intenciones de los artistas.

Materiales

Un portátil, ordenador o tablet por estudiante o por grupo de estudiantes y acceso a Internet.

Etapa preparatoria 

Mostrar los dos cuadros a los alumnos, pedirles que busquen la biografía del autor y la época.

Desarrollo

Presenta dos obras de arte a los alumnos y pídeles que investiguen primero un poco sobre el contexto. La idea es que tengan algún conocimiento de la línea de tiempo para que les resulte más fácil continuar.

Luego, en equipos o individualmente, pídeles que escriban:

• qué tipo de perspectiva se ha utilizado;
• qué piensan sobre lo que pudo mover al artista a hacerlo así;
• comparar un cuadro con el otro.

Ejemplo de dos cuadros que irían bien juntos:

• Folletos o fichas prácticas – esta guía de tipos de perspectiva y cómo identificarlos:

Types of perspective drawing — Cristina Teaching Art

Referencias

• Dauben, Joseph W.: The Art of Renaissance Science
• Dutch, Steven: Perspective in Art – Slides
• Perspective art lesson
• Todo Sobre Arte
• Contemporary Art Issue (CAI)
• The Art of Education University
• Sartle ; blog
• Joy of museums virtual tours: Virtual Tours of Museums, Art Galleries, and Historic Sites
• Bavarian State Painting Collections
• Totally History