Εισαγωγή

Σε αυτόν τον φάκελο, θα καλύψουμε το θέμα της προοπτικής στην τέχνη και το πλαίσιό της στην Ευρώπη. Θα εξετάσουμε 10 παραδείγματα προοπτικής σε ευρωπαϊκά έργα τέχνης και θα παρουσιάσουμε μια δραστηριότητα στην τάξη που θα μας βοηθήσει να μάθουμε για τους διαφορετικούς τύπους προοπτικής και να δούμε αν μπορούμε να διακρίνουμε τη διαφορά μεταξύ τους.

Οι στόχοι του φακέλου είναι:

• να μάθετε για την προέλευση της προοπτικής και τους λόγους για τους οποίους οι καλλιτέχνες αισθάνθηκαν την ανάγκη να την αναπτύξουν περαιτέρω
• να κατανοήσετε το πλαίσιο της εξέλιξης της προοπτικής,
• να μάθετε τα διάφορα στυλ της προοπτικής και τις τεχνικές που χρησιμοποιούνται,
• να μάθετε τα διάφορα στυλ της προοπτικής και τις τεχνικές που χρησιμοποιούνται,

Ευρωπαϊκό υπόβαθρο

Επιλέξαμε το θέμα της προοπτικής για τον παρόντα φάκελο για δύο πρωταρχικούς λόγους:

• Η πολιτιστική ταυτότητα επηρεάζει τη δημιουργία της τέχνης. Το να κατανοήσουμε γιατί οι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν ένα συγκεκριμένο είδος προοπτικής σε κάθε περίοδο, μπορεί να μας βοηθήσει να μάθουμε λίγο περισσότερα για το έργο τέχνης και το πλαίσιό του. Τι κίνησε τον καλλιτέχνη; Ποιο ήταν το μήνυμα που ήθελαν να αντιληφθούμε; Σε αυτόν τον φάκελο μπορούμε να μάθουμε για την τέχνη και την ιστορία, δύο έννοιες που πάντοτε συμβαδίζουν.
• Ενίσχυση της δημιουργικής σκέψης των ενηλίκων. Κάποτε η τέχνη θεωρούνταν ένα απλό και ευθύ εκπαιδευτικό εργαλείο. Δημιουργήθηκε με σκοπό να απομυθοποιήσει και να απλοποιήσει πολύπλοκες έννοιες, ώστε να γίνουν εύκολα κατανοητές. Επίσης, η τέχνη αξιοποιήθηκε για να τονίσει και να εστιάσει σε έννοιες που, ακόμη και αν μας άρεσαν, μπορεί να τις είχαμε απορρίψει αν δεν παρουσιάζονταν με σαφή ή ελκυστικό τρόπο. Η θρησκεία – ο χριστιανισμός – είναι ένα λαμπρό παράδειγμα της εκπαιδευτικής εφαρμογής της τέχνης στην Ευρώπη που μεταδόθηκε μέσω της τέχνης. Ο ευρωπαϊκός χριστιανισμός έχει αφήσει μια τεράστια αρχιτεκτονική και καλλιτεχνική κληρονομιά, συμπεριλαμβανομένων των γλυπτών, όχι επειδή η Εκκλησία ενδιαφέρθηκε τόσο πολύ για την ομορφιά, αλλά επειδή αναγνώρισε τη δύναμή της. Η τέχνη είναι ένα ισχυρό διδακτικό εργαλείο που μπορεί να αυξήσει τον αντίκτυπο μιας έννοιας ή μιας ιδέας. Όχι μόνο αυτό, αλλά μπορεί να λειτουργήσει ως καταλύτης για την ενδυνάμωση της δημιουργικής μας ικανότητας. Όταν είμαστε εκτεθειμένοι σε περιβάλλον τέχνης, μας βοηθά να ασχοληθούμε με την αφηρημένη και αναλυτική σκέψη. Γινόμαστε πιο δεκτικοί σε ιδέες και προσεγγίσεις που ξεφεύγουν από το πλαίσιο.

Το θέμα

Η ανάγκη αναπαράστασης του χώρου σε όλο του το βάθος αποτελεί αντικείμενο έρευνας των καλλιτεχνών από παλιά. Η λέξη προοπτική, η οποία προέρχεται από το λατινικό perspicere, σημαίνει “βλέπω μέσα από την προοπτική”. Πέρα όμως από το να μιλήσουμε για την έννοια, είναι ενδιαφέρον να εξετάσουμε την προέλευση και την πορεία της, καθώς και την επιρροή της στη ζωγραφική.

Σε όλη τη διάρκεια της ιστορίας, το ενδιαφέρον για την αναπαράσταση της τρίτης διάστασης σε μια επίπεδη επιφάνεια ήταν πολύ έντονο. Οι Έλληνες ήταν οι πρώτοι που ανακάλυψαν τη συντόμευση, η οποία βασίζεται στην ιδέα ότι ο άνθρωπος δεν μπορεί να δει ένα αντικείμενο στο σύνολό του ταυτόχρονα.

Ως εκ τούτου, αναπαριστούσαν στη γλυπτική αυτό που μπορούσε να δει κανείς από ένα συγκεκριμένο σημείο, χωρίς να λαμβάνουν υπόψη τα άλλα στοιχεία.

Στην κλασική ελληνική εποχή, οι καλλιτέχνες και οι αρχιτέκτονες γνώριζαν την προοπτική, ήξεραν ότι τα μακρινά αντικείμενα πρέπει να σχεδιάζονται μικρότερα από εκείνα που βρίσκονται κοντά. Ο Βιτρούβιος το επιβεβαιώνει αυτό στη μοναδική λατινική πραγματεία για την αρχιτεκτονική που υπάρχει (46 π.Χ.), όταν αναφέρει συγκεκριμένα ότι η προοπτική ήταν γνωστή από την αρχαιότητα.

Ιστορικό

Μεσαιωνική τέχνη

Ένα από τα πιο εξέχοντα χαρακτηριστικά της μεσαιωνικής ζωγραφικής, πριν από την ανακάλυψη της προοπτικής, ήταν το διαφορετικό μέγεθος των αντικειμένων ανάλογα με τη σχετική τους θέση στην εικόνα. Αλλά τις περισσότερες φορές αυτή η διαφορά μεγέθους δεν διατηρούσε μια σχετική αναλογία με τα γύρω αντικείμενα.

Όπως φαίνεται στην ακόλουθη εικόνα, οι άνδρες στο βάθος είναι απλώς πολύ μεγάλοι για την εικόνα και σχεδόν τόσο ψηλοί όσο τα δέντρα. Γενικά, οι μεσαιωνικοί καλλιτέχνες είχαν την τάση να κάνουν τα προεξέχοντα αντικείμενα στο φόντο πολύ μεγάλα σε σχέση με την προοπτική απεικόνισή τους, παρόλο που κατανοούσαν σαφώς ότι τα αντικείμενα στο φόντο φαίνονται να μικραίνουν με την απόσταση.

Δύο από τις σημαντικότερες έννοιες για την αναπαράσταση της κλίμακας και της απόστασης στη μεσαιωνική τέχνη (άμεσα προηγούμενα της προοπτικής αναπαράστασης) είναι η εννοιολόγηση και η πολυδιάστατη αναπαράσταση.

Στην εννοιολόγηση, το σχετικό μέγεθος των αντικειμένων σε μια εικόνα δίνεται κυρίως από την απόλυτη, ή σχετική, σημασία που δίνει ο δημιουργός στο συγκεκριμένο αντικείμενο, ανεξάρτητα από το αν βρίσκεται στο προσκήνιο ή στο φόντο. Τα υπόλοιπα αντικείμενα υποτάσσονται, ως προς το μέγεθος και τη σχετική κλίμακα, στα κύρια, δημιουργώντας παραμορφώσεις στο μέγεθος των μορφών στις εικόνες, όπως φαίνεται στον ακόλουθο πίνακα, στον οποίο ο Ιησούς κάνει την είσοδό του στην Ιερουσαλήμ. Η πιο σημαντική φιγούρα εδώ θα ήταν ο Ιησούς, ο οποίος είναι τόσο ψηλός όσο τα τείχη της πόλης.

Μια άλλη ενδιαφέρουσα έννοια για την κατανόηση της προ-προοπτικής μεσαιωνικής τέχνης, είναι η πολυδιάσταση. Η πολυδιάσταση είναι όταν ορισμένα αντικείμενα παρουσιάζονται από διαφορετική οπτική γωνία από την υπόλοιπη εικόνα, αναζητώντας σχεδόν πάντα την καλύτερη θέση για την παρουσίαση αυτών των αντικειμένων. Αυτό έχει ως αποτέλεσμα ακόμη και ορισμένες μορφές να αναπαρίστανται από διαφορετικές ταυτόχρονες οπτικές γωνίες, όπως φαίνεται στην ακόλουθη εικόνα, όπου ο τοίχος που περιβάλλει τον κήπο αναπαρίσταται όπως φαίνεται από ψηλά, αντί οριζόντια, όπως η υπόλοιπη εικόνα.

Η πιο συνηθισμένη τεχνική αυτής της περιόδου ήταν να αναμειγνύονται και οι δύο τύποι αναπαραστάσεων, όπως στην προηγούμενη εικόνα, όπου στην πολυδιάσταση προστίθεται και η νοηματοδότηση, διότι όπως βλέπουμε, ο ίδιος ο τοίχος του κήπου ξεκινά από το προσκήνιο, αν και είναι πολύ μικρότερος από τις μορφές που αναπαρίστανται στο ίδιο προσκήνιο, καθώς ο artista δεν τον θεωρούσε τόσο σημαντικό.

Το πρόσωπο που τυχαίνει να είναι ο εφευρέτης της προοπτικής όπως την ξέρουμε σήμερα, είναι ο Brunelleschi, ο Ιταλός καλλιτέχνης, ο οποίος άρχισε να εφαρμόζει τις τεχνικές που ήδη περιγράφηκαν των γραμμών και των σημείων φυγής στις κατασκευές και τα σχέδιά του, για να δώσει μια μεγαλύτερη και πληρέστερη αίσθηση τρισδιάστατης εικόνας και ευρυχωρίας. Ο Brunelleschi χρησιμοποίησε την προοπτική για να αποτυπώσει στα σχέδιά του μια όσο το δυνατόν πιο πιστή προσέγγιση του τελικού αποτελέσματος των μελλοντικών κατασκευών του. Ο Joseph W. Dauben μας δείχνει, στις σελίδες του για την τέχνη της αναγεννησιακής επιστήμης, δύο εικόνες: ένα σχέδιο του ίδιου του Brunelleschi για την εκκλησία του Αγίου Πνεύματος και μια φωτογραφία της ίδιας εκκλησίας ιδωμένη από το ίδιο σημείο με το σχέδιο, η οποία μας δίνει μια ιδέα της προοπτικής τελειότητας του Brunelleschi.

Αναγεννησιακή τέχνη

Ήταν στην Αναγέννηση όταν οι Φλωρεντινοί ζωγράφοι άρχισαν να ερευνούν σοβαρά την προοπτική ως επιστήμη, με τους νόμους και τις μαθηματικές αρχές της. Ιδιοφυΐες όπως ο Mategna, ο Ghiberti, ο Massaccio και άλλοι καθιέρωσαν ορισμένες απαραιτήτως παρατηρήσιμες αρχές για την αναπαραγωγή της απόστασης.

Ο Filippo Brunelleschi (1377 – 1446), ένας από τους μεγάλους φλωρεντινούς αρχιτέκτονες της Αναγέννησης, ήταν αυτός που ανακάλυψε το μαθηματικό σύστημα υπολογισμού της αναλογίας με την οποία τα αντικείμενα μειώνονται σε μέγεθος καθώς απομακρύνονται.

Οι θεωρίες του Brunelleschi επηρέασαν τον Paolo Uccelo (1397 – 1476). Στη διάσημη σκηνή του με τη μάχη του San Romano, που ζωγράφισε γύρω στο 1450, ο Uccello εφάρμοσε τη γεωμετρία στη σύνθεσή του. Στο προσκήνιο ζωγράφισε έναν νεκρό στρατιώτη, το πρώτο σώμα που εμφανίστηκε σε πίνακα ζωγραφικής με πρόβολο. Ωστόσο, το έργο του Ουτσέλο είναι κάπως άκαμπτο- δεν κατέκτησε τη χρήση του φωτός και της σκιάς, τόσο σημαντική για την ανάδειξη του βάθους και του χώρου.

Το κύριο χαρακτηριστικό της Αναγέννησης ήταν η φάση που απομακρύνθηκε από τη μεσαιωνική αντίληψη του Θεού (και της εκκλησίας) ως το παντοδύναμο κέντρο της ζωής, αποκτώντας μεγαλύτερο ενδιαφέρον για τη μελέτη των ανθρώπων και του φυσικού κόσμου.

Ο Λεονάρντο Ντα Βίντσι (1452 – 1519), σπουδαστής της βοτανικής, της ανατομίας, της μηχανικής και της ζωγραφικής, αντιπροσωπεύει το ερευνητικό πνεύμα της Αναγέννησης.

Αν και είχε ήδη χρησιμοποιηθεί στην αρχαιότητα, ο Ντα Βίντσι είναι αυτός που επιβάλλει την ατμοσφαιρική προοπτική στην Αναγέννηση, επιτυγχάνοντας ένα πολύ πιο ολοκληρωμένο προοπτικό αποτέλεσμα και σπάζοντας την εντύπωση σκληρότητας και ακαμψίας της ζωγραφικής του Quattrocento, η οποία έχει εξελιχθεί στην προοπτική, αλλά μόνο γραμμικά (από τα σημεία φυγής).

Από όλους τους τύπους προοπτικής, η ατμοσφαιρική (που ονομάζεται επίσης “εναέρια”) είναι η πιο αποτελεσματική, καθώς χρησιμοποιεί στη σύλληψή της τον ρόλο που παίζει το φως και το χρώμα στην αντίληψή μας.

Παράγει την αίσθηση του βάθους μιμούμενη την επίδραση της ατμόσφαιρας, έτσι ώστε τα αντικείμενα να φαίνονται πιο χλωμά και μπλε όσο πιο μακριά βρίσκονται από τον θεατή.

Ο λόγος γι’ αυτό είναι πολύ απλός: τα σωματίδια σκόνης και υγρασίας που επιπλέουν στην ατμόσφαιρα διασκορπίζουν το φως. Το φως με μικρότερο μήκος κύματος (μπλε) σκεδάζεται περισσότερο και το φως με μεγαλύτερο μήκος κύματος (κόκκινο) σκεδάζεται λιγότερο. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο ο ουρανός είναι μπλε και για τον οποίο τα σκοτεινά αντικείμενα που φαίνονται από μακριά εμφανίζονται με μπλε χρώμα.

Οι καλλιτέχνες αναπαράγουν αυτό το φυσικό αποτέλεσμα χρησιμοποιώντας αχνές, ωχρές, γαλαζωπές αποχρώσεις στον ορίζοντα.

Ο Λεονάρντο το εξηγεί ως εξής: “Από τα πράγματα που είναι πιο σκοτεινά από τον αέρα, το πιο μακρινό θα είναι το λιγότερο σκοτεινό. Από τα πράγματα που είναι ελαφρύτερα από τον αέρα, το λιγότερο λευκό θα είναι το πιο μακρινό από το μάτι”.

Οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης ενδιαφέρθηκαν γρήγορα να αποκτήσουν τους νόμους και τις αρχές της προοπτικής προκειμένου να προσδώσουν αυτή τη στάση στα έργα τους.

Ο Albrecht Dürer (1471-1528) χρησιμοποίησε σχολαστικά τη νέα τεχνική της προοπτικής για να προσθέσει λεπτομέρεια και ακρίβεια στα έργα του. Ο περίφημος “Λαγός” που ζωγράφισε το 1502 είναι ένα μάθημα εικονογραφικού σχεδίου.

Η Αναγέννηση που εξαπλώθηκε στην Ευρώπη κατά τη διάρκεια του δέκατου πέμπτου αιώνα μετατόπισε το επίκεντρο της προσοχής στον άνθρωπο και, υποστηριζόμενη από την πρόοδο της φιλοσοφίας και της επιστήμης, έφερε μια νέα αναλυτική πειθαρχία και προοπτική για την αναπαράσταση της μορφής και του χώρου. Οι μορφές αποκτούν μεγαλύτερο όγκο και ευελιξία, τα σενάρια των οποίων έδειχναν με μεγαλύτερη σαφήνεια τον τρισδιάστατο χώρο.

Δουλεύοντας με ανθρώπινα πρότυπα και αντιγράφοντας το περιβάλλον στο οποίο ζούσαν. Οι καλλιτέχνες άρχισαν να ζωγραφίζουν αυτό που έβλεπαν αντί να βασίζονται σε συμβατισμούς απέκτησαν τη μελέτη της ανατομίας και της προοπτικής που έγινε μέρος της δουλειάς του καλλιτέχνη, επιτρέποντάς τους να αναπαραστήσουν επαρκώς αυτό που έβλεπαν.

Ιμπρεσιονισμός

Η χρήση του σχεδίου ως μέσο διερεύνησης της φύσης, ο πειραματισμός με τη γεωμετρία, την προοπτική, την αναλογία, τη σύνθεση και την ελεύθερη έκφραση ως προϊόν της Αναγέννησης κυριάρχησε στην τέχνη και την καλλιτεχνική εκπαίδευση στη Δύση, μέχρι την εμφάνιση του Μοντερνισμού στα τέλη του 19ου αιώνα, που σχετίζεται ιδιαίτερα με τους Ιμπρεσιονιστές και τους Μεταϊμπρεσιονιστές.

Οι ιμπρεσιονιστές, ενώ εξακολουθούσαν να αναπαριστούν τον πραγματικό κόσμο, αποδέχθηκαν τη δισδιάστατη ποιότητα του επιπέδου: η τέχνη δεν ήταν πλέον μόνο παραστατική αλλά και αφηρημένη. Με αυτές τις νέες στάσεις, οι καλλιτέχνες ενθαρρύνθηκαν να μελετήσουν άλλες μη δυτικές καλλιτεχνικές παραδόσεις, οι οποίες αποκτούν ολοένα και μεγαλύτερη σημασία για τους μελετητές του σχεδίου, καθώς πολλές από αυτές τις παραδόσεις ενσωματώθηκαν στο έργο πολλών καλλιτεχνών του 19ου και του 20ού αιώνα.

Σύγχρονη τέχνη

Η Μοντέρνα Τέχνη αντιπροσωπεύει ένα εξελισσόμενο σύνολο ιδεών μεταξύ πολλών ζωγράφων, γλυπτών, συγγραφέων και καλλιτεχνών που, τόσο ατομικά όσο και συλλογικά, αναζήτησαν νέες προσεγγίσεις στην τέχνη της τέχνης. Αν και η μοντέρνα τέχνη ξεκίνησε αναδρομικά γύρω στο 1850 με την έλευση του ρεαλισμού, οι προσεγγίσεις και τα στυλ της μοντέρνας τέχνης καθορίστηκαν και επαναπροσδιορίστηκαν καθ’ όλη τη διάρκεια του 20ού αιώνα. Οι επαγγελματίες κάθε νέου στυλ ήταν αποφασισμένοι να αναπτύξουν μια οπτική γλώσσα που να είναι πρωτότυπη και αντιπροσωπευτική της εποχής.

Από την Αναγέννηση έως τον 19ο αιώνα το εικαστικό επίπεδο θεωρήθηκε ως ένα παράθυρο, μέσα από το οποίο βλέπαμε τον κόσμο.

Crak! του Roy Lichtenstein, 1964  – courtesy of ©The Estate of Roy Lichtenstein. This artwork is under a copyright, therefore it cannot be used in this dossier. The original artwork is now in the National Gallery of Art in Washington, USA.

Ο Ολλανδός Mauris Cornelis Escher (1898-1972) ήταν σχεδιαστής και χαράκτης που έφερε επανάσταση στην προοπτική του επιπέδου και θεωρείται ο ερμηνευτής των μαθηματικών εννοιών, γιατί είναι εξ ορισμού αφηρημένες, που υποστηρίζουν τη σχετικότητα του χωροχρόνου που πρότεινε ο Αϊνστάιν το 1905 και το 1915, ιδέα που συνέχισαν οι οπαδοί του, επεκτείνοντας, εμβαθύνοντας και τροποποιώντας την ακόμη.

Η προοπτική είναι αναμφίβολα ένας από τους σημαντικότερους πόρους που κάνουν τα χαρακτικά και τα σχέδιά του τόσο ενδιαφέροντα. Συχνά χρησιμοποιεί οπτικά παιχνίδια για την ταυτόχρονη υπέρθεση πολλών οπτικών γωνιών ενός και μόνο αντικειμένου ή χώρου, συνήθως γεωμετρικού. Αυτή η υπέρβαση ή ο συνδυασμός των κανόνων της αναπαράστασης απαιτεί μεγάλο έλεγχο των επιπέδων προβολής και γνώση της οπτικής για να δημιουργηθούν αυτές οι απίθανες προοπτικές. Έτσι, με αναφορές στα πολύεδρα και τις αντίθετες γεωμετρικές διαστάσεις, με παιχνίδια αντίληψης τυπικά για τους illusionists, ο Escher δούλεψε με την προοπτική ως μέσο για να παίξει με ορισμένες έννοιες.

Τα οπτικά παιχνίδια και οι αντιληπτικές εξαπατήσεις που πραγματοποιούσε στο επίπεδο του χαρτιού κάνουν το σχέδιό του να γίνεται, κατά κάποιον τρόπο, μια οπτική ποίηση. Το έργο του τείνει να δημιουργεί μια αντιπαράθεση ή διχοτόμηση μεταξύ εννοιών όπως η μέρα και η νύχτα, η θάλασσα και ο ουρανός, η συμμετρία της σύνθεσης ή η σύγχυση μεταξύ αντιθέτων όπως η κάθοδος και η άνοδος, η πτώση και η άνοδος. Στα σπονδυλωτά του δίκτυα, ένα ζώο συχνά μεταμορφώνεται σε ένα άλλο ή χωράει στο κενό του, στο αρνητικό της μορφής του. Οι εικόνες του παραπέμπουν επίσης σε ένα άπειρο κύκλωμα, σε έναν κύκλο αιώνιας επιστροφής ή αέναης κίνησης. Αυτές οι ποιητικές εικόνες μας μιλούν για μια ιδέα πολύ χαρακτηριστική της εποχής του: τη σχετικότητα τόσο της αντίληψης όσο και της σημασίας των πραγμάτων. Ό,τι ανεβαίνει, κατεβαίνει, ή ίσως ανεβαίνει και κατεβαίνει ταυτόχρονα, γιατί όλα εξαρτώνται από την οπτική γωνία από την οποία παρουσιάζονται.

Στα σχέδιά του, ο χώρος προσομοιώνεται με διάφορους κώδικες αναπαράστασης που εγκαθιδρύουν διάφορα επίπεδα ανάγνωσης και δημιουργούν ένα trompe l’oeil που μας κάνει να προβληματιστούμε για το τι είναι πραγματικό και τι σχέδιο. Με αυτή την έννοια, ο Escher κατασκευάζει τον χώρο πέρα από την προοπτική, προσομοιάζοντας ότι η δημιουργία ζωντανεύει στο χαρτί, ότι τα σχέδια από τεσσαράκοντα γίνονται πραγματικά ή άμεσα ότι είναι το σχεδιασμένο χέρι που σχεδιάζει τον εαυτό του. Αυτός ο μεγάλος τεχνικός έλεγχος των χωρικών κωδίκων, τόσο των δύο όσο και των τριών διαστάσεων, είναι που κάνει τα έργα του να έχουν ένα σχεδόν μαθηματικό φινίρισμα και δίνει αληθοφάνεια στην εξαπάτηση.

Λένε ότι δεν υπάρχουν συμπτώσεις, ειδικά στους τομείς της επιστήμης και της τέχνης, οι οποίοι, με κάποιες εξαιρέσεις, συμβαδίζουν. Ο Έσερ, όπως και ο Λεονάρντο ντα Βίντσι στην εποχή του, κατάφερε να συλλάβει την κρίσιμη στιγμή του πολιτισμού στον οποίο αναπτύχθηκαν.

Μεταμοντέρνα τέχνη

Ο μεταμοντερνισμός είναι ένας πολύ σύνθετος όρος, ο οποίος έχει διαφορετικές προσεγγίσεις ανάλογα με τον συγγραφέα ή τον καλλιτέχνη στον οποίο αναφερόμαστε. Δεν είναι ένας όρος που ορίζει ένα καλλιτεχνικό ύφος. Όπως και ο όρος νεωτερικότητα, ο μεταμοντερνισμός ορίζει μια πολιτιστική περίοδο.

Στο πλαίσιο αυτού του είδους τέχνης, τα ακόλουθα είναι σχετικά με το θέμα της προοπτικής στο πλαίσιο της Ευρώπης.

Αφηρημένος εξπρεσιονισμός – Mark Tobey

Σε μια προσπάθεια να αρνηθεί τις παραδοσιακές μορφές και σχέδια, υιοθέτησε τις τεχνικές της ανατολίτικης καλλιγραφίας για να δημιουργήσει αυτό που ονόμασε λευκή γραφή, ένα συγκεχυμένο μοτίβο από νηματοειδείς γραμμές λευκού μελανιού σε σκούρο φόντο. Η αίσθηση του βάθους υποδηλώνεται σε αυτά τα έργα από την επικάλυψη των γραμμών και όχι από τη χρήση της παραδοσιακής προοπτικής.

Op Art

Μεταξύ των πιο αντιπροσωπευτικών έργων της Op Art είναι οι πίνακες που ζωγράφισε ο Victor Vasarely κατά τις δεκαετίες του 1960 και του 1970. Στο έργο Vonal-Stri (1975) το βλέμμα σπεύδει προς το μαύρο τετράγωνο στο κέντρο του καμβά. Η αίσθηση της κίνησης ενισχύεται από την ψευδαίσθηση της καμπυλότητας του επιπέδου στα αριστερά.

Νέα ευρωπαϊκή ζωγραφική

Η Νέα Ευρωπαϊκή Ζωγραφική είναι ένας ιστορικός καλλιτεχνικός όρος που χρησιμοποιείται για να περιγράψει τη σύγχρονη ζωγραφική στην Ευρώπη από τη δεκαετία του 1980 και του 1990 έως σήμερα. Το κίνημα αυτό χαρακτηρίζεται από μια νέα παραστατικότητα σε σχέση με την προηγουμένως κυρίαρχη αμερικανική αφαίρεση, που σημαδεύεται από τη συλλογική μας ιστορία, τη μνήμη και το μεταπολεμικό τραύμα.

Όταν σκεφτόμαστε την προοπτική με παραδοσιακούς όρους, πιθανότατα τη συνδέουμε με την έννοια της γραμμικής προοπτικής, της προοπτικής ενός και δύο σημείων.

Οι σημερινοί μεταμοντέρνοι και σύγχρονοι καλλιτέχνες πηγαίνουν την αρχή της προοπτικής πέρα από τη βασική έννοια της γραμμικής προοπτικής και την εξετάζουν από μια εντελώς διαφορετική οπτική γωνία.

Ο Julian Beever είναι ένας γνωστός καλλιτέχνης του δρόμου που χρησιμοποιεί την αναμόρφωση για να δημιουργήσει την ψευδαίσθηση των τριών διαστάσεων. Όταν τα σχέδια του Beever για το πεζοδρόμιο εξετάζονται από την προτιμώμενη γωνία, έχουν ύψος και βάθος που εκπλήσσουν τον θεατή. Ωστόσο, περπατώντας απλώς γύρω από αυτά τα σχέδια πεζοδρομίου, η ψευδαίσθηση χάνεται.

Ο Felice Varini ενσωματώνει επίσης την έννοια της εντοπισμένης προοπτικής στο έργο του. Όταν τα βλέπει κανείς από τη σωστή γωνία, οι πίνακες του Varini με τις γραμμές και τους κύκλους αιωρούνται μαγικά στο χώρο. Όταν ο θεατής μετακινείται ελαφρώς προς τα αριστερά ή προς τα δεξιά, το έργο φαίνεται να μην είναι τίποτα περισσότερο από παράξενα σημάδια στους τοίχους και το πάτωμα.

Παιδαγωγική προσέγγιση

Γιατί αυτό το θέμα είναι σχετικό με τους ενήλικες εκπαιδευόμενους;

Η ιστορία της τέχνης παρέχει ένα μέσο με το οποίο μπορούμε να κατανοήσουμε το ανθρώπινο παρελθόν μας και τη σχέση του με το παρόν μας, επειδή η πράξη της δημιουργίας τέχνης είναι μια από τις πιο πανταχού παρούσες δραστηριότητες της ανθρωπότητας. Η προοπτική είναι σχετική σε αυτή την περίπτωση, διότι μας βοηθά να κατανοήσουμε τι είχε σημασία για τον καλλιτέχνη σε κάθε περίοδο. Για παράδειγμα, στη θεωρητική προοπτική μπορούμε να δούμε μια αντανάκλαση της τότε κοινωνίας. Με την Αναγέννηση αρχίζουμε να βλέπουμε πώς ξεκινά η περιέργεια και η ανάγκη να εμβαθύνουμε.

Η εκμάθηση της προοπτικής στην τέχνη της ευρωπαϊκής ιστορίας μπορεί επίσης να ενισχύσει τη δημιουργικότητα των ενηλίκων εκπαιδευομένων και να τους παρέχει περισσότερα εργαλεία για να κατανοήσουν και να εξηγήσουν την τέχνη.

Ποια είναι τα μαθησιακά αποτελέσματα της ενσωμάτωσης αυτού του πολιτιστικού/καλλιτεχνικού θέματος σε μια εκπαιδευτική δραστηριότητα;

Όλα τα παιδιά στο σχολείο μαθαίνουν πώς να σχεδιάζουν έναν κύβο. Τα βασικά στοιχεία της προοπτικής. Τα πάντα γύρω μας ακολουθούν αυτούς τους κανόνες της προοπτικής. Έχουμε μάθει για το: όλα είναι ψευδαίσθηση, αλλά οι δεξιότητες της τεχνικής της προοπτικής παίζουν σημαντικό ρόλο στο σχέδιο και τη ζωγραφική. Όταν ζωγραφίζουμε με αυτές τις δεξιότητες, μπορούμε να κατανοήσουμε καλύτερα τη συνολική εικόνα του έργου μας. Έτσι, αν διδάξουμε στους μαθητές μας πώς να χρησιμοποιούν αυτές τις δεξιότητες προοπτικής, θα τους βοηθήσουμε να έχουν μια πιο χωρική άποψη του κόσμου της τέχνης.

Πώς να το κάνετε: στρατηγικές, εργαλεία και τεχνικές.

Οι ενήλικες εκπαιδευόμενοι θα μελετήσουν την ιστορία πίσω από συγκεκριμένα έργα τέχνης μέσω των τεχνικών που χρησιμοποιούνται και θα είναι σε θέση να δημιουργήσουν τον δικό τους πίνακα βάζοντας στην πράξη αυτές τις γνώσεις.

3- Έργα Τέχνης

Έργο τέχνης #1 Η Τρικυμία του Giorgione (Αναγέννηση)

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: εναέρια προοπτική ή ατμοσφαιρική προοπτική
• Σύντομη περιγραφή: ένα φυσικό τοπίο με αρχιτεκτονικά στοιχεία και τρεις χαρακτήρες ορατούς σε πρώτο πλάνο. Στο βάθος είναι αισθητό ότι οι κατασκευές πρόκειται να καταληφθούν από καταιγίδα.
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Gallerie dell’Accademia, Βενετία, Ιταλία
• Ο καλλιτέχνης: Giorgio Barbarelli da Castelfranco (Giorgione). Ο Giorgione ήταν Ιταλός ζωγράφος της βενετσιάνικης σχολής κατά την περίοδο της Υψηλής Αναγέννησης, ο οποίος πέθανε στα τριάντα του χρόνια. Είναι γνωστός για την ασύλληπτη ποιητική ποιότητα του έργου του, αν και μόνο έξι περίπου σωζόμενοι πίνακες αποδίδονται σταθερά σε αυτόν.
• Ο Τζορτζιόνε ήταν δεξιοτέχνης της εναέριας προοπτικής. Τη χρησιμοποίησε τόσο σωστά που φτάνει σε ύψιστα επίπεδα ρεαλισμού. Σε αυτόν τον πίνακα μπορούμε να εκτιμήσουμε μια αξιοσημείωτη εναέρια προοπτική: το χρώμα υποβαθμίζεται όσο αυξάνεται η απόσταση, όπως και η ευκρίνεια των περιγραμμάτων, τα οποία σχεδόν εξαφανίζονται στο φόντο του τοπίου. Η αντίθεση μεταξύ της καθαρότητας των χρωμάτων και των περιγραμμάτων του προσκηνίου και του μαύρου και απειλητικού θυελλώδους φόντου είναι πολύ εμφανής. Οι εξαφανιζόμενες γραμμές είναι σαφείς: το ρυάκι και η γραμμή των σπιτιών.

Έργο τέχνης #2 Las Meninas του Βελάσκεθ (Μπαρόκ)

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: εναέρια προοπτική ή ατμοσφαιρική προοπτική
• Σύντομη περιγραφή: Υπάρχει ένα σκοτεινό δωμάτιο, στο κέντρο του οποίου βρίσκεται το πορτρέτο της Infanta Margarita που περιβάλλεται από τη μικρή αυλή της. Στα αριστερά βρίσκεται ο Velázquez μπροστά από έναν καμβά. Στο βάθος υπάρχουν πίνακες και ένας άνδρας που στέκεται σε μια πόρτα.
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Μουσείο Πράδο, Μαδρίτη, Ισπανία
• Ο καλλιτέχνης: Ντιέγκο Βελάσκεθ. Ο Βελάσκεθ ήταν Ισπανός ζωγράφος, ο κορυφαίος καλλιτέχνης στην αυλή του βασιλιά Φίλιππου Δ΄ της Ισπανίας και της Πορτογαλίας και της ισπανικής χρυσής εποχής. Ήταν ένας ατομικιστής καλλιτέχνης της σύγχρονης περιόδου του Μπαρόκ (περ. 1600-1750). Ξεκίνησε να ζωγραφίζει με ακριβές τενεμπρίστικο ύφος, αναπτύσσοντας αργότερα έναν πιο ελεύθερο τρόπο που χαρακτηρίζεται από τολμηρή πινελιά. Εκτός από πολυάριθμες αποδόσεις σκηνών ιστορικής και πολιτιστικής σημασίας, ζωγράφισε δεκάδες πορτρέτα της ισπανικής βασιλικής οικογένειας και απλών ανθρώπων, με αποκορύφωμα το αριστούργημά του Las Meninas (1656).
• Πιθανή εκπαιδευτική αξιοποίηση: Αυτό το σπουδαίο έργο είναι η βίβλος της προοπτικής, μια συλλογή όλων των στρατηγικών που αποσκοπούν στο να μας εξαπατήσουν χωρικά μέσω της αναπαράστασης ενός ψευδαισθητικού χώρου. Στο Las Meninas συναντάμε: “Ο κόσμος δεν είναι ο εαυτός του, αλλά ο κόσμος είναι ο εαυτός του:

• Γραμμική προοπτική: με γραμμές και σημεία φυγής
• Χρωματική προοπτική
• Μειωτική προοπτική
• Υψηλή οπτική γωνία
• Εναλλασσόμενο φως – ημίφως

Έργο τέχνης #3 Αναθηματική πλάκα του Αγίου Χριστόφορου, άγνωστος ζωγράφος (γοτθικό)

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: θεολογική προοπτική
• Σύντομη περιγραφή: Ένας άγιος στο κέντρο του βωμοπλάστη με εικόνες κληρικών γύρω του.
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Μουσείο Πράδο, Μαδρίτη, Ισπανία
• Ο καλλιτέχνης: άγνωστος
• Πιθανή εκπαιδευτική αξιοποίηση: Στη μεσαιωνική γοτθική τέχνη οι σημαντικότερες μορφές, στην προκειμένη περίπτωση ο Άγιος Χριστόφορος, είναι μεγαλύτερες. Δεν μπορούμε να βρούμε την αίσθηση του βάθους, παρά μόνο φιγούρες σε επίπεδη επιφάνεια. Τα χρώματα δεν παρουσιάζουν διαβαθμίσεις ούτε αντανακλώνται τα εφέ του φωτός. Μοιάζει με παιδικές ζωγραφιές, θαυμάσιες στην απλότητα και την ευφυΐα τους, αλλά χωρίς την εικαστική επιστήμη που θα μπορούσε να μοιάζει με ζωγραφική στην πραγματικότητα

Έργο τέχνης #4 Η Μόνα Λίζα του Ντα Βίντσι (Ιταλική Αναγέννηση)

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: Σφουμάτο
• Σύντομη περιγραφή: πορτρέτο μιας μισοχαμογελαστής γυναίκας με τα χέρια να ακουμπούν το ένα πάνω στο άλλο
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Μουσείο του Λούβρου, Παρίσι, Γαλλία
• Ο καλλιτέχνης: Λεονάρντο Ντα Βίντσι. Ο Ντα Βίντσι ήταν Ιταλός πολυμαθής της Υψηλής Αναγέννησης, ο οποίος δραστηριοποιήθηκε ως ζωγράφος, σχεδιαστής, μηχανικός, επιστήμονας, θεωρητικός, γλύπτης και αρχιτέκτονας. Η ιδιοφυΐα του Λεονάρντο ενσάρκωσε το ανθρωπιστικό ιδεώδες της Αναγέννησης[4] και τα συλλογικά του έργα συνθέτουν μια συνεισφορά στις μεταγενέστερες γενιές καλλιτεχνών που συγκρίνεται μόνο με εκείνη του νεότερου σύγχρονου του, Μιχαήλ Άγγελου.
• Πιθανή εκπαιδευτική αξιοποίηση: Οι εικαστικές ανησυχίες του Ντα Βίντσι τον οδήγησαν στην έρευνα στον τομέα της προοπτικής, όπου συνέβαλε με το περίφημο “Σφουμάτο”, μια τεχνική που συνίσταται στο θόλωμα των περιγραμμάτων, στην κατάργηση της μαύρης γραμμής που περιέχει τις μορφές και στην επίτευξη μιας ατμοσφαιρικής και υποβλητικής ατμόσφαιρας. Με το σταδιακό σφουμάτο (όσο πιο μακριά τόσο πιο εμφανές) επιτυγχάνεται μια μεγάλη αίσθηση ρεαλισμού, τα αντικείμενα φαίνονται πιο θολά όσο μεγαλύτερη είναι η απόσταση μεταξύ αυτών και του παρατηρητή

Έργο τέχνης #5 Η Σχολή των Αθηνών του Ραφαήλ (Ιταλική Αναγέννηση)

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: κωνική ή μετωπική προοπτική
• Σύντομη περιγραφή: αναπαρίσταται μια εξιδανικευμένη σκηνή του κλασικού κόσμου και της σχέσης του με τη φιλοσοφία. Ως εκ τούτου, ο Ραφαήλ ενώνει στον ίδιο χώρο όλους τους κλασικούς φιλοσόφους, τοποθετώντας στο κέντρο του τον Πλάτωνα και τον Αριστοτέλη. Ο Ηράκλειτος, ο Ευκλείδης, ο Αλκιβιάδης, ο Διογένης, ο Πρωταγόρας κ.λπ. κάνουν επίσης την εμφάνισή τους σε αυτόν τον πίνακα. Ως περιέργεια, πολλές από αυτές τις κλασικές μορφές αναπαρίστανται μέσω πορτρέτων των συγχρόνων τους.
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Αποστολικό Παλάτι, Βατικανό
• Ο καλλιτέχνης: Ραφαέλ Σάντσιο. Ο Ραφαήλ ήταν Ιταλός ζωγράφος και αρχιτέκτονας της Υψηλής Αναγέννησης. Το έργο του θαυμάζεται για τη σαφήνεια της φόρμας, την ευκολία της σύνθεσης και την οπτική επίτευξη του νεοπλατωνικού ιδεώδους του ανθρώπινου μεγαλείου.
• Πιθανή εκπαιδευτική αξιοποίηση: Στην τοιχογραφία βλέπουμε μια απολύτως συμμετρική και ισορροπημένη σύνθεση (οι μορφές κατανέμονται σε συμμετρικές μάζες δεξιά και αριστερά του κάθετου άξονα της εικόνας, καθώς και τα στοιχεία της αρχιτεκτονικής που αναπαρίστανται). Η εικόνα διατάσσεται με ένα πολύ ακριβές σχέδιο, με σαφή υπεροχή του χρώματος και τέλεια μετωπική κωνική προοπτική (της οποίας το σημείο φυγής βρίσκεται στον κατακόρυφο άξονα της εικόνας) και της επιτρέπει να αναπαραστήσει με απόλυτη ακρίβεια την αρχιτεκτονική στην οποία τοποθετούνται οι χαρακτήρες.

Έργο τέχνης #6 Τοιχογραφία σε κτίριο του Patrick Commecy (Νέα Ευρωπαϊκή Ζωγραφική)

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: τέλεια προοπτική και βάθος με τρισδιάστατο αποτέλεσμα
• Σύντομη περιγραφή: ένα δρομάκι με σκάλες και γείτονες που κάνουν την καθημερινή τους ζωή, ζωγραφισμένο στην πλευρά ενός κτιρίου
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Eyzin-Pinet, Γαλλία
• Ο Καλλιτέχνης: Πατρίκ Κομεκύ. Ο Γάλλος καλλιτέχνης Πατρίκ Κομεσύ έχει την έδρα του στο Eyzin-Pinet της Γαλλίας, αλλά ταξιδεύει σε όλη τη χώρα για να ζωγραφίσει τοίχους. Χρησιμοποιώντας την πρόσοψη των κτιρίων ως καμβά, αποτυπώνει την ιστορία και τον πολιτισμό του τόπου μέσα από την τέχνη του. Ο Κομεσύ χρησιμοποιεί το trompe-l’œil, μια τεχνική όπου οι ρεαλιστικές σκηνές χρησιμοποιούνται για τη δημιουργία οπτικών ψευδαισθήσεων. Το ενδιαφέρον εδώ είναι ότι ενώ αυτές οι ρεαλιστικές αλλά ψεύτικες προσόψεις σε ξεγελούν με την πρώτη ματιά, κάποιοι από τους ανθρώπους που ζωγραφίζονται εκεί ήταν κάποτε αληθινοί. Ο Κομεσύ συχνά ζωγραφίζει πολλούς αξιόλογους ανθρώπους από την ιστορία της πόλης στην οποία βρίσκεται η τοιχογραφία..
• Πιθανή εκπαιδευτική εκμετάλλευση: η προοπτική είναι τόσο ακριβής, ώστε πραγματικά φαίνεται σαν να υπάρχει ένα δρομάκι στη μέση του κτιρίου

Έργο τέχνης #7 “Cinq Ellipses Ouvertes“, έκθεση: Αστερισμός του Felice Varini (Νέα Ευρωπαϊκή Ζωγραφική)

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: εντοπισμένη προοπτική
• Σύντομη περιγραφή: Γραμμές σχεδιασμένες σε διάφορα κτίρια που βλέποντας από μια ακριβή πλευρά δίνουν την εντύπωση ότι είναι στεφάνια ή προεξέχουσες κολώνες
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: είσοδος του Κέντρου Pompidou-Metz, Metz, Γαλλία
• Ο Καλλιτέχνης: Φελίτσε Βαρίνι. Ο Βαρίνι είναι Ελβετός καλλιτέχνης με έδρα το Παρίσι, ο οποίος ήταν υποψήφιος για το βραβείο Marcel Duchamp 2000/2001. Είναι κυρίως γνωστός για τους γεωμετρικούς πίνακές του με προοπτική-τοποθετημένους πίνακες σε δωμάτια και άλλους χώρους, χρησιμοποιώντας τεχνικές προβολέα-στυλό. Ο Φελίτσε ζωγραφίζει σε αρχιτεκτονικούς και αστικούς χώρους, όπως κτίρια, τοίχους και δρόμους. Ο Varini υποστηρίζει ότι το έργο υπάρχει ως σύνολο – με το πλήρες σχήμα του καθώς και τα θραύσματα. “Η ανησυχία μου”, λέει, “είναι τι συμβαίνει έξω από την οπτική γωνία της άποψης”
• Πιθανή εκπαιδευτική εκμετάλλευση: Η εργασία σε βάθος είναι ακριβής και δίνει πραγματικά την εντύπωση ότι το αντικείμενο προεξέχει από τον “καμβά”.

Έργο τέχνης #8 Les Demoiselles d‘Avignon (Οι νεαρές κυρίες της Αβινιόν) του Πικάσο (κυβισμός)

This artwork is under a copyright, therefore it cannot be presented in this dossier. The original artwork can be seen in Museum of Modern Art in New York, USA.

• Η θέση-σχέση του με το θέμα: χωρίς προοπτική, αυτό ήταν η αρχή της απομάκρυνσης από τα πρότυπα που έθεσε η Αναγέννηση, όταν συνειδητοποίησαν ότι υπάρχουν και άλλες δυνατότητες
• Σύντομη περιγραφή: Πέντε γυμνές γυναίκες, δύο από τις οποίες φορούν μάσκες αφρικανικού τύπου. Βρίσκονται σε ένα είδος ημικύκλου και μπροστά τους υπάρχει ένα μπολ με φρούτα.
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης (MoMA), Νέα Υόρκη, Ηνωμένες Πολιτείες
• Ο Καλλιτέχνης: Πάμπλο Πικάσο. Ο Πικάσο ήταν Ισπανός ζωγράφος, γλύπτης, χαράκτης, κεραμίστας και θεατρικός σχεδιαστής που πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της ενήλικης ζωής του στη Γαλλία. Θεωρείται ως ένας από τους πιο επιδραστικούς καλλιτέχνες του 20ού αιώνα και είναι γνωστός για τη συνίδρυση του κυβιστικού κινήματος, την εφεύρεση της κατασκευασμένης γλυπτικής, τη συν-εφεύρεση του κολάζ και για τη μεγάλη ποικιλία των τεχνοτροπιών που βοήθησε να αναπτυχθούν και να εξερευνηθούν. Μεταξύ των πιο διάσημων έργων του είναι το πρωτο-κουβιστικό έργο Les Demoiselles d’Avignon (1907) και το Guernica (1937), μια δραματική απεικόνιση του βομβαρδισμού της Γκερνίκα από τις γερμανικές και ιταλικές αεροπορικές δυνάμεις κατά τη διάρκεια του ισπανικού εμφυλίου πολέμου.
• Πιθανή εκπαιδευτική αξιοποίηση: Ο Πικάσο εξαλείφει όλα τα μεγαλειώδη της παράδοσης, σπάζοντας τον ρεαλισμό, τους κανόνες του χωρικού βάθους και το υπάρχον ιδεώδες του γυναικείου σώματος, ανάγοντας ολόκληρο το έργο σε ένα σύνολο από επίπεδα

Έργο τέχνης #9 Drawing Hands του Escher (Μοντέρνα τέχνη)

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: 2D και 3D
• Σύντομη περιγραφή: Δύο χέρια ζωγραφίζουν το ένα το άλλο ταυτόχρονα
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Αναφέρεται στο βιβλίο Gödel, Escher, Bach, του Douglas Hofstadter (ο Escher ήταν ένας Ολλανδός καλλιτέχνης)
• Ο Καλλιτέχνης: Μαουρίτ Κορνέλις Έσερ. Ο Έσερ ήταν ένας Ολλανδός γραφίστας που έκανε ξυλογραφίες, λιθογραφίες και μεσότυπες εκτυπώσεις μαθηματικής έμπνευσης. Παρά το ευρύ λαϊκό ενδιαφέρον, ο Έσερ ήταν για το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του παραμελημένος στον κόσμο της τέχνης, ακόμη και στη γενέτειρά του, την Ολλανδία. Ήταν 70 ετών προτού πραγματοποιηθεί αναδρομική έκθεση. Στα τέλη του εικοστού αιώνα άρχισε να εκτιμάται ευρύτερα και τον εικοστό πρώτο αιώνα γιορτάστηκε σε εκθέσεις σε όλο τον κόσμο.
• Πιθανή εκπαιδευτική αξιοποίηση: Είναι ένα παράδειγμα αυτού που ο συγγραφέας Ντάγκλας Χόφσταντερ έχει αποκαλέσει “παράξενο βρόχο”, ένα παράδοξο σύστημα που επαναλαμβάνεται συνεχώς με αυτοαναφορικό τρόπο χωρίς να φαίνεται να έχει αρχή ή τέλος. Ο Έσερ γοητευόταν από αυτές τις παράδοξες επαναλήψεις, είτε τις εξερευνούσε με τη μορφή σκαλοπατιών, καταρρακτών ή αυτοεικονογραφημένων χεριών. Πρόκειται επίσης για μια από τις σαφέστερες εξερευνήσεις του Escher σχετικά με τον αυταπατητισμό που εμπεριέχει η αναπαραστατική τέχνη, καθώς η γραμμή μεταξύ δισδιάστατου σχεδίου και τρισδιάστατης πραγματικότητας παίζεται επιδέξια

Έργο τέχνης #10 Η επιμονή της μνήμης του Νταλί (Σουρεαλισμός)

This artwork is under a copyright, therefore it cannot be presented in this dossier. The original artwork can be seen in Museum of Modern Art in New York, USA.

• Η θέση-σχέση του με το θέμα: Γραμμική προοπτική
• Σύντομη περιγραφή: Μια παραλία με θέα, με βράχια στη δεξιά πλευρά στο φόντο. Ένα μικρό δέντρο ή κλαδί που βγαίνει από αυτό που φαίνεται να είναι ένα τραπέζι. 3 ρολόγια που λιώνουν, ένα στο κλαδί, ένα στο τραπέζι και ένα άλλο πάνω από κάτι που μοιάζει με ανθρώπινη ή ζωική φιγούρα. Υπάρχει ένα πορτοκαλί ρολόι στο κάτω αριστερό μέρος του πίνακα καλυμμένο με μυρμήγκια.
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Νέα Υόρκη, ΗΠΑ
• Ο Καλλιτέχνης: Σαλβαδόρ Νταλί. Ο Νταλί ήταν ένας Ισπανός υπερρεαλιστής καλλιτέχνης, γνωστός για την τεχνική του ικανότητα, την ακριβή σχεδιαστική του ικανότητα και τις εντυπωσιακές και παράξενες εικόνες στο έργο του.
• Πιθανή εκπαιδευτική αξιοποίηση: Αυτός ο πίνακας αντιπροσωπεύει μια γραμμική προοπτική. Τα αντικείμενα μπροστά από το έργο, το δέντρο, τα ρολόγια, το τραπέζι ξεχωρίζουν περισσότερο από τα αντικείμενα που ο καλλιτέχνης θέλει να προσέξουν οι θεατές, όπως το βουνό, ο ουρανός, ο ωκεανός και οι βράχοι στο βάθος.

Πρακτικές δραστηριότητες

Δραστηριότητα 1 – Ανάλυση ενός πίνακα ζωγραφικής, της προοπτικής και του πλαισίου του

Στόχοι 

Αναλύστε δύο πίνακες (προσπαθήστε να είναι πολύ διαφορετικοί μεταξύ τους) και προσπαθήστε να εντοπίσετε τι είδους προοπτική έχει χρησιμοποιηθεί και τους λόγους πίσω από τις προθέσεις των καλλιτεχνών.

Υλικά

Ένας φορητός υπολογιστής, ένας υπολογιστής ή ένα tablet ανά μαθητή ή ανά ομάδα μαθητών και πρόσβαση στο διαδίκτυο..

Προπαρασκευαστικό στάδιο

Δείξτε τους δύο πίνακες στους μαθητές, ζητήστε τους να αναζητήσουν τη βιογραφία και την περίοδο του δημιουργού..

Ανάπτυξη

Παρουσιάστε δύο έργα τέχνης στους μαθητές και ζητήστε τους να κάνουν πρώτα μια μικρή έρευνα για το πλαίσιο. Η ιδέα είναι να έχουν κάποια γνώση του χρονικού πλαισίου, ώστε να τους είναι πιο εύκολο να προχωρήσουν.

Στη συνέχεια, σε ομάδες ή ατομικά, ζητήστε τους να γράψουν:

• τι είδους προοπτική έχει χρησιμοποιηθεί,
• ποιες είναι οι σκέψεις τους σχετικά με το τι θα μπορούσε να έχει κινητοποιήσει τον καλλιτέχνη να το κάνει με αυτόν τον τρόπο,
• να συγκρίνουν τον ένα πίνακα με τον άλλο.

Παράδειγμα δύο πινάκων ζωγραφικής που θα ταίριαζαν καλά μεταξύ τους:

• Χειρόγραφα ή πρακτικά φύλλα

Types of perspective drawing — Cristina Teaching Art

Βιβλιογραφικές αναφορές

• Dauben, Joseph W.: The Art of Renaissance Science
• Dutch, Steven: Perspective in Art – Slides
• Perspective art lesson
• Todo Sobre Arte
• Contemporary Art Issue (CAI)
• The Art of Education University
• Sartle ; blog
• Joy of museums virtual tours: Virtual Tours of Museums, Art Galleries, and Historic Sites
• Bavarian State Painting Collections
• Totally History