Introduzione

L’Età dell’Antichità è nota anche come Era Antica. Va dall’inizio della storia umana conosciuta (circa 3000 a.C.) all’Alto Medioevo (circa metà del 400). Nelle belle arti, il termine si riferisce al periodo che va dall’inizio della civiltà occidentale (circa 4500 a.C.) fino all’inizio del Medioevo (circa 450 d.C.).

Il termine fu usato per la prima volta dagli scrittori del Rinascimento. Studiare le conquiste del passato è fondamentale per creare magnifiche opere d’arte future. Una tattica per esplorare le opere d’arte era quella di guardare ed esplorare testi antichi, rovine, oggetti portati alla luce come monumenti, monete e statue.

L’età dell’antichità, e in particolare l’antichità classica, ha influenzato l’architettura, l’arte e la pianificazione urbana del Rinascimento. Ha inoltre creato le basi del movimento culturale denominato Umanesimo.

In questo dossier pedagogico, introdurremo innanzitutto le origini del movimento, fornendo un breve contesto storico e culturale alla sua nascita. Poi entreremo nel dettaglio delle specificità del movimento, basandoci su colori, forme, pennellate, prospettiva e altro ancora. Infine, presenteremo 10 tra i più famosi dipinti/sculture dell’epoca e forniremo 2 esempi pratici di attività che possono essere realizzate per un laboratorio artistico basato sull’Antichità.

In sintesi, in questo fascicolo potrete:

• Scoprire le origini del movimento Antiquity,
• Scoprire alcune delle sue figure chiave e degli influencer, 
• Esplorare le caratteristiche delle tecniche dell’antichità,
• E molto altro ancora!

Il contesto storico del movimento

La Roma classica

L’antica Roma si riferisce alla civiltà romana dalla fondazione della città di Roma nell’VIII secolo a.C. al crollo dell’Impero Romano d’Occidente nel V secolo d.C..

A Roma, in Italia, dove molti cittadini vivevano tra i resti antichi e fatiscenti di una civiltà vecchia e morta da tempo, è iniziato lo studio delle culture antiche. Gli studiosi di antichità cominciarono a cercare tra le rovine ogni possibile indizio sulla vita di civiltà precedenti e perdute. Nello stesso periodo, nel Regno Unito e in altre parti d’Europa, gli storici avevano la stessa missione: scoprire il lontano passato dei loro Paesi.

Come si può vedere nella foto delle rovine del Foro Romano in Italia, fino ad oggi ci sono rovine di antichi teatri, templi, colonne e archi in Italia e in altre regioni del Mediterraneo. Molti di questi monumenti si trovano anche in Grecia.

Tuttavia, alcuni sostengono che le mappe e le guide delle città del Medioevo dimostrano che i cittadini che vivevano durante il Medioevo non comprendevano il significato di questi antichi monumenti.

Mentre la maggior parte dei cittadini conosceva i nomi delle famose antichità, molti non ne conoscevano le funzioni originarie. Alcune famose antichità sono il Pantheon e il Colosseo, che si possono vedere qui.

L’Anfiteatro Flavio, molto conosciuto come Colosseo, fu costruito nel I secolo d.C. a Roma. Era il più grande anfiteatro dell’Impero romano.

Il Colosseo fu costruito dagli imperatori Flavi. La costruzione fu avviata su iniziativa dell’imperatore Vespasiano nel 72 e fu finanziata con il bottino del sacco di Gerusalemme del 70. Molti schiavi ebrei, parte del bottino di guerra, lavorarono all’enorme anfiteatro. Dopo il suo completamento, nell’80, fu consacrato dall’imperatore Tito, figlio maggiore dell’imperatore Vespasiano. Nelle vicinanze del Colosseo c’erano quattro scuole di gladiatori. Il Colosseo era interamente destinato ai giochi organizzati e finanziati dall’imperatore regnante. All’inaugurazione, Tito ospitò giochi che durarono 100 giorni. Secondo la tradizione, oltre ai numerosi combattimenti tra gladiatori, si assisteva agli spettacoli più sorprendenti. Ci furono combattimenti tra gru e lotte tra quattro elefanti. Furono macellati novemila animali. Anche le donne si prestavano a lottare contro gli animali selvatici.

Nel XII secolo, le rovine dell’anfiteatro furono trasformate in una fortezza della famiglia Frangipani. Le importanti famiglie romane, tra cui spesso il Papa, consideravano il Colosseo come una cava da cui ricavare materiale da costruzione facile per le loro chiese e palazzi di nuova costruzione. Ad esempio, tutto il marmo veniva rimosso e riutilizzato in nuovi edifici o semplicemente bruciato per ottenere calce. Anche il ferro con cui venivano assicurati i blocchi di pietra e di marmo era molto richiesto. Questo saccheggio ebbe fine solo nel 1749, quando Papa Benedetto XIV riconobbe il valore storico del Colosseo e ne vietò l’ulteriore utilizzo come cava. Dedicò il Colosseo come chiesa in memoria della Passione di Cristo e costruì una stazione della Via Crucis all’interno. I papi successivi permisero al Colosseo di essere sottoposto a ulteriori restauri e indagini archeologiche. Sebbene il Colosseo non abbia più le sue dimensioni originali, è ancora un insieme imponente che attira migliaia di turisti ogni giorno. In tempi moderni, parte del pavimento ligneo dell’arena è stato restaurato.

Il 7 luglio 2007 il Colosseo è stato nominato una delle nuove sette meraviglie del mondo.

Il Pantheon è così ben progettato e così semplice che è ancora quasi del tutto intatto. Ciò è ancora più sorprendente se si considera che due diversi papi hanno fatto rimuovere il metallo del tetto per altri usi, lasciandolo senza protezione per secoli. Costruito da Marco Agrippa, genero dell’imperatore Augusto, il tempio era dedicato alle divinità planetarie più sacre, con la cupola che rappresentava il firmamento e l’apertura che rappresentava il sole. Danneggiato da un incendio nell’80 d.C., fu ricostruito sotto il regno di Adriano (120-125 d.C.); la muratura di questo periodo dimostra la maestria tecnica raggiunta dai Romani. I primi imperatori cristiani proibirono l’uso di questo tempio pagano per il culto, e rimase in disuso fino a quando papa Bonifacio IV lo consacrò come chiesa cristiana e lo dedicò alla Vergine e a tutti i martiri cristiani il 1° novembre del 609, origine della festa cristiana di Tutti i Santi. La grande cupola poggia su un cilindro di pareti in muratura, all’interno del quale si trovano ampi spazi vuoti. Questi vuoti, uniti alle nicchie che circondano l’interno, consentono una costruzione più leggera, pur sostenendo la cupola attraverso robusti archi.

L’effetto visivo è quello di tre arcate continue e, se si osserva la rotonda dall’esterno, si possono notare gli archi in mattoni che hanno assorbito parte delle sollecitazioni del peso della cupola. In origine, queste pareti esterne erano rivestite di marmo pregiato, ma nel corso dei secoli è stato rimosso.

Anche i Romani del 1400 non erano consapevoli delle dimensioni e della diffusione di una città antica. Gli scritti sopravvissuti in tutta Europa non erano compresi da studiosi e storici. Gli studiosi del Rinascimento dedicarono la loro vita alla ricerca del passato remoto. A Roma, i residenti riportarono alla luce molte delle loro meraviglie a lungo sepolte e trovarono molte antichità, alcune sotto i loro vigneti, altre sotto le fondamenta di nuovi edifici.

Una statua scoperta nel 1506, realizzata in marmo, raffigurante Laocoonte e i suoi figli (chiamata anche Gruppo di Laocoonte), ad esempio, si è rivelata essere un’opera d’arte citata nelle opere dell’antico scrittore romano Plinio. Questa statua è esposta al pubblico nei Musei Vaticani.

Contesto storico e sociale del movimento

Man mano che gli antiquari imparavano a conoscere meglio i valori e le pratiche del mondo antico, iniziavano ad adottarli come parte della propria cultura. Ad esempio, architetti rinascimentali come Filippo Brunelleschi e Leon Battista Alberti esaminarono, misurarono e disegnarono le spettacolari rovine degli edifici antichi, cercando di capire come erano stati costruiti e utilizzati. Poi adattarono queste forme classiche nei progetti dei loro edifici, collegando il loro mondo con le grandi culture del passato. Gli artisti cominciarono a tenere in maggiore considerazione l’arte dell’antichità greco-romana, mentre in precedenza, durante il periodo medievale, l’attenzione era rivolta all’arte bizantina.

Un esempio di opera d’arte dell’arte bizantina: uno dei più famosi mosaici bizantini superstiti della Basilica di Santa Sofia a Costantinopoli – l’immagine del Cristo Pantocratore sulle pareti della galleria superiore meridionale, con Cristo affiancato dalla Vergine Maria e da Giovanni Battista.

Filippo Brunelleschi è stato un architetto, orafo e scultore italiano. Primo architetto del Rinascimento, ha anche formulato i principi della prospettiva lineare che hanno regolato la rappresentazione pittorica dello spazio fino alla fine del XIX secolo. È considerato un padre fondatore dell’architettura rinascimentale.

Brunelleschi e Donatello furono tra i primi a studiare il tessuto fisico delle rovine dell’Antica Roma. Brunelleschi sviluppò il suo sistema di prospettiva lineare dopo aver osservato e studiato l’antica Roma.

Mentre in Italia gli studiosi si dedicavano alle antichità di Roma, in Inghilterra Enrico VII assunse un antiquario, John Leland, per esaminare le reliquie inglesi. In Inghilterra si cercò di dimostrare che la storia della nazione era antica almeno quanto quella italiana e greca.

La Grecia classica

In ambito artistico, culturale e architettonico, la Grecia classica si colloca nel periodo intorno ai 200 anni, quindi intorno al V e IV secolo a.C. nell’Antica Grecia. Ci sono diverse antichità architettoniche famose che sono state costruite in questo periodo. Una di queste è il Partenone. La sua costruzione iniziò nel V secolo a.C.

Il Partenone è un antico tempio sull’Acropoli ateniese, dedicato alla dea Atena. Per un certo periodo servì anche come tesoreria e nell’ultimo decennio del VI secolo d.C. fu convertito in una chiesa cristiana, dedicata alla Vergine Maria. Il Partenone stesso sostituì un tempio di Atena più antico, che gli storici chiamano il Pre-Parthenon, che fu distrutto durante l’invasione persiana del 480 a.C.. Le sculture decorative del Partenone sono considerate alcuni dei punti più alti dell’arte greca e servono come simbolo della Grecia antica.

A questo periodo successe l’epoca Ellenistica.

L’arte Ellenistica

Dopo la morte di Alessandro Magno, nel 323 a.C., e con la fine della conquista del mondo greco da parte dei Romani, iniziò l’espansione dell’influenza greca. Il termine ellenismo si riferisce all’espansione dell’influenza greca e alla diffusione delle sue idee. A questo periodo appartengono molte opere d’arte mozzafiato, nonché alcune delle più note opere di scultura greca. Una di queste è la Venere di Milo, scoperta sull’isola greca di Milo (a sinistra), 130-100 a.C., o la Vittoria alata di Samotracia (a destra), proveniente dall’isola di Samotracia. Vedi le immagini della Venere di Milo e della Vittoria alata di Samotracia qui.

Caratteristiche del movimento

Esistono diverse caratteristiche che possono aiutare l’osservatore a identificare i tratti delle antichità. Ecco alcune delle più comuni:

Accuratezza visiva nelle sculture

Già più di 2000 anni fa, i Greci costruivano statue autoportanti a grandezza naturale che cercavano di imitare la forma umana, in un’epoca in cui altre culture avevano approcci molto più astratti e stilistici. Vi erano una serie di valori fondamentali che li influenzavano. Uno di questi è la loro devozione allo studio del mondo naturale. Questo impegno e interesse richiedeva osservazione e sperimentazione, che hanno portato a uno stile artistico molto realistico. Un altro aspetto importante è che, a causa delle filosofie greche, le opere d’arte erano molto realistiche dal punto di vista idealistico, il che significa che ritraevano l’uomo ideale ( per saperne di più clicca qui). Inoltre, sebbene variasse da un genere all’altro, in tutti i dipinti e le sculture dell’antichità classica era visibile l’armonia, l’equilibrio e la valorizzazione.

Colori

Gli antichi antiquari greci utilizzavano una tavolozza di quattro colori, composta da rosso, giallo, nero e bianco. Usavano la “mescolanza” come metodo per combinare i colori e arricchire così la loro tavolozza. Molte opere d’arte dell’antichità classica sono state dipinte da artisti che utilizzavano una tavolozza di sei colori: rosso, verde, blu, giallo, bianco e nero. Gli antichi Romani amavano i colori, ed è anche per questo che molte persone indossavano abiti con tinte vivaci (viola, rosso, verde, grigio e giallo). Il rosso era anche uno dei colori più popolari nell’arte murale romana.

Inoltre, la maggior parte delle persone pensa che gli edifici e le sculture antiche non fossero colorate, ma questa supposizione non è corretta. Gli edifici e le sculture dell’antichità erano in realtà molto colorati. I greci e i romani dipingevano le loro statue in modo da farle assomigliare a corpi reali e spesso le doravano in modo da farle brillare come divinità (per saperne di più clicca qui). I loro colori sono stati cancellati, perché dopo la caduta di Roma, ad esempio, le sculture antiche sono state sepolte o lasciate all’aria aperta per centinaia di anni, il che ha fatto sì che la vernice svanisse.

Materiali

Nell’antica Grecia e Roma si usava il marmo (soprattutto quello bianco) per fare statue. Si tagliavano i marmi colorati per creare pavimenti duri che durassero a lungo. L’arte dell’Antica Roma comprendeva architettura, pittura, scultura e mosaico. Alcuni oggetti di lusso creati con la lavorazione dei metalli, l’incisione di gemme, le sculture in avorio e il vetro sono talvolta considerati forme minori di arte romana, anche se all’epoca non erano considerati tali.

Stile

Lo stile greco classico è caratterizzato da una gioiosa libertà di movimento e di espressione e celebra l’umanità come entità indipendente. Alcuni di questi progressi sono stati portati dall’emergere del periodo pre-rinascimentale, i cui primi soggetti erano limitati a opere d’arte religiosa chiamate dipinti pietistici, che si presentavano anche in forme diverse come manoscritti miniati, mosaici e affreschi e si trovavano nelle chiese. Per maggiori informazioni, visitate questo link.

L’antichità classica influenzò l’architettura, l’arte e la pianificazione urbana del Rinascimento. Ha inoltre trasformato lo studio della storia e ha costituito la base del movimento culturale chiamato umanesimo.

Stili Pompeiani

Gli Stili Pompeiani sono quattro periodi che si distinguono nell’antica pittura murale romana. Gli stili di pittura murale hanno permesso agli storici dell’arte di delineare le varie fasi della decorazione interna nei secoli precedenti l’eruzione del Vesuvio del 79 d.C., che distrusse la città e conservò le pitture, e tra i cambiamenti stilistici dell’arte romana. Sono quattro gli stili principali di pittura murale romana che sono stati ritrovati: Incrostazione, architettonico, ornamentale e intricato. I primi due stili (incrostazione e architettonico) appartengono al periodo repubblicano (legato alla pittura murale greca ellenistica), mentre gli ultimi due stili (ornamentale e intricato) appartengono al periodo imperiale. Lo scopo principale di questi affreschi era quello di ridurre gli interni claustrofobici delle stanze romane, che erano prive di finestre e buie. I dipinti, pieni di colori e di vita, ravvivavano gli interni e facevano sembrare la stanza più spaziosa.

Il Primo stile, detto anche strutturale, a incrostazioni o a muratura, è stato il più diffuso dal 200 a.C. all’80 a.C.. È caratterizzato da una simulazione del marmo (rivestimento marmoreo). L’aspetto marmoreo veniva acquisito grazie all’uso di modanature in stucco, che facevano apparire porzioni di muro in rilievo.

Il Secondo stile, stile architettonico o “illusionismo”, dominò il I secolo a.C., dove le pareti erano decorate con elementi architettonici e composizioni a inganno. Questa tecnica consiste nell’evidenziare gli elementi per farli passare come realtà tridimensionali – ad esempio le colonne, che dividono lo spazio murario in zone – ed era un metodo ampiamente utilizzato dai Romani. Il secondo stile prevedeva l’uso di blocchi di marmo. I blocchi erano tipicamente allineati lungo la base della parete e l’immagine vera e propria era creata su intonaco piatto.

Il Terzo stile, o stile ornato, si diffuse intorno al 20-10 a.C. come reazione all’austerità del periodo precedente. Lascia spazio a decorazioni più figurative e colorate, con un senso generale più ornamentale, e spesso presenta una grande finezza nell’esecuzione. Questo stile è tipicamente caratterizzato da un’eleganza semplicistica. La sua caratteristica principale era l’abbandono degli artifici illusionistici, anche se in seguito questi (insieme alla rappresentazione figurale) si insinuarono nuovamente in questo stile. Obbedisce a rigide regole di simmetria dettate dall’elemento centrale, dividendo la parete in 3 zone orizzontali e da 3 a 5 zone verticali. Il nero, il rosso e il giallo continuarono a essere utilizzati per tutto questo periodo, ma l’uso del verde e del blu divenne più evidente rispetto agli stili precedenti.

Caratterizzato come reazione barocca al manierismo del Terzo Stile, il Quarto Stile della pittura murale romana (60-79 d.C. circa) è generalmente meno ornato del suo predecessore. Lo stile era tuttavia molto più complesso. Riprende la pittura narrativa su larga scala e le vedute panoramiche, pur conservando i dettagli architettonici del Secondo e del Primo Stile. La sensazione generale delle pareti era quella di un mosaico di quadri incorniciati. Uno dei maggiori contributi del Quarto Stile è l’avanzamento della natura morta, con spazi e luci intensi.

Arte imperial

L’arte imperiale si rifaceva spesso all’arte classica del passato. Il termine “classico”, o “classicizzante”, quando viene utilizzato in riferimento all’arte romana, si riferisce in generale alle influenze dell’arte greca del periodo classico ed ellenistico (480-31 a.C.). Gli elementi classicizzanti includono le linee morbide, i panneggi eleganti, i corpi nudi idealizzati, le forme altamente naturalistiche e le proporzioni equilibrate che i Greci avevano perfezionato in secoli di pratica. Augusto e la dinastia giulio-claudia amavano particolarmente adattare gli elementi classici alla loro arte. L’imperatore Adriano era noto come filelleno, ovvero amante di tutto ciò che è greco. L’arredamento della villa dell’imperatore a Tivoli comprendeva copie a mosaico di famosi dipinti greci, come la Battaglia dei Centauri e le Bestie Selvagge del leggendario pittore greco antico Zeuxis.

L’arte imperiale successiva si allontana dalle influenze classiche precedenti e l’arte severiana segna il passaggio all’arte tardoantica. Le caratteristiche dell’arte tardoantica comprendono la frontalità, la rigidità della posa e del panneggio, le linee profondamente tracciate, il minor naturalismo, le proporzioni tozze e la mancanza di individualismo. Le figure importanti sono spesso leggermente più grandi o sono collocate al di sopra del resto della folla per denotare importanza.

Non sappiamo molto su chi abbia realizzato l’arte romana. Gli artisti esistevano certamente nell’antichità, ma sappiamo molto poco di loro, soprattutto durante il periodo romano, a causa della mancanza di prove documentali come contratti o lettere. Le testimonianze che abbiamo, come la Storia Naturale di Plinio il Vecchio, prestano poca attenzione agli artisti contemporanei e spesso si concentrano maggiormente sugli artisti greci del passato. Di conseguenza, gli studiosi non fanno riferimento ad artisti specifici, ma li considerano in generale, come un gruppo in gran parte anonimo.

L’approccio pedagogico

Perché questa tematica è rilevante nella formazione degli adulti?

L’antichità è uno dei movimenti più importanti della storia dell’arte e della cultura. A questo periodo appartengono molte opere d’arte mozzafiato, tra cui alcune delle più note sculture greche. L’antichità classica influenzò l’architettura, l’arte e la pianificazione urbana del Rinascimento. Brunelleschi sviluppò il suo sistema di prospettiva lineare dopo aver osservato e studiato l’antica Roma. Questo movimento è stato un punto di svolta nella storia dell’arte che gli studenti non possono ignorare.

Quali sono i risultati di apprendimento dell’integrazione di questo tema artistico con un’attività didattica?

Con questa attività, gli studenti potranno scoprire l’Antichità attraverso le tecniche e la visione di scultori e pittori. Le attività sono impostate in modo che gli studenti possano apprendere la potenza di tutte le tecniche importanti utilizzate durante questo movimento artistico e culturale. Potranno inoltre approfondire sculture e dipinti specifici e guardare le spiegazioni video di alcune delle opere d’arte più influenti.

Come farlo: strategie, strumenti e tecniche.

Gli studenti parteciperanno in modo attivo e inattivo a tutto l’apprendimento. Possono osservare le opere d’arte proposte, possono leggere le informazioni sull’opera d’arte, che consentiranno loro di ampliare le proprie conoscenze artistiche e possono utilizzare i possibili sfruttamenti didattici come guida per esercizi, riflessioni sul tema e sull’opera d’arte stessa.  

Opere d’arte

Opera d’arte #1 Augusto di Prima Porta

• La sua posizione in relazione al tema:: L’artista è sconosciuto. L’opera risale al I secolo. Si tratta di un ritratto a figura intera di Cesare Augusto. È il primo imperatore dell’Impero romano. La statua è stata scoperta nel 1863 durante gli scavi archeologici della Villa di Livia. La villa era di proprietà della terza e ultima moglie di Augusto, Livia Drusilla in Prima Porta.

• Breve descrizione: La statua è un ritratto di Augusto come oratore e generale. Ma comunica anche molto sul potere e sull’ideologia dell’imperatore. In questo ritratto Augusto si mostra come un grande vincitore militare. È stata realizzata in marmo, è alta 2,08 metri e pesa circa 1000 chilogrammi.

• Posizione e dimensione europea:: La statua è oggi esposta nel Braccio Nuovo dei Musei Vaticani.

• Possibile utilizzo didattico:: La statua è molto particolare e importante. Vorremmo sfidare il discente a scoprire ulteriori informazioni sui dettagli dei vestiti della statua e sul significato della piccola figura accanto ad essa. Alcune informazioni aggiuntive su questa statua sono disponibili nella sezione Mostre virtuali di questo progetto. 

Opera d’arte #2 Peplos Kore

• La sua posizione in relazione al tema:L’artista è sconosciuto. L’opera risale al 530 a.C. circa. È una statua di ragazza. È una statua kore. Kore è il termine moderno con cui si indica una scultura greca antica a piedi del periodo arcaico. Raffigura figure femminili di giovane età. La statua è stata trovata in 3 pezzi.

• Breve descrizione: Il peplo è un tipo di abito indossato dalle donne in Grecia intorno al 500 a.C.. La statua presenta fori sulla testa e sulle spalle. Qualcuno dice che questo tipo di statua non raffigura ragazze mortali ma dee. La statua ha un sorriso sul volto. È chiamato “sorriso arcaico”. È simile a molte statue greche del periodo arcaico. La statua è alta 118 cm. È in marmo bianco. Il marmo proviene da Paros.

• Posizione e dimensione europea:La statua è oggi esposta nella Galleria dell’Acropoli arcaica del Museo dell’Acropoli di Atene.

• Possibile utilizzo didattico: si consiglia agli educatori adulti di approfondire il significato del foro sulla testa e sulle spalle. Inoltre, sarebbe molto interessante per loro capire cosa significa “sorriso arcaico”. Ciò suggerisce l’esplorazione delle Mostre virtuali di questo progetto e qualche ulteriore lettura. Ecco un link a una risorsa che vi aiuterà a iniziare l’esplorazione.

Opera d’arte #3 Laocoön e i suoi figli

Opera d’arte #4 Venere di Milo, Alexandros di Antiochia

• La sua posizione-relazione con il tema: L’opera risale al periodo compreso tra il 150 e il 125 a.C.. La Venere di Milo è un’antica scultura greca. Rappresenta una delle sculture più famose del periodo ellenistico. Il periodo ellenistico termina con la conquista del mondo greco da parte dei Romani.

• Breve descrizione: Si tratta di una statua in marmo pario. Rappresenta una figura femminile. La statua è semisvestita con il busto nudo. Il petto è nudo. Non si conosce il motivo della mancanza delle braccia.

• Ubicazione e dimensione europea:La statua è oggi esposta al Museo del Louvre di Parigi.

• Possibile utilizzo didattico Senza braccia, non è chiaro quale fosse l’aspetto originario della statua. Chiediamo agli studenti adulti, dopo aver appreso di più sull’antichità, di pensare alle possibili braccia e alla loro posizione. I critici pensano che la statua rappresenti Venere. Venere è la dea romana dell’amore, della bellezza e della passione. È la controparte della dea greca Afrodite. Altri suggeriscono che potrebbe essere Anfitrite. Anfitrite è la dea del mare.

Opera d’arte #5 Rovine del Partenone, Sanford Robinson Gifford, 1880

• La sua posizione in relazione al tema: Sanford Robinson Gifford è l’autore di questo dipinto. È un pittore americano vissuto tra il 1823 e il 1880. Il dipinto fu realizzato dopo il ritorno di Sanford Robinson Gifford dall’Acropoli nel 1869. L’artista lo considerava il suo ultimo dipinto importante. Era il coronamento della sua carriera. Sperava che venisse acquisito da un museo americano.

• Breve descrizione: I paesaggi di Gifford sono noti per la loro enfasi sulla luce e sui morbidi effetti atmosferici. L’immagine non contiene simbolismi. L’artista ha dipinto con una miscela di colori marroni scuri e chiari utilizzando la pittura a olio. Ha una qualità monumentale e senza tempo.

• Localizzazione e dimensione europea: Il dipinto si trova a Washington, negli Stati Uniti. 

• Possibile utilizzo didattico Alcuni critici si riferiscono a questo dipinto come: “non un quadro di un edificio, ma un quadro di un giorno”. Riflettete su questa frase. Perché pensate che si riferiscano a questa frase? Anche voi vi riferireste alla loro opinione? Perché / perché no?

Opera d’arte #6 Vittoria alata di Samotracia, o La Nike di Samotracia

• La sua posizione in relazione al tema: La Vittoria alata di Samotracia, o Nike di Samotracia,[2] è un monumento votivo originariamente rinvenuto sull’isola di Samotracia, a nord del Mar Egeo. È un capolavoro della scultura greca di epoca ellenistica, risalente all’inizio del II secolo a.C.. È composto da una statua che rappresenta la dea Niké (Vittoria), di cui mancano la testa e le braccia, e dalla sua base a forma di prua di nave.

• Short description:La statua, in marmo bianco Pario, raffigura una donna alata, la dea della Vittoria (Nikè), che si libra sulla prua di una nave da guerra. La Nike è vestita con una lunga tunica (chitôn) di tessuto finissimo, con un lembo ripiegato e cinturato sotto il petto. Era fissata alle spalle da due sottili cinghie (il restauro non è accurato). La parte inferiore del corpo è parzialmente coperta da uno spesso mantello (himation) arrotolato in vita e slegato quando scopre l’intera gamba sinistra; un’estremità scivola tra le gambe fino a terra, mentre l’altra, molto più corta, vola liberamente nella parte posteriore. Lo scultore ha moltiplicato gli effetti dei panneggi, tra i punti in cui il tessuto si placca contro il corpo rivelandone le forme, soprattutto sul ventre, e quelli in cui si accumula in pieghe profondamente incavate proiettando una forte ombra, come tra le gambe. Questo estremo virtuosismo riguarda il lato sinistro e la parte anteriore della statua. Sul lato destro, la disposizione del panneggio si riduce alle linee principali delle vesti, in un lavoro molto meno elaborato. Con il gomito piegato, la dea fa della sua mano un gesto vittorioso di salvezza: questa mano con le dita tese non tiene nulla (né tromba né corona).

• Ubicazione e dimensione europea Il santuario dei Grandi Dei di Samotracia si trova in una valle fluviale molto stretta del complesso templare di Samotracia. La Vittoria era situata sopra il teatro al n. 9. (Vedi mappa qui:

• Possibile utilizzo didattico: Chiediamo agli studenti di osservare il significato della barca e della base. Di che cosa era fatta la statua? Di cosa erano fatte la barca e la base? Le dimensioni di quest’opera d’arte sono simili a quelle delle statue mostrate in precedenza? Perché pensate che sia o non sia così?

Opera d’arte #7 Il Tondo severiano

• La sua collocazione rispetto al tema Il Tondo severiano o Tondo di Berlino, del 200 d.C. circa, è uno dei pochi esempi conservati di pittura su tavola dell’antichità classica, che raffigura le prime due generazioni della dinastia imperiale dei Severi, i cui membri governarono l’Impero romano tra la fine del II e l’inizio del III secolo. L’opera raffigura l’imperatore romano Settimio Severo (193-211) con la moglie, l’augusta Giulia Domna, e i due figli e co-augusti Caracalla (198-217) e Geta (209-211). Il volto di uno dei due fratelli è stato deliberatamente cancellato, molto probabilmente come parte della damnatio memoriae.

• Breve descrizione: L’opera è un dipinto a tempera, o a base di uovo, su un pannello di legno circolare, o tondo. Raffigura la famiglia imperiale con sontuosi abiti da cerimonia. Settimio Severo e i suoi figli reggono scettri e indossano corone d’oro decorate con pietre preziose. Gli studiosi ritengono che la carnagione più scura di Severo nel tondo rifletta probabilmente il suo sesso più che la sua origine etnica. Giulia Domna ha il suo caratteristico taglio di capelli, arricciato in ciocche parallele, forse uno stile della sua casa in Siria, e forse una parrucca. Sebbene si ritenga comunemente che Giulia Domna abbia introdotto l’usanza di indossare parrucche nella società romana, le prove indicano un predecessore che ha introdotto l’uso delle parrucche nella ritrattistica. Il volto di un figlio è stato cancellato in un deliberato atto di iconoclastia e lo spazio vuoto è stato imbrattato con escrementi. La maggior parte degli studiosi ritiene che il volto di Geta sia stato rimosso, probabilmente dopo il suo assassinio da parte della Guardia Pretoriana di Caracalla e la conseguente damnatio memoriae. Tuttavia, è anche possibile che Geta (in quanto figlio minore) sia il ragazzo più piccolo, e che sia il volto di Caracalla a essere stato cancellato, forse come ritorsione compensativa per l’esecuzione di massa di giovani alessandrini da parte di Caracalla nell’anno 215.

• Ubicazione e dimensione europea: La storia del dipinto dopo la sua creazione non è nota fino a quando l’Antikensammlung di Berlino lo acquistò nel 1932 da un mercante d’arte di Parigi. Si trova nell’Altes Museum, uno dei musei statali di Berlino.

• Possibile utilizzo didattico: Un’analisi approfondita dei colori e della teoria dei colori potrebbe essere un buon esercizio per questo dipinto, soprattutto conoscendo le palette cromatiche tipicamente utilizzate in questo periodo.

Opera d’arte #8 Coppia di centauri che combattono con felini da Villa Adriana, mosaico, 130 circa.

• La sua collocazione rispetto al tema Adriano fu il più grande mecenate delle arti. La sua villa imperiale a Tibur era adornata con il meglio di ciò che l’impero romano aveva da offrire in termini di opere d’arte e materiali da costruzione. Nella villa sono state trovate centinaia di statue, rilievi, marmi architettonici e altre decorazioni. Molte di esse sono andate perdute, altre sono conservate in musei e collezioni private di tutto il mondo.

Di particolare interesse è il pannello centrale (emblema) di un grande mosaico che raffigura una coppia di centauri (creature mitologiche con la testa, le braccia e il busto di un uomo e il corpo e le gambe di un cavallo) che combattono contro gatti selvatici. È uno dei mosaici romani più significativi. I mosaici erano utilizzati in tutto il sito, ma i mosaici policromi erano utilizzati solo negli edifici nobiliari.

• Breve descrizione: La scena drammatica rappresenta un centauro che lancia una pietra contro la tigre che ha ucciso la sua compagna. La centaura giace morta, insanguinata dagli artigli affilati della bestia. Il mosaico è composto da migliaia di piccole tessere ravvicinate (1-2 millimetri) chiamate opus vermiculatum. Il mosaico risale al 120-130 d.C. ed è stato realizzato con numerose pietre naturali di colore diverso. L’opera d’arte rimane come decorazione del pavimento della sala da pranzo del palazzo principale all’interno del vasto complesso di ville dell’imperatore Adriano. (Ulteriori informazioni sull’argomento sono disponibili qui)

• Ubicazione e dimensione europea La statua si trova nell’Altes Museum di Berlino, in Germania.

• Possibile utilizzo didattico: Date un’occhiata a questo video: https://smarthistory.org/pair-of-centaurs-fighting-cats-of-prey-from-hadrians-villa/ 

Riuscite a trovare un altro esempio di opera d’arte o di mosaico, creato durante l’antichità (l’età ellenistica), che sia stato esposto nella casa di un altro imperatore? I colori utilizzati sono simili a quelli della coppia di centauri che combattono le prede di Villa Adriana? Perché pensate che sia ( o non sia) così?

Facoltativo – Avete già lavorato con i mosaici? Forse questa può essere un’ottima occasione ed esperimento per far provare questa tecnica alla vostra classe.

Opera d’arte #9 Giulio Cesare

• La sua collocazione rispetto al tema: Testa di marmo proveniente da una statua, probabilmente di Giulio Cesare. La testa è stata bruciata ed è gravemente danneggiata, con il lato destro e la parte posteriore della testa mancanti. Scavo/luogo di ritrovamento: Santuario di Atena Polias; Materiali: marmo

• Breve descrizione: Nome completo Caio Giulio Cesare, noto in epoca moderna come Giulio Cesare e soggetto dell’opera teatrale di Shakespeare. È noto soprattutto per il suo ruolo nella trasformazione della Repubblica romana in Impero romano. Conquistò la Gallia (e ne scrisse un libro) e fu membro del Primo Triumvirato, ma dopo il crollo di questa alleanza politica divenne nemico di Pompeo Magno (q.v.) e attraversò il Rubicone per marciare su Roma come parte della lotta. Ottenne più consolati e fu nominato dictator perpetuus, una mossa che scatenò la gelosia di C. Cassio Longino (q.v.) e la preoccupazione di M. Giunio Bruto (q.v.). Questi due uomini furono a capo del complotto che portò all’assassinio di Giulio Cesare il 15 marzo 44 a.C.. Ulteriori informazioni sono disponibili qui

• Ubicazione e dimensione europea:Il dipinto si trova al British Museum. È alto 39,37 cm.

• Possibile utilizzo didattico: Come è stato rappresentato Giulio Cesare nell’opera di Shakespeare? Esiste un restauro più recente di questa statua? In che modo è diversa dall’originale? Vi vengono in mente altri leader del passato che sono stati rappresentati in un’opera teatrale? Se si, chi sono?

Opera d’arte #10 Auriga di Delfi

• La sua collocazione rispetto al tema: L’Auriga di Delfi, noto anche come Heniokhos (il portatore di redini), è una statua rimasta intatta dell’ Antica Grecia e un esempio di scultura antica in bronzo. La statua a grandezza naturale (1,8 m) di un guidatore di carro è stata rinvenuta nel 1896 presso il Santuario di Apollo a Delfi.

• Breve descrizione: In origine faceva parte di un gruppo statuario più ampio, che comprendeva il carro, almeno quattro cavalli e forse due palafrenieri. Alcuni frammenti dei cavalli sono stati ritrovati insieme alla statua. Il capolavoro è stato associato allo scultore Pitagora di Samo, che visse e lavorò in Sicilia, e allo scultore Calamis. Le città siciliane erano molto ricche rispetto alla maggior parte delle città della Grecia continentale e i loro governanti potevano permettersi le offerte più sontuose agli dei, nonché i migliori cavalli e conducenti. È improbabile, tuttavia, che la statua stessa provenga dalla Sicilia. Il nome dello scultore è sconosciuto, ma per ragioni stilistiche si ritiene che la statua sia stata fusa ad Atene. Presenta alcune somiglianze di dettaglio con la statua nota come Apollo del Pireo, di cui è nota l’origine ateniese. Un’iscrizione sulla base in calcare della statua indica che fu dedicata da Polizalo. Trovate la fonte delle informazioni qui.

• Ubicazione e dimensione europea: La statua si trova oggi nel Museo Archeologico di Delfi, in Grecia.

• Possibile utilizzo didattico: L’atmosfera e la suggestione che si sprigionano dalla statua sono molto particolari. Può essere interessante analizzarla confrontandola con altre statue per vedere come le espressioni facciali scolpite in modo diverso possano fare una grande differenza.

Attività pratiche

Attività 1: Schizzo di una statua (rispettivo del periodo)

Obiettivi

Aiutare gli studenti a scoprire come gli artisti dell’antichità creavano le statue. È importante osservare la postura del corpo e i gesti rappresentati.

Materiali

• Quaderno degli schizzi
• Penna
• Gomma

Se gli allievi sono artisti, possono utilizzare i loro materiali per dipingere con un cavalletto.

• Una stampante o un proiettore

Fase preparatoria per educatori/mediatori

Mostrare agli studenti una serie di statue antiche diverse. Questo aiuterà gli studenti a capire cosa stiamo cercando di ottenere.

Sviluppo

Chiedete agli studenti di scegliere una statua che dovranno disegnare con la stessa identica vista o prospettiva. Una volta scelta la statua, stabilite il programma. Uno schizzo dovrebbe essere realizzato in 5 minuti, uno in 15 minuti, uno in 45 minuti e uno può essere lavorato per tutto il tempo necessario.

Possono creare 4 versioni dello stesso schizzo in 4 tempi diversi. Questo darà loro una prospettiva temporale, per ricreare un’opera d’arte, sotto forma di statua, piuttosto che di dipinto o schizzo. Riflettete con la vostra classe sul ruolo del tempo, su come influisce sulla qualità, sui dettagli, sui colori e sulle tecniche.

Attività 2 (richiede un budget)

Nome dell’attività

Visitare un museo online, ad esempio il Museo Archeologico Nazionale di Atene (online)

Obiettivi

Per scoprire il periodo dell’antichità, le caratteristiche dei dipinti, le tecniche e molto altro ancora.

Materiali

Accesso a un computer con connessione online.

Budget per un biglietto della mostra online (nota: alcuni musei hanno mostre virtuali gratuite). L’educatore può anche acquistare un biglietto e mostrare la mostra virtuale in classe, se ciò è consentito.

Fase preparatoria per educatori/mediatori

La visita al museo è autoguidata. Tuttavia, l’educatore può mettersi in contatto con l’organizzazione o visitarlo da solo, per potersi concentrare su opere d’arte specifiche con la classe piuttosto che chiedere agli studenti di esplorare e seguire tutto da soli.

Sviluppo

Gli studenti possono approfondire la conoscenza di statue specifiche e altro ancora attraverso questo sito web, e l’educatore può creare un quiz da svolgere alla fine per valutare le loro conoscenze.

Digital Exhibitions – namuseum

Acropolis Museum, Athens, Grèce — Google Arts & Culture

Vatican Museums — Official Website

British Museum

Louvre Museum Official Website