Introducción

La Edad de la Antigüedad también se conoce como la Era Antigua. Comienza con el inicio de la historia humana registrada (alrededor del año 3000 a.C.), hasta la Alta Edad Media (alrededor de mediados del 400). En el ámbito de las bellas artes, el término se refiere al periodo que va desde el inicio de la civilización Occidental (alrededor del 4500 a.C.) hasta el comienzo de la Edad Media (alrededor del 450 d.C.).

El término fue utilizado por primera vez por los escritores del Renacimiento. Estudiar los logros del pasado es algo clave para crear magníficas obras de arte en el futuro. Una táctica para explorar las obras de arte era mediante la búsqueda y exploración de textos antiguos, ruinas, objetos desenterrados como monumentos, monedas y estatuas.

La Edad de la Antigüedad, y en particular la Antigüedad clásica, influyó en la arquitectura, el arte y el urbanismo del Renacimiento. También creó la base del movimiento cultural denominado Humanismo.

En este dossier pedagógico, introduciremos primero los orígenes del movimiento, proporcionando un breve contexto histórico y cultural a su surgimiento. A continuación, entraremos en detalles sobre las especificidades del movimiento, basándonos en los colores, las formas, las pinceladas, la perspectiva, etc. Por último, presentaremos 10 de las pinturas/esculturas más famosas de la época y ofreceremos 2 ejemplos prácticos de actividades que pueden llevarse a cabo en un taller de arte basado en la Antigüedad.

En resumen, en este dossier, podrás:

• Conocer los orígenes del movimiento de la Antigüedad,
• Descubrir algunas de sus figuras clave y personas influyentes,
• Explorar las características de las técnicas de la Antigüedad,
• ¡Y más!

Antecedentes del movimiento

Roma clásica

La antigua Roma se refiere a la civilización romana desde la fundación de la ciudad de Roma en el siglo VIII a.C. hasta la caída del Imperio Romano de Occidente en el siglo V d.C.

En Roma (Italia), donde muchos de los ciudadanos vivían entre restos antiguos y desmoronados de una civilización ya muerta, comenzó el estudio de las culturas antiguas. Los anticuarios (estudiosos del mundo antiguo), comenzaron a buscar entre las ruinas cualquier posible pista relacionada con la vida de civilizaciones anteriores y perdidas. Al mismo tiempo, en el Reino Unido y en otras partes de Europa, los historiadores tenían la misma misión: descubrir el pasado lejano de sus países.

Como se puede ver en la foto de arriba de las ruinas del Forum Romanum en Italia, hasta la fecha hay ruinas de antiguos teatros, templos, columnas y arcos en Italia y otras regiones del Mediterráneo. Muchos de estos monumentos también se encuentran en Grecia.

Sin embargo, algunos sostienen que los mapas y guías de las ciudades de la Edad Media demuestran que los ciudadanos que vivían en la Edad Media no comprendían la importancia de estos antiguos monumentos.

Aunque la mayoría de los ciudadanos conocían los nombres de las famosas antigüedades, muchos no sabían su función original. Algunas antigüedades famosas que pueden verse a continuación son el Panteón y el Coliseo.

El Anfiteatro Flavio, más conocido como el Coliseo, se construyó en el siglo I d.C. en Roma. Fue el mayor anfiteatro del Imperio Romano.

El Coliseo fue construido por los emperadores flavios. La construcción comenzó por iniciativa del emperador Vespasiano en el año 72 y se financió con el botín del saqueo de Jerusalén en el año 70. Muchos esclavos judíos, como parte del botín de guerra, trabajaron en el enorme anfiteatro. Tras su finalización, en el año 80, fue consagrado por el emperador Tito, hijo mayor del emperador Vespasiano. En los alrededores del Coliseo había cuatro escuelas de gladiadores. El Coliseo estaba enteramente destinado a los juegos organizados y financiados por el emperador reinante. En su inauguración, Tito organizó unos juegos que duraron 100 días. Según la tradición, además de muchas luchas de gladiadores, se vieron los espectáculos más asombrosos. Hubo peleas entre grullas y peleas entre cuatro elefantes. Se sacrificaron nueve mil animales. Las mujeres también actuaron como luchadoras de animales salvajes.

En el siglo XII, las ruinas del anfiteatro se convirtieron en una fortaleza de la familia Frangipani. Las familias romanas importantes, entre las que se encontraba el Papa, consideraban el Coliseo como una cantera de la que se podía obtener fácilmente material de construcción para sus iglesias y palacios recién construidos. Por ejemplo, todo el mármol se retiraba y se reutilizaba en nuevos edificios o simplemente se quemaba para obtener cal. El hierro con el que se aseguraban los bloques de piedra y mármol también tenía demanda. Este saqueo sólo terminó en 1749, cuando el Papa Benedicto XIV reconoció el valor histórico del Coliseo y prohibió que se siguiera utilizando como cantera. Dedicó el Coliseo como iglesia en memoria de la Pasión de Cristo y construyó un Vía Crucis en su interior. Los papas posteriores permitieron que el Coliseo se sometiera a más restauraciones e investigaciones arqueológicas. Aunque el Coliseo ya no tiene sus dimensiones originales, sigue siendo un conjunto imponente y atrae a miles de turistas cada día. En la actualidad, se ha restaurado parte del suelo de madera de la arena.

El 7 de julio de 2007, el Coliseo fue nombrado una de las nuevas siete maravillas del mundo.

El Panteón está tan bien diseñado y es tan sencillo que sigue casi intacto. Esto es aún más sorprendente si se tiene en cuenta que dos papas diferentes hicieron retirar el metal del techo para otros usos, dejándolo desprotegido durante siglos. Construido por Marco Agripa, yerno del emperador Augusto, el templo estaba dedicado a los dioses planetarios más sagrados, con la cúpula representando el firmamento y su apertura representando el sol. Dañado por un incendio en el año 80 d.C., fue reconstruido en el reinado de Adriano (120-125 d.C.); los trabajos de albañilería de esta época demuestran el dominio técnico alcanzado por los romanos. Los primeros emperadores cristianos prohibieron el uso de este templo pagano para el culto, y estuvo en desuso hasta que el Papa Bonifacio IV lo consagró como iglesia cristiana y lo dedicó a la Virgen y a todos los mártires cristianos el 1 de noviembre de 609, origen de la fiesta cristiana de Todos los Santos. La gran cúpula se apoya en un cilindro de muros de mampostería, en cuyo interior hay grandes espacios vacíos. Estos vacíos, combinados con las alcobas que rodean su interior, permiten una construcción más ligera, al tiempo que sostienen la cúpula mediante fuertes arcos.

El efecto visual es el de tres arcadas continuas, y si se observa la rotonda desde el exterior, se pueden ver los arcos de ladrillo que absorbían parte de la tensión del peso de la cúpula. Originalmente, estos muros exteriores estaban revestidos de mármol fino, pero a lo largo de los siglos se ha eliminado.

Los romanos del año 1400 tampoco eran conscientes de todo el tamaño y la extensión de una ciudad antigua. Los escritos que habían sobrevivido en toda Europa no eran comprendidos por los eruditos e historiadores. Los eruditos del Renacimiento dedicaron su vida a buscar el pasado lejano. En Roma, los habitantes sacaron a la luz muchas de sus maravillas enterradas durante mucho tiempo y encontraron muchas antigüedades, algunas bajo sus viñedos, otras bajo los cimientos de nuevos edificios.

Una estatua descubierta en 1506, hecha de mármol, de Laocoön y sus hijos (también llamada Grupo de Laocoön), por ejemplo, resultó ser una pieza de arte mencionada en las obras del antiguo escritor romano Plinio. Esta estatua está expuesta al público en los Museos Vaticanos.

Contexto histórico y social del movimiento

A medida que los anticuarios aprendían más sobre los valores y prácticas del mundo antiguo, comenzaron a adoptarlos como parte de su propia cultura. Por ejemplo, arquitectos renacentistas como Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti examinaron, midieron y dibujaron las espectaculares ruinas de los edificios antiguos, tratando de entender cómo se habían construido y utilizado. Luego adaptaron estas formas clásicas en los diseños de sus propios edificios, vinculando su propio mundo con las grandes culturas del pasado. Los artistas empezaron a tener en mayor consideración el arte de la antigüedad grecorromana, mientras que antes, durante el periodo medieval, la atención se centraba en el arte bizantino.

A la izquierda, un ejemplo de obra de arte bizantina: uno de los mosaicos bizantinos más famosos que se conservan en Santa Sofía de Constantinopla: la imagen del Cristo Pantocrátor en las paredes de la galería superior del sur, Cristo flanqueado por la Virgen María y Juan el Bautista.

Filippo Brunelleschi fue un arquitecto, orfebre y escultor italiano. Fue el primer arquitecto del Renacimiento y también formuló los principios de la perspectiva lineal que rigieron la representación pictórica del espacio hasta finales del siglo XIX. Se le considera uno de los padres fundadores de la arquitectura renacentista.

Brunelleschi y Donatello fueron de los primeros que estudiaron el tejido físico de las ruinas de la Antigua Roma. Brunelleschi desarrolló su sistema de perspectiva lineal tras su observación y estudios de la Antigua Roma.

Mientras en Italia los eruditos estudiaban las antigüedades de Roma, en Inglaterra Enrique VII contrataba a un anticuario, John Leland, para que examinara las reliquias inglesas. Hubo intentos en Inglaterra, para demostrar que la historia de la nación es al menos tan antigua como la italiana y la griega.

Grecia clásica

En el contexto del arte, la cultura y la arquitectura, la Grecia clásica se sitúa en el periodo de unos 200 años, es decir, alrededor de los siglos V y IV a.C. en la Antigua Grecia. Hay una serie de antigüedades arquitectónicas famosas hasta la fecha que fueron construidas en este período. Una de ellas es el Partenón. Su construcción comenzó en el siglo V a.C

El Partenón es un antiguo templo de la Acrópolis ateniense, dedicado a la diosa Atenea. Durante un tiempo, también sirvió de tesoro y, en la última década del siglo VI d.C., se convirtió en una iglesia cristiana, dedicada a la Virgen María. El Partenón sustituyó en realidad a un templo más antiguo de Atenea, que los historiadores llaman el Pre-Partenón, que fue demolido en la invasión persa del 480 a.C. Las esculturas decorativas del Partenón están consideradas como uno de los puntos culminantes del arte griego y sirven como símbolo de la antigua Grecia.

A este periodo le sucedió el periodo helenístico.

Arte helenístico

Tras la muerte de Alejandro Magno, en el año 323 a.C., y también tras la conquista del mundo griego por los romanos, comenzó la expansión de la influencia griega. El término helenístico se refiere a la expansión de la influencia griega y a la difusión de sus ideas. Hay muchas obras de arte impresionantes, también algunas de las obras más conocidas de la escultura griega, que pertenecen a este periodo. Una de ellas es la Venus de Milo, descubierta en la isla griega de Milos (a la izquierda), entre los años 130 y 100 a.C., o la Victoria Alada de Samotracia (a la derecha), procedente de la isla de Samotracia.

Características del movimiento

Hay varias características que pueden ayudar a un espectador a identificar los rasgos de las antigüedades. Éstas son algunas de las más comunes:

Precisión visual en las esculturas

Hace ya más de 2000 años, los griegos construían estatuas independientes de tamaño natural que intentaban imitar la forma humana en una época en la que otras culturas tenían enfoques mucho más abstractos y estilísticos. Hubo una serie de valores fundamentales que les influyeron. Uno de ellos es su devoción por el estudio del mundo natural. Este compromiso e interés exigía la observación y la experimentación, lo que condujo a un estilo artístico muy realista. Otro aspecto importante era que, debido a las filosofías de los griegos, las obras de arte eran muy realistas, lo que significa que retrataban el ideal humano. Además, aunque variaba según los géneros, en todas las pinturas y esculturas del arte de la Antigüedad Clásica se apreciaban evidencias de armonía, equilibrio y promoción.

Colores

Los antiguos anticuarios griegos utilizaban una paleta de cuatro colores: rojo, amarillo, negro y blanco. Utilizaban la «mezcla» como método para combinar los colores y así enriquecer su paleta. Muchas de las obras de arte de la Antigüedad clásica fueron pintadas por artistas que utilizaban una paleta de colores que incluía seis colores: rojo, verde, azul, amarillo, blanco y negro. Los antiguos romanos adoraban el color, y por eso muchos vestían ropas teñidas de colores vivos (púrpura, rojo, verde, gris y amarillo). El rojo era también uno de los colores más populares en el arte mural romano.

Además, aunque la mayoría de la gente asume que los edificios y esculturas antiguos no eran coloridos, esta suposición es incorrecta. Los edificios y las esculturas de la antigüedad eran muy coloridos. Los griegos y los romanos pintaban sus estatuas para que parecieran cuerpos reales, y a menudo las doraban para que brillaran como dioses. El colorido se desvaneció, ya que tras la caída de Roma, por ejemplo, las esculturas antiguas se enterraron o se dejaron al aire libre durante cientos de años, lo que provocó que la pintura se desvaneciera.

Materiales

En la antigua Grecia y Roma se utilizaba el mármol (especialmente el blanco) para hacer estatuas. Se cortaba el mármol de color en patrones para hacer suelos duros que duraran mucho tiempo. El arte de la antigua Roma incluía la arquitectura, la pintura, la escultura y el mosaico. Algunos objetos de lujo creados mediante el trabajo del metal, el grabado de gemas, las tallas de marfil y el vidrio se consideran a veces como formas menores de arte romano, aunque no se consideraban como tales en la época.

Estilo

El estilo griego clásico se caracteriza por una alegre libertad de movimiento, libertad de expresión y celebra al hombre como entidad independiente. Algunos de estos avances se produjeron con la aparición del periodo prerrenacentista, cuyos primeros temas se limitaban a obras de arte religiosas denominadas pinturas pietistas, que también se presentaban en diferentes formas, como manuscritos iluminados, mosaicos y pinturas al fresco, y que se encontraban en las iglesias.

La antigüedad clásica influyó en la arquitectura, el arte y el urbanismo del Renacimiento. También transformó el estudio de la historia y constituyó la base del movimiento cultural llamado humanismo.

Estilos pompeyanos

Los estilos pompeyanos son cuatro periodos que se distinguen en la pintura mural romana antigua. Los estilos de pintura mural han permitido a los historiadores del arte delimitar las distintas fases de la decoración interior en los siglos anteriores a la erupción del Vesubio en el año 79 d.C., que destruyó la ciudad y conservó las pinturas, y entre los cambios estilísticos del arte romano. Se han encontrado cuatro estilos principales de pintura mural romana: Incrustación, arquitectónica, ornamental e intrincada. Los dos primeros estilos (incrustación y arquitectónico) forman parte del periodo republicano (relacionado con la pintura mural griega helenística) y los dos últimos estilos (ornamental e intrincado) forman parte del periodo imperial. El objetivo principal de estos frescos era reducir los claustrofóbicos interiores de las habitaciones romanas, que carecían de ventanas y eran oscuras. Las pinturas, llenas de color y vida, alegraban el interior y hacían que la habitación pareciera más espaciosa.

El Primer estilo, también denominado estructural, de incrustación o de mampostería, fue el más popular desde el año 200 a.C. hasta el 80 a.C. Se caracteriza por la simulación del mármol (enchapado de mármol). El aspecto marmóreo se adquiría mediante el uso de molduras de estuco, que hacían que partes de la pared parecieran elevadas.

El Segundo estilo, el arquitectónico, o «ilusionismo» dominó el siglo I a.C., en el que las paredes se decoraban con elementos arquitectónicos y composiciones que engañaban al espectador. Esta técnica consistía en resaltar elementos para hacerlos pasar por realidades tridimensionales (columnas, por ejemplo, dividiendo el espacio mural en zonas- y era un método muy utilizado por los romanos. El segundo estilo mantuvo el uso de bloques de mármol. Los bloques se alineaban a lo largo de la base de la pared y la imagen real se creaba en yeso plano.

El Tercer estilo, o estilo ornamentado, fue popular alrededor del 20-10 a.C. como reacción a la austeridad del periodo anterior. Deja espacio para una decoración más figurativa y colorida, con una sensación general más ornamental, y a menudo presenta una gran delicadeza en la ejecución. Este estilo se caracteriza por su elegancia simplista. Su principal característica era el abandono de los dispositivos ilusionistas, aunque éstos (junto con la representación figurativa) volvieron a introducirse más tarde en este estilo. Obedecía a estrictas reglas de simetría dictadas por el elemento central, dividiendo el muro en 3 zonas horizontales y de 3 a 5 verticales. El negro, el rojo y el amarillo siguieron utilizándose durante este periodo, pero el uso del verde y el azul se hizo más prominente que en los estilos anteriores.

Caracterizado como una reacción barroca al manierismo del Tercer Estilo, el Cuarto Estilo en la pintura mural romana (c. 60-79 d.C.) está generalmente menos ornamentado que su predecesor. Sin embargo, el estilo era mucho más complejo. Recupera la pintura narrativa a gran escala y las vistas panorámicas, al tiempo que conserva los detalles arquitectónicos del Segundo y Primer Estilo. La sensación general de las paredes solía formar un mosaico de cuadros enmarcados. Una de las mayores aportaciones que se observan en el Cuarto Estilo es el avance de las naturalezas muertas con espacio y luz intensos.

Arte imperial

El arte imperial a menudo se remonta al arte clásico del pasado. El término «clásico», o «clasicista», cuando se utiliza en referencia al arte romano, se refiere en general a las influencias del arte griego de los periodos clásico y helenístico (480-31 a.C.). Los elementos del clasicismo incluyen las líneas suaves, los elegantes drapeados, los cuerpos desnudos idealizados, las formas altamente naturalistas y las proporciones equilibradas que los griegos habían perfeccionado durante siglos de práctica. Augusto y la dinastía Julio-Claudia fueron especialmente aficionados a adaptar los elementos clásicos a su arte. El emperador Adriano era conocido como un filoheleno, o amante de todo lo griego. La decoración de la villa del emperador en Tívoli incluía copias en mosaico de famosas pinturas griegas, como La batalla de los centauros y las fieras, del legendario pintor griego Zeuxis.

El arte imperial posterior se alejó de las influencias clásicas anteriores, y el arte severo marcó el cambio hacia el arte de la Antigüedad tardía. Las características del arte tardoantiguo incluyen la frontalidad, la rigidez de la pose y el drapeado, las líneas profundamente perforadas, un menor naturalismo, las proporciones escuetas y la falta de individualismo. Las figuras importantes son, a menudo, ligeramente más grandes o se colocan por encima del resto de la multitud para denotar su importancia.

No sabemos mucho sobre quiénes hicieron el arte romano. Los artistas existieron sin duda en la antigüedad, pero sabemos muy poco sobre ellos, especialmente durante el periodo romano, debido a la falta de pruebas documentales, como contratos o cartas. Las pruebas que tenemos, como la Historia Natural de Plinio el Viejo, prestan poca atención a los artistas contemporáneos y suelen centrarse más en los artistas griegos del pasado. En consecuencia, los estudiosos no se refieren a artistas concretos, sino que los consideran en general, como un grupo en gran medida anónimo.

Enfoque pedagógico

¿Por qué este tema es relevante para los estudiantes adultos?

La Antigüedad es uno de los movimientos más importantes de la historia del arte y la cultura. Hay muchas obras de arte impresionantes, también algunas de las más conocidas de la escultura griega, que pertenecen a este periodo. La antigüedad clásica influyó en la arquitectura, el arte y la planificación urbana del Renacimiento. Brunelleschi desarrolló su sistema de perspectiva lineal tras su observación y estudios de la Antigua Roma. Este movimiento supuso un punto de inflexión en la historia del arte que los estudiantes no pueden obviar.

¿Cuáles son los resultados del aprendizaje al integrar este tema artístico con una actividad educativa?

Con esta actividad, los alumnos podrán descubrir la Antigüedad a través de las técnicas y la visión de las esculturas y los pintores. Las actividades están pensadas para que los alumnos aprendan el poder de todas las técnicas importantes utilizadas durante este movimiento artístico y cultural. También podrán profundizar en esculturas y pinturas concretas y ver explicaciones en vídeo de algunas de las obras de arte más influyentes.

Cómo hacerlo: estrategias, herramientas y técnicas.

Los alumnos tendrán una participación activa e inactiva a lo largo de su aprendizaje. Pueden observar las obras de arte propuestas, pueden leer la información sobre la obra de arte, lo que les permitirá ampliar sus conocimientos artísticos y pueden utilizar los posibles explotaciones educativas como guía para los ejercicios, la reflexión sobre el tema y la propia obra de arte.  

Obras de arte

Obra de arte #1 Augusto de Prima Porta

• Su posición-relación con el tema El artista es desconocido. La obra data del siglo I. Se trata de un retrato de cuerpo entero de Augusto César. Es el primer emperador del Imperio Romano. La estatua fue descubierta en 1863 durante unas excavaciones arqueológicas en la Villa de Livia. La villa era propiedad de la tercera y última esposa de Augusto, Livia Drusilla in Prima Porta.

• Breve descripción La estatua es un retrato de Augusto como orador y general. Pero también comunica mucho sobre el poder y la ideología del emperador. En este retrato, Augusto se muestra como un gran vencedor militar. Está hecha de mármol, mide 2,08 metros de altura y pesa unos 1.000 kilogramos.

• Ubicación y dimensión europea La estatua se expone ahora en el Braccio Nuovo (Brazo Nuevo) de los Museos Vaticanos.

• Posible explotación educativa La estatua es muy singular e importante. Nos gustaría desafiar al alumno a que descubra más información sobre los detalles de la ropa de la estatua y el significado de la pequeña figura que hay junto a ella. Puedes encontrar información adicional sobre esta estatua en la sección de Exposiciones Virtuales de este proyecto.

Obra de arte #2 Kore del Peplo

• Su posición-relación con el tema El artista es desconocido. La obra se remonta al año 530 a.C. Es una estatua de una niña. Es una estatua kore. Kore es el término moderno que se da a una escultura griega antigua de la época arcaica. Representa figuras femeninas de corta edad. La estatua se encontró en tres piezas.

• Breve descripción Un peplos es un tipo de vestido que llevaban las mujeres en Grecia hacia el año 500 a.C. La estatua tiene agujeros en la cabeza y los hombros. Se dice que este tipo de estatua no representa a chicas mortales sino a diosas. La estatua tiene una sonrisa en la cara. Se llama «sonrisa arcaica». Es similar a muchas estatuas griegas del periodo arcaico. La estatua mide 118 cm de altura. Es de mármol blanco. El mármol es de Paros.

• Ubicación y dimensión europea La estatua se exhibe ahora en la Galería de la Acrópolis Arcaica del Museo de la Acrópolis de Atenas.

• Posible explotación educativa Se aconseja a los educadores de adultos que investiguen el significado del agujero en la cabeza y en los hombros. Además, sería muy interesante que entendieran lo que significa una «sonrisa arcaica». Esto sugiere explorar las exposiciones virtuales de este proyecto y algunas lecturas adicionales. A continuación, un enlace a un recurso que le ayudará a empezar a explorar.

Obra de arte #3 Laocoön y sus hijos

Obra de arte #4 Venus de Milo, Alexandros de Antioquía

• Su posición-relación con el tema La obra data de entre el 150 y el 125 a.C. La Venus de Milo es una antigua escultura griega. Representa una de las esculturas más famosas del periodo helenístico. El periodo helenístico termina con la conquista del mundo griego por los romanos.

• Breve descripción Es una estatua de mármol de Parián. Representa una figura femenina. La estatua está medio vestida con el torso desnudo. Su pecho está desnudo. Se desconoce la razón por la que le faltan los brazos.

• Ubicación y dimensión europea La estatua se exhibe ahora en el Museo del Louvre de París.

• Posible explotación educativa: Sin brazos, no está claro el aspecto original de la estatua. Pedimos a los alumnos adultos que, después de aprender más sobre la época de la antigüedad, piensen en los posibles brazos y sus posiciones. Los críticos creen que la estatua representa a Venus. Venus es la diosa romana del amor, la belleza y la pasión. Es la homóloga de la diosa griega Afrodita. Otros sugieren que podría ser Anfítrite. Anfítrite es la diosa del mar.

Obra de arte #5 Ruinas del Partenón, Sanford Robinson Gifford, 1880

• Su posición-relación con el tema Sanford Robinson Gifford es el autor de este cuadro. Es un pintor estadounidense que vivió entre 1823 y 1880. El cuadro fue realizado después de que Sanford Robinson Gifford regresara de la Acrópolis en 1869. El artista lo consideraba su último cuadro importante. Fue el colofón de su carrera. Esperaba que fuera adquirido por un museo estadounidense.

• Breve descripción Los paisajes de Gifford son conocidos por su énfasis en la luz y los efectos atmosféricos suaves. La imagen no contiene simbolismo. Pintó utilizando una mezcla de colores marrones oscuros y claros con pintura al óleo. Tiene una calidad intemporal y monumental.

• Ubicación y dimensión europea El cuadro se encuentra en Washington, EE.UU.

• Posible explotación educativa Algunos críticos se refieren a este cuadro como: «no un cuadro de un edificio, sino un cuadro de un día». Reflexiona sobre esta frase. ¿A qué crees que se refieren con esta frase? ¿También te identificas con su opinión? ¿Por qué / por qué no?

Obra de arte #6 Victoria alada de Samotracia, o la Nikè de Samotracia

• Su posición-relación con el tema La Victoria Alada de Samotracia, o la Nikè de Samotracia, es un monumento votivo encontrado originalmente en la isla de Samotracia, al norte del mar Egeo. Es una obra maestra de la escultura griega de la época helenística, que data de principios del siglo II a.C. Está compuesta por una estatua que representa a la diosa Nikè (Victoria), a la que le faltan la cabeza y los brazos, y su base en forma de proa de barco.

• Breve descripción La estatua, de mármol blanco de Pariá, representa a una mujer alada, la diosa de la Victoria (Nikè), posándose en la proa de un barco de guerra. La Nikè está vestida con una larga túnica (chitôn) de un tejido muy fino, con una solapa doblada y ceñida bajo el pecho. Se sujetaba a los hombros mediante dos finas correas (la restauración no es exacta). La parte inferior del cuerpo está parcialmente cubierta por un grueso manto (himation) enrollado en la cintura y que se desata al descubrir toda la pierna izquierda; un extremo se desliza entre las piernas hasta el suelo, y el otro, mucho más corto, vuela libremente por la espalda. El escultor ha multiplicado los efectos de los drapeados, entre los lugares en los que la tela se aplana contra el cuerpo revelando sus formas, especialmente en el vientre, y aquellos en los que se acumula en pliegues profundamente ahuecados proyectando una fuerte sombra, como entre las piernas. Este virtuosismo extremo afecta al lado izquierdo y a la parte delantera de la estatua. En el lado derecho, la disposición de los paños se reduce a las líneas maestras de la ropa, en un trabajo mucho menos elaborado. Con el codo doblado, la diosa hizo con su mano un gesto victorioso de salvación: esta mano con los dedos extendidos no sostenía nada (ni trompeta ni corona).

• Ubicación y dimensión europea El santuario de los Grandes Dioses de Samotracia se encuentra en un valle fluvial muy estrecho del complejo de templos de Samotracia. La Victoria estaba situada sobre el teatro en el número 9.

• Posible explotación educativa Pedimos a los alumnos que se fijen en el significado del barco y de la base. ¿De qué estaba hecha la estatua? ¿De qué estaban hechos el barco y la base? ¿Son las dimensiones de esta obra de arte similares a las de las estatuas mostradas anteriormente? ¿Por qué crees que es / no es el caso?

Obra de arte #7 Tondo Severiano

• Su posición-relación con el tema El Tondo Severiano o Tondo de Berlín, de alrededor del año 200 d.C., es uno de los pocos ejemplos conservados de pintura sobre tabla de la Antigüedad Clásica, que representa a las dos primeras generaciones de la dinastía imperial de los Severos, cuyos miembros gobernaron el Imperio Romano a finales del siglo II y principios del III. Representa al emperador romano Septimio Severo (r. 193-211) con su esposa, la augusta Julia Domna, y sus dos hijos y coautores Caracalla (r. 198-217) y Geta (r. 209-211). El rostro de uno de los dos hermanos ha sido deliberadamente borrado, muy probablemente como parte de la damnatio memoriae.

• Breve descripción La obra es una pintura al temple, o al huevo, sobre un panel circular de madera, o tondo. Representa a la familia imperial con suntuosas vestimentas ceremoniales. Septimio Severo y sus hijos llevan cetros y coronas de oro decoradas con piedras preciosas. Los estudiosos creen que el tono de piel más oscuro de Severo en el tondo refleja probablemente su género más que su origen étnico. Julia Domna luce su característico peinado, rizado en mechones paralelos, posiblemente un estilo de su hogar en Siria, y tal vez una peluca. Aunque se suele suponer que Julia Domna introdujo la costumbre de llevar pelucas en la sociedad romana, las pruebas apuntan a que un antecesor introdujo el uso de pelucas en los retratos. La cara de un hijo ha sido borrada en un acto deliberado de iconoclasia, y el espacio vacante ha sido embadurnado con excrementos. La mayoría de los estudiosos creen que es a Geta a quien se le ha eliminado el rostro, probablemente tras su asesinato por la guardia pretoriana de Caracalla y la consiguiente damnatio memoriae. Sin embargo, también es posible que Geta (como hijo menor) sea el niño más pequeño, y que sea el rostro de Caracalla el que haya sido erradicado, quizá como represalia compensatoria por la ejecución masiva de jóvenes alejandrinos por parte de Caracalla en el año 215.

• Ubicación y dimensión europea No se conoce la historia del cuadro tras su creación hasta que la Antikensammlung de Berlín lo adquirió en 1932 a un marchante de París. Se encuentra en el Altes Museum, uno de los museos estatales de Berlín.

• Posible explotación educativa Un análisis en profundidad de los colores y de la teoría del color podría ser un buen ejercicio para este cuadro, sobre todo conociendo las paletas de colores típicamente utilizadas en esta época.

Obra de arte #8 Pareja de centauros combatiendo gatos de presa de la Villa de Adriano, mosaico, c. 130 d.C.

• Su posición-relación con el tema: Adriano fue el mayor mecenas de las artes. Su villa imperial de Tibur estaba adornada con lo mejor que el imperio romano podía ofrecer en términos de obras de arte y materiales de construcción. En la villa se encontraron cientos de estatuas, relieves, mármoles arquitectónicos y otras decoraciones. Muchos de ellos se han perdido, otros se encuentran en museos y colecciones privadas de todo el mundo.

Destaca el panel central (emblema) de un gran mosaico que representa a una pareja de centauros (criaturas mitológicas con cabeza, brazos y torso de hombre y cuerpo y piernas de caballo) luchando contra gatos salvajes. Es uno de los mosaicos romanos más significativos. Los mosaicos se utilizaban en todo el complejo, pero los mosaicos policromados sólo se utilizaban en los edificios nobles.

• Breve descripción La dramática escena muestra a un centauro lanzando una piedra al tigre que ha matado a su compañera. El centauro yace muerto, ensangrentado por las garras de la bestia. El mosaico está formado por miles de pequeñas teselas (1-2 milímetros) llamadas opus vermiculatum. El mosaico data de los años 120-130 d.C. y fue creado con numerosas piedras naturales que variaban de color. La obra se conserva como decoración del suelo en el comedor del palacio principal del extenso complejo de villas del emperador Adriano.

• Ubicación y dimensión europea La estatua se encuentra en el Altes Museum, Berlín, Alemania

• Posible explotación educativa Echa un vistazo a este vídeo: https://smarthistory.org/pair-of-centaurs-fighting-cats-of-prey-from-hadrians-villa/ 

¿Puedes encontrar otro ejemplo de obra de arte o mosaico, creado durante la antigüedad (la Edad Helenística), que se exhibiera en la casa de otro emperador? ¿Son los colores utilizados en ella similares a los de la pareja de centauros luchando contra gatos de presa de la Villa Adriana? ¿Por qué crees que es (o no) el caso?

Opcional – ¿Has trabajado con mosaicos anteriormente? Tal vez esto pueda ser una gran experiencia y experimento para que su clase pruebe esta técnica.

Obra de arte #9 Julius Caesar

• Su posición-relación con el tema Cabeza de mármol de una estatua, probablemente de Julio César. La cabeza ha sido quemada y está muy dañada, faltando el lado derecho y la parte posterior de la cabeza. Excavación/punto de hallazgo: Santuario de Atenea Polias; Materiales: mármol

• Breve descripción De nombre completo Cayo Julio César, llamado en la época moderna Julio César, y protagonista de la obra de Shakespeare. Más conocido por su papel en la transformación de la República Romana en el Imperio Romano. Conquistó la Galia (y escribió un libro sobre ello) y fue miembro del Primer Triunvirato, pero tras el colapso de esa alianza política se convirtió en enemigo de Pompeyo el Grande (q.v.) y cruzó el Rubicón para marchar sobre Roma como parte de la lucha. Consiguió varios consulados y fue nombrado dictador perpetuo, lo que provocó los celos de C. Casio Longinos (q.v.) y la preocupación de M. Junio Bruto (q.v.). Estos dos hombres encabezaron el complot que condujo al asesinato de Julio César el 15 de marzo del 44 a.C.

• Ubicación y dimensión europea El cuadro se encuentra en el Museo Británico. Mide 39,37 cm de altura.

• Posible explotación educativa ¿Cómo fue representado Julio César en la obra de Shakespeare? ¿Existe una restauración más reciente de esta estatua? ¿En qué se diferencia de la original? ¿Se te ocurren otros líderes del pasado que hayan sido representados en una obra de teatro? ¿Quiénes son?

Obra de arte #10 El auriga de Delfos

• Su posición-relación con el tema El auriga de Delfos, también conocido como Heniokhos (el que lleva las riendas), es una estatua de la antigua Grecia y un ejemplo de escultura antigua en bronce. La estatua de tamaño natural (1,8 m) de un conductor de carro se encontró en 1896 en el Santuario de Apolo en Delfos.

• Breve descripción Originalmente formaba parte de un grupo de estatuas más grande, que incluía el carro, al menos cuatro caballos y posiblemente dos mozos de cuadra. Algunos fragmentos de los caballos se encontraron con la estatua. La obra maestra se ha asociado con el escultor Pitágoras de Samos, que vivió y trabajó en Sicilia, así como con el escultor Calamis. Las ciudades sicilianas eran muy ricas en comparación con la mayoría de las ciudades de la Grecia continental y sus gobernantes podían permitirse las más magníficas ofrendas a los dioses, así como los mejores caballos y conductores. Sin embargo, es poco probable que la estatua en sí proceda de Sicilia. Se desconoce el nombre del escultor, pero por razones estilísticas se cree que la estatua fue fundida en Atenas. Tiene ciertas similitudes de detalle con la estatua conocida como el Apolo del Pireo, que se sabe que es de origen ateniense. Una inscripción en la base de piedra caliza de la estatua muestra que fue dedicada por Polizalus.

• Ubicación y dimensión europea Esta estatua se encuentra ahora en el Museo Arqueológico de Delfos, en Grecia.

• Posible explotación educativa La atmósfera y el sentimiento que desprende la estatua son muy especiales. Puede ser interesante analizarla comparándola con otras estatuas para ver cómo las diferentes expresiones faciales talladas pueden marcar una gran diferencia.

Actividades prácticas

Actividad 1: Esbozo de una estatua (respectivo al tiempo)

Objetivos

Ayudar a los alumnos a descubrir cómo el artista de la antigüedad creó las estatuas. Es importante observar la postura del cuerpo y los gestos representados.

Materiales

• Cuaderno de bocetos
• Lápiz/bolígrafo
• Goma

Si los alumnos son artistas, pueden utilizar sus materiales de pintura con un caballete.

• Una impresora o un proyector

Etapa preparatoria para educadores/mediadores

Muestra a los alumnos diferentes estatuas antiguas. Esto ayudará a que entiendan lo que estamos tratando de lograr.

Desarrollo

Pide a tus alumnos que seleccionen una estatua, que tendrán que dibujar con la misma vista o perspectiva. Una vez que hayan seleccionado su estatua, establece el calendario. Lo ideal es que un boceto se haga en 5 minutos, otro en 15 minutos, otro en 45 minutos y otro en el que puedan trabajar todo el tiempo que les permita el tiempo.

Pueden crear 4 versiones del mismo boceto en 4 marcos temporales diferentes. Esto les dará una perspectiva del tiempo, para recrear una obra de arte, en forma de estatua, en lugar de una pintura o un boceto. Piensa con tu clase en el papel del tiempo, cómo afecta a la calidad, los detalles, los colores y las técnicas.

Actividad 2: Visita un museo online (requiere presupuesto)

Nombre de la actividad

Visita un museo online, por ejemplo el Museo Arqueológico Nacional de Atenas (online)

Objetivos

Para que los alumnos descubran la época de la antigüedad, los detalles de las pinturas, las técnicas y mucho más.

Materiales

Acceso a un ordenador con conexión a Internet.

Presupuesto para una entrada a la exposición online (nota: algunos museos tienen exposiciones virtuales gratuitas). También puede ser que el educador compre una entrada y muestre la exposición virtual en clase, si esto está permitido.

Etapa preparatoria para educadores/mediadores

La visita al museo es autoguiada. Sin embargo, el educador puede ponerse en contacto con la organización o visitarlo él mismo primero, para poder centrarse en obras de arte específicas con la clase en lugar de pedir a los alumnos que exploren y sigan todo por sí mismos.

Desarrollo

Los estudiantes pueden explorar más sobre estatuas específicas y más a través de este sitio web, y luego el educador puede crear una prueba que pueden tomar al final para evaluar su conocimiento.

Digital Exhibitions – namuseum

Acropolis Museum, Athens, Grèce — Google Arts & Culture

Vatican Museums — Official Website

British Museum

Louvre Museum Official Website