Introduction

L’art est quelque chose de beau et de curieux, car lorsqu’il est utilisé dans le but de générer du changement, de l’unité et du pouvoir à travers la résistance, il a une grande force pour connecter les gens avec un discours commun.

Dans ce dossier pédagogique, nous vous présenterons d’abord les origines du mouvement, en fournissant un bref contexte historique et culturel à son essor. Ensuite, nous détaillerons les spécificités du mouvement, en nous basant sur les artistes, les couleurs, les formes, les coups de pinceau, la perspective, etc. Enfin, nous vous présenterons 10 œuvres d’art créées à cette époque et vous fournirons 2 exemples pratiques d’activités pouvant être mises en œuvre dans le cadre d’un atelier d’art basé sur la résistance et l’art contestataire.

En résumé, dans ce dossier, vous allez :

• Apprendre les origines du mouvement,
• Découvrir certaines de ses figures clés et de ses influenceurs,
• Explorer les caractéristiques des techniques de création artistique,
• et bien d’autres choses encore !

Le thème

Historique du mouvement

La protestation, la lutte et l’activisme politique sont de puissants outils de résistance. La mobilisation des gens peut créer un changement positif mesurable dans notre monde. En particulier, l’utilisation de l’art comme forme non violente de protestation peut être porteuse d’un sens et d’une force immenses, reliant les gens par leur résistance. Il peut transformer des sujets négatifs et remplis de peur en quelque chose derrière lequel se rallier. L’art de la résistance, également appelé art contestataire, est lié aux œuvres créatives produites par les militants et les mouvements sociaux. L’art contestataire contribue à susciter des émotions de base chez leur public et, en retour, peut accroître le climat de tension et créer de nouvelles opportunités de dissidence.

“L’art contestataire en soi ne crée pas de changement, mais il vise à enhardir et à galvaniser suffisamment de personnes de tous horizons socio-économiques pour qu’elles se mobilisent en faveur d’une cause. Pour y parvenir, un appel aux armes doit être immédiat, audacieux et, surtout, avoir une âme.”

(Lanks, 2016).

Différentes formes d’art peuvent relier les gens de différentes manières. Le pouvoir de la musique en écrivant et en chantant des chansons de liberté s’est développé en une tradition au cœur de nombreux mouvements. La musique a été reconnue comme une force unificatrice qui a contribué à créer et à renforcer une conscience commune (Eprile, 2017 ). L’art visuel comme protestation est une autre façon dont l’art est utilisé comme un moyen de résistance afin de créer un changement pour le mieux. L’art est un outil essentiel qui est toujours utilisé pour influencer les pensées et les comportements d’une population, si ce n’était pas le cas, la propagande financée par le gouvernement n’existerait pas, pas plus que la destruction d’œuvres d’art ou l’autodafé de livres.

L’art de la résistance est un art utilisé pour montrer son opposition aux détenteurs du pouvoir. Cela inclut l’art qui s’est opposé à des pouvoirs tels que le parti nazi allemand, ainsi que l’art qui s’est opposé à l’apartheid en Afrique du Sud. Les émeutes de Soweto ont marqué le début du changement social en Afrique du Sud. L’art de la résistance est né du Black Consciousness Movement, un mouvement populaire anti-apartheid apparu dans les années 1960 et dirigé par le charismatique Steve Biko. Une grande partie de l’art était publique, prenant la forme de peintures murales, de bannières, d’affiches, de t-shirts et de graffitis avec des messages politiques de confrontation et axés sur les réalités de la vie dans une Afrique du Sud ségréguée. Willie Bester est l’un des artistes les plus connus d’Afrique du Sud, qui a commencé par être un artiste de la résistance. Utilisant des matériaux assemblés à partir de déchets, Bester construit des surfaces en relief et les peint ensuite à la peinture à l’huile. Ses œuvres commentent d’importants personnages noirs sud-africains et des aspects importants pour sa communauté. Les artistes résistants sud-africains ne traitent pas exclusivement de la race et ne sont pas forcément originaires des townships. Bester vit actuellement à Kuilsrivier, en Afrique du Sud.

Une autre artiste, Jane Alexander, a traité des atrocités de l’apartheid d’un point de vue blanc. Son art de résistance traite de la société malsaine qui perdure dans l’Afrique du Sud post-apartheid.

Des artistes tels que John Trumbull, Emory Douglas, Martha Rosler, Keith Haring, Judy Chicago sont des artistes américains célèbres de cette période.

John Trumbull (6 juin 1756 – 10 novembre 1843) était un artiste américain du début de la période d’indépendance, remarquable pour ses peintures historiques de la guerre d’indépendance américaine, dont il était un vétéran. Il a été surnommé « le peintre de la révolution ».

La peinture Reddition du Lord Cornwallis de John Trumbull est exposée dans la Rotonde du Capitole américain. Le sujet de cette peinture est la reddition de l’armée britannique à Yorktown, en Virginie, en 1781, qui a mis fin à la dernière grande campagne de la guerre d’indépendance.

Douglas était un artiste révolutionnaire et le ministre de la culture des Panthères. Il était chargé de créer des images (largement diffusées par son journal officiel) qui constituaient un enregistrement visuel du programme du parti.

Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971). Avec l’aimable autorisation de Black Lives Matter website.

La réponse psychologique a toujours transcendé le Black Panther Party dans la communauté afro-américaine et est devenue un symbole national et international. Il a toujours fait partie de l’identité culturelle des gens en relation avec leur façon de penser à l’injustice. Les cochons sont devenus un symbole psychologique de résistance.

Illustration d’Emory Douglas représentant des policiers en tant que cochons pour le Black Panther Party. Avec l’aimable autorisation de Flickr creative commons. L’oeuvre peut être vue ici.

En Europe, des artistes tels qu’Eugène Delacroix, Henri Rousseau, Francesco Goya, Salvador Dali et Pablo Picasso ont commencé à documenter de manière expressive leur vision de la guerre. Dans son œuvre, Goya a cherché à commémorer la résistance espagnole aux armées de Napoléon pendant l’occupation de 1808 dans la guerre péninsulaire. Goya a peint Le Trois Mai 1808, qui est considéré comme une pièce inspiratrice du signe de la paix de Gerald Holtom et d’un certain nombre de tableaux majeurs ultérieurs, notamment une série d’Édouard Manet, et Massacre en Corée et Guernica de Pablo Picasso. On ne sait pas s’il a été personnellement témoin de la rébellion ou des représailles, malgré de nombreuses tentatives ultérieures de le situer lors des événements de l’une ou l’autre journée. [1] On pense que le Deux et le Trois mai 1808 devaient faire partie d’une série plus vaste. Au début, le tableau a suscité des réactions mitigées de la part des critiques d’art et des historiens.

Les artistes avaient auparavant tendance à représenter la guerre dans le style élevé de la peinture d’histoire, et la description non héroïque de Goya était inhabituelle pour l’époque. Selon certains critiques, le tableau présente des défauts techniques : la perspective est plate ou les victimes et les bourreaux sont trop proches les uns des autres pour être réalistes. Bien que ces observations puissent être rigoureusement correctes, l’écrivain Richard Schickel soutient que Goya ne cherchait pas à respecter les règles académiques, mais plutôt à renforcer l’impact global de l’œuvre. L’artifice pictural cède la place à la représentation épique d’une brutalité sans fard. Le tableau est structurellement et thématiquement lié aux traditions du martyre dans l’art chrétien, comme l’illustre l’utilisation dramatique du clair-obscur et l’appel à la vie juxtaposé à l’inévitabilité d’une exécution imminente.

Même les peintres romantiques contemporains – qui étaient également intrigués par les sujets de l’injustice, de la guerre et de la mort – ont composé leurs tableaux en accordant une plus grande attention aux conventions de la beauté, comme le montrent le Radeau de la Méduse de Théodore Géricault (1818-1819) et le tableau d’Eugène Delacroix (1830) intitulé La Liberté guidant le peuple.

La Guerre d’Henri Rousseau représente également les effets de la guerre.

Le cheval du tableau contraste avec celui de La Carriole du Père Junier : noir, sauvage et hérissé, il représente la force brutale de la guerre. Sur son dos, la femme armée, laide et sauvage, suggère que la guerre apporte un caractère primitif. Le bas du tableau montre les effets de la guerre : des cadavres qui sont la nourriture des corbeaux. Les arbres dénudés et les branches cassées créent un paysage de désolation et font allusion à la mort, même si le rose des nuages et le bleu du ciel ne révèlent pas le drame de la scène. La composition est pyramidale, avec les cadavres à la base, et le cheval et la femme au-dessus.

Pablo Picasso s’est inspiré de l’œuvre de Goya. Guernica est une grande peinture à l’huile sur toile réalisée par Pablo Picasso en 1937. C’est l’une de ses œuvres les plus connues, considérée par de nombreux critiques d’art comme la peinture anti-guerre la plus émouvante et la plus puissante de l’histoire. Elle est exposée au Museo Reina Sofía de Madrid.

Picasso a peint Guernica chez lui, à Paris, en réaction au bombardement, le 26 avril 1937, de Guernica, une ville du Pays basque située au nord de l’Espagne, par l’Allemagne nazie et l’Italie fasciste, à la demande des nationalistes espagnols. Au fil des ans, Guernica est devenu un symbole universel et puissant mettant en garde l’humanité contre les souffrances et les ravages de la guerre.

À la même époque, Salvador Dali a peint « Le visage de la guerre« . Cette œuvre a été peinte pendant une brève période où l’artiste vivait en Californie. Le traumatisme et la vision de la guerre avaient souvent servi d’inspiration à l’œuvre de Dalí. Il croyait parfois que sa vision artistique était une prémonition de la guerre. Cette œuvre a été peinte entre la fin de la guerre civile espagnole et le début de la Seconde Guerre mondiale.

Salvador Dalí, Le visage de la guerre, 1940, huile sur toile, 64 cm x 79 cm, sous licence et peut être vu au Boijmans Van Beuningen Museum Rotterdam, Pays-Bas. 

La peinture représente un visage désincarné qui plane sur un paysage désertique. Le visage est flétri comme celui d’un cadavre et porte une expression de misère. Dans sa bouche et ses orbites, il y a des visages identiques. Dans leurs bouches et leurs yeux, il y a d’autres visages identiques dans un processus qui semble infini. Des serpents mordants grouillent autour du grand visage. Dans le coin inférieur droit se trouve une empreinte de main que Dalí a affirmé avoir laissée de sa propre main.

Contexte historique et sociétal du mouvement

Les mouvements sociaux sont souvent définis par leur message mais on se souvient de leur art et de l’imagerie qu’ils utilisaient. Que l’art soit basé sur le mouvement (art qui émerge au sein des groupes de mouvements sociaux eux-mêmes) ou qu’il le soutienne (art d’artistes professionnels qui utilisent leur pratique comme un moyen de soutenir les mouvements sociaux et qui, bien que pouvant être directement liés au mouvement, ne font pas partie des organisations du mouvement), l’utilisation de l’expression artistique fait partie intégrante des mouvements sociaux, en particulier l’art de protestation, car il est utilisé de manière à permettre une expression facile d’idées complexes telles que l’expression culturelle, la lutte sociale/de classe et l’identité. En effet, plutôt que de faire circuler des livres théoriques compliqués pour que le profane ignorant puisse les lire, l’art protestataire (basé sur le mouvement) est traditionnellement facile à distribuer, à consommer et à comprendre – son message est fort et clair et ne permet pas que des barrières telles que l’alphabétisation et le niveau d’éducation l’empêchent de communiquer et de comprendre efficacement son message.

Si l’on considère deux mouvements sociaux au cours de l’histoire, ceux qui se distinguent sont le mouvement afro-américain pour les droits civils des années 1960 et le mouvement actuel (2014 – 2020/présent) Black Lives Matter. Le mouvement afro-américain des droits civiques est un mouvement social qui possède facilement certains des motifs les plus mémorables dans la conscience collective moderne [occidentale]. Du discours emblématique de Martin Luther King, « I have a dream », lors de la marche sur Washington pour l’emploi, à l’image emblématique des comités de coordination non violents des étudiants (photographie de Danny Lyon, affiche « SNCC NOW », 1964, 55,9 x 35,6 cm) montrant des étudiants manifestants les yeux fermés et les bras levés en signe de prière, symbolisant le « Black Power ».

L’art est le fil conducteur d’innombrables mouvements de résistance et de protestation qui ont uni les gens et apporté des changements positifs à la société. Que ce soit à travers la musique, les arts visuels, la danse, le théâtre ou toute autre forme d’art, l’art a une façon de se connecter à nos émotions humaines et de nous unir par l’espoir et le pouvoir. Ainsi, l’art a le pouvoir de transformer le malheur en gloire et de fournir une plateforme permettant aux gens de se tenir ensemble, et non seuls.

Au cours des cinquante à cent dernières années, certains mouvements ont eu un impact culturel plus important sur la société. C’est le cas de l’art de la résistance, de l’art militant actuel, du pop art et du mouvement des femmes, qui est réapparu dans les années 1960 et s’est développé de manière multiforme jusqu’à aujourd’hui. Les impacts considérables du féminisme sur la vie quotidienne incluent, mais vont bien au-delà, des changements dans les lois, les règlements et les institutions politiques. La texture de la vie de chaque personne vivant aux États-Unis a été modifiée par le nouveau féminisme.

Caractéristiques du mouvement

Il existe plusieurs caractéristiques qui peuvent aider un spectateur à les identifier. Voici quelques-unes des plus courantes :

Symboles

Le poing serré est un thème récurrent dans l’art contestataire et de résistance et a été utilisé dès la révolution mexicaine, la protestation des étudiants américains contre la guerre du Vietnam, le Black Panther Party, ainsi que les étudiants français lors de leur rébellion socialiste de 1832 contre la monarchie.

Le mouvement mexicain-américain chicano a vu dans les peintures murales une forme de protestation contre les injustices dont souffrait sa population marginalisée. À la fin de la révolution mexicaine, le gouvernement a chargé des artistes de créer des œuvres d’art susceptibles d’éduquer les masses, pour la plupart analphabètes, sur l’histoire du Mexique. La célébration du potentiel du peuple mexicain à façonner l’histoire de la nation était un thème clé du muralisme mexicain, un mouvement dirigé par Siqueiros, Diego Rivera et José Clemente Orozco – connus sous le nom de Los tres grandes. Entre les années 1920 et 1950, ils ont cultivé un style qui a défini l’identité mexicaine après la révolution.

Los tres grandes (les trois grands), comme on les appelle, ont été des modèles importants non seulement en tant qu’artistes modernes majeurs mais aussi en tant qu’activistes politiques qui ont ancré leur muralisme dans le soutien aux luttes des membres les plus pauvres et les plus exploités de leurs communautés.

La révolution mexicaine a été un moment décisif du 20e siècle car elle a marqué une véritable rupture avec le passé, ouvrant la voie à une ère plus égalitaire. Avec sa grande échelle, son iconographie innovante et son message social pertinent, le muralisme mexicain reste un compliment notable à la révolution.

Les muralistes ont développé une iconographie mettant en scène des héros atypiques, non européens, issus de l’illustre passé, du présent et de l’avenir de la nation : des guerriers aztèques combattant les Espagnols, d’humbles paysans luttant pour la Révolution, des ouvriers ordinaires de Mexico et des métis qui forgeront la prochaine grande époque, comme dans la fresque de Siqueiros à l’UNAM. Los tres grandes ont réalisé des peintures murales épiques sur les murs de bâtiments publics très visibles en utilisant des techniques telles que la fresque, l’encaustique, la mosaïque et la sculpture-peinture.

En outre, en période de crise, l’art a été utilisé comme un moyen très visuel d’agir contre le sida. Pour combattre la construction culturelle néfaste autour du « sang contaminé », les groupes de mouvement social de la fin des années 1980 et des années 1990, la AIDS Coalition to Unleash Power, ou ACT UP, ont créé des affiches et des graphiques pour tenter d’attirer l’attention des gens et encourager la conversation sur les vérités sociales et culturelles inconfortables entourant le SIDA.

De nombreux dessins d’ACT UP incorporaient du texte et des images ; cette affiche est l’une des rares à communiquer un message en utilisant uniquement du texte. L’affiche a été réalisée pour une action à la Bourse de New York en septembre 1989 (deux ans et demi après la première manifestation d’ACT UP, qui a également eu lieu à Wall Street). Toutes les manifestations de Wall Street (une deuxième a eu lieu un an après la première) portaient sur les énormes bénéfices que la société pharmaceutique Burroughs Wellcome tirait de l’AZT, un médicament contre le sida. L’entreprise avait obtenu un brevet garantissant qu’aucune autre entreprise ne pourrait vendre ce médicament pendant dix-sept ans. La société a fait valoir qu’elle était justifiée d’exiger un prix exorbitant pour le médicament, étant donné qu’elle avait dépensé une somme d’argent considérable pour son développement. ACT UP a rétorqué que les contribuables avaient payé la facture par le biais de subventions et de crédits d’impôt. Lors de l’action de septembre 1989, les militants ont demandé que l’AZT soit fourni gratuitement à toute personne ayant besoin du médicament.

Couleurs

Les membres du Panther Party portant des tenues entièrement noires avec des bérets et de grandes afros et la contre-culture hippie de l’époque portant des tenues en technicolor et des pancartes lumineuses protestant contre la guerre du Vietnam et prônant « la paix, l’amour et l’égalité des droits », c’est un mouvement qui, même aujourd’hui, a des motivations fortes et efficaces qui influencent encore la culture d’aujourd’hui, comme le montre le mouvement actuel #BlackLivesMatter.

L’utilisation de la couleur, observée non seulement dans les tenues mais aussi dans les œuvres colorées, est visible non seulement dans les œuvres des peintres, mais aussi dans celles des illustrateurs. Les œuvres « La règle d’or » (1961) et « Notre problème à tous » (1963) de Norman Rockwell, qui était déjà un illustrateur blanc connu et respecté dans la communauté artistique, entrent dans la catégorie de l’art protestataire, qui soutient le mouvement. « La règle d’or » est une peinture qui présente un collage de personnes de différentes ethnies et cultures et une référence au verset biblique Matthieu 7:12. Parmi toutes les personnes représentées dans le tableau, la plus remarquable est une petite fille noire en uniforme d’écolière dont les yeux se dirigent directement vers le spectateur du tableau – la fille est une référence directe à Ruby Bridges, une petite fille afro-américaine de 6 ans qui a été la première à fréquenter une école primaire entièrement blanche dans le sud, elle a été escortée en classe par sa mère et des marshals américains pour assurer sa sécurité en raison de la colère de la foule qui protestait le 14 novembre 1960 et tous les autres jours de cette année-là.

Pertinence à l’ère moderne

Le concept de « l’art comme arme » est toujours d’actualité à l’ère moderne. Il a simplement été re-contextualisé par l’émergence de technologies modernes telles que les réseaux sociaux. Prenons l’exemple du mouvement Black Lives Matter, qui a vu le jour en 2013 en réponse à l’acquittement de George Zimmerman, le meurtrier de Trayvon Martin, puis qui a attiré l’attention du monde entier en 2014 lorsque des manifestations ont éclaté à Ferguson, dans le Missouri, en réponse au meurtre de Mike Brown par Darren Wilson, un policier de Ferguson (qui a également été exonéré de toute responsabilité pénale devant les tribunaux), et que les images et les vidéos des horribles brutalités policières commises par les manifestants ont été documentées et partagées en temps réel sur des réseaux sociaux tels que Twitter, Instagram et Facebook.

Approche pédagogique

Pourquoi ce thème est-il pertinent pour les apprenants adultes ?

L’art de la résistance est l’un des mouvements artistiques les plus reconnaissables du siècle dernier. En participant à un programme d’art militant, les élèves peuvent développer des compétences en matière de pensée critique, de leadership, d’engagement communautaire et de communication. Tout en créant des œuvres d’art militant, ils peuvent s’engager dans trois processus d’apprentissage et d’enseignement qui ont été essentiels au développement de ces compétences :

Établir des liens – Les élèves réfléchissent aux injustices qu’ils ont l’intention de combattre à travers leur art, ils se demandent pourquoi ces injustices existent et comment elles pourraient être changées. Ils identifient les relations et les liens de cause à effet, en construisant activement une compréhension des relations communautaires et du leadership civique.

Questionner – Une fois que les élèves ont des idées sur leurs sujets, ils entament un long processus de réflexion critique : Comment pouvons-nous avoir un impact sur cette injustice ? Qui est mon public ? Comment veux-je qu’ils pensent à ce sujet ? Comment puis-je communiquer mes idées efficacement ? Mon art fonctionne-t-il comme je l’avais prévu ? Les élèves commencent à voir la légitimité de leurs propres idées pour remettre en question le statu quo, et ils commencent à comprendre leur pouvoir en tant que créateurs actifs de la société capables d’initier le changement.

Traduire – La représentation d’une idée par l’art exige le passage du langage verbal au langage visuel. En traduisant leurs idées en art, les élèves recadrent leurs idées de manière littérale, métaphorique, ironique, dialogique (en tant qu’interaction avec le public) ou par une approche mixte. Les élèves apprennent à considérer l’art comme un moyen d' »enseigner » au public.

Ils cherchent à présenter leurs idées avec un équilibre entre le message et l’esthétique, et développent des compétences de communication dans le processus. Ces résultats sont conformes à l’étude doctorale menée sur ce sujet par M. Dewhurst en 2009.

Quels sont les résultats d’apprentissage de l’intégration de ce thème artistique dans une activité éducative ?

Avec cette activité, les apprenants pourront découvrir le sujet à travers les outils et les yeux du peintre. En effet, les activités sont conçues de manière à ce que les apprenants puissent découvrir le pouvoir de l’art militant, de la musique et des mots, en réfléchissant à la manière dont il peut influencer les opinions artistiques. Ils pourront également approfondir des peintures spécifiques et regarder des explications vidéo de certaines des œuvres les plus influentes.

Mode d’emploi : stratégies, outils et techniques.

Les apprenants prendront une part active et inactive à leur propre apprentissage. En effet, en utilisant leurs compétences en peinture, leur esprit critique et leur capacité d’écoute, ils pourront développer leurs connaissances de l’art de la résistance, et en discuter avec la classe, puis apprendre d’autres experts dans les domaines de l’histoire de l’art.

Œuvres d’art

Œuvre d’art #1 La liberté guidant le peuple, Eugene Delacroix, 1830

• Rapport au thème: La Liberté guidant le peuple est un tableau d’Eugène Delacroix commémorant la Révolution de juillet 1830, qui a renversé le roi Charles X de France.
• Courte description: Une femme du peuple coiffée d’un bonnet phrygien, personnifiant le concept de la Liberté, fait avancer un groupe varié de personnes par-dessus une barricade et les corps des morts, tenant d’une main le drapeau de la Révolution française – le tricolore, qui est redevenu le drapeau national de la France après ces événements – et brandissant de l’autre un mousquet à baïonnette. La figure de la Liberté est également considérée comme un symbole de la France et de la République française, sous le nom de Marianne. On pense parfois, à tort, que le tableau représente la Révolution française de 1789.
• Emplacement et dimension européenne: La Liberté guidant le peuple est exposée au Louvre à Paris.
• Possible exploitation pédagogique: Cette peinture a été assez controversée lorsqu’elle a été rendue publique pour la première fois, il peut être intéressant pour les apprenants de s’enquérir des différentes réactions qu’elle a suscitées, des raisons pour lesquelles elles étaient négatives sur la base d’observations sociétales et de ce qui a plu à certaines personnes.

Œuvre d’art  #2 Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971)

Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971). Avec l’aimable autorisation de Black Lives Matter website.

• Rapport au thème: « L’art révolutionnaire commence par le programme que Huey P. Newton a institué avec le Black Panther Party », écrit le graphiste et ministre de la Culture des Black Panthers Emory Douglas dans le journal The Black Panther en 1970. « L’art révolutionnaire, comme le Parti, s’adresse à toute la communauté et traite de tous ses problèmes. Il donne au peuple l’image correcte de notre lutte alors que l’idéologie révolutionnaire donne au peuple la compréhension politique correcte de notre lutte. » On voit ici l’affiche de quatrième de couverture de Douglas pour le numéro du 17 février 1970 du journal, qu’il a également conçue. (La légende indique : « Nous survivrons. Sans aucun doute »). « Déplorant l’impérialisme, le capitalisme et la brutalité policière, Douglas a dépeint la police, les politiciens et les banquiers comme des porcs et des rats », écrivent les conservateurs de Soul of a Nation. « Des femmes noires héroïques combattent de véritables rats dans des logements insalubres. De vaillants travailleurs sont représentés comme des soldats révolutionnaires. Un enfant souriant tient la tête haute, portant des lunettes de soleil dont les verres sont des photographies du programme de petits déjeuners gratuits que le Parti a mis en place pour nourrir les enfants des familles pauvres et ouvrières.
• Courte description: Intitulée « We shall survive. Without a doubt », l’image représente un jeune enfant afro-américain au sourire éclatant, portant des lunettes et, à la place des lentilles, des images du jeune en train d’être éduqué – nous supposons dans les écoles de la communauté des Black Panthers. Sur sa tête se trouve un chapeau souple de style zoot, d’où émanent des rayons rouges directement cités par les révolutionnaires chinois… Habituellement, dans les images de source chinoise, on voit les rayons rouges émaner de derrière Mao, le leader, mais dans ses œuvres, Douglas les associe aux enfants, les considérant comme les agents du changement… L’emplacement de l’œuvre d’art est inconnu.
• Possible exploitation pédagogique: Analysez la signification du texte de cette œuvre d’art. Qu’est-ce que Douglas essaie de dire au spectateur ? Comment cela est-il lié aux images des enfants ?  Réfléchissez aux années, à l’époque et au cadre temporel dans lesquels cette œuvre d’art a été réalisée.

Œuvre d’art  #3 Salvador Dalí, Le visage de la guerre, 1940

Salvador Dalí, Le visage de la guerre, 1940, huile sur toile, 64 cm x 79 cm, sous licence et peut être vu au Boijmans Van Beuningen Museum Rotterdam, Pays-Bas. 

• Rapport au thème: Le Visage de la guerre (en espagnol La Cara de la Guerra) (1940) est un tableau du surréaliste espagnol Salvador Dalí. Il a été peint pendant une brève période où l’artiste vivait en Californie. Le traumatisme et la vision de la guerre avaient souvent servi d’inspiration à l’œuvre de Dalí. Il croyait parfois que sa vision artistique était une prémonition de la guerre. Cette œuvre a été peinte entre la fin de la guerre civile espagnole et le début de la Seconde Guerre mondiale.
• Courte description: La peinture représente un visage désincarné qui plane sur un paysage désertique. Le visage est flétri comme celui d’un cadavre et porte une expression de misère. Dans sa bouche et ses orbites, il y a des visages identiques. Dans leurs bouches et leurs yeux, il y a d’autres visages identiques dans un processus qui semble infini. Des serpents mordants grouillent autour du grand visage. Dans le coin inférieur droit se trouve une empreinte de main que Dalí a affirmé avoir laissée de sa propre main.
• Emplacement et dimension européenne: Le tableau se trouve au Musée Boijmans Van Beuningen à Rotterdam, aux Pays-Bas.
• Possible exploitation pédagogique: Salvador Dali a un style de travail très intéressant. Qu’est-ce qui est unique dans ses peintures et ses œuvres d’art ? En quoi son travail est-il différent des autres œuvres d’art de cette période de résistance ? Réfléchissez au moins à son utilisation de la couleur, du réalisme, des ombres…

Œuvre d’art #4 Pablo Picasso, Massacre en Corée, 1937

• Rapport au thème: Massacre en Corée est le troisième d’une série de peintures anti-guerre réalisées par Picasso. Il a été précédé par le monumental Guernica, peint en 1937, et Le Charnier, peint de 1944 à 1945. Le titre de ce tableau fait référence au déclenchement de la guerre de Corée, qui avait commencé l’année précédente, mais le sujet est ambigu, car Picasso ne désigne pas directement une période ou un lieu dans la composition.
• Courte description: Le tableau peut représenter un événement similaire au massacre de No Gun Ri en juillet 1950, lorsqu’un nombre indéterminé de réfugiés sud-coréens ont été massacrés par des soldats américains, ou au massacre de Sinchon de la même année, une tuerie perpétrée dans le comté de Sinchon, dans la province du Hwanghae du Sud, en Corée du Nord. Massacre en Corée représente des civils tués par les forces anticommunistes. La critique d’art Kirsten Hoving Keen affirme qu’elle est « inspirée par les rapports sur les atrocités commises par les Américains » en Corée. Avec ses dimensions de 1,1 m sur 2,1 m, l’œuvre est plus petite que son Guernica, auquel elle ressemble conceptuellement et dont elle exprime la véhémence. L’œuvre de Picasso est influencée par le tableau de Francisco Goya Le Trois Mai 1808, qui montre les soldats de Napoléon exécutant des civils espagnols sous les ordres de Joachim Murat. Elle s’inscrit dans la même tradition iconographique qu’une œuvre antérieure modelée d’après Goya : la série de cinq tableaux d’Édouard Manet représentant l’exécution de l’empereur Maximilien, achevée entre 1867 et 1869. Comme pour Le Troisième Mai 1808 de Goya, le tableau de Picasso est marqué par une composition bifurquée, divisée en deux parties distinctes.
• Emplacement et dimension européenne: Le tableau est exposé au Musée Picasso à Paris.
• Possible exploitation pédagogique: Utilisez l’image pour découvrir quels autres artistes ont créé des œuvres ayant une perspective, des couleurs et une signification similaires. Pour commencer, regardez peut-être L’execució de l’emperador Maximilià de Mèxic (1868), d’Edouard Manet. Qu’est-ce qui est différent dans l’œuvre de Manet par rapport à celle de Picasso ? Le genre ?  L’utilisation des couleurs ? Le style – cubisme, modernisme ? Qu’en est-il de l’œuvre de Francisco de Goya ?

Œuvre d’art  #5 David Alfaro Siqueiros, Supplice et apothéose de Cuauhtémoc (détail), 1950-51

• Rapport au thème: Le mouvement muraliste mexicain a commencé peu après la révolution mexicaine, qui a eu lieu de 1910 à 1920. Après la révolution, le gouvernement a entrepris le très difficile projet de transformer un Mexique divisé. À cette époque, on se préoccupait de la définition de l’identité mexicaine ; le gouvernement a donc cherché à établir une toute nouvelle société mexicaine fondée sur sa riche tradition, mais très tournée vers l’avenir. Il voulait également trouver un moyen de promouvoir la fierté et le nationalisme au sein du peuple mexicain. C’est de tous ces désirs qu’est né le mouvement du muralisme. Le mouvement a commencé comme une forme d’art public financé par le gouvernement, qui commandait à des artistes des œuvres illustrant l’histoire du Mexique. La majorité de la population étant analphabète, le gouvernement mexicain a opté pour les peintures murales comme moyen efficace de diffuser le message de fierté et de nationalisme.
• Courte description: Dans « Le supplice de Cuauhtémoc », Siqueiros dépeint la violence qui accompagnait les conquistadors espagnols. On y voit les Espagnols torturer l’empereur aztèque Cuauhtémoc pour qu’il indique l’endroit où était caché le trésor de Montezuma. Ils le torturent en lui brûlant les pieds, alors qu’il ne montre aucune douleur physique mais plutôt une douleur émotionnelle. À côté de Cuauhtémoc, il y a un homme qui pleure et prie comme pour échapper à une telle punition. À droite, il y a une femme qui semble être couverte de sang ; elle ressemble aussi à la mère de Jésus lorsque son fils a été crucifié, suppliant son fils d’arrêter de ressentir une telle torture.

Cuauhtémoc apparaît ainsi comme un dieu et comme un symbole de patriotisme, un symbole qui sera utilisé après la révolution mexicaine dans de nombreuses œuvres des muralistes de l’époque. L’utilisation du dernier empereur aztèque comme symbole a permis de faire ressurgir le passé et d’inspirer les Mexicains pour qu’ils se battent pour leurs racines.

L’armée espagnole semble ne pas être humaine, comme si elle n’était qu’une coquille vide sans âme ; ce manque d’humanité leur permet de continuer à faire les dégâts qu’ils ont commis. Il y a aussi un chien qui semble apporter un peu de conclusion qu’ils sont aussi humains que l’étaient les Aztèques, il montre comment ils sont des animaux enragés comme le chien qu’ils ont sur le côté.

• Emplacement et dimension européenne: Le tableau se trouve au Musée du Palais des Beaux-Arts.
• Possible exploitation pédagogique: Dans l' »Apothéose de Cuauhtémoc », la question « et si ? » se pose. Siqueiros montre ce que serait la situation si l’armée de Cuauhtémoc avait vaincu l’armée espagnole, s’ils avaient réussi avec puissance et force à repousser les envahisseurs. Les apprenants analysent les détails de la peinture et la différence de style et de techniques entre cette peinture et celles de Salvador Dali et Pablo Picasso. Regardez leur portrait et leur dessin de figures humaines – le travail, les couleurs, la perspective du dessin, etc.

Œuvre d’art #6 La Règle d’or, Norman Rockwell, 1961

• Rapport au thème: Dans les années 1960, l’humeur du pays changeait et Norman Rockwell avait l’occasion de se débarrasser de l’intelligentsia artistique qui le taxait de ringardise. Sa règle d’or de 1961 était un précurseur du type de sujet qu’il allait bientôt illustrer. Un groupe de personnes de religions, de races et d’ethnies différentes sert de toile de fond à l’inscription « Fais aux autres ce que tu voudrais qu’ils te fassent ». Rockwell était un homme compatissant et libéral, et cette simple phrase reflétait sa philosophie. Ayant voyagé toute sa vie et ayant été accueilli partout où il allait, Rockwell se sentait comme un citoyen du monde, et sa politique reflétait ce système de valeurs.
• Courte description: À partir de photographies qu’il avait prises lors de son voyage Pam Am autour du monde en 1955, Rockwell s’est référé aux costumes et accessoires indigènes et à la façon dont ils étaient portés. Il s’est procuré quelques costumes et en a imaginé d’autres à partir d’objets ordinaires dans son studio, par exemple en utilisant un abat-jour pour faire un fez. La plupart des modèles de Rockwell étaient des étudiants et des visiteurs locaux. Dans une interview de 1961, désignant l’homme portant un chapeau à larges bords dans le coin supérieur droit, Rockwell a déclaré : « Il est en partie brésilien, en partie hongrois, je pense. Puis il y a Choi, un Coréen. Il est étudiant à l’université d’État de l’Ohio. Voici un étudiant japonais au Bennington College et voici un étudiant juif. Il suivait des cours d’été à l’école du musée d’Indian Hill. » Désignant le rabbin, il poursuit : « C’est le maître de poste à la retraite de Stockbridge. Il a fait un assez bon rabbin, dans la vraie vie, un fervent catholique.

J’ai obtenu tous mes visages du Moyen-Orient d’Abdalla, qui dirige le marché de la rue Elm, à un pâté de maisons de chez moi. » Certains des modèles utilisés proviennent également d’une illustration antérieure de Rockwell, United Nations.

• Emplacement et dimension européenne: La Règle d’or et les Nations unies sont actuellement exposées au musée Norman Rockwell.
• Possible exploitation pédagogique: Explorez les expressions faciales et les caractéristiques de toutes les images incluses dans l’œuvre d’art. Sachant que cette œuvre a été créée dans les années 1960 et que vous vivez actuellement dans les années 2020, soit plus de 60 ans plus tard, diriez-vous que cette œuvre représente toujours les Nations unies ? Pourquoi (pas) ? Et que pourrait-il manquer ? Essayez de recréer cette œuvre à l’aide de photos de votre entourage. Note : Gardez un œil sur les éclairs lorsque vous faites de la photographie !

Œuvre d’art #7 Guernica, Pablo Picasso, 1937

• Rapport au thème: Picasso a peint Guernica chez lui à Paris en réponse au bombardement de Guernica, ville du Pays basque au nord de l’Espagne, le 26 avril 1937, par l’Allemagne nazie et l’Italie fasciste à la demande des nationalistes espagnols. Une fois achevé, Guernica a été exposé au stand de l’Espagne à l’Exposition internationale de Paris de 1937, puis à d’autres endroits dans le monde. L’exposition itinérante a permis de collecter des fonds pour l’aide à la guerre en Espagne. Le tableau est rapidement devenu célèbre et largement acclamé, et a contribué à attirer l’attention du monde entier sur la guerre civile espagnole.
• Courte description: Guernica est une grande peinture à l’huile sur toile réalisée en 1937 par l’artiste espagnol Pablo Picasso. Il s’agit de l’une de ses œuvres les plus connues, considérée par de nombreux critiques d’art comme la peinture anti-guerre la plus émouvante et la plus puissante de l’histoire.

Le tableau gris, noir et blanc, qui mesure 3,49 mètres de haut et 7,76 mètres de large, dépeint la souffrance causée par la violence et le chaos. On y voit un cheval encorné, un taureau, des femmes qui crient, un bébé mort, un soldat démembré et des flammes.

• Emplacement et dimension européenne: Elle est exposée au Museo Reina Sofía de Madrid.
• Possible exploitation pédagogique: Il est intéressant de comparer cette œuvre d’art avec le Massacre en Corée. Une analyse approfondie des personnages principaux, des couleurs et de la théorie des couleurs pourrait être un bon exercice.

Œuvre d’art #8 Servir et protéger, Gregory Ragland, 2013

• Rapport au thème: Servir & protéger, démontre le langage des signes – servir. Les mêmes mains gracieuses qui nous servent sont aussi des mains assez fortes pour nous protéger et prendre soin de nous. Cette sculpture en bronze renforce la longévité de la force et agit comme un symbole puissant de notre confiance en ces personnes. Cette sculpture puissante et élégante est un solide rappel que nos héros plus grands que nature seront là pour nous servir et nous protéger tous.
• Courte description: L’artiste de Park City Greg Ragland a créé une sculpture en bronze intitulée « Servir et protéger ». La sculpture représente deux mains côte à côte avec leurs paumes tournées vers le haut. L’œuvre est située dans le jardin de la place et a été conçue pour encourager le toucher et l’escalade.
• Emplacement et dimension européenne: Le tableau est situé dans le bâtiment de la sécurité publique, 475 S 300 E, district 4.
• Possible exploitation pédagogique: Dans son travail de sculpture, Gregory Ragland n’a pas inclus la peinture rouge. L’original n’inclut rien sur la main. Quand cette peinture rouge est-elle apparue sur la sculpture ? Observez les changements autour de cette œuvre d’art.

Œuvre d’art  #9 Poing serré, Everett Spruill

• Rapport au thème: Symbole de pouvoir, le poing serré est un symbole important du mouvement. La couleur de la première indique également à quel mouvement elle était initialement liée.
• Courte description: Cette sérigraphie originale tirée à la main par l’artiste afro-américain Everett Spruill présente un dessin abstrait et coloré d’un poing noir serré créé dans un motif cubiste. Medium: Mixed Media.
• Emplacement et dimension européenne: Les œuvres de Spruill ont été vendues au centre Epcot de Disney.
• Possible exploitation pédagogique: Expérimentez en utilisant des techniques mixtes pour créer votre propre symbole de résistance. Pourquoi avez-vous choisi ce symbole spécifique ?

Œuvre d’art  #10 Willie Bester, Prime Evil, 2015

• Rapport au thème: Willie Bester est l’un des artistes les plus connus d’Afrique du Sud, qui a commencé par être un artiste de la résistance. Bester vit actuellement à Kuilsrivier, en Afrique du Sud.
• Courte description: À l’aide de matériaux assemblés à partir de déchets, Bester construit des surfaces en relief, puis peint la surface à la peinture à l’huile. Ses œuvres commentent d’importants personnages noirs sud-africains et des aspects importants pour sa communauté. Les artistes sud-africains de la résistance ne traitent pas exclusivement de la race et ne sont pas forcément originaires des townships.
• Emplacement et dimension européenne: Ce tableau se trouve maintenant dans la galerie Melrose.
• Possible exploitation pédagogique: L’atmosphère et le sentiment qui se dégagent de cette œuvre sont très particuliers. Il peut être intéressant de l’analyser en la comparant à d’autres de ses œuvres pour voir comment différents matériaux, leur positionnement et les couleurs peuvent faire une si grande différence.

Activités pratiques

Intitulé de l’activité 1

Une peinture basée sur un poème

Objectifs

Relier les apprenants à l’histoire personnelle de l’auteur sur la période de la guerre et leur permettre d’exprimer leur vision.

Matériel

• Appareil mobile / ordinateur
• Connexion internet
• Toile
• Outils de peinture

Phase préparatoire pour les éducateurs/médiateurs

Donnez aux apprenants des informations sur le thème de l’art de la résistance et montrez-leur quelques exemples au fil des jours et des saisons. Cela aidera les apprenants à comprendre l’idée et la vision des artistes qui ont créé les œuvres au cours des années.

Développement

Demandez à vos apprenants de regarder cette vidéo où Rafeef Ziadah, un artiste et activiste canadien-palestinien, partage un poème qu’elle a écrit sur les bombardiers en Palestine. Une fois qu’ils ont écouté ce poème – « Nous enseignons la vie, monsieur », demandez-leur de créer leur propre œuvre d’art reflétant le paysage qu’elle décrit dans le poème.

Rafeef Ziadah – ‘We teach life, sir’, London, 12.11.11

Intitulé de l’activité 2

Art de la résistance, art militant et pop art

Objectifs

Pour que les apprenants découvrent plus en détail les différents styles d’art et la façon dont ils se sont influencés mutuellement et sont entrelacés.

Matériel

Accès à un ordinateur avec une connexion en ligne.

Phase préparatoire pour les éducateurs/médiateurs

Jetez un coup d’œil à l’histoire de l’artiste Keith Haring.

Vous pouvez utiliser les liens suivants :

Pop art politics: Activism of Keith Haring

Art Activism: Keith Haring — Art History Kids

Keith Haring: Activist and Artist

7 Reasons Why Keith Haring’s Legacy is Still Important

Développement

Les apprenants peuvent en savoir plus sur un artiste grâce à ces sites Web, puis réfléchir de manière critique à la question de savoir si Keith Haring fait partie des mouvements Pop Art ou Resistance Art. Pourquoi ? Peut-il appartenir aux deux ? Aurait-il pu être influencé par l’art de la Résistance et appliquer les principes du Pop Art ? En quoi son art est-il différent de celui des artistes du mouvement de l’art de la résistance ?

Facultatif : Essayez de recréer l’une de ses œuvres pop art, en utilisant la méthode du « stamping ». Bonne chance !