Въведение

Изкуството е красиво и чудно нещо, защото когато се използва за целите на създаване на промяна, единство и сила, чрез противопоставяне, то има голямата сила да свърже хората с общо послание.

В настоящия педадогически документ първо ще представим произхода на движението, предоставяйки кратък исторически и културен контекст на неговия възход. След това ще навлезем детайлно в спецификата на движението, въз основа на цветове, форми, мазки, перспектива и др. И накрая, ще ви запознаем с 10 произведения на изкуството, създадени през този период и ще ви предоставим 2 практически примера за дейности, които могат да бъдат изпълнени в арт работилница, базирана на „Изкуството на съпротивата“.

В обобщение, в този материал, вие ще:

• Ще се запознаете с произхода на движението,
• Ще научите за някои от неговите ключови фигури и влиятелни лица,
• Изследвате характеристиките на художествените техники
• И много още!

Темата

Предистория на движението

Протестът, борбата и политическият активизъм са мощни инструменти на съпротива. Силата чрез мобилизиране на хората може да създаде измерима положителна промяна в нашия свят. По-специално, използването на изкуството като ненасилствена форма на протест, може да носи огромно значение и сила, свързвайки хората чрез тяхната съпротива. Може да превърне негативните и изпълнени със страх теми в нещо, зад което хората да се обединят (прочетете повече тук). Изкуството на съпротивата, наричано още протестно изкуство, е свързано с творческите произведения, създадени от активисти и социални движения. Протестното изкуство помага да се предизвикат основни емоции в аудиторията и в отговор може увеличи атмосферата на напрежение и да се създадат нови възможности за несъгласие.

„Самото протестно изкуство не създава промяна, но има за цел да насърчи и стимулира достатъчно хора със социално-икономически произход, да се мобилизира за дадена кауза. За да се направи това успешно, призивът за протест трябва да бъде незабавен, безкомпромисен и най-важното – да има душа. Източник: Ланкс, Белинда. „Най-мощното протестно изкуство в историята“ Medium, Magenta,, 14 декември 2016 г, .

(Ланкс, 2016)

Различните форми на изкуство могат да свържат хората по много и различни начини. Силата на музиката, пишейки и пеейки песни за свободата, се е превърнала в традиция в основата на много движения. Музиката е призната за една обединяваща сила, която помага за създаването и укрепването на едно общо съзнание (Eprile, 2017, източник: Eprile Brendan Thabo. „Песни на промяната: Как музиката помогна за разпалването на революциите от арабската пролет в Египет и Тунис“ Oberlin College Learning and Labor, 2017). Визуалното изкуство като протест е друг начин, по който изкуството се използва като средство за съпротива, за да се създаде промяна към по-добро. Изкуството е критичен инструмент, който винаги се е използвал, за да повлияе на мислите и поведението на населението, ако това не беше така, нямаше да съществува финансирана от правителството пропаганда, нито унищожаването на изкуството или изгарянето на книги

Изкуството на съпротивата е изкуство, използвано като начин за показване на противопоставянето на хората на властимащите. Това включва изкуство, което се противопоставя на такива сили като германската нацистка партия, както и това, което се противопоставя на апартейда в Южна Африка. Въстанието в град Совето, Южна Африка, бележи началото на социалната промяна в Южна Африка. Изкуството на съпротивата израства от Black Consciousness Movement, масово движение срещу апартейда, което се появява през 60-те години на миналия век, водено от харизматичния активист Стив Бико. Голяма част от изкуството е публично, под формата на стенописи, банери, плакати, тениски и графити с политически послания, които са конфронтационни и фокусирани върху реалността на живота в сегрегирана Южна Африка. Уили Бестър е един от най-известните художници в Южна Африка, който първоначално започва като художник на съпротивата. Използвайки отпадъчни материали, Бестър изгражда релефна повърхност и след това я боядисва с маслена боя. Неговите творби се отнасят до важни чернокожи южноафрикански фигури и аспекти, важни за неговата общност. Южноафриканските артисти на съпротивата не отделят особено внимание на расата, нито трябва да са от конкретни райони (източник).

Друг художник, Джейн Александър, се занимава със зверствата на апартейда от гледна точка на бялата раса. Нейното изкуство на съпротива се занимава с нездравото общество на пост-апартейда в Южна Африка. Разгледайте произведение на Уили Бестър, Първично зло, 2015 тук.

Художници като Джон Тръмбул, Емори Дъглас, Марта Рослър, Кийт Харинг, Джуди Чикаго, са известни американски артисти през периода (източник).

Джон Тръмбул (6 юни 1756 г. – 10 ноември 1843 г.) е американски художник от ранния период на независимост, известен с историческите си картини от Войната за независимост на САЩ, от която той е ветеран. Наричан е „художникът на революцията“. Вижте произведението: „Предаването на лорд Корнуолис“, Джон Тръмбул, 1826, маслени бои върху платно, 12×18 инча, Ротонда на Капитолия

Картината „Предаването на лорд Корнуолис“ от Джон Тръмбул е изложена в Ротондата на Капитолия, САЩ. Темата на картината е капитулацията на британската армия в Йорктаун, Вирджиния, през 1781 г., която слага край на последната голяма акция във Войната за независимост.

Дъглас е служил като революционен художник и министър на културата за Пантерите и е отговарял за създаването на изображения (до голяма степен разпространявани посредством официалния вестник), които създават визуален запис на платформата на партията. Вижте произведението от Емори Дъглас, „Ще оцелеем без съмнение“ (1971), с любезното съдействие на Black Lives Matter, тук.

Емори Дъглас, „Ще оцелеем без съмнение“ (1971 г.) е любезно предоставен от Black Lives Matter и може да бъде видян на уебсайтаBlack Lives Matter.

Винаги е имало психологическа реакция, която надхвърля Партията на Черната пантера в афроамериканската общност и се превръща в национален и международен символ. Символиката винаги е била част от културната идентичност на хората във връзка с начина, по който са мислели за несправедливостта. Прасетата се превръщат в психологически символ на съпротивата.

Вижте произведение от Емори Дъглас, илюстрация на полицаи като прасета за партията на Черната пантера. С любезното съдействие на Flickr creative commons, тук.

В Европа художници като Йожен Дьолакроа, Анри Русо, Франческо Гоя, Салвадор Дали и Пабло Пикасо, изразително започват да документират своята визия за войната. В работата си Гоя се стреми да отбележи испанската съпротива срещу армиите на Наполеон по време на окупацията от 1808 г. във войната на полуострова. Гоя рисува „Трети май 1808“, което се смята за вдъхновяващото произведение на знака за мир на Джералд Холтом и редица по-късни големи картини, включително поредица от Едуар Мане и Клането в Корея и Герника на Пабло Пикасо. Не е известно дали той лично е бил свидетел или на бунта, или на репресиите, въпреки многото по-късни опити да го намесят в събитията от двата знаменити дни (прочетете повече тук) Смята се, че Втори и Трети май 1808 г. са били замислени да бъдат част от по-голяма серия. Първоначално картината е посрещната със смесени реакции от изкуствоведи и историци.

Преди художниците са били склонни да изобразяват война във високия стил на историческата живопис и негероичното изобразяване на Гоя е необичайно за времето си. Според някои ранни критични мнения картината е имала технически недостатък: перспективата е плоска, или жертвите и палачите стоят твърде близо едни до други, за да бъдат реалистични. Въпреки че тези наблюдения може да са напълно коректни, писателят Ричард Шикел твърди, че Гоя не се е стремял към академична коректност, а по-скоро към засилване на цялостното въздействие на произведението. Изобразителното изкуство отстъпва място на епичното изобразяване на неприкритата бруталност. Картината е структурно и тематично обвързана с традициите на мъченичеството в християнското изкуство, както е илюстрирано чрез драматичното използване на техниката chiaroscuro и призива към живота, съпоставен с неизбежността на предстоящата екзекуция.

Дори съвременните романтични художници- които също са били заинтригувани от темите за несправедливостта, войната и смъртта- са композирали картините си с по-голямо внимание към условностите на красотата, както е видно в „Салът на Медуза“ на Теодор Жерико (1818-1819) и картината на Йожен Дьолакроа от 1830 г. „Свободата води народа“.

„Войната“ на Анри Русо също представя последиците от войната.

Конят в картината контрастира с този на La Carriole du Père Junier: черен, див и готов за битка, той представлява бруталната сила на войната. На гърба си въоръжената, грозна и дива жена внушава, че войната носи примитивност. Долната част на картината представя последиците от войната: трупове, които са храна на гарваните. Голите дървета и счупените клони създават пейзаж на опустошение и намекват за смъртта, дори ако розовото в облаците и синьото в небето не успеят да разкрият драмата на сцената. Композицията е пирамидална- с труповете в основата, а отгоре конят и жената.

Пабло Пикасо е вдъхновен от работата на Гоя. „Герника“ е голяма маслена картина върху платно от 1937 г. на Пабло Пикасо. Това е една от най-известните му творби, смятана от много изкуствоведи за най-трогателната и силна антивоенна картина в историята. Изложена е в музея Рейна София в Мадрид.

Пикасо рисува „Герника“ в дома си в Париж в отговор на бомбардировката над Герника от 26 април 1937 г., град в Страната на Баските, в Северна Испания, който е бомбардиран от нацистка Германия и фашистка Италия по искане на испанските националисти. През годините Герника се превръща в универсален и мощен символ, предупреждаващ човечеството за страданието и опустошението на войната.

През същия период Салвадор Дали рисува „Лицето на войната“. Тя е рисувана за кратък период от време, когато художникът живее в Калифорния. Травмата и възгледът за войната често са служили като вдъхновение в работата на Дали. Вярвал е, че артистичното му виждане е вид предчувствие за война. Произведението е рисувано в периода между края на Испанската гражданска война и началото на Втората световна война.

Вижте произведението на Салвадор Дали „Лицето на войната“, 1940г., маслени бои върху платно, 64см x 79см, музей Boijmans Van Beuningen, Ротердам. Нидерландия, тук in Rotterdam (Netherlands).

Картината изобразява лице без плът, реещо се на фона на пустинен пейзаж. Лицето е изсъхнало като това на труп и изразява страдание. В устата и очните кухини има еднакви черепи. В устата и очите на тези черепи също има идентични по-малки черепи, намекващи за безкрайността. Около голямото лице са струпани хапещи змии. В долния десен ъгъл има отпечатък, който Дали настоява, че е оставен от собствената му ръка.

Исторически и обществен контекст на движението

Социалните движения често се определят от тяхното послание, но се помнят чрез тяхното изкуство и образите, които използват. Независимо дали изкуството е базирано на движение (изкуство, което възниква от самите групи за социално движение) или само го подкрепя (изкуство на професионални художници, които използват практиката си като начин да подкрепят социалните движения и макар че могат да бъдат пряко свързани с движението, не са част от организациите на движението), употребата на артистично изразяване е неразделна част от социалните движения, особено в изкуството на съпротивата, тъй като се използва по такъв начин, който позволява лесно изразяване на сложни идеи като такива за културното изразяване, социалното/класовото разделение, борбата и идентичността, да бъдат комуникирани чрез своята среда, защото вместо да се оповават на сложни теоретични книги, които незнаещият лаик да чете, (базирани на движението), изкуството на съпротивата традиционно е лесно за разпространение, потребление и разбиране – посланието му е силно и ясно и не позволява бариери, като грамотност и ниво на образование, да спрат способността посланието му да бъде ефективно предадено и разбрано.

Поглеждайки към социалните движения в историята, двете, които се открояват, са Движението за граждански права на афроамериканците от 60-те години на миналия век и настоящото (2014 – 2020/настояще) движение Black Lives Matter (Животът на чернокожите има значение). Движението за граждански права на афроамериканците е социално движение, което безспорно има някои от най-запомнящите се мотиви/ фрази в съвременното [западно] колективно съзнание. От емблематичната реч на Мартин Лутър Кинг, „Имам една мечта“, на протеста „Марш във Вашингтон за работни места и свобода“, до емблематичния фотографски образ на студентския ненасилствен координационен комитет (Снимка на Дани Лайън, плакат „SNCC NOW“, 1964, 55,9см х 35,6см – изглед тук) на протестиращите студенти със затворени очи и вдигнати ръце в молитва, символизиращи Черната сила.

Изкуството е общата нишка, която стои в основата на безброй движения на съпротивата и протести, които са обединили хората и са довели до положителни обществени промени. Независимо дали става дума за музика, визуално изкуство, танци, драма или друга форма на изкуство, изкуството по свой начин свързва човешките емоции и ги обединява чрез надежда и сила. По този начин изкуството има силата да превърне Гибелта в Разцвет и да осигури платформа, на която хората да стоят заедно, а не сами.

През последните петдесет до сто години някои движения са имали по-голямо културно въздействие върху обществото. Изкуството на съпротивата, все още съществуващото активистко изкуство, поп изкуството и женското движение, което се появява отново през 60-те години на миналия век и се разраства по многостранни начини в настоящето. Огромното въздействие на феминизма върху ежедневието включва, но и се простира далеч отвъд, промените в законите, разпоредбите и политическите институции. Структурата на живота на всеки един човек, живеещ в Съединените щати, е променена от новия феминизъм.

Характеристики на движението

Има няколко характеристики, които могат да помогнат на зрителя да идентифицира отличителните черти на произведенията на това изкуство. Ето някои от най-често срещаните:

Символи

Стиснатият юмрук е често срещана повтаряща се тема в протестното изкуство и изкуството на съпротивата и се е използвало още по време на Мексиканската революция, Протеста на американските студенти срещу войната във Виетнам, Партията на Черната пантера, както и от френските студенти по време на социалистическия им бунт срещу монархията през 1832 г. Вижте илюстрацията тук: Cтиснат юмрук, Еверет Спруил, авторски права Еверет Спруил.

Мексиканско-американско движение Chicano разглежда стенописите като форма на протест срещу несправедливостите, които вредят на маргинализираното им население. В края на Мексиканската революция правителството възлага на художниците да създават изкуство, което може да образова най-вече неграмотните маси относно мексиканската история. Възхваляването на потенциала на мексиканския народ да създава историята на нацията е ключова тема в мексиканския стенопис- движение, водено от Сикейрос, Диего Ривера и Хосе Клементе Ороско, известно като Los tres grandes. Между 20-те и 50-те години на миналия век те култивират стил, който определя мексиканската идентичност след революцията.

Los tres grandes (тримата велики), както са известни, са били важни примери не само като големи съвременни художници, но и като политически активисти, които вкореняват своя стенопис в подкрепа на борбите на най-бедните и най-експлоатирани членове на техните общности.

Мексиканската революция е преломен момент през двадесети век, защото отбелязва прекъсването с миналото, поставяйки началото на една по-егалитарна епоха. Със своя огромен мащаб, новаторска иконография и социално значимо послание, мексиканският стенопис остава забележителен комплимент към Революцията.

Стенописците са разработили иконография, включваща нетипични, неевропейски герои от славното минало, настояще и бъдеще на нацията – ацтекски воини, които се бият с испанците, бедни селяни, биещи се в Революцията, обикновени работници от Мексико Сити и хора от смесената раса, които ще изковат историята на следващата велика епоха, като в стенописа на Сикейрос- UNAM. Los tres grandes са изработили епични стенописи по стените на добре видими обществени сгради, използвайки техники като фреска, енкаустика, мозайка и скулптурно рисуване.

Нещо повече, във време на криза, изкуството се е използвало като много нагледен начин за действие срещу СПИН. За да се борят с вредната културна структура около „замърсената кръв“, групите за социални движения от края на 80-те и 90-те години на миналия век, Коалицията за прекратяване на пандемията от СПИН или т.н. ACT UP, създават плакати и графики, за да се опитат да привлекат вниманието на хората и да насърчат разговор за неудобните социални и културни истини около СПИН. (източник).

Много от дизайните на ACT UP включват текст и изображения; този плакат е един от малкото, които предават съобщение само с помощта на текст. Плакатът е направен за акция на Нюйоркската фондова борса през септември 1989 г. (две години и половина след първия протест на ACT UP, който също е проведен на Уолстрийт). Всички протести на Уолстрийт (втори е проведен година след първия) са провокирани от огромните печалби, които фармацевтичната компания Burroughs Welcome прави от лекарството за СПИН AZT. Компанията е получила патент, който гарантира, че никоя друга компания не може да продава лекарството в продължение на седемнадесет години. Компанията твърди, че начисляването на прекомерната цена за лекарството е оправдано, имайки предвид инвестираната значителна сума пари за неговото разработване. ACT UP се противопоставя на това твърдение, изтъквайки че данъкоплатците са платили сметката чрез субсидии и данъчни кредити. В акцията от септември 1989г. активистите искат AZT да бъде предоставяно безплатно на всеки, който се нуждае от лекарството. (източник).

Цветове

Членовете на партията „Пантера“, носещи изцяло черни тоалети с барети и афропрически и последователите на хипи контракултурата по онова време, носещи тоалети в стил Technicolour с ярки надписи, протестират срещу войната във Виетнам и се застъпват за „мир, любов и равни права“- движение, което дори и сега има силен ефект върху културата, което може да се види в настоящото движение #BlackLivesMatter (източник).

Употребата на цвят, наблюдавано в тоалетите, но и в цветни произведения, може да се види не само в работата на художника, но и в работата на илюстратора. Творбите ‘The Golden Rule’ („Златното правило“, 1961) и ‘The Problem We All Live With’ („Проблемът, с който всички ние живеем“, 1963) от Норман Рокуел, вече известен и уважаван бял илюстратор в художествената общност, попадат в категорията, подкрепяща протестното изкуство. „The Golden Rule“ е картина на хора от различни етноси и култури, с препратка към библейския стих Матей 7:12. От всички хора на картината най-забележителното е малко черно момиче в училищна униформа, чиито очи гледат право към зрителя на картината – момичето е пряка препратка към Руби Бриджис, 6-годишно афроамериканско момиче- първото дете, което посещава изцяло бяло начално училище на юг. Тя е придружена в клас от майка си и американските маршали, за да се гарантира безопасността й, предвид насъбралите се гневни протестни тълпи на 14 ноември 1960 г. и всеки следващ ден през тази година. Вижте „Златното правило“, от Норман Рокуел, 1961 г. маслени бои върху, 44 1/2″ x 39 1/2″. Илюстрация на историята за The Saturday Evening Post, 1 април 1961 г., тук.

Приложимост в съвременната епоха

Концепцията „изкуството като оръжие“ е се още актуална в съвременната епоха. Тя просто е преконтекстуализирана поради появата на съвременните технологии като социалните медии. Гледайки към движението Black Lives Matter, което се появява през 2013 г. в отговор на оправдателната присъда на убиеца на Трейвън Мартин- Джордж Цимерман и след това през 2014 г. привлеклите световното внимание протести във Фъргюсън, Мисури в отговор на убийството на Майк Браун от полицейския служител на Фъргюсън Дарън Уилсън (който също е оневинен за престъпните си действия в съда), а също и изображения и видеоклипове на ужасяващо големия мащаб на протестиращи срещу полицейска бруталност, бяха документирани и споделяни в реално време в социални медийни сайтове като Twitter, Instagram и Facebook. „Служи и защитавай“, Грегъри Рагланд, 2013, Бронз, 20′ x 20′ x 38′ Червената боя е добавена от неизвестен демонстрант по време #BlackLivesMatter протестите на 29 май (източник).

Педагогически подход

Защо темата е подходяща за възрастните учащи?

Изкуството на съпротивата е едно от най-разпознаваемите движения в изкуството на миналия век. Чрез участие в програмата за активистко изкуство, учащите могат да развият умения за критично мислене, лидерство, ангажираност към общността и добри комуникативни умения. Докато създават произведения на активисткото изкуство, те могат да участват в три процеса на учене и преподаване, които са ключови за развитието на тези умения:

Асоцииране – Учащите размишляват върху несправедливостите, които възнамеряват да предадат чрез своето изкуство, обмислят защо тези несправедливости съществуват и как могат да бъдат променени. Те идентифицират взаимоотношенията и причинно-следствените връзки, като активно изграждат разбиране за взаимоотношенията в общността и гражданското лидерство.

Задаване на въпроси – След като учащите формират идеи по своите теми, те започват дълъг процес на критично мислене: Как можем да повлияем на тази несправедливост? Коя е моята аудитория? Какво искам да мисли публиката по тази тема? Как мога да комуникирам идеите си ефективно? Влияе ли изкуството ми така, както съм го планирал? Учащите започват да виждат легитимността на собственото си прозрение за оспорване на статуквото и започват да разбират силата си като активни създатели на обществото, способни да инициират промяна.

Тълкуване – Представянето на идея чрез изкуство изисква преминаване от вербален към визуален език. Превеждайки идеите си в изкуство, учащите преформулират идеите си буквално, метафорично, иронично, диалогично (като взаимодействие с публиката) или чрез смесен подход. Учащите се учат да гледат на изкуството като на начин за „обучаване“ на публиката.

Те се стремят да представят идеите си с баланс между послание и естетика и да развият комуникационни умения в процеса. Тези резултати са в съответствие с докторската дисертация по темата на M. Dewhurst през 2009 г. (източник).

Какви са учебните резултати от обхващането на тази художествена тема в образователната дейност?

С тази дейност обучаемите ще могат да научат повече по темата, поглеждайки през очите на художника и използваните от него инструменти. Всъщност, дейностите са заложени така, че учащите да могат да узнаят за силата на активисткото изкуство, музиката и думите, размишлявайки върху това как те могат да повлият на художествените възгледи. Също така те ще могат да се задълбочат в изучаването на конкретни картини и да гледат видео обяснения на някои от най-влиятелните произведения на изкуството.

Как да го направите: стратегии, инструменти и техники.

Учащите ще вземат активно и пасивно участие през цялото обучение. Всъщност, използвайки уменията си за рисуване, критичното мислене и уменията за слушане, те ще могат да разширят познанията си за изкуството на съпротивата и да дискутират темите с класа, след което да се учат от други експерти в областта на историята на изкуството.

Произведения на изкуството

Произведение #1 Свободата, води народа, Йожен Дьолакроа, 1830

• Позиция и отношение по темата „Свободата води народа“ (френски: La Liberté guidant le peuple [la libɛʁte ɡidɑ̃ lə pœpl]) е картина на Йожен Делакроа в чест на Юлската революция от 1830 г., която сваля краля на Франция- Чарлз X.
• Кратко описание Жена от народа с фригийска шапка, олицетворяваща концепцията за свобода, води разнородна група хора от народа напред над барикада от телата на загиналите, държейки в едната ръка знамето на Френската революция – трикольорът, който отново се превръща в национален флаг на Франция след тези събития –и размахвайки щик с мускет в другата. Фигурата на свободата също се разглежда като символ на Франция и Френската република, известна още и като Мариан. Понякога погрешно се смята, че картината изобразява Френската революция от 1789 г.
• Местоположение „Свободата води народа“ е изложена в Лувърав Париж.
• Възможна последваща учебна разработка Картината педизвиква доста противоречиви реакции при първото си публично излагане. За учащите може да бъде интересно да помислят за различните реакции, които картината е създала- защо, въз основа на общественото наблюдение, мненията са отрицателни и какво и защо са харесвали в нея някои хора.

Произведение #2 Емори Дъглас, „Ще оцелеем без съмнение“ (1971)

Емори Дъглас, „Ще оцелеем без съмнение“ (1971 г.) е любезно предоставен от Black Lives Matter и може да бъде видян на уебсайтаBlack Lives Matter.

• Позиция и отношение по темата „Революционното изкуство започва с програмата, която Хюи П. Нютон създава с Партията на „Черната пантера“, пише графичният дизайнер и министър на културата на „Черната пантера“ Емори Дъглас във вестник „Черната пантера“ през 1970 г. „Революционното изкуство, подобно на Партията, е за цялата общност и се занимава с всичките й проблеми. То дава на хората правилния образ на нашата борба, докато революционната идеология дава на хората правилното политическо разбиране за нашата борба. На снимката тук е плакатът на задната корица на Дъглас за броя на вестника от 17 февруари 1970 г., който той също е проектирал. (Надписът гласи: „Ще оцелеем. Без съмнение.“). „Осъждайки империализма, капитализма и полицейската бруталност, Дъглас изобразява полицията, политиците и банкерите като прасета и плъхове“, пишат кураторите на Soul of a Nation („Душата на една нация“). „Героичните черни жени се борят с истински плъхове в нестандартни жилища. Доблестните работници са показани като революционни войници. Усмихнато дете държи главата си високо, носейки слънчеви очила, чиито стъкла са снимки на програмата за безплатна закуска, която партията прилага, за да храни децата от бедни и работещи семейства“. (прочетете повече тук).
• Кратко описание Озаглавено с фразата „Ще оцелеем. Без съмнение“, изображението представя поразителната усмивка на младо афро-американско дете, носещо очила и вместо лещи, има изобразени млади хора, които се обучават – предполагаме в училищата на общността на Черната Пантера. На главата му има флопи шапка в стил zoot, от която излизат червени лъчи, директна препратка от китайските революционери. Обикновено в китайските изображения човек може да види червените лъчи да излизат зад Мао, лидера, но в творбите си Дъглас ги свързва с децата, представяки ги като агенти на промяната (източник).
• Възможна последваща учебна разработка Анализирайте значението на текста на тази творба. Какво се опитва да каже Дъглас на зрителя? Как това е свързано с образите на децата? Помислете за годините и епохата, времевата рамка, в която това произведение на изкуството е завършено.

Произведение #3 Салвадор Дали, „Лицето на войната“, 1940 г.

Творбите на Салвадор Дали: Лицето на войната (1940 г., маслени бои върху платно, 64 см x 79 см) е обект на авторско право и може да бъде видяна в музея Boijmans Van Beuningen в Ротердам (Нидерландия).

• Позиция и отношение по темата Лицето на войната (The Visage of War; in Spanish La Cara de la Guerra) (1940) е картина на испанския сюрреалист Салвадор Дали. Рисувана е за кратък период от време, когато художникът живее в Калифорния. Травмата и възгледът за войната често са служили като вдъхновение в работата на Дали. Вярвал е, че артистичното му виждане е вид предчувствие за война. Произведението е рисувано в периода между края на Испанската гражданска война и началото на Втората световна война.
• Кратко описание Картината изобразява лице без плът, реещо се на фона на пустинен пейзаж. Лицето е изсъхнало като това на труп и изразява страдание. В устата и очните кухини има еднакви черепи. В устата и очите на тези черепи също има идентични по-малки черепи, намекващи за безкрайността. Около голямото лице са струпани хапещи змии. В долния десен ъгъл има отпечатък, който Дали настоява, че е оставен от собствената му ръка.
• Местоположение Netherlands Картината е изложена в музей Boijmans Van Beuningen, Ротердам. Нидерландия
• Възможна последваща учебна разработкаСалвадор Дали има много интересен стил на работа. Какво е уникалното за неговите картини и произведения на изкуството? Как работата му се отличава от другите произведения на изкуството по време на периода на изкуството на съпротивата? Помислете и отразете поне една използвана от него техника за цвят, реализъм, светлосянка…

Произведение #4 Пабло Пикасо, Клането в Корея, 1937 г.

• Позиция и отношение по темата Клането в Корея е третата от поредицата антивоенни картини, създадени от Пикасо. Тя е предшествана от монументалната „Герника“, рисувана през 1937г., и „Костницата“, рисувана от 1944 до 1945 г. Заглавието на тази картина се отнася до избухването на Корейската война, която е започнала през предходната година, но темата е двусмислена, тъй като Пикасо не сочи към точен период или място в композицията.
• Кратко описаниеКартината може да изобразява събитие, подобно на клането „Без No Gun Ri“ през юли 1950 г., когато неустановен брой южнокорейски бежанци са избити от американски войници, или клането в Синчон от същата година, масово убийство, извършено в окръг Синчон, провинция Южен Хванхе, Северна Корея. Клането в Корея изобразява цивилни, убити от антикомунистически сили. Изкуствоведът Кирстен Ховинг Кийн казва, че е „вдъхновен от съобщенията за американски зверства“ в Корея. С размери 43 инча (1,1 м) на 82 инча (2,1 м), произведението е по-малко от „Герника“, с която има концептуална прилика, както и изразителна страст. Творбата на Пикасо е повлияна от картината на Франсиско Гоя „Трети май 1808г.“, която показва войници на Наполеон, екзекутиращи испански цивилни по заповед на Йоахим Мурат. Тя е в същия иконографски стил на по-ранна творба, моделирана след Гоя: поредицата от пет картини на Едуар Мане, изобразяващи екзекуцията на император Максимилиан, завършена между 1867 и 1869 г. Както и при „Третият май“ на Гоя, картината на Пикасо е белязана от раздвоена композиция, разделена на две отделни части (източник).
• Местоположение Картината е изложена в музея Пикасо в Париж.
• Възможна последваща учебна разработкаИзползвайте изображението, за да откриете кои други художници са създали произведения на изкуството с подобна перспектива, цвят и замисъл. Като начало можете да погледнете L’execució de l’emperador Maximilià de Mèxic (1868), от Едуар Мане. Какво е различното в творчеството на Мане в сравнение с това на Пикасо? Пол? Използвани цветове? Стил – кубизъм, модернизъм? Какво ще кажете за работата на Франсиско де Гоя?

Произведение #5 Дейвид Алфаро Сикейрос, Мъчение и Апотеоз на Куаутемок (детайл), 1950-51

• Позиция и отношение по темата Движението на стенописите в Мексико започва скоро след Мексиканската революция, която се провежда от 1910 до 1920 г. След революцията правителството се заема с изключително трудния проект по трансформиране на разделено Мексико. През това време определянето на мексиканската идентичност е от голямо значение, така че правителството се опита да създаде напълно ново мексиканско общество, основано на богатите си традиции, но и стремглаво гледащо в бъдещето. Също така те търсят начин, чрез който да насърчат гордостта и национализма на мексиканския народ.Стенописното движение възниква като плод на всички тези желания. Движението започва като финансирана от правителството форма на публично изкуство. Правителството възлага на художниците да създават изкуство, илюстриращо мексиканската история. Тъй като по-голямата част от населението е неграмотно, мексиканското правителство използва стенописите като ефективен начин за визуално разпространение на посланието за гордост и национализъм (източник).
• Кратко описани „Мъчение на Куахтемок“ Сикейрос изобразява насилието, дошло с испанските конкистадори, показва как испанците измъчват ацтекския император Куаутемок, за да го накарат да посочи мястото, където е скрито съкровището на Монтесума. Те го измъчват, изгаряйки краката му, но той не показва физическа болка, а по-скоро емоционална. Освен Куаутемок, на картината има човек, който плаче и се моли, сякаш за да се отърве от такова наказание. Вдясно има жена, която изглежда цялата покрита с кръв; тя има прилика и с майката на Исус, в момента, когато синът й е бил разпнат, молейки го да спре да изпитва такова мъчение.

Това прави Куаутемок да изглежда богоподобен и като символ на патриотизма, символ, който ще бъде използван след мексиканската революция в много произведения на стенописци по това време. Използването на последния император на ацтеките като символ, позволява миналото да бъде върнато, вдъхновение, което да тласне мексиканците да се борят за своите корените.

Испанската армия изглежда нечовешка, сякаш това са само празни черупки без души; тази липса на човечност им позволява да продължат да нанасят щетите, които са извършили. Има и куче, което донякъде довежда до заключението, че те са били толкова нечовечни, колкото са били и ацтеките, показва, че са били като озверели животни- като кучето, което е застанало встрани от тях (източник).

• Местоположение Картината се намира в Музей на Двореца на изящните изкуства
• Възможна последваща учебна разработкаВ „Апотеоз на Куаутемок“ възниква въпросът „ами ако?“. Сикейрос представя какво би било, ако армията на Куаутемок беше победила испанската армия, ако бяха успели с превъзходство и сила да задържат нашествениците далеч. Учащите анализират детайлите на картината и разликата в стила и техниките между нея и картините на Салвадор Дали и Пабло Пикасо. Погледнете техните портрети и картини на човешки фигури – работа, цветове, перспектива на рисуване и т.н.

Произведение #6 „Златното правило“, от Норман Рокуел 1961

• Позиция и отношение по темата През 60-те години на миналия век настроението на страната се променя и възможността на Норман Рокуел да се отърве от претенциите на художествената интелигенция, че е старомоден, е на хоризонта. Неговото произведение „Златното правило“ от 1961 г. е предшественик на типа тема, която скоро ще илюстрира. Група хора от различни религии, раси и етническа принадлежност служат като фон на надписа „Прави на другите това, което би искал те да правят на теб“. Рокуел е бил състрадателен и либерален човек и тази проста фраза отазява неговата философия. Пътувайки през целия си живот и бивайки посрещан с добре дошъл, където и да отиде, Рокуел се е чувствал като гражданин на света и политиката му е отразявала тази ценностна система.
• Кратко описание От снимките, които е направил по време на околосветското си пътуване с Пам Ам през 1955 г., Рокуел споменава местни костюми и аксесоари и как са били носени. Той взима няколко костюма, а други изработва от обикновени предмети в студиото си, като например използва абажур като фез. Много от моделите на Рокуел са местни студенти по обменни програми и посетители. В интервю от 1961 г., посочвайки мъжа, носещ шапка с широка периферия в горния десен ъгъл на картината, Рокуел казва: „Мисля, че отчасти е бразилец, отчасти унгарец. След това е Чой, кореец. Той е студент в Държавния университет в Охайо. Ето един японски студент в колежа Бенингтън и ето един еврейски студент. Той посещаваше летни курсове в музейното училище Indian Hill“. Посочвайки равина, той продължава: „Той е пенсионираният пощенски началник на Стокбридж. Той стана добър равин, в реалния живот, вярващ католик.

Всички лица от Близкия Изток получихот Абдала, който управлява пазара на Елм Стрийт, само на една пресечка от къщата ми.“ Някои от използваните модели присъстват също и в по-ранната илюстрация на Рокуел- „Обединените нации“.

• Местоположение Golden Rule and United Nations are currently on view at Norman Rockwell Museum. „Златното правило“ и „Обединените нации“в момента са изложение в музея „Норман Рокуел“.
• Възможна последваща учебна разработкаРазгледайте израженията на лицата и чертите на всички включени образи в произведението. Знаейки, че това произведение е създадено през 60-те години на миналия век, а в момента вие живеете в 2020-та година- повече от 60 години по-късно- бихте ли спорили, че това произведение на изкуството все още представлява Обединените нации. Защо (не)? И какво може би липсва? Опитайте се да пресъздадете това произведение със снимки на хората около вас. Забележка: Когато правите снимка, внимавайте със светкавицата!

Произведение #7 Герника, Пабло Пикасо, 1937

• Позиция и отношение по темата Пикасо рисува „Герника“ в дома си в Париж в отговор на бомбардировките от 26 април 1937 г. над Герника, град в Страната на баските, в Северна Испания, който е бомбардиран от нацистка Германия и фашистка Италия по искане на испанските националисти. След завършването й „Герника“ е изложена на испанското изложение на Международното изложение в Париж през 1937 г., а след това и на други места по света. Пътуващата изложба е използвана за набиране на средства за подпомагане на испанската война. Картината скоро става известна и добре приета от широката публика и спомага за привличане на световното внимание към Гражданската война в Испания.
• Кратко описание „Герника“ е голяма картина от 1937 г., създадена с маслени бои върху платно, от испанския художник Пабло Пикасо. Това е една от най-известните му творби, смятана от много изкуствоведи за най-трогателната се и силна антивоенна картина в историята.

Сиво, черно-бялата картина, висока 3,49 метра (11 фута 5 инча) и широка 7,76 метра (25 фута 6 инча), изобразява страданието, причинено от насилието и хаоса. В композицията изпъкват прободен кон, бик, крещящи жени, мъртво бебе, разчленен войник и пламъци.

• Местоположение Картината е изложена в музея Рейна София в Мадрид.
• Възможна последваща учебна разработка Би било интересно произведението да се сравни с картината „Клане в Корея“. Един задълбочен анализ на основните фигури, цветовете и теорията на цветовете, може да бъде добро упражнение.

Произведение #8 Служи и защитавай, Грегъри Рагланд, 2013

• Позиция и отношение по темата „Служи и защитавай“ представя езика на знаците – „да служиш“. Същите грациозни ръце, които ни служат всеки ден, са също и достатъчно силни ръце, за да ни защитават и да се грижат за нас. Тази бронзова скулптура подсилва дълголетието на силата и действа като мощен символ на нашето доверие в тези хора. Тази мощна и елегантна скулптура е солидно напомняне, че нашите по-големи от живота герои ще бъдат там, за да служат и защитават всички нас.
• Кратко описание Художникът от Парк Сити Грег Рагланд създава бронзова скулптура, озаглавена „Да служиш и защитаваш“. Скулптурата изобразява две ръце една до друга с длани, обърнати нагоре. Творбата се намира в градината на площада и е предназначена да насърчава докосването и катеренето.
• Местоположение Произведението се намира в сградата за обществена безопасност; 475 S 300 E; Район 4
• Възможна последваща учебна разработка В скулптурата си Грегъри Рагланд не включва червената боя. Оригиналът не включва нищо в ръката. Кога се появява тази червена боя върху скулптурата? Проследете промените около това произведение на изкуството.

Произведение #9 Стиснат юмрук, Еверет Спруил

• Позиция и отношение по темата Символ на властта, стиснатият юмрук е важен символ на движението. Цветът на първия изобразен юмрук също подсказва с кое движение първоначално е бил свързван.
• Кратко описаниеОригинална ръчно изтеглена сериграфия от афро-американския художник Еверет Спруил включва цветен абстрактен дизайн на черен свит юмрук, създаден с кубистичен мотив. Смесена техника.
• МестоположениеПроизведението на Спруил е продадено на тематичния парк Epcot в Walt Disney World Resort.
• Възможна последваща учебна разработка Експериментирайте със смесена техника, за да създадете свой собствен символ на изкуството на съпротивата. Защо избрахте точно този символ?

Произведение #10 Уили Бестър, Първично зло, 2015

• Позиция и отношение по темата Уили Бестър е един от най-известните художници в Южна Африка, който първоначално започва като художник на съпротивата. В момента Бестър живее в Куилс Ривър, Южна Африка.
• Кратко описание Използвайки отпадъчни материали, Бестър изгражда релефна повърхност и след това я боядисва с маслена боя. Неговите творби се отнасят до важни чернокожи южноафрикански фигури и аспекти, важни за неговата общност. Южноафриканските артисти на съпротивата не отделят особено внимание на расата, нито трябва да са от конкретни райони (източник).
• Местоположение В момента картината се намира в галерия Мелроуз.
• Възможна последваща учебна разработкаАтмосферата и усещането, идващи от произведението, са много специални. Може да бъде интересно да го анализирате, сравнявайки го с други негови произведения на изкуството, за да видите как различните материали, тяхното позициониране и цветове могат да създадат толкова голяма разлика.

Практически дейности

Наименование на дейност 1

Картина по стихотворение

Цели

Да обвърже учащите с личната история на автора за времето на войната и да им позволи да изразят визията си за

Необходими материали

• Мобилно устройство/ компютър
• Интернет връзка
• Платно
• Средства за рисуване

Подготвителен етап за преподавателите/ медиаторите

Дайте на учащите информация по темата за изкуството на съпротивата и им покажете някои примери от хода на времето. Това ще им помогне да разберат каква е била идеята и визията на авторите, които са създавали произведенията си през годините.

Разработка

Помолете учениците си да изгледат следното видео, където Rafeef Ziadah, канадско-палестинска писателка и активистка, споделя стихотворение, което е написала за антентаторите в Палестина. След като изслушат това стихотворение – „Ние учим живота, сър“, помолете ги да създадат свои собствени произведения, отразяващи обстановката, която тя описва в стихотворението.

Rafeef Ziadah – ‘We teach life, sir’, London, 12.11.11

Наименование на дейност 2

Изкуство на съпротивата, Активистко изкуство и Поп изкуство

Цели

Учащите да открият повече подробности за различните стилове на изкуство, как са си повлияли един на друг и как са се преплели.

Необходими материали

Достъп до компютър с онлайн връзка.

Подготвителен етап за преподавателите/ медиаторите

Разгледайте историята около художника Кийт Харинг.

Можете да използвате следните линкове:

Pop art politics: Activism of Keith Haring

Art Activism: Keith Haring — Art History Kids

Keith Haring: Activist and Artist

7 Reasons Why Keith Haring’s Legacy is Still Important

Разработка

Учащите могат да научат повече за художника чрез тези уебсайтове и след това да размишляват критично върху това дали Кийт Харинг е част от движенията на поп изкуството или изкуството на съпротивата. Защо? Може ли да принадлежи и на двете? Възможно ли е той да е бил повлиян от изкуството на съпротивата и да е приложил принципите в поп изкуството? С какво изкуството е по-различно от това на артистите в изкуството на съпротивата?

По избор: Опитайте се да пресъздадете едно от неговите поп произведения на изкуството като използвате метода „щамповане“. Успех!