Εισαγωγή

Η τέχνη είναι ένα όμορφο και περίεργο πράγμα, γιατί όταν χρησιμοποιείται για να εξυπηρετήσει τον σκοπό της δημιουργίας αλλαγής, της ενότητας και της δύναμης μέσω της αντίστασης, έχει μεγάλη δύναμη στο να συνδέει τους ανθρώπους με ένα κοινό μήνυμα..

Σε αυτόν τον παιδαγωγικό οδηγό, θα σας παρουσιάσουμε πρώτα τις απαρχές του κινήματος, παρέχοντας ένα σύντομο ιστορικό και πολιτιστικό πλαίσιο για την άνοδό του. Στη συνέχεια, θα αναφερθούμε λεπτομερώς στις ιδιαιτερότητες του κινήματος, με βάση τους καλλιτέχνες, τα χρώματα, τα σχήματα, τις πινελιές, την προοπτική και άλλα. Τέλος, θα σας παρουσιάσουμε 10 έργα τέχνης που δημιουργήθηκαν κατά τη διάρκεια της περιόδου και θα σας δώσουμε 2 πρακτικά παραδείγματα δραστηριοτήτων που μπορούν να εφαρμοστούν για ένα εργαστήριο τέχνης με βάση την τέχνη της αντίστασης και της διαμαρτυρίας.

Συνοψίζοντας, σε αυτόν τον οδηγό:

• Θα μάθετε τις απαρχές του κινήματος,
• θα ανακαλύψετε μερικές από τις βασικές μορφές και τους παράγοντες που το επηρεάζουν,
• να εξερευνήσετε τα χαρακτηριστικά των τεχνικών του έργου τέχνης,
• Και πολλά άλλα!

Το θέμα

Ιστορικό του κινήματος

Η διαμαρτυρία, ο αγώνας και ο πολιτικός ακτιβισμός είναι ισχυρά εργαλεία αντίστασης. Η δύναμη μέσω της κινητοποίησης των ανθρώπων μπορεί να δημιουργήσει μετρήσιμες θετικές αλλαγές στον κόσμο μας. Ειδικότερα, η χρήση της τέχνης ως μη βίαιη μορφή διαμαρτυρίας μπορεί να μεταφέρει τεράστιο νόημα και δύναμη, συνδέοντας τους ανθρώπους μέσω της αντίστασής τους. Μπορεί να μετατρέψει αρνητικά και γεμάτα φόβο θέματα σε κάτι που μπορεί να συσπειρώσει (διαβάστε περισσότερα εδώ). Η τέχνη της αντίστασης, που αναφέρεται επίσης ως τέχνη διαμαρτυρίας, σχετίζεται με τα δημιουργικά έργα που παράγονται από ακτιβιστές και κοινωνικά κινήματα. Η τέχνη διαμαρτυρίας συμβάλλει στην πρόκληση βασικών συναισθημάτων στο κοινό τους και σε αντάλλαγμα μπορεί να αυξήσει το κλίμα έντασης και να δημιουργήσει νέες ευκαιρίες για διαφωνία..

“Η ίδια η τέχνη διαμαρτυρίας δεν δημιουργεί αλλαγές, αλλά στοχεύει στο να ενθαρρύνει και να κινητοποιήσει αρκετούς ανθρώπους από διαφορετικά κοινωνικοοικονομικά στρώματα ώστε να κινητοποιηθούν για έναν σκοπό. Για να γίνει αυτό με επιτυχία, ένα κάλεσμα στα όπλα πρέπει να είναι άμεσο, θρασύ και, κυρίως, να έχει ψυχή”

(Λανκς, 2016)

Οι διάφορες μορφές τέχνης μπορούν να συνδέσουν τους ανθρώπους με διαφορετικούς τρόπους. Η δύναμη της μουσικής με τη συγγραφή και το τραγούδι της ελευθερίας έχει εξελιχθεί σε παράδοση που βρίσκεται στην καρδιά πολλών κινημάτων. Η μουσική έχει αναγνωριστεί ως μία ενωτική δύναμη που βοήθησε στη δημιουργία και ενίσχυση μιας κοινής συνείδησης (Eprile, 2017, πηγή: Eprile, Brendan Thabro. “Τραγούδια της αλλαγής: How Music Helped Sparked the Arab Spring Revolutions in Egypt and Tunisia.” Oberlin College Learning and Labor, 2017). Η εικαστική τέχνη ως διαμαρτυρία είναι ένας άλλος τρόπος με τον οποίο η τέχνη χρησιμοποιείται ως μέσο αντίστασης προκειμένου να δημιουργηθεί αλλαγή προς το καλύτερο. Η τέχνη είναι ένα κρίσιμο εργαλείο που χρησιμοποιείται πάντα για να επηρεάσει τις σκέψεις και τις συμπεριφορές ενός πληθυσμού, αν δεν συνέβαινε αυτό, δεν θα υπήρχε η χρηματοδοτούμενη από την κυβέρνηση προπαγάνδα, ούτε η καταστροφή της τέχνης ή το κάψιμο των βιβλίων (πηγή).

Η τέχνη της αντίστασης είναι η τέχνη που χρησιμοποιείται ως τρόπος να δείξουν την αντίθεσή τους στους εξουσιαστές. Αυτό περιλαμβάνει την τέχνη που αντιτάχθηκε σε δυνάμεις όπως το γερμανικό ναζιστικό κόμμα, καθώς και την τέχνη που αντιτάχθηκε στο απαρτχάιντ στη Νότια Αφρική. Η εξέγερση του Σοβέτο σηματοδότησε την αρχή της κοινωνικής αλλαγής στη Νότια Αφρική. Η τέχνη της αντίστασης αναπτύχθηκε από το Κίνημα Μαύρης Συνείδησης, ένα κίνημα βάσης κατά του Απαρτχάιντ που εμφανίστηκε τη δεκαετία του 1960 με επικεφαλής τον χαρισματικό ακτιβιστή Steve Biko. Μεγάλο μέρος της τέχνης ήταν δημόσια, λαμβάνοντας τη μορφή τοιχογραφιών, πανό, αφισών, μπλουζών και γκράφιτι με πολιτικά μηνύματα που ήταν συγκρουσιακά και επικεντρώνονταν στην πραγματικότητα της ζωής σε μια διαχωρισμένη Νότια Αφρική. Ο Willie Bester είναι ένας από τους πιο γνωστούς καλλιτέχνες της Νότιας Αφρικής που αρχικά ξεκίνησε ως καλλιτέχνης της αντίστασης. Χρησιμοποιώντας υλικά που συναρμολογούνται από σκουπίδια, ο Bester χτίζει επιφάνειες σε ανάγλυφο και στη συνέχεια ζωγραφίζει την επιφάνεια με ελαιοχρώματα. Τα έργα του σχολίαζαν σημαντικές μαύρες προσωπικότητες της Νότιας Αφρικής και πτυχές σημαντικές για την κοινότητά του. Οι Νοτιοαφρικανοί καλλιτέχνες της αντίστασης δεν ασχολούνται αποκλειστικά με τη φυλή ούτε χρειάζεται να προέρχονται από τις κοινότητες των πόλεων (πηγή). Ο Bester ζει σήμερα στο Kuilsrivier της Νότιας Αφρικής..

Μια άλλη καλλιτέχνης, η Jane Alexander, ασχολήθηκε με τις φρικαλεότητες του απαρτχάιντ από την οπτική γωνία των λευκών. Η αντιστασιακή της τέχνη ασχολείται με την ανθυγιεινή κοινωνία που συνεχίζεται στη Νότια Αφρική μετά το απαρτχάιντ..

Καλλιτέχνες όπως ο John Trumbull, ο Emory Douglas, η Martha Rosler, ο Keith Haring, η Judy Chicago ήταν διάσημοι Αμερικανοί καλλιτέχνες κατά την περίοδο αυτή (πηγή).

Ο John Trumbull (6 Ιουνίου 1756 – 10 Νοεμβρίου 1843) ήταν Αμερικανός καλλιτέχνης της πρώιμης περιόδου της ανεξαρτησίας, αξιοσημείωτος για τους ιστορικούς πίνακές του από τον Αμερικανικό Επαναστατικό Πόλεμο, του οποίου υπήρξε βετεράνος. Έχει ονομαστεί “ο ζωγράφος της Επανάστασης.”

Ο πίνακας Παράδοση του Λόρδου Cornwallis του John Trumbull εκτίθεται στη Ροτόντα του Καπιτωλίου των ΗΠΑ. Το θέμα αυτού του πίνακα είναι η παράδοση του βρετανικού στρατού στο Γιόρκταουν της Βιρτζίνια το 1781, με την οποία έληξε η τελευταία μεγάλη εκστρατεία του Επαναστατικού Πολέμου..

Ο Ντάγκλας υπηρέτησε ως επαναστατικός καλλιτέχνης και υπουργός πολιτισμού για τους Πάνθηρες και ήταν υπεύθυνος για τη δημιουργία εικόνων (που διαδίδονταν σε μεγάλο βαθμό μέσω της επίσημης εφημερίδας τους), οι οποίες δημιουργούσαν μια οπτική καταγραφή της πλατφόρμας του κόμματος.

Δείτε έργα τέχνης από τον Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971). Ευγενική προσφορά του Black Lives Matter εδώ.

Υπήρχε πάντα μια ψυχολογική αντίδραση που ξεπερνούσε το Κόμμα των Μαύρων Πανθήρων στην αφροαμερικανική κοινότητα και έγινε εθνικό και διεθνές σύμβολο. Ήταν πάντα μέρος της πολιτιστικής ταυτότητας των ανθρώπων σε σχέση με το πώς σκέφτονταν για την αδικία. Τα γουρούνια έγιναν ένα ψυχολογικό σύμβολο αντίστασης.

Δείτε την εικονογράφηση του Emory Douglas με τους αστυνομικούς ως γουρούνια για το Κόμμα των Μαύρων Πανθήρων. Ευγενική χορηγία Flickr creative commons εδώ.

Στην Ευρώπη καλλιτέχνες όπως ο Ευγένιος Ντελακρουά, ο Ανρί Ρουσσώ, ο Φραντσέσκο Γκόγια, ο Σαλβαδόρ Νταλί και ο Πάμπλο Πικάσο, άρχισαν να καταγράφουν με εκφραστικό τρόπο το όραμά τους για τον πόλεμο. Στο έργο του, ο Γκόγια προσπάθησε να τιμήσει την ισπανική αντίσταση στις στρατιές του Ναπολέοντα κατά τη διάρκεια της κατοχής του 1808 στον Χερσονήσιο Πόλεμο. Ο Γκόγια ζωγράφισε την Τρίτη Μαΐου 1808, η οποία θεωρείται ως έργο έμπνευσης για το σήμα της ειρήνης του Τζέραλντ Χόλτομ και μια σειρά από μεταγενέστερους σημαντικούς πίνακες, συμπεριλαμβανομένης μιας σειράς του Édouard Manet και των έργων του Πάμπλο Πικάσο Σφαγή στην Κορέα και Γκερνίκα. Δεν είναι γνωστό αν είχε παρακολουθήσει προσωπικά είτε την εξέγερση είτε τα αντίποινα, παρά τις πολλές μεταγενέστερες προσπάθειες να τον τοποθετήσουν στα γεγονότα της κάθε ημέρας (διαβάστε περισσότερα εδώ) Το Δεύτερο και το Τρίτο του Μαΐου 1808 πιστεύεται ότι προορίζονταν ως μέρη μιας ευρύτερης σειράς. Αρχικά ο πίνακας συνάντησε ανάμεικτες αντιδράσεις από τους κριτικούς τέχνης και τους ιστορικούς.

Οι καλλιτέχνες είχαν την τάση να απεικονίζουν τον πόλεμο με το υψηλό ύφος της ιστορικής ζωγραφικής και η μη ηρωική περιγραφή του Γκόγια ήταν ασυνήθιστη για την εποχή. Σύμφωνα με ορισμένες πρώτες κριτικές απόψεις, ο πίνακας είχε τεχνικά ελαττώματα: η προοπτική είναι επίπεδη ή τα θύματα και οι δήμιοι στέκονται πολύ κοντά ο ένας στον άλλο για να είναι ρεαλιστικοί. Αν και οι παρατηρήσεις αυτές μπορεί να είναι απολύτως σωστές, ο συγγραφέας Richard Schickel υποστηρίζει ότι ο Γκόγια δεν επεδίωκε την ακαδημαϊκή ευπρέπεια αλλά μάλλον την ενίσχυση του συνολικού αντίκτυπου του έργου. Η εικαστική επιτήδευση δίνει τη θέση της στην επική απεικόνιση της απροκάλυπτης κτηνωδίας. Ο πίνακας συνδέεται δομικά και θεματικά με τις παραδόσεις του μαρτυρίου στη χριστιανική τέχνη, όπως φαίνεται από τη δραματική χρήση του chiaroscuro και την έκκληση στη ζωή σε αντιπαράθεση με το αναπόφευκτο της επικείμενης εκτέλεσης.

Ακόμη και οι σύγχρονοι ρομαντικοί ζωγράφοι -οι οποίοι επίσης γοητεύονταν από θέματα αδικίας, πολέμου και θανάτου- συνέθεταν τους πίνακές τους με μεγαλύτερη προσοχή στις συμβάσεις της ομορφιάς, όπως είναι εμφανές στο έργο του Théodore Géricault “Η σχεδία της Μέδουσας” (1818-1819) και στον πίνακα του Ευγένιου Ντελακρουά “Η ελευθερία οδηγεί τον λαό” (1830)..

Henri Rousseau’s La Guerre also represents the effects of the war.

Το άλογο του πίνακα έρχεται σε αντίθεση με εκείνο του La Carriole du Père Junier: μαύρο, άγριο και αγκαθωτό, αντιπροσωπεύει τη βάναυση δύναμη του πολέμου. Στην πλάτη της, η οπλισμένη, άσχημη και άγρια γυναίκα υποδηλώνει ότι ο πόλεμος φέρνει την πρωτογονία. Στο κάτω μέρος του πίνακα φαίνονται τα αποτελέσματα του πολέμου: πτώματα που αποτελούν τροφή για τα κοράκια. Τα γυμνά δέντρα και τα σπασμένα κλαδιά δημιουργούν ένα τοπίο ερήμωσης και παραπέμπουν στο θάνατο, ακόμη και αν το ροζ των σύννεφων και το μπλε του ουρανού δεν αποκαλύπτουν το δράμα της σκηνής. Η σύνθεση είναι πυραμιδοειδής, με τα πτώματα στη βάση και το άλογο και τη γυναίκα από πάνω.

Ο Πάμπλο Πικάσο εμπνεύστηκε από το έργο του Γκόγια. Η Γκερνίκα είναι μια μεγάλη ελαιογραφία του 1937 σε καμβά από τον Πάμπλο Πικάσο. Είναι ένα από τα πιο γνωστά έργα του, που θεωρείται από πολλούς κριτικούς τέχνης ως ο πιο συγκινητικός και δυνατός αντιπολεμικός πίνακας στην ιστορία. Εκτίθεται στο Μουσείο της Ρέινα Σοφία στη Μαδρίτη.

Ο Πικάσο ζωγράφισε τη Γκερνίκα στο σπίτι του στο Παρίσι ως απάντηση στον βομβαρδισμό της Γκερνίκα στις 26 Απριλίου 1937, μιας πόλης της Χώρας των Βάσκων στη βόρεια Ισπανία, η οποία βομβαρδίστηκε από τη ναζιστική Γερμανία και τη φασιστική Ιταλία κατόπιν αιτήματος των Ισπανών εθνικιστών. Με την πάροδο των χρόνων, η Γκερνίκα έχει γίνει έκτοτε ένα παγκόσμιο και ισχυρό σύμβολο που προειδοποιεί την ανθρωπότητα ενάντια στον πόνο και την καταστροφή του πολέμου.

Την ίδια χρονική περίοδο ο Σαλβαδόρ Νταλί ζωγράφισε το “Πρόσωπο του πολέμου”. Ζωγραφίστηκε κατά τη διάρκεια μιας σύντομης περιόδου κατά την οποία ο καλλιτέχνης ζούσε στην Καλιφόρνια. Το τραύμα και η θέα του πολέμου είχαν συχνά χρησιμεύσει ως έμπνευση για το έργο του Νταλί. Μερικές φορές πίστευε ότι το καλλιτεχνικό του όραμα ήταν προμήνυμα του πολέμου. Το έργο αυτό ζωγραφίστηκε μεταξύ του τέλους του ισπανικού εμφυλίου πολέμου και της έναρξης του Δεύτερου Παγκοσμίου Πολέμου.

Δείτε το έργο του Salvador Dalí, Το πρόσωπο του πολέμου, 1940, Λάδι σε καμβαά, 64cm x 79cm, Μουσείο Boijmans Van Beuningen, Ρότερνταμ, Ολλανδία, εδώ.

Ο πίνακας απεικονίζει ένα ασώματο πρόσωπο που αιωρείται σε ένα άγονο ερημικό τοπίο. Το πρόσωπο είναι μαραμένο όπως αυτό ενός πτώματος και φέρει μια έκφραση δυστυχίας. Στο στόμα και στις κόγχες των ματιών του υπάρχουν πανομοιότυπα πρόσωπα. Στα στόματα και τα μάτια τους, υπάρχουν περισσότερα πανομοιότυπα πρόσωπα σε μια διαδικασία που υπονοείται ότι είναι άπειρη. Γύρω από το μεγάλο πρόσωπο σμήνη από δαγκωμένα φίδια. Στην κάτω δεξιά γωνία υπάρχει ένα αποτύπωμα χεριού που ο Νταλί επέμενε ότι το άφησε το ίδιο του το χέρι.

Ιστορικό και κοινωνικό πλαίσιο του κινήματος

Τα κοινωνικά κινήματα συχνά ορίζονται από το μήνυμά τους, αλλά μένουν στη μνήμη από την τέχνη τους και τις εικόνες που χρησιμοποιούσαν. Είτε η τέχνη ήταν βασισμένη στο κίνημα (τέχνη που αναδύεται μέσα από τις ίδιες τις ομάδες των κοινωνικών κινημάτων) είτε υποστηρικτική του κινήματος (τέχνη από επαγγελματίες καλλιτέχνες που χρησιμοποιούν την πρακτική τους ως έναν τρόπο υποστήριξης των κοινωνικών κινημάτων, και ενώ μπορεί να συνδέονται άμεσα με το κίνημα, δεν αποτελούν μέρος των οργανώσεων του κινήματος), η χρήση της καλλιτεχνικής έκφρασης είναι αναπόσπαστο μέρος των κοινωνικών κινημάτων, ιδιαίτερα στην τέχνη διαμαρτυρίας, καθώς χρησιμοποιούνται με τέτοιο τρόπο που επιτρέπει την εύκολη έκφραση σύνθετων ιδεών όπως η πολιτιστική έκφραση, η κοινωνική/ταξική αγώνας και η ταυτότητα, να επικοινωνηθούν μέσω του μέσου της, διότι αντί να μοιράζονται περίπλοκα θεωρητικά βιβλία για να τα διαβάσει ο ανυποψίαστος λαϊκός, η τέχνη διαμαρτυρίας (που βασίζεται στο κίνημα) είναι παραδοσιακά εύκολη στη διανομή, την κατανάλωση και την κατανόηση – το μήνυμά της είναι δυνατό και σαφές και δεν επιτρέπει σε εμπόδια όπως ο αλφαβητισμός και το επίπεδο εκπαίδευσης να ανακόψουν την ικανότητά της να επικοινωνήσει και να κατανοήσει αποτελεσματικά το μήνυμά της.

Εξετάζοντας δύο κοινωνικά κινήματα κατά τη διάρκεια της ιστορίας, αυτά που ξεχωρίζουν είναι το Αφροαμερικανικό Κίνημα για τα Πολιτικά Δικαιώματα της δεκαετίας του 1960 και το σημερινό (2014 – 2020/σήμερα) Κίνημα Black Lives Matter. Το Κίνημα των Αφροαμερικανικών Πολιτικών Δικαιωμάτων είναι ένα κοινωνικό κίνημα που έχει εύκολα μερικά από τα πιο αξιομνημόνευτα μοτίβα στη σύγχρονη [δυτική] συλλογική συνείδηση. Από την εμβληματική ομιλία του Μάρτιν Λούθερ Κινγκ “Έχω ένα όνειρο” στην πορεία διαμαρτυρίας στην Ουάσινγκτον για τις θέσεις εργασίας, μέχρι την εμβληματική εικόνα των Σπουδαστικών Επιτροπών Μη Βίαιου Συντονισμού (Φωτογραφία του Danny Lyon, Αφίσα ‘SNCC NOW‘, 1964, 55,9 x 35,6 cm – προβολή εδώ) των διαδηλωτών φοιτητών με τα μάτια κλειστά και τα χέρια υψωμένα σε προσευχή, συμβολίζοντας τη Δύναμη των Μαύρων.

Η τέχνη είναι το κοινό νήμα που διέπει αναρίθμητα κινήματα αντίστασης και διαμαρτυρίες που έχουν ενώσει τους ανθρώπους και έχουν επιφέρει θετικές κοινωνικές αλλαγές. Είτε πρόκειται για μουσική, εικαστικά, χορό, θέατρο ή οποιαδήποτε άλλη μορφή τέχνης, η τέχνη έχει έναν τρόπο να συνδέεται με τα ανθρώπινα συναισθήματά μας και να μας ενώνει μέσω της ελπίδας και της δύναμης. Με αυτόν τον τρόπο, η τέχνη έχει τη δύναμη να μετατρέψει το Doom σε Bloom και να προσφέρει μια πλατφόρμα για να σταθούν οι άνθρωποι ενωμένοι και όχι μόνοι.

Τα τελευταία πενήντα έως εκατό χρόνια ορισμένα κινήματα είχαν μεγαλύτερο πολιτιστικό αντίκτυπο στην κοινωνία. Η τέχνη της αντίστασης, η συνεχιζόμενη ακτιβιστική τέχνη, η ποπ τέχνη και το γυναικείο κίνημα, το οποίο επανεμφανίστηκε τη δεκαετία του 1960 και αναπτύχθηκε πολύπλευρα μέχρι σήμερα. Οι τεράστιες επιπτώσεις του φεμινισμού στην καθημερινή ζωή περιλαμβάνουν, αλλά εκτείνονται πολύ πέρα από τις αλλαγές σε νόμους, κανονισμούς και πολιτικούς θεσμούς. Η υφή της ζωής κάθε ατόμου που ζει στις Ηνωμένες Πολιτείες έχει αλλάξει από τον νέο φεμινισμό

Χαρακτηριστικά του κινήματος

Υπάρχουν διάφορα χαρακτηριστικά που μπορούν να βοηθήσουν έναν θεατή να αναγνωρίσει τα γνωρίσματα. Ακολουθούν ορισμένα από τα πιο συνηθισμένα:

Σύμβολα

Η σφιγμένη γροθιά είναι ένα κοινό επαναλαμβανόμενο θέμα στην τέχνη της διαμαρτυρίας και της αντίστασης και έχει χρησιμοποιηθεί ήδη από την εποχή της Μεξικανικής Επανάστασης, της διαμαρτυρίας των Αμερικανών φοιτητών κατά του πολέμου του Βιετνάμ, του Κόμματος των Μαύρων Πανθήρων, καθώς και των Γάλλων φοιτητών κατά τη διάρκεια της σοσιαλιστικής εξέγερσης του 1832 κατά της μοναρχίας..

Το μεξικανοαμερικανικό κίνημα Chicano είδε τις τοιχογραφίες ως μια μορφή διαμαρτυρίας ενάντια στις αδικίες που έβλαπταν τον περιθωριοποιημένο πληθυσμό τους. Στο τέλος της Μεξικανικής Επανάστασης η κυβέρνηση ανέθεσε σε καλλιτέχνες να δημιουργήσουν έργα τέχνης που θα μπορούσαν να εκπαιδεύσουν τις ως επί το πλείστον αναλφάβητες μάζες για τη μεξικανική ιστορία. Ο εορτασμός των δυνατοτήτων του μεξικανικού λαού να διαμορφώσει την ιστορία του έθνους ήταν ένα βασικό θέμα της μεξικανικής τοιχογραφίας, ενός κινήματος με επικεφαλής τους Siqueiros, Diego Rivera και José Clemente Orozco -γνωστό ως Los tres grandes. Μεταξύ της δεκαετίας του 1920 και της δεκαετίας του 1950, καλλιέργησαν ένα στυλ που καθόρισε τη μεξικανική ταυτότητα μετά την Επανάσταση.

Οι Los tres grandes (οι τρεις μεγάλοι), όπως είναι γνωστοί, αποτέλεσαν σημαντικά πρότυπα όχι μόνο ως σημαντικοί μοντέρνοι καλλιτέχνες αλλά και ως πολιτικοί ακτιβιστές που ρίζωναν την τοιχογραφία τους στην υποστήριξη των αγώνων των φτωχότερων, πιο εκμεταλλευόμενων μελών των κοινοτήτων τους.

Η Μεξικανική Επανάσταση αποτέλεσε καμπή στον εικοστό αιώνα, διότι σηματοδότησε μια πραγματική ρήξη με το παρελθόν, εγκαινιάζοντας μια πιο ισότιμη εποχή. Με τη μεγάλη κλίμακα, την πρωτοποριακή εικονογραφία και το κοινωνικά σχετικό μήνυμα, η μεξικανική τοιχογραφία παραμένει ένα αξιοσημείωτο συμπλήρωμα της Επανάστασης.

Οι τοιχογραφιστές ανέπτυξαν μια εικονογραφία με άτυπους, μη Ευρωπαίους ήρωες από το ένδοξο παρελθόν, το παρόν και το μέλλον του έθνους -πολεμιστές Αζτέκους που μάχονταν τους Ισπανούς, ταπεινοί αγρότες που πολεμούσαν στην Επανάσταση, απλοί εργάτες της Πόλης του Μεξικού και οι μεικτές φυλές που θα σφυρηλατήσουν την επόμενη μεγάλη εποχή, όπως στην τοιχογραφία του Siqueiros στο UNAM. Οι Los tres grandes δημιούργησαν επικές τοιχογραφίες στους τοίχους πολύ ορατών, δημόσιων κτιρίων χρησιμοποιώντας τεχνικές όπως η τοιχογραφία, το εικαστικό, το ψηφιδωτό και η γλυπτική-ζωγραφική.

Επιπλέον, σε μια εποχή κρίσης, η τέχνη χρησιμοποιήθηκε ως ένας πολύ οπτικός τρόπος δράσης κατά του AIDS. Για να καταπολεμήσουν την επιβλαβή πολιτισμική κατασκευή γύρω από το “μολυσμένο αίμα”, οι ομάδες του κοινωνικού κινήματος στα τέλη της δεκαετίας του 1980 και του 1990, η AIDS Coalition to Unleash Power, ή ACT UP, δημιούργησαν αφίσες και γραφικά για να προσπαθήσουν να προσελκύσουν την προσοχή των ανθρώπων και να ενθαρρύνουν τη συζήτηση για τις άβολες κοινωνικές και πολιτισμικές αλήθειες γύρω από το AIDS (πηγή εδώ).

Πολλά από τα σχέδια της ACT UP ενσωμάτωναν κείμενο και εικόνες- αυτή η αφίσα είναι μία από τις λίγες που μετέδιδαν ένα μήνυμα χρησιμοποιώντας μόνο κείμενο. Η αφίσα φτιάχτηκε για μια δράση στο Χρηματιστήριο της Νέας Υόρκης τον Σεπτέμβριο του 1989 (δυόμισι χρόνια μετά την πρώτη διαμαρτυρία της ACT UP, η οποία έλαβε χώρα επίσης στη Wall Street). Όλες οι διαμαρτυρίες στη Wall Street (μια δεύτερη πραγματοποιήθηκε ένα χρόνο μετά την πρώτη) αφορούσαν τα τεράστια κέρδη που αποκόμιζε η φαρμακευτική εταιρεία Burroughs Welcome από το φάρμακο για το AIDS AZT. Η εταιρεία είχε λάβει δίπλωμα ευρεσιτεχνίας που εξασφάλιζε ότι καμία άλλη εταιρεία δεν θα μπορούσε να πουλήσει το φάρμακο για δεκαεπτά χρόνια. Η εταιρεία υποστήριξε ότι δικαιολογείτο να χρεώνει υπερβολική τιμή για το φάρμακο, δεδομένου ότι είχε δαπανήσει σημαντικό χρηματικό ποσό για την ανάπτυξή του. Η ACT UP αντέτεινε ότι οι φορολογούμενοι είχαν πληρώσει τον λογαριασμό μέσω επιχορηγήσεων και φορολογικών πιστώσεων. Στη δράση του Σεπτεμβρίου του 1989, οι ακτιβιστές ζήτησαν να παρέχεται δωρεάν το AZT σε όποιον χρειαζόταν το φάρμακο (πηγή).

Χρώματα

Τα μέλη του Κόμματος των Πανθήρων που φορούσαν ολόμαυρες στολές με μπερέδες και μεγάλα άφρο και η κουλτούρα των χίπις της εποχής που φορούσαν πολύχρωμες στολές και κρατούσαν φωτεινές επιγραφές διαμαρτυρόμενοι για τον πόλεμο του Βιετνάμ και υποστηρίζοντας την “ειρήνη, την αγάπη και τα ίσα δικαιώματα”, είναι ένα κίνημα που ακόμα και τώρα είχε ισχυρά και αποτελεσματικά κίνητρα που εξακολουθούν να επηρεάζουν την κουλτούρα σήμερα, κάτι που μπορεί να φανεί στο σημερινό κίνημα #BlackLivesMatter. (πηγή).

Η χρήση του χρώματος, που δεν παρατηρείται μόνο στα ρούχα, αλλά και στα πολύχρωμα έργα, μπορεί να παρατηρηθεί όχι μόνο στο έργο του ζωγράφου, αλλά και στο έργο του εικονογράφου. Τα έργα “Ο χρυσός κανόνας” (1961) και “Το πρόβλημα με το οποίο όλοι ζούμε” (1963) του Norman Rockwell, καθώς ήταν ήδη γνωστός και σεβαστός λευκός εικονογράφος στην καλλιτεχνική κοινότητα, η τέχνη του εντάσσεται στην κατηγορία της τέχνης διαμαρτυρίας που υποστηρίζει το κίνημα. Ο “Χρυσός Κανόνας” είναι ένας πίνακας που περιλαμβάνει ένα κολάζ ανθρώπων διαφορετικών εθνικοτήτων και πολιτισμών και μια αναφορά στο εδάφιο της Βίβλου Ματθαίος 7:12. Από όλους τους ανθρώπους που εμφανίζονται στον πίνακα, το πιο αξιοσημείωτο είναι ένα μικρό μαύρο κορίτσι με σχολική στολή, με τα μάτια της να συναντούν απευθείας τον θεατή του πίνακα – το κορίτσι είναι μια άμεση αναφορά στη Ruby Bridges, ένα 6χρονο κορίτσι από την Αφροαμερική που ήταν το πρώτο που πήγε σε ένα δημοτικό σχολείο στο νότο, το οποίο ήταν αποκλειστικά λευκό, συνοδευόταν στην τάξη από τη μητέρα της και από Αμερικανούς αστυνόμους για να διασφαλιστεί η ασφάλειά της λόγω των οργισμένων διαδηλωτών στις 14 Νοεμβρίου του 1960 και κάθε άλλη μέρα εκείνης της χρονιάς.

Σημασία στη σύγχρονη εποχή

Η έννοια “η τέχνη ως όπλο” εξακολουθεί να είναι επίκαιρη στη σύγχρονη εποχή. Απλώς έχει επαναπροσδιοριστεί με την εμφάνιση των σύγχρονων τεχνολογιών, όπως τα μέσα κοινωνικής δικτύωσης. Κοιτάζοντας προς το κίνημα “Black Lives Matter”, το οποίο εμφανίστηκε το 2013 ως απάντηση στην αθώωση του δολοφόνου του Trayvon Martin, George Zimmerman, και στη συνέχεια, το 2014, απέκτησε παγκόσμια προσοχή όταν προκλήθηκαν διαμαρτυρίες στο Ferguson του Μιζούρι ως απάντηση στη δολοφονία του Mike Brown από τον αστυνομικό Darren Wilson (ο οποίος επίσης αθωώθηκε από το δικαστήριο) και οι εικόνες και τα βίντεο των τρομακτικών ποσοτήτων αστυνομικής βίας που διαμαρτύρονταν καταγράφηκαν και μοιράστηκαν σε πραγματικό χρόνο σε ιστότοπους κοινωνικής δικτύωσης όπως το Twitter, το Instagram και το Facebook.

Παιδαγωγική προσέγγιση

Γιατί αυτό το θέμα είναι σχετικό με τους ενήλικες εκπαιδευόμενους;

Η τέχνη της αντίστασης είναι ένα από τα πιο αναγνωρίσιμα καλλιτεχνικά κινήματα του περασμένου αιώνα. Μέσω της συμμετοχής σε ένα πρόγραμμα ακτιβιστικής τέχνης, οι μαθητές μπορούν να αναπτύξουν δεξιότητες κριτικής σκέψης, ηγεσίας, συμμετοχής στην κοινότητα και επικοινωνίας. Ενώ δημιουργούν έργα ακτιβιστικής τέχνης, μπορούν να συμμετάσχουν σε τρεις διαδικασίες μάθησης και διδασκαλίας που αποτέλεσαν το κλειδί για την ανάπτυξη αυτών των δεξιοτήτων:

Σύνδεση  – Οι μαθητές σκέφτονται για τις αδικίες που σκοπεύουν να αντιμετωπίσουν μέσω της τέχνης τους, εξετάζουν γιατί υπάρχουν αυτές οι αδικίες και πώς θα μπορούσαν να αλλάξουν. Εντοπίζουν σχέσεις και συνδέσεις αιτίου και αποτελέσματος, οικοδομώντας ενεργά την κατανόηση των κοινοτικών σχέσεων και της πολιτικής ηγεσίας.

Διερεύνηση  – Μόλις οι μαθητές σχηματίσουν ιδέες για τα θέματά τους, ξεκινούν μια μακρά διαδικασία κριτικής σκέψης: Πώς μπορούμε να επηρεάσουμε αυτή την αδικία; Ποιο είναι το ακροατήριό μου; Πώς θέλω να σκεφτούν για το θέμα; Πώς μπορώ να επικοινωνήσω τις ιδέες μου αποτελεσματικά; Λειτουργεί η τέχνη μου όπως την ήθελα; Οι μαθητές αρχίζουν να βλέπουν τη νομιμότητα της δικής τους διορατικότητας για την αμφισβήτηση του status quo και αρχίζουν να κατανοούν τη δύναμή τους ως ενεργών δημιουργών της κοινωνίας, ικανών να δρομολογήσουν την αλλαγή.

Μετάφραση  – Η αναπαράσταση μιας ιδέας μέσω της τέχνης απαιτούσε τη μετάβαση από τη λεκτική στην οπτική γλώσσα. Μεταφράζοντας τις ιδέες τους στην τέχνη, οι μαθητές επαναδιατυπώνουν τις ιδέες τους κυριολεκτικά, μεταφορικά, ειρωνικά, διαλογικά (ως αλληλεπίδραση με το κοινό) ή μέσω μιας μικτής προσέγγισης. Οι μαθητές μαθαίνουν να βλέπουν την τέχνη ως έναν τρόπο “διδασκαλίας” του κοινού.

Επιδιώκουν να παρουσιάσουν τις ιδέες τους με ισορροπία μεταξύ μηνύματος και αισθητικής και αναπτύσσουν επικοινωνιακές δεξιότητες κατά τη διαδικασία. Τα αποτελέσματα αυτά συνάδουν με τη διδακτορική μελέτη του M. Dewhurst για το θέμα αυτό το 2009. (πηγή)

Ποια είναι τα μαθησιακά αποτελέσματα από την ενσωμάτωση αυτού του θέματος τέχνης με μια εκπαιδευτική δραστηριότητα;

Με αυτή τη δραστηριότητα, οι εκπαιδευόμενοι θα μπορέσουν να ανακαλύψουν το θέμα μέσα από τα εργαλεία και τα μάτια του ζωγράφου. Πράγματι, οι δραστηριότητες έχουν οριστεί έτσι ώστε οι μαθητές να μάθουν τη δύναμη της ακτιβιστικής τέχνης, της μουσικής και των λέξεων, αναλογιζόμενοι πώς μπορεί να επηρεάσει τις καλλιτεχνικές απόψεις. Θα μπορέσουν επίσης να εμβαθύνουν περισσότερο σε συγκεκριμένους πίνακες και να παρακολουθήσουν επεξηγήσεις βίντεο για ορισμένα από τα έργα με τη μεγαλύτερη επιρροή.

Πώς να το κάνετε: στρατηγικές, εργαλεία και τεχνικές.

Οι εκπαιδευόμενοι θα συμμετέχουν τόσο ενεργά όσο και αδρανώς στη δική τους μάθηση. Πράγματι, χρησιμοποιώντας τις δεξιότητές τους στη ζωγραφική, την κριτική σκέψη και τις ικανότητες ακρόασης θα είναι σε θέση να αναπτύξουν τις γνώσεις τους για την τέχνη της αντίστασης και να συζητήσουν με την τάξη, και στη συνέχεια να μάθουν από άλλους ειδικούς στους τομείς της ιστορίας της τέχνης.

Έργα Τέχνης

Έργο Τέχνης #1 Η Ελευθερία οδηγεί τον λαό, Ευγένιος Ντελακρουά, 1830

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: Η Ελευθερία που οδηγεί το λαό (γαλλικά: La Liberté guidant le peuple [la libɛʁte ɡidɑ̃ lə pœpl]) είναι ένας πίνακας του Ευγένιου Ντελακρουά που τιμά την Επανάσταση του Ιουλίου του 1830, η οποία ανέτρεψε τον βασιλιά Κάρολο Χ της Γαλλίας..
• Σύντομη περιγραφή: Μια γυναίκα του λαού με φρυγικό σκούφο που ενσαρκώνει την έννοια της Ελευθερίας οδηγεί μια ποικίλη ομάδα ανθρώπων προς τα εμπρός πάνω από ένα οδόφραγμα και τα σώματα των πεσόντων, κρατώντας στο ένα χέρι τη σημαία της Γαλλικής Επανάστασης -την τρικολόρ, η οποία έγινε και πάλι εθνική σημαία της Γαλλίας μετά από αυτά τα γεγονότα- και κραδαίνοντας με το άλλο ένα μουσκέτο με ξιφολόγχη. Η μορφή της Ελευθερίας θεωρείται επίσης ως σύμβολο της Γαλλίας και της Γαλλικής Δημοκρατίας, γνωστή ως Marianne. Ο πίνακας θεωρείται μερικές φορές λανθασμένα ότι απεικονίζει τη Γαλλική Επανάσταση του 1789.
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Η Ελευθερία που οδηγεί το λαό εκτίθεται στο Μουσείο του Λούβρου στο Παρίσι..
• Πιθανή εκπαιδευτική αξιοποίηση: Αυτός ο πίνακας ήταν αρκετά αμφιλεγόμενος όταν πρωτοδημοσιεύτηκε, μπορεί να είναι ενδιαφέρον για τους μαθητές να διερευνήσουν ως προς τις διαφορετικές αντιδράσεις που δημιούργησε, γιατί ήταν αρνητικές με βάση την κοινωνική παρατήρηση και τι και γιατί άρεσε σε κάποιους ανθρώπους.

Έργο Τέχνης #2 Έμορι Ντάγκλας, Θα επιζήσουμε χωρίς αμφιβολία (1971)

Δείτε έργα τέχνης από τον Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971). Ευγενική προσφορά του Black Lives Matter εδώ.

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: “”Η επαναστατική τέχνη αρχίζει με το πρόγραμμα που θέσπισε ο Huey P. Newton με το Κόμμα των Μαύρων Πανθήρων”, έγραψε ο γραφίστας και υπουργός Πολιτισμού των Μαύρων Πανθήρων Emory Douglas στην εφημερίδα The Black Panther το 1970. “Η επαναστατική τέχνη, όπως και το Κόμμα, απευθύνεται σε ολόκληρη την κοινότητα και ασχολείται με όλα τα προβλήματά της. Δίνει στον κόσμο τη σωστή εικόνα του αγώνα μας, ενώ η επαναστατική ιδεολογία δίνει στον κόσμο τη σωστή πολιτική κατανόηση του αγώνα μας”. Εδώ απεικονίζεται η αφίσα του Douglas για το οπισθόφυλλο του τεύχους της εφημερίδας της 17ης Φεβρουαρίου 1970, την οποία επίσης σχεδίασε. (Η λεζάντα γράφει: “Θα επιβιώσουμε. Χωρίς αμφιβολία.”) “Καταδικάζοντας τον ιμπεριαλισμό, τον καπιταλισμό και την αστυνομική βαρβαρότητα, ο Ντάγκλας απεικόνιζε την αστυνομία, τους πολιτικούς και τους τραπεζίτες ως γουρούνια και αρουραίους”, γράφουν οι επιμελητές του Soul of a Nation. “Ηρωικές μαύρες γυναίκες πολεμούν πραγματικούς αρουραίους σε υποβαθμισμένες κατοικίες. Οι γενναίοι εργάτες παρουσιάζονται ως επαναστατικοί στρατιώτες. Ένα χαμογελαστό παιδί κρατάει ψηλά το κεφάλι του, φορώντας γυαλιά ηλίου των οποίων οι φακοί είναι φωτογραφίες του προγράμματος δωρεάν πρωινού που εφάρμοσε το Κόμμα για να ταΐσει τα παιδιά των φτωχών και εργαζόμενων οικογενειών. (Διαβάστε περισσότερα εδώ)
• Σύντομη περιγραφή: Με επικεφαλίδα τη φράση: “Θα επιβιώσουμε. Χωρίς αμφιβολία”, η εικόνα απεικονίζει ένα λαμπρά χαμογελαστό νεαρό αφροαμερικανικό παιδί που φοράει γυαλιά και, στη θέση των φακών, υπάρχουν εικόνες των νέων που εκπαιδεύονται -υποθέτουμε ότι στα κοινοτικά σχολεία των Μαύρων Πανθήρων. Στην κορυφή του κεφαλιού του υπάρχει ένα πλατύ καπέλο σε στυλ zoot, το οποίο εκπέμπει κόκκινες ακτίνες που παρατίθενται απευθείας από τους Κινέζους επαναστάτες… Συνήθως στις εικόνες των κινεζικών πηγών, θα έβλεπε κανείς τις κόκκινες ακτίνες να εκπέμπονται πίσω από τον Μάο, τον ηγέτη, αλλά στα έργα του, ο Douglas τις συνδέει με τα παιδιά, παραχωρώντας τους [ως] φορείς της αλλαγής. (πηγή). Η τοποθεσία του έργου είναι άγνωστη.
• Πιθανή εκπαιδευτική εκμετάλλευση: Αναλύστε το νόημα στο κείμενο αυτού του έργου τέχνης. Τι προσπαθεί να πει ο Ντάγκλας στον θεατή; Πώς συνδέεται αυτό με τις εικόνες των παιδιών;  Σκεφτείτε τα χρόνια και την εποχή, το χρονικό πλαίσιο στο οποίο ολοκληρώθηκε αυτό το έργο τέχνης.

Έργο τέχνης #3 Σαλβαδόρ Νταλί, Το πρόσωπο του πολέμου, 1940

Δείτε το έργο του Salvador Dalí, Το πρόσωπο του πολέμου, 1940, Λάδι σε καμβαά, 64cm x 79cm, Μουσείο Boijmans Van Beuningen, Ρότερνταμ, Ολλανδία, εδώ.

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: Το πρόσωπο του πολέμου (The Visage of War- στα ισπανικά La Cara de la Guerra) (1940) είναι πίνακας του Ισπανού σουρεαλιστή Σαλβαδόρ Νταλί. Ζωγραφίστηκε κατά τη διάρκεια μιας σύντομης περιόδου κατά την οποία ο καλλιτέχνης ζούσε στην Καλιφόρνια. Το τραύμα και η θέα του πολέμου είχαν συχνά χρησιμεύσει ως έμπνευση για το έργο του Νταλί. Μερικές φορές πίστευε ότι το καλλιτεχνικό του όραμα ήταν προμήνυμα του πολέμου. Το έργο αυτό ζωγραφίστηκε μεταξύ του τέλους του ισπανικού εμφυλίου πολέμου και της έναρξης του Β’ Παγκοσμίου Πολέμου..
• Σύντομη περιγραφή: Ο πίνακας απεικονίζει ένα ασώματο πρόσωπο που αιωρείται σε ένα άγονο ερημικό τοπίο. Το πρόσωπο είναι μαραμένο σαν αυτό ενός πτώματος και φέρει μια έκφραση δυστυχίας. Στο στόμα και στις κόγχες των ματιών του υπάρχουν πανομοιότυπα πρόσωπα. Στα στόματα και τα μάτια τους, υπάρχουν περισσότερα πανομοιότυπα πρόσωπα σε μια διαδικασία που υπονοείται ότι είναι άπειρη. Γύρω από το μεγάλο πρόσωπο σμήνη από δαγκωμένα φίδια. Στην κάτω δεξιά γωνία υπάρχει ένα αποτύπωμα χεριού που ο Νταλί επέμενε ότι το άφησε το ίδιο του το χέρι.
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Ο πίνακας βρίσκεται στο Μουσείο Boijmans Van Beuningen στο Ρότερνταμ των Κάτω Χωρών
• Πιθανή εκπαιδευτική αξιοποίηση: Ο Σαλβαδόρ Νταλί έχει ένα πολύ ενδιαφέρον στυλ εργασίας. Τι είναι μοναδικό για τους πίνακες και τα έργα τέχνης του; Σε τι διαφέρει το έργο του από τα άλλα έργα τέχνης κατά την περίοδο της τέχνης της αντίστασης; Σκεφτείτε τουλάχιστον τη χρήση του χρώματος, του ρεαλισμού, της σκίασης…

Έργο Τέχνης #4 Πάμπλο Πικάσο, Σφαγή στην Κορέα, 1937  

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: Η Σφαγή στην Κορέα είναι το τρίτο έργο μιας σειράς αντιπολεμικών πινάκων που δημιούργησε ο Πικάσο. Είχαν προηγηθεί το μνημειώδες έργο Guernica, που ζωγραφίστηκε το 1937, και το The Charnel House, που ζωγραφίστηκε από το 1944 έως το 1945. Ο τίτλος αυτού του πίνακα παραπέμπει στο ξέσπασμα του πολέμου της Κορέας, ο οποίος είχε ξεκινήσει το προηγούμενο έτος, ωστόσο το θέμα είναι διφορούμενο, καθώς ο Πικάσο δεν υποδεικνύει άμεσα μια περίοδο ή μια τοποθεσία μέσα στη σύνθεση..
• Σύντομη περιγραφή: Ο πίνακας μπορεί να απεικονίζει ένα γεγονός παρόμοιο με τη σφαγή του No Gun Ri τον Ιούλιο του 1950, όταν ένας απροσδιόριστος αριθμός προσφύγων από τη Νότια Κορέα σφαγιάστηκε από Αμερικανούς στρατιώτες, ή τη σφαγή του Sinchon την ίδια χρονιά, μια μαζική δολοφονία που πραγματοποιήθηκε στην επαρχία Sinchon, στην επαρχία South Hwanghae της Βόρειας Κορέας. Η Σφαγή στην Κορέα απεικονίζει τη δολοφονία αμάχων από τις αντικομμουνιστικές δυνάμεις. Η κριτικός τέχνης Kirsten Hoving Keen λέει ότι είναι “εμπνευσμένη από αναφορές αμερικανικών θηριωδιών” στην Κορέα. Με διαστάσεις 43 ίντσες (1,1 μ.) επί 82 ίντσες (2,1 μ.), το έργο είναι μικρότερο από τη Γκερνίκα του, με την οποία έχει εννοιολογική ομοιότητα καθώς και εκφραστική σφοδρότητα.   Το έργο του Πικάσο είναι επηρεασμένο από τον πίνακα του Φρανσίσκο Γκόγια “Η Τρίτη Μαΐου 1808”, ο οποίος δείχνει τους στρατιώτες του Ναπολέοντα να εκτελούν Ισπανούς πολίτες υπό τις διαταγές του Γιοακίμ Μουράτ[6]: Η σειρά πέντε πινάκων του Édouard Manet που απεικονίζει την εκτέλεση του αυτοκράτορα Μαξιμιλιανού, η οποία ολοκληρώθηκε μεταξύ 1867 και 1869. Όπως και στο έργο του Γκόγια Η Τρίτη Μαΐου 1808, ο πίνακας του Πικάσο χαρακτηρίζεται από μια διαιρεμένη σύνθεση, που χωρίζεται σε δύο διακριτά μέρη. (πηγή)
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Ο πίνακας εκτίθεται στο Μουσείο Πικάσο στο Παρίσι.
• Πιθανή εκπαιδευτική αξιοποίηση: Χρησιμοποιήστε την εικόνα για να ανακαλύψετε ποιοι άλλοι καλλιτέχνες δημιούργησαν έργα τέχνης με παρόμοια προοπτική, χρώμα και νόημα. Ίσως να ρίξετε μια ματιά στο L’execució de l’emperador Maximilià de Mèxic (1868), Εντουάρντ Μανέ για να ξεκινήσετε. Τι είναι διαφορετικό στο έργο του Μανέ σε σύγκριση με το έργο του Πικάσο; Το φύλο;  Η χρήση των χρωμάτων; Στυλ – κυβισμός, μοντερνισμός; Τι γίνεται με το έργο του Francisco de Goya;

Έργο Τέχνης #5 Νταβίντ Αλφάρο Σικέιρος, Το μαρτύριο και η αποθέωση του Κουαουχτεμόκ (λεπτομέρεια), 1950-51

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: Το μεξικανικό κίνημα των τοιχογραφιστών ξεκίνησε αμέσως μετά τη Μεξικανική Επανάσταση, η οποία έλαβε χώρα από το 1910 έως το 1920. Μετά την επανάσταση, η κυβέρνηση ανέλαβε το πολύ δύσκολο έργο του μετασχηματισμού του διαιρεμένου Μεξικού. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, υπήρχε μια ανησυχία για τον ορισμό της μεξικανικής ταυτότητας, έτσι η κυβέρνηση προσπάθησε να δημιουργήσει μια ολοκαίνουργια μεξικανική κοινωνία που θα βασιζόταν στην πλούσια παράδοσή της, αλλά θα έβλεπε πολύ μπροστά. Ήθελαν επίσης έναν τρόπο να προωθήσουν την υπερηφάνεια και τον εθνικισμό του μεξικανικού λαού. Από όλες αυτές τις επιθυμίες προέκυψε το κίνημα της τοιχογραφίας. Το κίνημα ξεκίνησε ως μια χρηματοδοτούμενη από την κυβέρνηση μορφή δημόσιας τέχνης, ανέθεσαν σε καλλιτέχνες να δημιουργήσουν έργα τέχνης που θα απεικόνιζαν τη μεξικανική ιστορία. Δεδομένου ότι το μεγαλύτερο μέρος του πληθυσμού ήταν αναλφάβητο, η μεξικανική κυβέρνηση προχώρησε στη δημιουργία τοιχογραφιών ως έναν αποτελεσματικό τρόπο για να διαδώσει οπτικά το μήνυμα της υπερηφάνειας και του εθνικισμού. (πηγή)
• • Σύντομη περιγραφή
    Στο έργο “Το μαρτύριο του Cuauhtémoc”, ο Siqueiros απεικονίζει τη βία που ήρθε με τους Ισπανούς κατακτητές, δείχνει τους Ισπανούς να βασανίζουν τον αυτοκράτορα των Αζτέκων, Cuauhtémoc, για να τον κάνουν να υποδείξει τη θέση όπου ήταν κρυμμένος ο θησαυρός του Montezuma. Τον βασάνισαν καίγοντας τα πόδια του, ωστόσο δεν δείχνει σωματικό πόνο αλλά μάλλον συναισθηματικό πόνο. Δίπλα στον Cuauhtémoc, υπάρχει ένας άνδρας που κλαίει και προσεύχεται σαν να θέλει να γλιτώσει από μια τέτοια τιμωρία. Δεξιά, υπάρχει μια γυναίκα που φαίνεται να είναι καλυμμένη με αίμα- μοιάζει επίσης με τη μητέρα του Ιησού όταν ο γιος της σταυρωνόταν, ικετεύοντας τον γιο της να σταματήσει να αισθάνεται τέτοια βασανιστήρια.

Αυτό κάνει τον Cuauhtémoc να μοιάζει με θεό και ως σύμβολο πατριωτισμού, ένα σύμβολο που θα χρησιμοποιούνταν μετά τη μεξικανική επανάσταση σε πολλά έργα τοιχογραφιστών της εποχής. Η χρήση του τελευταίου αυτοκράτορα των Αζτέκων ως σύμβολο, επέτρεψε την επαναφορά του παρελθόντος, την έμπνευση που κυλάει μέσα για να ωθήσει τους Μεξικανούς να αγωνιστούν για τις ρίζες τους.

Ο ισπανικός στρατός μοιάζει σαν να μην είναι άνθρωπος, σαν να είναι μόνο άδεια κελύφη χωρίς ψυχή- αυτή η έλλειψη ανθρωπιάς τους επιτρέπει να συνεχίσουν να κάνουν τις ζημιές που διέπραξαν. Υπάρχει επίσης ένας σκύλος που φαίνεται να φέρνει ένα μικρό συμπέρασμα ότι είναι τόσο ανθρώπινοι όσο ήταν οι Αζτέκοι, δείχνει πως είναι λυσσασμένα ζώα, όπως και ο σκύλος που έχουν στο πλευρό τους.

• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Ο πίνακας βρίσκεται στο Μουσείο του Παλατιού των Καλών Τεχνών
• Πιθανή εκπαιδευτική αξιοποίηση: Στην “Αποθέωση του Cuauhtémoc” τίθεται το ερώτημα “τι θα γινόταν αν;”. Ο Siqueiros δείχνει πώς θα ήταν αν ο στρατός του Cuauhtémoc είχε νικήσει τον ισπανικό στρατό, αν είχε καταφέρει με δύναμη και ισχύ να κρατήσει μακριά τους εισβολείς. Οι μαθητές αναλύουν τις λεπτομέρειες του πίνακα και τη διαφορά του ύφους και των τεχνικών μεταξύ αυτού του πίνακα και της ζωγραφικής του Σαλβαδόρ Νταλί και του Πάμπλο Πικάσο. Εξετάζουν το πορτραίτο και το σχέδιο των ανθρώπινων μορφών τους – έργο, τα χρώματα, την προοπτική του σχεδίου κ.λπ..

Έργο Τέχνης #6 Χρυσός κανόνας, Νόρμαν Ρόκγουελ, 1961

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: Στη δεκαετία του 1960, η διάθεση της χώρας άλλαζε και η ευκαιρία του Norman Rockwell να απαλλαγεί από τον ισχυρισμό της καλλιτεχνικής διανόησης ότι ήταν παλιομοδίτης ήταν στον ορίζοντα. Ο Χρυσός Κανόνας του 1961 ήταν ένας προάγγελος του είδους του θέματος που σύντομα θα εικονογραφούσε. Μια ομάδα ανθρώπων διαφορετικών θρησκειών, φυλών και εθνικοτήτων χρησίμευσε ως φόντο για την επιγραφή “Κάνε στους άλλους ό,τι θα ήθελες να κάνουν σε σένα”. Ο Ρόκγουελ ήταν ένας συμπονετικός και φιλελεύθερος άνθρωπος και αυτή η απλή φράση αντανακλούσε τη φιλοσοφία του. Έχοντας ταξιδέψει σε όλη του τη ζωή και έχοντας γίνει ευπρόσδεκτος όπου κι αν πήγαινε, ο Ρόκγουελ αισθανόταν πολίτης του κόσμου και η πολιτική του αντανακλούσε αυτό το σύστημα αξιών..
• Σύντομη περιγραφή: Από τις φωτογραφίες που είχε τραβήξει στο ταξίδι του Pam Am που έκανε τον γύρο του κόσμου το 1955, ο Ρόκγουελ αναφέρθηκε στις ενδυμασίες και τα αξεσουάρ των ντόπιων και στον τρόπο με τον οποίο φοριόντουσαν. Πήρε μερικές φορεσιές και επινόησε μερικές από συνηθισμένα αντικείμενα στο στούντιό του, όπως το να χρησιμοποιήσει ένα αμπαζούρ ως φέσι. Πολλά από τα μοντέλα του Ρόκγουελ ήταν ντόπιοι μαθητές ανταλλαγής και επισκέπτες. Σε μια συνέντευξη του 1961, υποδεικνύοντας τον άνδρα που φοράει ένα πλατύγυρο καπέλο στην επάνω δεξιά γωνία, ο Ρόκγουελ είπε: “Είναι εν μέρει Βραζιλιάνος, εν μέρει Ούγγρος, νομίζω. Μετά είναι ο Choi, ένας Κορεάτης. Είναι φοιτητής στο Πολιτειακό Πανεπιστήμιο του Οχάιο. Εδώ είναι ένας Ιάπωνας φοιτητής στο Bennington College και εδώ είναι ένας Εβραίος φοιτητής. Παρακολουθούσε μαθήματα σε θερινό σχολείο στο Indian Hill Museum School”. Δείχνοντας τον ραβίνο, συνέχισε: “Είναι ο συνταξιούχος ταχυδρόμος του Στόκμπριτζ. Έγινε ένας πολύ καλός ραβίνος, στην πραγματική ζωή, ένας ευσεβής καθολικός.

Πήρα όλα μου τα πρόσωπα της Μέσης Ανατολής από τον Αμπντάλα που έχει την αγορά της οδού Ελμ, μόλις ένα τετράγωνο από το σπίτι μου”. Ορισμένα από τα μοντέλα που χρησιμοποιήθηκαν ήταν επίσης από την προηγούμενη εικονογράφηση του Rockwell, Ηνωμένα Έθνη.

• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Ο Χρυσός Κανόνας και τα Ηνωμένα Έθνη παρουσιάζονται επί του παρόντος στο Μουσείο Norman Rockwell.
• Πιθανή εκπαιδευτική αξιοποίηση: Εξερευνήστε τις εκφράσεις του προσώπου και τα χαρακτηριστικά όλων των εικόνων που περιλαμβάνονται στο έργο τέχνης. Γνωρίζοντας ότι αυτό το έργο δημιουργήθηκε τη δεκαετία του 1960 και εσείς ζείτε σήμερα στη δεκαετία του 2020, περισσότερα από 60 χρόνια αργότερα, θα υποστηρίζατε ότι αυτό το έργο τέχνης εξακολουθεί να αντιπροσωπεύει τα Ηνωμένα Έθνη. Γιατί (όχι); Και τι θα μπορούσε να λείπει; Προσπαθήστε να αναδημιουργήσετε αυτό το έργο με φωτογραφίες από τους γύρω σας. Σημείωση: Προσέξτε τους κεραυνούς όταν φωτογραφίζετε!

Έργο Τέχνης #7 Γκερνίκα, Πάμπλο Πικάσο, 1937

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: Ο Πικάσο ζωγράφισε τη Γκουέρνικα στο σπίτι του στο Παρίσι ως απάντηση στον βομβαρδισμό της Γκουέρνικα στις 26 Απριλίου 1937, μιας πόλης της Χώρας των Βάσκων στη βόρεια Ισπανία, η οποία βομβαρδίστηκε από τη ναζιστική Γερμανία και τη φασιστική Ιταλία κατόπιν αιτήματος των Ισπανών εθνικιστών. Μετά την ολοκλήρωσή της, η Γκερνίκα εκτέθηκε στην ισπανική έκθεση στη Διεθνή Έκθεση του Παρισιού το 1937 και στη συνέχεια σε άλλους χώρους σε όλο τον κόσμο. Η περιοδεύουσα έκθεση χρησιμοποιήθηκε για να συγκεντρωθούν χρήματα για την ισπανική πολεμική αρωγή.[5] Ο πίνακας έγινε σύντομα διάσημος και ευρέως αναγνωρισμένος και βοήθησε να δοθεί παγκόσμια προσοχή στον ισπανικό εμφύλιο πόλεμο.
• Σύντομη περιγραφή: Η Γκερνίκα είναι μια μεγάλη ελαιογραφία του 1937 σε καμβά από τον Ισπανό καλλιτέχνη Πάμπλο Πικάσο. Πρόκειται για ένα από τα πιο γνωστά έργα του, που θεωρείται από πολλούς κριτικούς τέχνης ως ο πιο συγκινητικός και ισχυρός αντιπολεμικός πίνακας στην ιστορία.

Ο γκρίζος, μαύρος και λευκός πίνακας, ο οποίος έχει ύψος 3,49 μέτρα και πλάτος 7,76 μέτρα, απεικονίζει τον πόνο που προκαλεί η βία και το χάος. Σε περίοπτη θέση στη σύνθεση βρίσκονται ένα κατακρεουργημένο άλογο, ένας ταύρος, γυναίκες που ουρλιάζουν, ένα νεκρό μωρό, ένας διαμελισμένος στρατιώτης και φλόγες.

• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Εκτίθεται στο Μουσείο Reina Sofía στη Μαδρίτη.
• Πιθανή εκπαιδευτική αξιοποίηση: Είναι ενδιαφέρον να συγκρίνουμε αυτό το έργο τέχνης με τη σφαγή στην Κορέα. Μια εις βάθος ανάλυση στους κύριους χαρακτήρες, τα χρώματα και τη θεωρία των χρωμάτων θα μπορούσε να είναι μια καλή άσκηση.

Έργο Τέχνης #8 Serve and Protect, Gregory Ragland, 2013

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: Υπηρετώ και προστατεύω, καταδεικνύει τη νοηματική γλώσσα – να υπηρετώ. Τα ίδια χαριτωμένα χέρια που μας υπηρετούν είναι επίσης αρκετά δυνατά χέρια για να μας προστατεύουν και να μας φροντίζουν. Αυτό το χάλκινο γλυπτό ενισχύει τη μακροβιότητα της δύναμης και λειτουργεί ως ισχυρό σύμβολο της εμπιστοσύνης μας σε αυτά τα άτομα. Αυτό το ισχυρό και κομψό γλυπτό είναι μια σταθερή υπενθύμιση ότι οι μεγαλύτεροι από τη ζωή ήρωές μας θα είναι εκεί για να μας υπηρετούν και να μας προστατεύουν όλους.
• Σύντομη περιγραφή: Ο καλλιτέχνης του Park City, Greg Ragland, δημιούργησε ένα χάλκινο γλυπτό με τίτλο “Να υπηρετούμε και να προστατεύουμε”. Το γλυπτό απεικονίζει δύο χέρια δίπλα-δίπλα με τις παλάμες τους στραμμένες προς τα πάνω. Το έργο βρίσκεται στον κήπο της πλατείας και έχει σχεδιαστεί για να ενθαρρύνει το άγγιγμα και την αναρρίχηση.
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Το έργο βρίσκεται στο κτίριο δημόσιας ασφάλειας- 475 S 300 E- District 4
• Πιθανή εκπαιδευτική αξιοποίηση: Στο γλυπτό έργο του, ο Gregory Ragland δεν συμπεριέλαβε την κόκκινη μπογιά. Το πρωτότυπο δεν περιλαμβάνει τίποτα στο χέρι. Πότε εμφανίστηκε αυτή η κόκκινη μπογιά στο γλυπτό; Παρατηρήστε τις αλλαγές γύρω από αυτό το έργο τέχνης.

Έργο Τέχνης #9 Σφιχτή γροθιά, Έβερετ Σπρούιλ

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: Σύμβολο δύναμης, η σφιγμένη γροθιά είναι ένα σημαντικό σύμβολο του κινήματος. Το χρώμα της πρώτης υποδηλώνει επίσης με ποιο κίνημα σχετίζεται αρχικά..
• Σύντομη περιγραφή: Η πρωτότυπη χειροποίητη σεργιάνη του Αφρο-Αμερικανού καλλιτέχνη Έβερετ Σπρουίλ διαθέτει ένα πολύχρωμο αφηρημένο σχέδιο μιας μαύρης σφιγμένης γροθιάς που δημιουργήθηκε σε κυβιστικό μοτίβο. Μέσο: Μέσο: Μικτή τεχνική.
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Η τέχνη του Σπρούιλ έχει πωληθεί στο κέντρο Epcot της Disney.
• Πιθανή εκπαιδευτική εκμετάλλευση: Πειραματιστείτε χρησιμοποιώντας μικτά μέσα για να δημιουργήσετε το δικό σας σύμβολο της τέχνης της αντίστασης. Γιατί επιλέξατε το συγκεκριμένο σύμβολο;

Έργο Τέχνης #10 Γουίλι Μπέστερ, Πρώτο Κακό, 2015

• Η θέση του-σχέση με το θέμα: Ο Γουίλι Μπέστερ είναι ένας από τους πιο γνωστούς καλλιτέχνες της Νότιας Αφρικής, ο οποίος αρχικά ξεκίνησε ως καλλιτέχνης της αντίστασης. Ο Μπέστερ ζει σήμερα στο Κουιλσρίβιερ της Νότιας Αφρικής
• Σύντομη περιγραφή: Χρησιμοποιώντας υλικά που συναρμολογούνται από σκουπίδια, ο Bester δημιουργεί ανάγλυφες επιφάνειες και στη συνέχεια ζωγραφίζει την επιφάνεια με λαδομπογιά. Τα έργα του σχολιάζουν σημαντικές μαύρες νοτιοαφρικανικές προσωπικότητες και πτυχές σημαντικές για την κοινότητά του. Οι Νοτιοαφρικανοί αντιστασιακοί καλλιτέχνες δεν ασχολούνται αποκλειστικά με τη φυλή ούτε χρειάζεται να προέρχονται από τις κοινότητες.
• Τοποθεσία και ευρωπαϊκή διάσταση: Αυτός ο πίνακας βρίσκεται τώρα στην γκαλερί Melrose.
• Πιθανή εκπαιδευτική εκμετάλλευση: Η ατμόσφαιρα και το συναίσθημα που αναδύεται από το έργο τέχνης είναι πολύ ιδιαίτερο. Μπορεί να είναι ενδιαφέρον να το αναλύσετε συγκρίνοντας το με άλλα έργα τέχνης του για να δείτε πώς τα διαφορετικά υλικά, η τοποθέτησή τους και τα χρώματά τους μπορούν να κάνουν τόσο μεγάλη διαφορά..

Πρακτικές δραστηριότητες

Δραστηριότητα 1

Ένας πίνακας ζωγραφικής βασισμένος σε ένα ποίημα

Στόχοι

Να συνδέσει τους μαθητές με την προσωπική ιστορία του συγγραφέα για την εποχή του πολέμου και να τους επιτρέψει να εκφράσουν το όραμά τους σε ένα έργο

Υλικά

• Κινητό / υπολογιστής
• Σύνδεση στο διαδίκτυο
• Καμβάς
• Εργαλεία ζωγραφικής

Προπαρασκευαστικό στάδιο για εκπαιδευτικούς/διαμεσολαβητές. 

Δώστε στους εκπαιδευόμενους πληροφορίες σχετικά με το θέμα της τέχνης της αντίστασης και δείξτε τους μερικά παραδείγματα κατά τη διάρκεια των ημερών και των εποχών. Αυτό θα βοηθήσει τους μαθητές να κατανοήσουν ποια ήταν η ιδέα και το όραμα των καλλιτεχνών που δημιούργησαν το έργο κατά τη διάρκεια των ετών.

Ανάπτυξη

Ζητήστε από τους μαθητές σας να παρακολουθήσουν αυτό το βίντεο όπου η Rafeef Ziadah, μια Καναδο-Παλαιστίνια καλλιτέχνιδα του λόγου και ακτιβίστρια, μοιράζεται ένα ποίημα που έγραψε για τους βομβιστές στην Παλαιστίνη. Αφού ακούσουν αυτό το ποίημα – “Διδάσκουμε τη ζωή, κύριε”, ζητήστε τους να δημιουργήσουν το δικό τους έργο τέχνης που να αντανακλά το τοπίο που περιγράφει στο ποίημα.

Rafeef Ziadah – ‘We teach life, sir’, London, 12.11.11

Δραστηριότητα 2

Η τέχνη της αντίστασης, η ακτιβιστική τέχνη και η ποπ τέχνη

Στόχοι

Να ανακαλύψουν οι μαθητές περισσότερες λεπτομέρειες σχετικά με τα διαφορετικά στυλ τέχνης και πώς αυτά έχουν επηρεάσει το ένα το άλλο και είναι αλληλένδετα.

Υλικά

Πρόσβαση σε υπολογιστή με σύνδεση στο διαδίκτυο.  

Προπαρασκευαστικό στάδιο για εκπαιδευτικούς/διαμεσολαβητές. 

Ρίξτε μια ματιά στην ιστορία γύρω από τον καλλιτέχνη Κιθ Χάρινγκ.

Μπορείτε να χρησιμοποιήσετε τους ακόλουθους συνδέσμους:

Pop art politics: Activism of Keith Haring

Art Activism: Keith Haring — Art History Kids

Keith Haring: Activist and Artist

7 Reasons Why Keith Haring’s Legacy is Still Important

Ανάπτυξη

Οι μαθητές μπορούν να εξερευνήσουν περισσότερα για έναν καλλιτέχνη μέσα από αυτές τις ιστοσελίδες και στη συνέχεια να προβληματιστούν κριτικά για το αν ο Keith Haring ανήκει στα κινήματα της Pop Art ή της Αντιστασιακής Τέχνης. Γιατί; Μπορεί να ανήκει και στα δύο; Θα μπορούσε να έχει επηρεαστεί από την Αντιστασιακή Τέχνη και να έχει εφαρμόσει τις αρχές της Ποπ Τέχνης; Σε τι διαφέρει η τέχνη του από εκείνες των καλλιτεχνών του κινήματος της αντιστασιακής τέχνης;

Προαιρετικά: Προσπαθήστε να αναδημιουργήσετε ένα από τα έργα του pop art, χρησιμοποιώντας τη μέθοδο της “σφράγισης”. Καλή τύχη!