Corps humain

Dans ce dossier, nous aborderons le thème du corps humain dans le monde de l’art et son contexte en Europe. Nous examinerons 10 exemples de corps humain dans des œuvres d’art européennes et nous présenterons deux activités pédagogiques – l’une pour apprendre les principes du dessin gestuel, avec en prime une activité consistant à dessiner le corps humain en utilisant des techniques artistiques de l’une des périodes étudiées. L’autre sera une leçon et une réflexion sur le whitewashing (blanchiment culturel) de l’art en Europe.

Les objectifs du dossier sont :

Comparer et analyser le corps humain dans l’art européen à travers les siècles, en commençant par l’ère classique grecque (480-400 av. J.-C.). Nous aborderons également brièvement les périodes suivantes:
1. La période archaïque, 600–480 B.C
2. La période hellénistique, 323–150 B
3. La période médiévale, 300 CE à 1400 CE, y compris les trois grandes parties – paléochrétien, roman et gothique.
4. La Renaissance, 1400 à 1600 CE
5. Impressionnisme, fin du 19e siècle
6. Cubisme, début du 20e siècle
Identifier les éléments et thèmes clés du corps humain dans l’art
Résumer l’évolution et la signification du corps humain dans l’art
Dessiner le corps humain en utilisant des éléments significatifs certaine période artistique
S’informer et réfléchir sur le manque de diversité dans l’art en Europe en ce qui concerne la forme humaine et sur ce qui peut être fait pour y remédier.

Le contexte européen

Nous avons choisi le thème du corps humain pour ce dossier pour trois raisons principales:

Le rôle important que le corps humain a joué dans l’évolution de l’art et pour les artistes européens:

Les artistes en Europe ont toujours été fascinés par le corps humain. Même les plus anciens exemples d’art grec antique représentaient la forme humaine. On ne peut parler du corps humain dans l’art en Europe sans reconnaître l’influence des Grecs anciens. Les Grecs ont idéalisé le corps humain, le rapprochant de la perfection des dieux. Cet idéalisme a été très clairement transmis, et constitue même le moteur de nos canons de beauté contemporains. Le corps nu est également devenu une compétence essentielle à maîtriser pour les artistes, le dessin de la figure étant une base pour les études de tout artiste en devenir.

Comment le corps humain a façonné nos idéaux esthétiques

Lorsque nous étudions le corps humain tel qu’il est représenté dans l’art à travers l’histoire de l’Europe, nous comprenons la culture de nos ancêtres et nous nous comprenons donc mieux nous-mêmes. Nous pouvons également utiliser ces connaissances pour aider à combattre les stéréotypes négatifs associés aujourd’hui au corps imparfait, en prenant conscience de l’origine de cet idéalisme.

Comment le corps humain dans l’art est influencé par le racisme et comment il influence les inégalités dans la société

Le statu quo dans l’art européen, ce sont des artistes blancs (généralement des hommes) et des sujets blancs dans leurs œuvres. La réalité est bien loin de la vérité, car il y a eu de nombreux artistes de différentes ethnies au cours des siècles, mais l’art européen a été largement “whitewashed”.

*Métope en marbre (Sud XXXI) du Parthénon : un Centaure et un Lapithes s’affrontent comme deux lutteurs*. © The Trustees of the British Museum – Source

Le thème

Le corps humain joue un rôle essentiel dans notre compréhension de la sexualité, des races, de l’ethnicité, de la culture, du genre et de notre propre mortalité.

Sexualité et genre

Depuis le retour du nu féminin dans l’art occidental en 1486 avec La Naissance de Vénus de Sandro Botticelli, ce sont généralement des artistes masculins qui représentent des nus féminins, et généralement pour des spectateurs essentiellement masculins. Ces formes féminines étaient souvent idéalisées, et elles ne servaient pas seulement à des fins artistiques, mais aussi a créer des figures érotiques.

Birth of Venus — *Naissance de Vénus,* tempera on canvas painting by Sandro Botticelli 1485, The Uffizi. Source

Selon le critique d’art John Berger dans son manuscrit “Ways of Seeing”, l’art en Europe après la Renaissance représente souvent des figures nues de face, ce qui permet au protagoniste de rencontrer la figure sexualisé et d’être le spectateur.

C’est un contraste avec la façon dont les nus féminins étaient représentés dans la Grèce antique, où le nu masculin était prédominant. À l’époque, si une femme était dévêtue dans les œuvres d’art, une main recouvrait généralement ses parties génitales. La main qui recouvre les parties génitales a deux fonctions : elle fait semblant d’être pudique, mais elle sert aussi à attirer le regard sur l’endroit caché.

*Statuette en bronze d’Aphrodite*, statue en bronze, grecque, ca. 150–100 avant J.-C. © Domaine public. Source

Race et ethnicité

Les non-Occidentaux sont rarement représentés dans l’art populaire en Europe, et lorsqu’ils le sont, c’est avec des traits exagérés ou subordonnés au protagoniste blanc. Cela ne veut pas dire qu’il n’y avait pas d’artistes de couleur ou d’œuvres d’art présentant des personnes de couleur comme protagonistes. Cela signifie que les Blancs occupent une position privilégiée dans le monde de l’art européen, et ce depuis de nombreux siècles, et que ce sont eux qui décident des œuvres d’art qui seront considérées comme dignes d’être exposées.

*Olympia (grande plaque),* gravure sur papier couché bleu d’Edouard Manet, 1867 © Domaine public. Source

La mortalité

L’art de la Grèce antique idéalisait la forme humaine pour la rapprocher de celle des dieux. Cela suggère un désir d’être moins mortel, et plus immortel. Plus tard, à l’époque de l’art chrétien, le corps humain a été représenté dans des scènes religieuses, suggérant, si ce n’est un désir d’être immortel, un désir d’être vu comme digne de l’amour de Dieu, ce qui, en fin de compte, vous permet d’entrer au paradis, qui est en soi un type d’immortalité.

*La Vierge et l’Enfant,* Tempera sur bois de Simone Martini 1326 © Domaine public. Source

Autres considérations

Les gens ont toujours modifié leur corps, avec des piercings et des tatouages, des régimes alimentaires ou de l’exercice.
Les formes du corps humain ont été un moyen de déterminer le statut socio-économique de quelqu’un de diverses manières à travers les cultures.
Le corps humain dans l’art symbolise tout, de la religion à la politique, en passant par l’identité, le bien et le mal, le pieux et le pécheur, jusqu’aux normes plus évidentes de la beauté.

Contexte historique et géographique dans le pays, en Europe ou dans le monde entier: événements historiques de l’époque, frontières géographiques, mouvements de personnes et toute autre information contextuelle pertinente.

Grèce antique

Période archaïque 600-480 avant J.-C.

La forme humaine dans l’art occidental contemporain trouve de nombreuses racines dans la Grèce antique. Au 6e siècle avant J.-C., la représentation du corps humain dans l’art est devenue un point central, les nouvelles techniques permettant aux artistes de représenter le corps de manière plus réaliste.

Le VIe siècle marque le début de la période archaïque de l’art grec, qui a duré de 600 à 480 av. C’est une période d’évolution constante de la technique, avec des représentations plus naturalistes du corps humain. Les Grecs considéraient le corps comme l’expression de l’être intérieur, directement relié à l’esprit. Ainsi, représenter la figure humaine de manière parfaite signifiait que l’être humain représenté avait également un esprit parfait. Au début de la période archaïque, on constate encore une influence directe de l’art égyptien.

Seuls les hommes grecs étaient représentés nus, ce qui reflète la façon dont ils étaient présentés dans la société. Il n’existe aujourd’hui que quelques sculptures de femmes de cette période, et toutes montrent des femmes entièrement vêtues, regardant directement le spectateur. Les sculptures humaines de la période archaïque arborent également le sourire archaïque, quelle que soit l’activité à laquelle elles se livrent.

*Statue en calcaire d’un homme barbu avec des offrandes votives*, sculpture en calcaire, Chypre, 475–450 avant J.-C. © Domaine public. – Source

Période classique 480-400 avant J.-C.

Au cours de la période classique, les sculptures d’êtres humains deviennent indépendantes. Ils ne regardent plus directement le spectateur, mais regardent au loin, comme s’ils réfléchissaient. Les figures cessent d’être aussi rigides et acquièrent au contraire un sens du poids et de la fluidité. C’est alors que nous voyons l’introduction du contrapposto, lorsque la figure est debout au repos, le poids du corps étant déplacé sur une jambe. Les Grecs utilisaient également les proportions pour créer des figures idéalisées, en biaisant les tailles de certaines parties du corps pour montrer des proportions idéales. Le sourire archaïque disparaît également, et les sculptures prennent des expressions plus nobles et sérieuses, une approche plus franche au lieu de sourire directement à la « caméra ».

Lanceur de diskos en bronze, statue en bronze, grecque, 480– 480–460 avant J.-C. © Domaine public. Source

Période Hellénistique 323–150 avant J.-C.

Il y a eu une sorte de révolution culturelle après la mort d’Alexandre le Grand. Les villes se sont développées et ont exigé plus d’art et de meilleure qualité. L’art hellénistique émerge, débordant d’émotion, de violence, de sensualité. Les sculptures hellénistiques décrivent ce qu’elles voient. Les figures divines de la période classique n’existent plus, les sculptures sont montrées avec leurs imperfections.

La Gaule mourante (c. 230-220 avant J.-C.) par Epigonus; Musées du Capitole, BCE Capitoline Museums, Rome. Creative Commons Attribution 2.0 Generic licence. Auteur: Antmoose

Les sculptures hellénistiques sont très détaillées et utilisent les éléments suivants:

Forme : Les muscles sous la peau sont très détaillés, tout comme les expressions du visage, ce qui donne des émotions faciles à lire. Les cheveux prennent également plus de volume et de poids, alors qu’auparavant, peu d’attention leur était consacrée et ils étaient plat
Composition : Les stances rigides sont remplacées par des poses de tous les jours, avec des courbes en S et C.
Texture et motif : Des cheveux détaillés permettent d’obtenir une texture raffinée. Ces sculptures auraient aussi été peintes avec beaucoup de détails.

Art médiéval 5ème-14ème siècle

L’art médiéval en Europe a été dominé par la montée du christianisme et a vu la disparition presque totale de la nudité dans l’art. Les seules personnes nues dans l’art étaient Adam et Eve, qui servaient de symbole du péché originel. En outre, à cette époque, le corps humain n’était pas directement lié au monde réel et n’était donc pas très réaliste.

Début de l’ère Christine 5ème-7ème siècles

L’Église catholique gagnait en influence et, en l’an 350 après Jésus-Christ, elle avait deux centres de pouvoir principaux, Rome et Constantinople. L’art était utilisé pour la décoration et l’appréciation publique. Il était également utilisé dans les lieux de culte. L’art de cette période avait ses racines dans le style romain classique, qui était basé sur le style grec classique, mais était plus abstrait et simplifié. Le but de la représentation de la figure humaine était la beauté spirituelle plutôt que physique. Les visages avaient de grands yeux fixes, appelés les « fenêtres de l’âme ».

*SS.Sergius et Bacchus*, 6-7 c, musée de Kiev – Source

L’art roman 11e-12e siècle

La période romane, qui s’étend de la seconde moitié du 11e siècle au 12e siècle, est le premier style d’art international. Grâce à la multiplication des voyages, il a traversé la Méditerranée et atteint la Scandinavie. Les formes humaines sont devenues plus expressives à l’époque romane qu’à l’époque paléochrétienne. Les figures étaient souvent allongées, l’accent était mis sur les détails linéaires et décoratifs comme les plis des vêtements et les cheveux, mais elles manquaient de réalisme. La figure humaine était souvent sculptée et représentée dans des reliefs architecturaux, surtout aux 11e et 12e siècles. La plupart des sculptures d’humains étaient picturales et bibliques.

Vierge intronisée, 1175–1200, Sculpture en bois © Domaine public – Source

Gothique 12e-16e siècles

À l’époque gothique, la figure humaine est représentée de manière plus naturelle, avec un aspect plus vivant, par rapport à l’époque romane. Les figures gothiques ultérieures sont beaucoup plus réalistes, avec des expressions naturelles sur le visage et un soin particulier apporté à la représentation des plis des vêtements.

Renaissance 14e-17e siècles

La Renaissance a mis l’accent sur le corps humain, d’une manière bien différente de celle de la période médiévale. Alors que le corps était représenté de manière abstraite et bidimensionnelle, ce qui avait pour effet de rendre la figure moins connectée à son être humain, les artistes de la Renaissance ont puisé leur inspiration dans les sculptures grecques et romaines antiques, plus réalistes. Ils sont revenus aux ratios mathématiques dont parlaient les auteurs romains Pline et Vitruve, comme vous pouvez le voir dans L’Homme de Vitruve de De Vinci.

*Homme de Vitruve,* Léonard de Vinci, 1492, encre, aquarelle et pointe de métal sur papier. – Source

Outre les représentations classiques de la forme humaine, les artistes de la Renaissance sont devenus des experts en anatomie afin de rendre leurs représentations de la figure humaine encore plus réalistes. Ces artistes en savaient beaucoup plus sur l’anatomie que des étudiants en anatomie à l’université.

De Vinci et Michelangelo étaient tous deux connus pour leurs dissections anatomiques détaillées, établissant une nouvelle norme en matière de représentation du corps humain.

*De humani corporis fabrica (De la structure du corps humain)* 1555, Andreas Vesalius, Gravure sur bois. – Source

Le néoclassicisme 1750-1850

Les artistes de la période néoclassique se sont également inspirés de la Rome antique, en particulier lorsqu’il s’agissait de représenter des tissus drapés sur la figure humaine. Cette période est considérée comme un renouveau de l’art grec et romain et est étroitement liée au siècle des Lumières, qui s’est déroulé du 17e siècle au 19e siècle. Cette période est fondée sur la pensée philosophique, avec la raison comme force motrice de la morale. Elle est également influencée par la révolution scientifique, qui se développe à la fin de la Renaissance, et l’un des thèmes de cette période est l’anatomie, qui occupe une place importante dans l’art.

*Antoine Laurent Lavoisier (1743–1794) et Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Paulze, 1758–1836)* 1788. Jacques Louis David F. © Domaine public. – Source

Dans l’art néoclassique, les personnages sont représentés avec une « noble simplicité » inspirée de la « grandeur tranquille » de la sculpture grecque antique. La sculpture néoclassique présentait des personnages grandeur nature et des portraits-bustes (comme ceux de Jean-Antoine Houdon, 1741-1828). Les sculptures représentaient souvent leur sujet avec beaucoup de réalisme, on parlait alors de « vérisme » ou, plus banalement, de « vérité ». Ce terme était également utilisé dans la sculpture romaine et signifiait que l’artiste devait inclure toutes les imperfections du corps, y compris les boutons et les rides.

*Denis Diderot* (1713–1784) 1773 Jean Antoine Houdon. © Domaine public. Source

Impressionnisme fin du 19e siècle

Des artistes comme Edouard Manet commencent à s’affranchir des limites du dessin du nu classique pour dessiner des nus réels, avec des effets anatomiques et des disproportions que seul un modèle vivant peut avoir. C’est le début de l’impressionnisme, qui influencera la création artistique à partir du 20e siècle. Des artistes comme Renoir et Degas ont conservé la ressemblance anatomique du modèle vivant, et ont dessiné le nu dans une composition, lui donnant le même poids que le décor environnant.

*Olympia*, Edouard Manet, Musée d’Orsay, Paris, 1863. Huile sur toile.- Source

Cubisme début du 20e siècle

Les artistes cubistes ont tourné le dos aux représentations tridimensionnelles de la forme humaine, et ont plutôt aplati et fragmenté le corps humain en formes géométriques à l’aspect bidimensionnel. Picasso et Braque mènent le mouvement, avec de multiples points de perspective, des couleurs monochromes et des techniques mixtes.

Le contexte artistique

Le corps humain a toujours été une source d’inspiration majeure pour les artistes, quels que soient la géographie, la religion, la culture et le niveau socio-économique.

Le corps humain a représenté la beauté, le sexe, il a suscité de grandes controverses, il a été interdit. La plus ancienne peinture rupestre représente une figure humaine, ce qui montre que même les premiers humains étaient fascinés par leur propre corps et voulaient le représenter artistiquement.

En Grèce, le corps humain était idéalisé en tant qu’athlète ; dans le christianisme, le corps représentait la souffrance et la piété ; pendant une grande partie de l’islam, il était mal vu.

En conclusion, lorsque nous considérons le corps humain dans l’histoire de l’art, nous soulevons des questions sur l’identité culturelle, sexuelle, socio-économique et ethnique.

Le contexte social et politique : les artistes sont influencés par l’organisation politique, l’organisation sociale, les grands enjeux de l’époque dans laquelle ils créent. D’autre part, l’art influence le public ; il peut évoquer des émotions ou des états d’âme particuliers, pour une enquête sociale et un changement politique, pour questionner et critiquer la société, ou comme moyen de propagande ou de publicité pour influencer les conceptions populaires.

L’art, tout comme la religion et le gouvernement, détermine la façon dont nous agissons en tant que société ; et très souvent, l’art, la religion et le gouvernement interagissent et même se chevauchent. Voici quelques questions importantes à poser concernant l’art et son contexte social et politique :

Comment l’art affecte-t-il notre façon de vivre ?
Comment l’art change-t-il la façon dont nous nous percevons ?
Comment l’art change-t-il nos sentiments à l’égard de la religion et de la politique ?
L’art peut-il vraiment être utilisé comme un outil pour gouverner ?
Des gouvernements ou des religions ont-ils déjà utilisé des représentations du corps humain dans l’art pour façonner leurs administrés à travers leur regard ? Et quelles sont/pourraient être les implications?

Approche pédagogique

Pourquoi ce thème est-il pertinent pour des apprenants adultes ?

Les apprenants exploreront comment la représentation du corps humain à travers l’art a eu un impact sur la société, la politique et l’image de soi tout au long de la civilisation humaine. En comprenant la signification de ces œuvres, les apprenants verront la société sous un angle différent et en apprendront davantage sur les raisons pour lesquelles nous sommes qui nous sommes, pourquoi nous pensons comme nous le faisons et pourquoi nous considérons certains corps comme plus beaux que d’autres.

Quels sont les résultats pédagogiques de la combinaison du thème culturel/artistique avec une activité éducative?

Le corps humain est l’un des modèles les plus classiques pour les artistes. Il y a beaucoup à apprendre en voyant le corps humain représenté dans l’art (y compris le contexte sociétal, la signification politique et les normes de beauté) et les apprenants découvriront un large éventail de techniques et de compétences en apprenant à dessiner le corps humain. Les résultats d’apprentissage sont donc les suivants:

Analyse des raisons pour lesquelles nous considérons que certains corps sont plus beaux que d’autres;
Connaissance des différentes façons dont le corps dans l’art a été utilisé comme propagande, par les instances dirigeantes et comment il a changé la société;
Connaissance anatomique du corps humain et des techniques de dessin;
Comment reconnaître les traces de préjugés, des groupes marginalisés et du racisme à travers des œuvres d’art.

Comment s’y prendre : stratégies, outils et techniques

Les apprenants étudieront l’histoire de certaines œuvres d’art représentant le corps humain à travers les âges, et créeront également leurs propres représentations du corps humain.

Œuvres d’art

Œuvre d’art #1 La naissance de Vénus, Botticelli, 1480 (Renaissance)

Rapport au thème: Se rapporte à l’idéal de beauté féminine de l’époque. Sa représentation en tant que nu est significative en soi, car pendant l’histoire de la Renaissance, presque toutes les œuvres d’art avaient un thème chrétien et les femmes nues étaient à peine représentées.
Brève description: Signification directe – La déesse de l’amour et de la beauté arrive sur terre debout sur un coquillage géant. Elle est aidée par les vents et est entourée de fleurs, un rappel du printemps.
L’auteur: Son nom complet était Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi. Il est né en Italie en 1445 et est connu sous le nom de Sandro Botticelli. Il était un peintre du début de la Renaissance.
Localisation et dimension européenne: Peint par Botticelli pour la famille Médicis au XVe siècle, aujourd’hui situé dans la galerie des Offices.
Parlez de l’évolution de la beauté au fil des années. Comparer le style de peinture de Botticelli avec celui de ses contemporains.

Œuvre d’art #2 La leçon d’anatomie du Dr Nicolaes Tulp, Rembrandt, 1632 (peinture baroque)

Rapport au thème : Plutôt que d’apprécier le corps pour sa beauté, il s’agit d’un corps dans un contexte scientifique, peut-être même caricatural.
Brève description : Nicolaes Tulp explique la musculature du bras à des médecins.
L’auteur : Rembrandt Harmenszoon van Rijn, connu sous le nom de Rembrandt, est un peintre néerlandais né en 1606, considéré comme l’un des plus grands artistes visuels de l’histoire.
Localisation et dimension européenne : Peint par Rembrandt en 1632, aujourd’hui au musée Mauitshuis de La Hague.
Exploitation pédagogique possible : Apprendre le style de peinture baroque et les techniques de dessin pour l’anatomie.

Œuvre d’art #3 Le baigneur de Valpinçon, Jean-Auguste-Dominique Ingres 1808 (néoclassicisme)

Rapport au thème : Le tableau représente une femme nue de dos.
Brève description : Tableau néoclassique français représentant une » baigneuse « , assise sur un lit, dos au spectateur.
L’auteur : L’artiste est Jean-Auguste-Dominique Ingres, un peintre néoclassique français né en 1780.
Localisation et dimension européenne: Le Louvre, Paris
Exploitation pédagogique possible: Certains thèmes sociaux pourront être étudiés, comme le fait que l’on ne voit ni le visage de la femme, ni le devant de son corps. Nous pouvons également voir la preuve d’un » aérographe » néoclassique ou l’effacement de toute imperfection de son corps. Le tableau peut également être utilisé pour discuter de l’utilisation de la lumière et de la manière dont l’artiste a réussi à donner l’impression que le modèle était en apesanteur, ainsi que d’autres techniques de peinture.

Œuvre d’art #4 Olympia, Edouard Manet, 1863 (Impressionnisme)

Rapport au thème : Ce tableau traite non seulement de la sexualité féminine, mais plus encore, il représente le corps d’une femme noire d’une manière qui subvertit le statu quo de l’époque.
Description : Une servante noire nommée Laure porte des vêtements français contemporains et conseille la prostituée Olympia qui dévisage directement le spectateur.
Le peintre, Édouard Manet, est né en France en 1832 et fut l’un des premiers peintres modernistes du XIXe siècle à illustrer la vie moderne.
Localisation et dimension européenne : Musée d’Orsay Paris
Exploitation pédagogique possible : Ce tableau permettra aux élèves de s’informer sur la représentation des femmes noires en Europe ainsi que sur la représentation des prostituées.

Œuvre d’art #5 Tête de squelette avec une cigarette allumée, Van Gogh, 1886 (Postimpressionnisme)

Rapport au thème: On voit ici le corps humain sans chair et avec un aspect humoristique.
Brève description : Étude anatomique d’un squelette fumant une cigarette.
L’auteur : Vincent van Gogh est un peintre post-impressionniste néerlandais né en 1853 qui, après sa mort, est devenu un artiste extrêmement influent dans l’art occidental.
Localisation et dimension européenne : Peint par Van Gogh en 1886, actuellement au musée Van Gogh à Amsterdam.
Exploitation pédagogique possible : Étudier l’anatomie, et discuter si c’est de l’art ou juste de la puérilité.

Œuvre d’art #6 Métope en marbre du Parthénon (métope sud XXXI).

Rapport au thème : Cet ensemble de plaques sculptées représente et décrit différentes scènes de combats célèbres dans l’histoire et la mythologie grecques. Elles sont pertinentes pour leur représentation de tous les corps suivant les canons idéaux de l’époque.
Brève description : Il s’agit de l’une des 92 métopes en marbre que vous pouvez voir sur le Parthénon où beaucoup représentent une célèbre bataille entre les Centaures, des créatures mythologiques, et les Lapithes, une tribu mythique de l’histoire grecque. Bien que certaines aient été presque entièrement détruites au fil des ans, certaines silhouettes et figures sont conservées et ont été reconstituées. De chaque côté du Parthénon, la métope représente un combat important différent. Dans celle-ci (Mérope sud XXXI), on peut voir un Centaure à gauche et un Lapith à droite se battre.
L’auteur : Phéidias, en grec « Φειδίας” était le maitre de tous les artistes qui ont participé à ces sculptures. Il était un sculpteur d’Athènes et est considéré comme l’un des plus célèbres sculpteurs de la Grèce antique. Il a principalement travaillé à Athènes, dans les sculptures du Parthénon, mais il est également connu pour sa sculpture de Zeus en or et en ivoire, l’une des sept merveilles du monde antique.
Localisation et dimension européenne : Cette pièce de la métope se trouve au British Museum ; elle a été acquise en 1816 et elle n’a jamais retrouvé son cadre d’origine.
Exploitation pédagogique possible : Vous pouvez discuter du problème avec l’art appartenant à un pays qui est restauré et conservé dans un autre, un sujet sur lequel de nombreux pays se disputent. Vous pouvez également demander aux élèves de faire quelques recherches sur les créatures mythologiques, comme les centaures, et sur la façon dont elles ont été représentées comme partiellement humaines au fil du temps; dans quelle mesure elles ressemblent à des corps humains et si cela a été représenté différemment selon les civilisations.

Œuvre d’art #7 L’homme de Vitruve, Léonard De Vinci, 1490 (Renaissance)

Rapport au thème : Ce dessin est lié à une vision d’un corps humain proportionné et à l’importance de l’équilibre et de l’harmonie.
Brève description : Ce dessin, de Léonard de Vinci, dépeint son idée du corps humain parfait, proportionné, et comporte ses notes et inscriptions au-dessus et au-dessous du dessin. La description appartient à Vitruve, architecte, ingénieur romain et auteur du « De architectura », du 1er siècle avant J.-C., connu pour son idée de « firmitas, utilitas et venustas (« force », « utilité » et « beauté ») », les trois caractéristiques que tous les bâtiments devraient avoir. On dit que Léonard n’a pas seulement pris les mesures et les proportions de l’œuvre de Vitruve, mais qu’il a aussi mesuré lui-même de nombreux modèles. Bien que ces mesures aient été considérées comme le corps idéal pendant de nombreuses années, elles ont été remises en question dernièrement.
L’auteur : Léonard de Vinci, né en Italie en 1452 et connu non seulement pour ses peintures et ses dessins mais aussi pour ses connaissances, ses carnets et ses notes sur l’anatomie, l’astronomie, la botanique et la cartographie entre autres.
Localisation et dimension européenne : On le trouve actuellement à la Gallerie dell’Accademia, à Venise, en Italie, et il a eu une grande importance dans le monde de l’art pour la façon dont il mêle les mathématiques, la géographie, l’art, le corps humain et, dans une certaine mesure, la nature.
Exploitation pédagogique possible : Vous pouvez faire une activité de groupe en mesurant plusieurs personnes du groupe et en les dessinant en suivant ce style. Ensuite, vous pouvez comparer tous les dessins et avoir un petit débat sur les canons, les normes et les proportions du corps humain.

Œuvre d’art #8 Panneau de l’homme blessé (art rupestre)

© André M. Winter, www.voyage-hors-saison.fr

Rapport au thème : C’est une œuvre importante car, à cette époque, les peintures représentaient principalement de grands animaux et aucune figure humaine. Aussi, en raison de la forte relation avec les pratiques chamaniques et avec les organes sexuels du corps humain.
Brève description : Cet oeuvre remonte au paléolithique. Elle a entre 17 000 et 16 000 ans. La peinture est située dans une partie distincte d’une grotte appelée Le puits, qui était probablement un endroit spécial ou caché dans les grottes sacrées de Lascaux. Les principales représentations de cette peinture sont un homme blessé, un buffle blessé et un rhinocéros. La partie la plus importante montre un homme avec une tête d’oiseau et un bison. Le seul homme de la scène est allongé, blessé par l’animal à côté de lui. Certains pensent qu’il pourrait s’agir d’un chasseur tandis que d’autres pensent qu’il pourrait s’agir d’un chaman pour tous les éléments chamaniques et totémiques. Il porte un masque d’oiseau, ses mains rappellent des pattes d’oiseau et son phallus, en érection, est dirigé vers le taureau percé.
Localisation et dimension européenne : Cette peinture murale est située dans un ensemble de grottes appelé Lascaux, près du village de Montignac, dans le sud-ouest de la France. Il y a plus de 600 peintures sur les murs et les plafonds de la grotte.
L’auteur : Il est inconnu.
Exploitation pédagogique possible : Lorsque vous abordez l’art rupestre, vous pouvez parler de la façon dont les rôles des hommes et des femmes étaient représentés à cette époque ; comment la nudité était la règle générale et faire quelques recherches sur l’évolution de l’art rupestre sur des milliers d’années. Par exemple, comment, au début, seules des scènes d’animaux étaient peintes et comment, par la suite, les scènes de personnes étaient plus courantes. Vous pouvez également analyser les techniques utilisées pour différencier les corps masculins et féminins.

Œuvre d’art #9, Nu couché, Modigliani, 1917 (Expressionnisme)

Rapport au thème : Peinture de Modigliani, qui a souvent peint des nus féminins sensuels, empathiques et émotionnels.
Brève description : Cette peinture montre le corps entier (tourné vers le spectateur) d’une femme nue allongée sur un lit, soutenue par un coussin. Elle regarde par-dessus son épaule avec un regard confiant et des lèvres rouge vif.
L’auteur : Amedeo Modigliani est un peintre juif italien né en 1884 qui a travaillé en France pendant la majeure partie de sa carrière.
Lieu et dimension européenne : Peinte par Modigliani à Paris, l’œuvre fait partie de la collection du Metropolitan Museum of Art (MoMA), New York City, NY, États-Unis.
Exploitation pédagogique possible : Parlez de la controverse entourant les nus à l’époque (la première exposition personnelle de Modigliani aurait été fermée à cause de ses nus). Discutez du fait que sa technique semble quelque peu enfantine, mais pourquoi est-elle si bonne ? Découvrez le génie torturé qu’était Modigliani. Une certaine dose de douleur est-elle nécessaire pour créer un art de qualité ?

Activités pratiques

Activité 1 – Art et patrimoine culturel – Le whitewashing de l’art en Europe

Objectifs – Parler du racisme d’aujourd’hui et de la façon dont il se reflète dans l’art en Europe. Discuter du manque de personnes de couleur et noires représentées dans l’art européen et à travers l’histoire.
Matériel – Un ordinateur, ou une tablette par élève ou par groupe d’élèves.
Phase de préparation – Ecoutez ce podcast intitulé “Représenter les noir.es : Le regard blanc”, et lire l’interview sur Art Press de Naïl Ver-Ndoye et Grégoire Fauconnier, auteurs de “Noir, entre peinture et histoire”. Ensuite, parcourez l’article “L’image des noirs dans l’art occidental” (en deux parties) sur Paragone, et chosissez 5-6 œuvres à présenter et projeter sur le tableau à la classe.
Développement – Étape 1 : l’enseignant affichera à l’écran quelques images de manière comparative pour évoquer la question du racisme dans l’art. L’enseignant posera quelques questions pour susciter des discussions et débats entre les élèves. Les élèves parleront de leurs expériences de la diversité raciale et ethnique dans l’art. Étape 2 : Les élèves effectueront une recherche sur Internet (individuellement ou en groupe) et devront préparer une courte présentation de ce problème en incluant des exemples nationaux et si possible locaux. Ensuite, ils devront essayer de trouver des musées qui font l’effort d’exposer des œuvres d’art présentant une grande diversité.
Documents ou fiches pratiques – Si les élèves ont un niveau suffisant pour le faire, donnez-leur un article qui présente des exemples de whitewashing comme : “Le whitewashing au cinema” de Media Animation. Ensuite, demandez aux élèves de trouver d’autres exemples.

Activité 2 – Dessiner le corps humain

Objectifs – apprendre/pratiquer les techniques de dessin gestuel
Matériaux – fusain, papier, objets, camarades de classe comme modèles.
Étape préparatoire pour les éducateurs/médiateurs – enseigner aux élèves les principes fondamentaux du dessin gestuel. Apprenez aux élèves à travailler avec du charbon de bois. S’entraîner à dessiner des natures mortes.
Étape préparatoire – Les enseignants regardent ces vidéos https://www.youtube.com/watch?v=6Cr2pRPZJ-o // https://www.youtube.com/watch?v=ZH0waYaiyL4 pour apprendre les bases du dessin gestuel (ils n’ont pas besoin d’être des experts en la matière, les enseignants laisseront seulement les élèves expérimenter la technique).
Développement – Étape 1 : les enseignants initient les élèves au dessin gestuel (ils peuvent utiliser la présentation ou les vidéos d’accompagnement pour ce faire). Étape 2 : les élèves vont modeler à tour de rôle pendant des intervalles de 5 secondes pendant que leurs compagnons réalisent des dessins de figures au fusain. Étape 3 : les élèves prendront ensuite 2 minutes pour réaliser des dessins gestuels de leurs compagnons. Étape 4. Les élèves feront circuler leurs dessins et discuteront des difficultés du dessin gestuel et auront un bref débat sur la manière dont cela est lié aux canons de beauté de chaque époque.
Documents à distribuer ou fiches pratiques – Cet article sur ‘comment dessiner le geste”
Activité finale – Chaque élève doit choisir une technique d’une des périodes de l’art en Europe et dessiner la forme humaine de cette manière. Par exemples, l’art grec classique, l’art chrétien, etc.

Références

Web

Livre

Johan Joachim Winckelmann in his publication “Thoughts on the Iimitations of Greek Works in Painting and Sculpture” (1750)