Човешкото тяло

В това досие ще разгледаме темата за човешкото тяло в света на изкуството и неговия контекст в Европа. Ще разгледаме 10 примера за човешкото тяло в европейските произведения на изкуството и ще представим две образователни дейности – едната, за да научим принципите на жестовото рисуване, с допълнителнен плюс от това да покажем дейността по рисуване на човешкото тяло, използвайки художествени техники от един от изследваните периоди. Другата дейност ще бъде урок и размисъл върху културното избледняване на изкуството в Европа.:

Целите на настоящото досие са:

Сравнение и анализ на човешкото тяло в европейското изкуство през вековете, започвайки от класическата гръцка епоха (480-400 г. пр. Н. Е.). Ще обсъдим накратко и следните периоди:
1. Архаичният период, 600-480 г. пр.н.е.
2. Елинистическият период, 323–150 г.
3. Средновековният период, от 300 г. до 1400 г., включително трите основни части – раннохристиянска, римска и готическа.
4. Ренесансът, 1400 до 1600 г.
5. Импресионизъм, края на 19 век
6. Кубизъм, началото на 20 век
Определяне на ключовите елементи и теми на човешкото тяло в изкуството
Обобщение на еволюцията и значението на човешкото тяло в изкуството
Рисуване на човешкото тяло, използвайки значими елементи от определен художествен период
Да се информираме и помислим върху липсата на разнообразие в изкуството в Европа по отношение на човешката форма и върху това, какво може да се направи, за да се подобри това.

Европейският контекст

Избрахме темата за човешкото тяло за това досие поради три основни причини:

Важната роля, която човешкото тяло е изиграло в еволюцията на изкуството и за европейските художници:

Художниците в Европа винаги са били очаровани от човешкото тяло. Дори най -ранните примери за древногръцко изкуство изобразяват човешката форма. Не може да се говори за човешкото тяло в изкуството в Европа, без да се признае влиянието на древните гърци. Гърците идеализират човешкото тяло, приближавайки го до съвършенството на боговете. Този идеализъм е предаден много ясно и дори представлява двигателят на нашите съвременни канони за красота. Голото тяло също се превърна в съществено умение, което трябва да бъде овладяно от страна на художниците, като рисунката на фигура е в основата на изучаването на всеки амбициозен художник.

Как човешкото тяло формира нашите естетически идеали

Когато изучаваме човешкото тяло, представено в изкуството през цялата европейска история, ние разбираме културата на нашите предци и следователно разбираме себе си по -добре. Можем също да използваме тези знания, за да помогнем в борбата с негативните стереотипи, свързани с несъвършеното тяло днес, като осъзнаем произхода на този идеализъм.

Как човешкото тяло в изкуството е повлияно от расизма и как то влияе върху неравенствата в обществото

Статуквото в европейското изкуство са бели художници (обикновено мъже) и бели субекти в техните произведения. Реалността е далеч от истината, тъй като през вековете е имало много художници от различни етноси, но европейското изкуство е до голяма степен „избелено“.

*Mетоп от* М*рамори (*Юг *XXXI) от* *Партенона, изобразяваща част от битката между кентаврите и лапитите*:. © Британски музей – Източник

Темата

Човешкото тяло играе важна роля в нашето разбиране за сексуалността, расата, етническата принадлежност, културата, пола и нашата собствена смъртност.

Женската голота

След завръщането на женската гола в западното изкуство през 1486 г. с „Раждането на Венера“ от Сандро Ботичели, обикновено художници от мъжки пол представят женските голи форми, като те най – вече са адресирани главно към публика от мъжки пол. Тези женски форми често са били идеализирани и са били използвани не само за художествени цели, но и за създаване на еротични фигури.

Birth of Venus — *Раждането на Венера*, *живопис, с темперни бои върху платно*, к*артина на италиански художник Сандро Ботичели* 1485, Уфици. Източник

Според изкуствоведът Джон Бергер в неговия ръкопис „Начини за виждане“, изкуството в Европа след Ренасанса, често изобразява голи фигури от цялото лице, което позволява на главния герой да се срещне със сексуализираната фигура и да бъде зрителя.

Това е в контраст на това как женските голи тела са изобразявани в древна Гърция, и където преобладаваща е мъжката голота. Тогава, ако една жена е била съблечена в произведения на изкуството, ръката й обикновено покрива гениталиите й. Ръката, която покрива гениталиите, има две функции: тя се приема като проява на скромност, но също така служи за привличане на окото към скритото място.

*Статуетка от бронз на Афродита*, бронзова статуя, гърцка. 150–100 Пр.Н.Е © Публичен домейн. Източник

Раса и етническа принадлежност

Хората , които не са от Западните държави, рядко са представени в широко разпространеното изкуство в Европа, а когато са, то е с обертонове или подчинени на белия герой. Това не означава, че не е имало художници или произведения на изкуството, представящи цветнокожи като главни герои. Това означава, че белите са заемали привилегировано положение в европейския свят на изкуството и са го правили в продължение на много векове, и че именно те решават кои произведения на изкуството да се считат достойни за показване.

*Oлимпия*, Масло върху платно 1867, Едуард Мане © Публичен домейн. Източник

Смъртността

Изкуството на древна Гърция идеализира човешката форма, за да я доближи до тази на боговете. Това предполага желание да бъдеш по -малко смъртен и по -безсмъртен. По -късно, в дните на християнското изкуство, човешкото тяло е изобразявано в религиозни сцени, което предполага, ако не желание да бъде безсмъртно, то желанието да бъде възприемано като достойно за любов от Бога, което в крайна сметка би позволило да се влезе в Рая, което само по себе си е вид безсмъртие.

*Мадона с Младенеца*, темпера върху дърво Симоне Мартини 1326 © Публичен домейн. Източник

Други съображения

Хората винаги са променяли тялото си, с пиърсинг и татуировки, диета или упражнения.
Формите на човешкото тяло са били средство за определяне на нечий социално-икономически статус по различни начини в различните култури.
Човешкото тяло в изкуството символизира всичко – от религията и политиката, идентичността, доброто и злото, от благочестивите до грешниците,както и до по -очевидните стандарти за красота.

Исторически и географски контекст в страната, в Европа или в целия свят: исторически събития от конкретно време, географски граници, движения на хора и всякаква друга подходяща контекстуална информация.

Антична Гърция

Архаичен период 600-480 г. пр.н.е.

Човешката форма в съвременното западно изкуство намира много от своите корени в древна Гърция. През VI в. Пр. Н. Е. представянето на човешкото тяло в изкуството заема основно място, като новите техники позволяват на художниците да представят тялото по един по-реалистичен начин.

VI век бележи началото на архаичния период на гръцкото изкуство, който продължава от 600 до 480 г. пр. Н. Е. Това е период на постоянна еволюция на техниката, с по-натуралистични представи за човешкото тяло. Гърците смятали тялото за израз на вътрешното ни същество, пряко свързано с духа. По този начин, да представиш човешката фигура по перфектен начин означава, че представеното човешко същество също има съвършен дух. В началото на архаичния период все още можем да видим прякото влияние на египетското изкуство.

Само гръцките мъже са изобразявани голи, което отразява начина, по който са представени в обществото. Днес има само няколко женски скулптури от този период и всички те показват напълно облечени жени, гледащи директно към зрителя. Човешките скулптури от архаичния период също носят архаичната усмивка, независимо от дейността, с която се се занимавали представените лица от скулптурите.

*Варовикова статуя на брадат мъж с оброчни приношения, варовикова скулптура, Кипър, 475–450 г. пр. Н. Е*. © Публичен домейн. – Източник

Класически период 480-400 г. пр.н.е.

През класическия период скулптурите на човешки същества стават независими. Те вече не гледат директно към зрителя, а гледат в далечината, сякаш мислят. Фигурите престават да бъдат толкова твърди и вместо това придобиват усещане за тежест и плавност. Тогава виждаме въвеждането на контрапосто, когато фигурата стои в покой, тежестта на тялото се премества върху единия крак. Гърците също използвали пропорции за създаване на идеализирани фигури, изкривявайки размерите на определени части от тялото, за да покажат идеални пропорции. Изчезва и архаичната усмивка, а скулптурите придобиват по -благородни и сериозни изражения, с подход към по-откровен вид, вместо да се усмихват директно на „камерата“.

Бронзов дискохвъргач, бронзова статуя, гръцка, 480–460 г. пр. Н. Е. © Публичен домейн.Източник

Елинистически период 323–150 г. пр.н.е.

След смъртта на Александър Велики се забелязва културна революция. Градовете растат и изискват едно все по-добро изкуство. Появява се елинистичното изкуство, преливащо от емоции, насилие, чувственост. Елинистичните скулптури пресъздават това, което се вижда. Божествените фигури от класическия период вече не съществуват, скулптурите са показани с техните несъвършенства.

Умиращият Гал (около 230-220 г. пр. Н. Е.) от Епигон; Капитолийски музеи, Рим, CC BY 2.0, от Creative Commons Attribution 2.0 Generic license. Author: Antmoose

Елинистичните скулптури са много подробни и използват следните елементи:

Форма: Мускулите под кожата са много детайлно представени, както и изражението на лицето, което води до лесни за разгадаване емоции. Косата също придобива по-голям обем и тегло, докато преди, на това се обръщаше по-малко внимание и косата е по-скоро плоска.
Композиция: Твърдите строфи се заменят с ежедневни пози, със S и C криви.
Текстура и шарка: Детайлите в косата позволяват да се постигне и по-фина текстура. Тези скулптури също са били оцветени много внимателно и в детайли.

Средновековно изкуство V-XIV век

Средновековното изкуство в Европа е доминирано от възхода на християнството и това се вижда в почти пълното изчезване на голотата в изкуството. Единствените голи хора в изкуството са Адам и Ева, които служат като символ на първородния грях. Също така, по онова време човешкото тяло не се е свързвало пряко с реалния свят и следователно не е много реалистично.

Началото на Християнската епоха V-VII век

Влиянието на Католическата църква нараства и до 350 г. сл. Н. Е. тя има два основни центъра на властта – Рим и Константинопол. Изкуството е използвано за украса и обществена оценка. Използвано е и в местата за поклонение. Изкуството от този период се корени в класическия римски стил, който се основава на класическия гръцки стил, но е по -абстрактен и опростен. Целта на представянето на човешката фигура е по-скоро духовна, отколкото физическа красота. Лицата имат големи неподвижни очи, наречени „прозорци на душата“.

С. С. Сергий и Вакх, 6-7 в., Киевски музей. – Източник

Романско изкуство 11-12 век

Романският период, който се простира от втората половина на 11 век до 12 век, е най-ранният международен стил на изкуство. Благодарение на множеството пътувания, той прекосява Средиземно море и стига до Скандинавия. Човешките форми стават по-изразителни през римските времена, отколкото в ранните християнски времена. Фигурите често са удължени, акцентът е върху линейни и декоративни детайли като гънките на дрехите и косата, но им липсва реализъм. Човешката фигура често е издълбана и изобразена в архитектурни релефи, особено през 11 и 12 век. Повечето скулптури на хора са изобразителни и библейски.

Престолна Дева, 1175–1200, Скулптура от дърво © Публичен домейн – Източник

Готика 12-16 век

В готическия период човешката фигура е представена по по -естествен начин, с по-оживен вид, в сравнение с романския период. По-късните готически фигури са много по-реалистични, с естествени изражения на лицето и специални грижи при изобразяването на гънките на облеклото.

Ренесанс 14-17 век

Ренесансът поставя акцент върху човешкото тяло, по един много различен начин спрямо този от средновековния период. Докато тялото е изобразено по абстрактен, двуизмерен начин, то има ефекта да направи фигурата по-малко свързана с нейното човешко същество, ренесансовите художници черпят вдъхновението си от древни, по-реалистични гръцки и римски скулптури. Те се връщат към математическите съотношения, за които говорят римските автори Плиний и Витрувий, както можете да видите във „Витрувиански човек“ от Да Винчи.

*Витрувиански човек,* Леонардо Да Винчи, 1492, мастило, акварел върху хартия. – Източник

Освен класическото представяне на човешката форма, ренесансовите художници стават експерти по анатомия, за да направят своите представи за човешката фигура още по-реалистични. Тези художници знаят много повече за анатомията от студентите по анатомия в университета.

И Да Винчи, и Микеланджело са известни със своите подробни анатомични дисекции, поставяйки нов стандарт в представянето на човешкото тяло.

*De humani corporis fabrica* (*От структурата на човешкото тяло )* 1555, Андреас Везалий , Гравюра на дърво. – Източник

Неокласицизъм 1750-1850

Художниците от неокласическия период също черпят вдъхновение от древен Рим, особено когато става въпрос за изобразяване на материи, облечени върху човешката фигура. Този период се счита за възраждане на гръцкото и римското изкуство и е тясно свързан с Просвещението, което се случва от 17 -ти до 19 -ти век. Този период се основава на философската мисъл, като разумът е движещата сила на морала. Той е повлиян и от научната революция, която се развива в края на Ренесанса, а една от темите на този период е анатомията, която заема важно място в изкуството.

*Антоан-Лоран Лавоазие (1743–1794)* и *Мари Ан* *Лавоазие (Мари-Ан Пиерт Ползе, 1758–1836)* 1788. Жак-Луи Давид. © Публичен домейн. – Източник

В неокласическото изкуство фигурите са изобразени с „благородна простота“, вдъхновена от „тихото величие“ на древногръцката скулптура. Неокласическата скулптура включва фигури в естествен размер и портрети-бюстове (като тези на Жан-Антоан Худон, 1741-1828). Скулптурите често представляват своя предмет с много реализъм, тогава се говори за „веризъм“ или, по-банално, за „истина“. Този термин се използва и в римската скулптура и означава, че художникът трябва да включва всички несъвършенства по тялото, включително пъпки и бръчки.

*Дени Дидро* (1713–1784) 1773 Жан Антоан Удон . © Публичен домейн. – Източник

Импресионизъм края на 19 век

Художници като Едуард Мане започват да се освобождават от границите на класическата гола рисунка, за да нарисуват истински голи фигури, с анатомични ефекти и диспропорции, които само жив модел може да има. Това е началото на импресионизма, който ще повлияе на художественото творчество от 20 -ти век. Изпълнители като Реноар и Дега са запазили анатомичната прилика на модела на живо и са го нарисували гол в композиция, придавайки му същата тежест като заобикалящата обстановка.

*Олимпия, Едуард Мане, музей Орсе, Париж, 1863 г. Масло върху платно*.- Източник

Кубизъм началото на 20 век

Художниците-кубисти обръщат гръб на триизмерните изображения на човешките форми и вместо това сплескват и фрагментират човешкото тяло в геометрични форми с двуизмерен вид. Пикасо и Брак водят движението с множество точки на перспектива, монохромни цветове и смесена техника.

Художественият контекст

Човешкото тяло винаги е било основен източник на вдъхновение за творците, независимо от географията, религията, културата и социално-икономическото ниво.

Човешкото тяло е представяло красотата, секса, породило е много противоречия, било е забранено. Най-старата скална картина изобразява човешка фигура, която показва, че дори първите хора са били очаровани от собственото си тяло и са искали да го представят артистично.

В Гърция човешкото тяло е идеализирано като спортист; в християнството тялото представлява страдание и благочестие; за голяма част от исляма това то е намръщено.

В заключение, когато разглеждаме човешкото тяло в историята на изкуството, ние повдигаме въпроси относно културната, сексуалната, социално-икономическата и етническата идентичност.

Социален и политически контекст: художниците са повлияни от политическата организация, социалната организация, основните проблеми на времето, в което творят. От друга страна, изкуството влияе на обществеността; може да предизвика определени емоции или настроения, за социално недоволство и политическа промяна, да постави под въпрос и да критикува обществото, или да е средство за пропаганда или публичност с цел въздействие върху възгледите на хората.

Изкуството, подобно на религията и правителството, определя как да действаме като общество; и много често изкуството, религията и правителството взаимодействат и дори се припокриват. Ето някои важни въпроси за изкуството и неговия социален и политически контекст:

Как изкуството влияе върху начина, по който живеем?
Как изкуството влияе върху начина, по който живеем?
Как изкуството променя чувствата ни към религията и политиката?
Може ли изкуството наистина да се използва като инструмент за управление?
Правителствата или религиите използвали ли са някога изображения на човешкото тяло в изкуството, за да оформят своите граждани чрез погледа си? И какви са / биха могли да бъдат последиците?

Педагогически подход

Защо тази тема е актуална за възрастните обучаеми?

Учениците ще изследват как представянето на човешкото тяло чрез изкуството е повлияло на обществото, политиката и представата за себе си в цялата човешка цивилизация. Разбирайки значението на тези произведения, учащите се ще видят обществото от различна гледна точка и ще научат повече за това защо сме това, което сме, защо мислим по начина, по който го правим, и защо смятаме, че определени тела са по-красиви от други.

Какви са образователните резултати от комбинирането на културно -художествената тема с образователна дейност?

Човешкото тяло е един от най -класическите модели за художници. Има много неща, които трябва да се научат, като се види човешкото тяло, изобразено в изкуството (включително социалния контекст, политическото значение и стандартите за красота) и учащите ще открият широк спектър от техники и умения, докато се научат да рисуват тялото. Следователно резултатите от обучението са следните:

Анализ на причините, поради които смятаме, че някои тела са по -красиви от други;
Познаване на различните начини, по които тялото в изкуството е използвано като пропаганда, от ръководните органи и как е променило обществото;
Анатомични познания за човешкото тяло и техники за рисуване;
Как да разпознаем следи от предразсъдъци, маргинализирани групи и расизъм чрез произведения на изкуството.

Как да го направите: стратегии, инструменти и техники

Обучаемите ще изучават историята на някои произведения на изкуството, изобразяващи човешкото тяло през вековете, а също така ще създадат свои собствени представи за човешкото тяло.

Произведения на изкуството

Произведение #1 Раждането на Венера, Ботичели, 1480 (Ренесанс)

Позицията му по отношение на темата: Отнася се до идеала за женска красота на времето. Изображението на гола жена е само по себе си значително, тъй като през ренесансовата история почти всички произведения на изкуството са имали християнска тематика и голите жени едва са били представени.
Кратко описание: Пряко значение – Богинята на любовта и красотата идва на земята, застанала на гигантска мида. Тя е подпомогната от ветровете и е заобиколена от цветя, напомнящи за пролетта.
Авторът: Пълното му име беше Алесандро ди Мариано ди Вани Филипепи. Той е роден в Италия през 1445 г. и е известен като Сандро Ботичели. Той е художник от ранен Ренесанс.
Местоположение и европейско измерение: Рисувано от Ботичели за семейство Медичи през 15 век, днес намиращо се в галерията Уфици.
Възможна образователна употреба: Говорете за еволюцията на красотата през годините. Сравнете стила на живопис на Ботичели с този на неговите съвременници.

Произведение #2 Урок по анатомия на д-р Николаес Тулп , Рембранд, 1632 (барокова картина)

Позицията му по отношение на темата: Вместо да оценява тялото по неговата красота, става дума за тяло в научен, може би дори карикатурен контекст.
Кратко описание: Николаес Тулп обяснява на лекарите мускулатурата на ръката.
Авторът: Рембранд Хармензун ван Рейн, известен като Рембранд, е холандски художник, роден през 1606 г., смятан за един от най -великите визуални художници в историята.
Местоположение и европейско измерение: Рисувано от Рембранд през 1632 г., днес в музея Mauitshuis в Хага.
Възможна образователна употреба: Знания за бароковия стил на рисуване и техники за рисуване на анатомия.

Произведение #3 Вана на Валпинсон, Картина на Жан Огюст Доминик Енгър 1808 (неокласицизъм)

Позицията му по отношение на темата: Картината представлява гола жена в гръб
Кратко описание: Френска неокласическа картина, представляваща „къпеща се жена“, седнала на легло, с гръб към зрителя.
Авторът : Художникът е Жан Огюст Доминик Енгър, неокласически френски артист, роден през 1780.
Местоположение и европейско измерение: Лувърът, Париж
Възможна образователна употреба: Могат да се изучават определени социални теми, като например факта, че не можем да видим лицето на жената или предната част на тялото й. Можем да видим и доказателства за неокласически „аерограф“ или изтриване на всякакви несъвършенства от нечие тяло. Картината може да се използва и за обсъждане на използването на светлина и как художникът е успял да накара модела да изглежда в безтегловност, както и други техники на рисуване.

Произведение #4 Oлимпия, Eдуар Мане, 1863 (Импресионизъм)

Позицията му по отношение на темата: Тази картина не е само за женската сексуалност, по -важното е, че тя изобразява тялото на чернокожа жена по начин, който подрива статуквото на времето.
Кратко описание : Чернокожата камериерка на име Лор носи съвременни френски дрехи и съветва проститутката Олимпия, която гледа право в зрителя.
Художникът, Едуар Мане, е роден във Франция през 1832 г. и е един от първите художници -модернисти от 19 -ти век, който илюстрира съвременния живот.
Местоположение и европейско измерение : Музеят Орсе в Париж
Възможна образователна употреба: Тази картина ще позволи на студентите да се запознаят с пресъздаването на чернокожите жени в Европа, както и с пресъздаването на проститутките по онова време.

Произведение #5 , Череп с горяща цигара , Винсент ван Гог 1886 (Постимпресионизъм)

Позицията му по отношение на темата: Тук виждаме човешкото тяло без плът и с хумористичен аспект.
Кратко описание: Анатомично изследване на скелет, който пуши цигара.
Авторът : Винсент ван Гог е холандски художник-пост-импресионист, роден през 1853 г., който след смъртта си става изключително значим художник в западното изкуство.
Местоположение и европейско измерение : Рисувано от Ван Гог през 1886 г., понастоящем в музея на Ван Гог в Амстердам.
Възможна образователна употреба: Изучете анатомията и обсъдете дали това е изкуство или просто нещо несериозно.

Произведение #6 Mетоп от Мрамори (XXXI) от Партенона

Позицията му по отношение на темата: Този набор от издълбани плочи представлява и описва различни сцени от известни битки в гръцката история и митология. Те са от значение за представянето им на всички тела според идеалните канони на времето.
Кратко описание: Това е един от 92 -те мраморни метопа, които можете да видите на Партенона, където много от тях изобразяват известна битка между кентаврите, митологичните същества и лапите, митично племе в гръцката история. Въпреки че някои са почти напълно унищожени през годините, някои силуети и фигури са запазени и са реконструирани. От двете страни на Партенона метопът представлява различна важна битка. В този (Южен Метоп XXXI) можем да видим Кентавър вляво и Лапит вдясно впримчени в битка
Авторът : Федий, на гръцки „Φειδίας“ е бил учител на всички художници, участвали в тези скулптури. Той е скулптор от Атина и се смята за един от най -известните скулптори на древна Гърция. Работил е главно в Атина, скулптурите на Партенона, но той е известен и със своята скулптура на Зевс в злато и слонова кост, едно от Седемте чудеса на древния свят.
Местоположение и европейско измерение : Това парче от метопа се намира в Британския музей; той е придобит през 1816 г. и никога не е намерил първоначалната си рамка.
Възможна образователна употреба: Можете да обсъдите проблема с изкуството, принадлежащо към една конкретна страна, което е възстановено и запазено в друга, тема, по която много държави спорят. Можете също така да накарате обучаемите да направят някои изследвания върху митологични същества, като кентаври, и как те са били представяни частично като хора с течение на времето; колко приличат на човешки тела и дали това е било изобразено по различен начин в различните цивилизации.

Произведение #7 Витрувиански човек, Леонардо да Винчи 1490 (Ренесанс)

Позицията му по отношение на темата: Тази рисунка е свързана с визия за пропорционално човешко тяло и значението на баланса и хармонията. Позицията му по отношение на темата: Тази рисунка е свързана с визия за пропорционално човешко тяло и значението на баланса и хармонията.
Кратко описание: Тази рисунка, направена от Леонардо да Винчи, изобразява идеята му за идеалното, пропорционално човешко тяло и има своите бележки и надписи над и под чертежа. Описанието принадлежи на Витрувий, архитект, римски инженер и автор на „De architectura“, от I в. Пр. Н. Е., Известен с идеята си за „firmitas, utilitas et venustas („ сила “,„ полезност “и„ красота “) „, трите характеристики, които трябва да притежават всички сгради. Говори се, че Леонардо не само е взел измерванията и пропорциите на творчеството на Витрувий, но и че сам е измерил много модели. Въпреки че тези измервания се считат за идеалното тяло в продължение на много години, напоследък те бяха поставени под въпрос.
Авторът : Леонардо да Винчи, роден в Италия през 1452 г. и известен не само със своите картини и рисунки, но и със своите познания, тетрадките и бележките си по анатомия, астрономия, ботаника и картография и др.
Местоположение и европейско измерение : Понастоящем се намира в Gallerie dell’Accademia във Венеция, Италия и има голямо значение в света на изкуството за начина, по който съчетава математиката, географията, изкуството, човешкото тяло и до известна степен природата.
Възможна образователна употреба: Можете да извършвате групова дейност, като измервате няколко души в групата и ги рисувате в този стил. След това можете да сравните всички рисунки и да обсъдите каноните, стандартите и пропорциите на човешкото тяло.

Произведение #8 Рисунка на ранен човек (рисунка на скала)

© André M. Winter, www.voyage-hors-saison.fr

Позицията му по отношение на темата: Това е важно произведение, тъй като по това време картините са изобразявали главно големи животни и без човешки фигури. Също така е значимо, поради силната връзка с шаманските практики и със половите органи на човешкото тяло.
Кратко описание: Тази работа датира от палеолита. Тя е на възраст между 17 000 и 16 000 години. Картината се намира в отделна част от пещера, наречена „Кладенецът“, която вероятно е била специално място или е била скрита в свещените пещери на Ласко. Основните изображения на тази картина са ранен мъж, ранен бивол и носорог. Най -важната част показва човек с птича глава и бизон. Единственият мъж на сцената е легнал, ранен от животното до него. Някои смятат, че това може да е ловец, докато други смятат, че може да бъде шаман заради всички шамански и тотемични елементи. Той носи птича маска, ръцете му напомнят на птичи лапи, а изправеният му фалос е насочен към ранения бик.
Местоположение и европейско измерение : Този стенопис се намира в набор от пещери, наречени Lascaux, близо до село Монтиняк, в югозападна Франция. По стените и таваните на пещерите има над 600 картини.
Авторът : Неизвестен.
Възможна образователна употреба: Когато се доближите до скалното изкуството, можете да говорите за това как по онова време са били изобразявани ролите на мъжете и жените; колко голотата е било общо правило и направете някои изследвания върху еволюцията на скалното изкуство в продължение на хиляди години. Например, как в началото са били рисувани само животински сцени и как по -късно сцените с хора са били по -често срещани. Можете също така да анализирате техниките, използвани за разграничаване на мъжкото и женското тяло.

Произведение #9, Полегнало голо тяло в гръб, Модиляни 1917 (Eкспресионизъм)

Позицията му по отношение на темата: Живопис от Модиляни, който често рисува чувствени, съпричастни и емоционални женски голи.
Кратко описание: Тази картина показва цялото тяло (обърнато към зрителя) на гола жена, лежаща на легло, подпряна на възглавница. Тя гледа през рамо с уверен поглед и яркочервени устни.
Авторът : Амедео Модиляни е италиански художник с еврейски произход роден през 1884 г., който е работил във Франция през по -голямата част от кариерата си.
Lieu et dimension européenne : Рисувано от Модиляни в Париж, произведението се намира в колекцията на Метрополитен музей на изкуствата (MoMA), Ню Йорк, Ню Йорк, САЩ.
Възможна образователна употреба: Говорете за противоречията около голите тела по онова време (първото самостоятелнняа изложба на Модиляни е била затворена заради голите му произведения). Обсъдете как техниката му изглежда донякъде детска, но и защо е толкова добра? Открийте измъчения гений, който е бил Модиляни. Необходимо ли е известно количество болка, за да се създаде качествено изкуство?

Практически дейности

Дейност 1 – Избелване на изкуството в Европа

Цели – Говорете за расизма днес и как той се отразява на изкуството в Европа. Обсъдете липсата на чернокожи и цветнокожи хора, представени в европейското изкуство и в историята.
Maтериали – Един компютър или един таблет на ученик или на група студенти
Подготвителна фаза– Чуйте този подкаст, озаглавен “Представяне на чернокожите и Белият поглед”, и прочетете интервюто Art Press de Naïl Ver-Ndoye et Grégoire Fauconnier, автори на “ Черно, между живопис и история ”. След това прегледайте статията “Образът на чернокожите в западното изкуство” (в две части) на Парагони изберете 5-6 произведения, които да представите пред класа.
Развитие – Преподавателят показва няколко изображения на екрана за сравнение, за да предизвика дискусия на тема расизма в изкуството. Преподавателят задава няколко въпроса, за да стимулира дискусията и дебатите сред обучаемите. Те от своя страна ще говорят за своя опит с расовото и етническото многообразие в изкуството. Стъпка 2: Обучаемите ще направят Интернет проучване (индивидуално или в групи) и ще подготвят кратко представяне на този проблем, включително национални и, ако е възможно, местни примери. След това, те трябва да се опитат да намерят музеи, които се стремят да излагат произведения на изкуството с голямо разнообразие.
Документи и практически задачи – Ако учениците са достатъчно напреднали да направят това, дайте им статия, която представя примери за избелване като: “Избелването в киното” на Media Animation. След това помолете учениците да намерят други примери.

Дейност 2 – Нарисувайте човешкото тяло

Цели – apprendre/pratiquer les techniques de dessin gestuel
Mатериали – въглен, хартия, предмети, съученици за модели.
Подготвителен етап за преподаватели / медиатори – научете учениците на основите на жестовото рисуване. Научете учениците да работят с въглен. Практикувайте да рисувате натюрморти.
Подготвителен етап – Учителите гледат тези видеоклипове https://www.youtube.com/watch?v=6Cr2pRPZJ-o https://www.youtube.com/watch?v=ZH0waYaiyL4 за да покажат основите на рисуването (те не трябва да са експерти по темата, учителите ще позволят на учениците само да експериментират с техниката).
Развитие – Стъпка 1: Учителите запознават учениците с жестово рисуване (те могат да използват презентацията или придружаващите видеоклипове, за да направят това). Стъпка 2: Учениците ще се редуват да моделират на интервали от 5 секунди, докато техните съученици рисуват фигури от въглен. Стъпка 3: След това учениците ще отделят 2 минути, за да направят жестови рисунки на своите съученици. Стъпка 4. Учениците ще разменят своите рисунки и ще обсъждат трудностите при рисуването с жестове и ще имат кратък дебат за това как това е свързано с каноните на красотата на всяка епоха.
Документи и практически задачи – Тази статия ‘как да правим жестово рисуване”
Заключителна дейност – Всеки ученик трябва да избере техника от един от периодите на изкуството в Европа и да нарисува човешка форма по този начин. Например класическото гръцко изкуство, християнското изкуство и др.

Референции

Веб

Книга

Johan Joachim Winckelmann in his publication “Thoughts on the Iimitations of Greek Works in Painting and Sculpture” (1750)