Introduzione

L’arte è una cosa bella e curiosa, perché quando viene utilizzata per creare cambiamento, unità e potere attraverso la resistenza, ha una grande forza nel collegare le persone con un messaggio comune.

In questo dossier pedagogico, vi presenteremo innanzitutto le origini del movimento, fornendo un breve contesto storico e culturale alla sua nascita. Poi entreremo nel dettaglio delle specificità del movimento, basandoci su artisti, colori, forme, pennellate, prospettiva e altro ancora. Infine, vi presenteremo 10 opere d’arte create durante il periodo e vi forniremo 2 esempi pratici di attività che possono essere realizzate per un laboratorio artistico basato sull’arte della Resistenza e della Protesta.

In sintesi, in questo dossier potrete:

• Conoscere le origini del movimento,
• Scoprire alcune delle sue figure chiave e dei suoi influenzatori,
• Esplorare le caratteristiche delle tecniche artistiche,
• E molto altro!

La tematica

Origini del movimento

La protesta, la lotta e l’attivismo politico sono potenti strumenti di resistenza. Il potere attraverso la mobilitazione delle persone può creare un cambiamento positivo misurabile nel nostro mondo. In particolare, l’uso dell’arte come forma di protesta non violenta può avere un significato e una forza immensi, collegando le persone attraverso la loro resistenza. Può trasformare argomenti negativi e pieni di paura in qualcosa per cui mobilitarsi. L’arte della Resistenza, detta anche arte della Protesta, è legata alle opere creative prodotte da attivisti e movimenti sociali. L’arte di protesta aiuta a suscitare emozioni di base nel pubblico e, in cambio, può aumentare il clima di tensione e creare nuove opportunità di dissenso.

“L’arte di denuncia di per sé non crea cambiamenti, ma mira a incoraggiare e mobilitare un numero sufficiente di persone, di diversa estrazione socioeconomica, a mobilitarsi per una causa. Per farlo con successo, una chiamata alle armi deve essere immediata, sfacciata e, soprattutto, avere un’anima.” 

(Lanks, 2016)

Le diverse forme d’arte possono collegare le persone in modi diversi. Il potere della musica, scrivendo e cantando canzoni di libertà, si è sviluppato in una tradizione al centro di molti movimenti. La musica è stata riconosciuta come una forza unificante che ha contribuito a creare e rafforzare una coscienza comune (Eprile, 2017, fonte: Eprile, Brendan Thabro. “Canzoni del cambiamento: How Music Helped Spark the Arab Spring Revolutions in Egypt and Tunisia”. Oberlin College Learning and Labor, 2017). L’arte visiva come protesta è un altro modo in cui l’arte viene usata come mezzo di resistenza per creare un cambiamento in meglio. L’arte è uno strumento critico che viene sempre utilizzato per influenzare i pensieri e i comportamenti della popolazione; se così non fosse, non esisterebbe la propaganda finanziata dai governi, né la distruzione dell’arte o il rogo dei libri.

L’arte della resistenza è un’arte utilizzata per mostrare la propria opposizione ai detentori del potere. Questo include l’arte che si oppone a poteri come il partito nazista tedesco e quella che si oppone all’apartheid in Sudafrica. La rivolta di Soweto ha segnato l’inizio del cambiamento sociale in Sudafrica. L’arte della resistenza è nata dal Movimento per la Coscienza Nera (Black Consciousness Movement), un movimento di base contro l’apartheid sorto negli anni Sessanta e guidato dal carismatico attivista Steve Biko. Gran parte dell’arte era pubblica, sotto forma di murales, striscioni, poster, magliette e graffiti con messaggi politici conflittuali e incentrati sulla realtà della vita in un Sudafrica segregato. Willie Bester è uno degli artisti più noti del Sudafrica, che ha iniziato come artista di resistenza. Utilizzando materiali assemblati dalla spazzatura, Bester costruisce superfici in rilievo e poi le dipinge con colori a olio. Le sue opere commentano importanti figure nere sudafricane e aspetti importanti per la sua comunità. Gli artisti della resistenza sudafricana non si occupano esclusivamente di questioni razziali e non devono necessariamente provenire dalle township (fonte). Attualmente Bester vive a Kuilsrivier, in Sudafrica.

Un’altra artista, Jane Alexander, ha affrontato le atrocità dell’apartheid da una prospettiva bianca. La sua arte di resistenza affronta la società malsana che continua a esistere nel Sudafrica post-apartheid.

Artisti come John Trumbull, Emory Douglas, Martha Rosler, Keith Haring, Judy Chicago sono stati artisti americani famosi durante il period (fonte).

John Trumbull (6 giugno 1756 – 10 novembre 1843) è stato un artista americano del primo periodo dell’indipendenza, noto per i suoi dipinti storici sulla guerra rivoluzionaria americana, di cui fu veterano. È stato definito “il pittore della Rivoluzione”

Il dipinto Surrender of Lord Cornwallis di John Trumbull è esposto nella Rotonda del Campidoglio degli Stati Uniti. Il soggetto del dipinto è la resa dell’esercito britannico a Yorktown, in Virginia, nel 1781, che concluse l’ultima grande campagna della Guerra rivoluzionaria.

Douglas è stato l’artista rivoluzionario e il ministro della cultura delle Pantere, incaricato di creare immagini (diffuse in gran parte attraverso il suo giornale ufficiale) che hanno creato una documentazione visiva della piattaforma del partito.

Visualizza l’opera di Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971). Per gentile concessione di Black Lives Matter qui.

C’è sempre stata una risposta psicologica che ha trasceso il Black Panther Party nella comunità afroamericana ed è diventato un simbolo nazionale e internazionale. È sempre stato parte dell’identità culturale della gente in relazione al modo in cui pensava all’ingiustizia. I pigs sono diventati un simbolo psicologico di resistenza.

Visualizza l’opera d’arte di Emory Douglas che illustra gli agenti di polizia come maiali per il Black Panther Party. Cortesia Flickr creative commons qui.

In Europa artisti come Eugène Delacroix, Henri Rousseau, Francesco Goya, Salvador Dalì e Pablo Picasso iniziarono a documentare in modo espressivo la loro visione della guerra. Nelle sue opere, Goya cercò di commemorare la resistenza spagnola alle armate napoleoniche durante l’occupazione del 1808 nella Guerra Peninsulare. Goya dipinse Il 3 maggio 1808, che è considerato un’opera di ispirazione per il segno di pace di Gerald Holtom e per una serie di importanti dipinti successivi, tra cui una serie di Édouard Manet e Massacro in Corea e Guernica di Pablo Picasso. Non è noto se l’artista abbia assistito personalmente alla ribellione o alle rappresaglie, nonostante i numerosi tentativi successivi di collocarlo nei momenti salienti di entrambi i giorni (per saperne di più, leggi qui) Si pensa che Il secondo e il terzo maggio 1808 siano stati concepiti come parti di una serie più ampia. All’inizio il dipinto ha suscitato reazioni contrastanti da parte di critici e storici dell’arte.

In precedenza gli artisti tendevano a rappresentare la guerra nello stile elevato della pittura storica e la descrizione non eroica di Goya era insolita per l’epoca. Secondo alcune prime opinioni critiche, il dipinto è tecnicamente difettoso: la prospettiva è piatta, oppure le vittime e i carnefici sono troppo vicini per essere realistici. Sebbene queste osservazioni possano essere rigorosamente corrette, lo scrittore Richard Schickel sostiene che Goya non cercava la correttezza accademica, ma piuttosto di rafforzare l’impatto complessivo dell’opera. L’artificio pittorico cede il passo alla rappresentazione epica della brutalità più cruda. Il dipinto è strutturalmente e tematicamente legato alle tradizioni del martirio nell’arte cristiana, come esemplificato dall’uso drammatico del chiaroscuro e dall’appello alla vita giustapposto all’inevitabilità dell’imminente esecuzione.

Anche i pittori romantici contemporanei, anch’essi interessati ai temi dell’ingiustizia, della guerra e della morte, componevano i loro quadri con una maggiore attenzione alle convenzioni della bellezza, come è evidente nella Zattera della Medusa di Théodore Géricault (1818-1819) e nel dipinto Libertà in testa al popolo di Eugène Delacroix del 1830.

Anche La Guerre di Henri Rousseau rappresenta gli effetti della guerra.

Il cavallo del dipinto contrasta con quello de La Carriole du Père Junier: nero, selvaggio e irto, rappresenta la forza brutale della guerra. Sulle sue spalle, la donna armata, brutta e selvaggia, suggerisce che la guerra porta con sé la primitività. La parte inferiore del dipinto mostra gli effetti della guerra: cadaveri che sono il cibo dei corvi. Gli alberi spogli e i rami spezzati creano un paesaggio di desolazione e alludono alla morte, anche se il rosa delle nuvole e l’azzurro del cielo non rivelano la drammaticità della scena. La composizione è piramidale, con i cadaveri alla base e il cavallo e la donna in alto.

Pablo Picasso si ispirò all’opera di Goya. Guernica è un grande dipinto a olio su tela del 1937 di Pablo Picasso. È una delle sue opere più conosciute, considerata da molti critici d’arte come il più commovente e potente dipinto contro la guerra della storia. È esposto al Museo Reina Sofía di Madrid.

Picasso dipinse Guernica nella sua casa di Parigi in risposta al bombardamento del 26 aprile 1937 di Guernica, una città dei Paesi Baschi nel nord della Spagna, bombardata dalla Germania nazista e dall’Italia fascista su richiesta dei nazionalisti spagnoli. Nel corso degli anni, Guernica è diventata un simbolo universale e potente che mette in guardia l’umanità dalle sofferenze e dalle devastazioni della guerra.

Nello stesso periodo Salvador Dalì dipinse “Il volto della guerra”. L’opera fu dipinta durante un breve periodo in cui l’artista viveva in California. Il trauma e la visione della guerra erano stati spesso fonte di ispirazione per l’opera di Dalí. A volte riteneva che le sue visioni artistiche fossero premonizioni di guerra. Quest’opera fu dipinta tra la fine della guerra civile spagnola e l’inizio della seconda guerra mondiale.

Visualizza l’opera di Salvador Dalí, Il volto della guerra, 1940, olio su tela, 64 cm x 79 cm, Museo Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Paesi Bassi, qui.

Il dipinto raffigura un volto disincarnato che si staglia su un arido paesaggio desertico. Il volto è avvizzito come quello di un cadavere e porta un’espressione di miseria. Nella bocca e nelle orbite ci sono volti identici. Nelle loro bocche e nei loro occhi, ci sono altri volti identici, in un processo implicitamente infinito. Intorno al grande volto brulicano serpenti mordaci. Nell’angolo in basso a destra c’è l’impronta di una mano che Dalí insisteva fosse stata lasciata dalla sua stessa mano. 

Contesto storico e sociale del movimento

I movimenti sociali sono spesso definiti dal loro messaggio ma ricordati dalla loro arte e dall’immaginario che hanno utilizzato. Sia che l’arte fosse basata sul movimento (arte che emerge all’interno dei gruppi del movimento sociale stesso) o che fosse di supporto al movimento (arte di artisti professionisti che usano la loro pratica come un modo per sostenere i movimenti sociali e che, pur essendo direttamente collegati al movimento, non fanno parte delle organizzazioni del movimento), l’uso dell’espressione artistica è parte integrante dei movimenti sociali, specialmente nell’arte di protesta, in quanto viene utilizzata in modo tale da consentire una facile espressione di idee complesse come l’espressione culturale, la lotta sociale/di classe e l’identità.L’arte di protesta (basata sui movimenti) è tradizionalmente facile da distribuire, consumare e comprendere – il suo messaggio è forte e chiaro e non permette a barriere come l’alfabetizzazione e il livello di istruzione di ostacolare la sua capacità di comunicare e comprendere efficacemente il messaggio.

Guardando a due movimenti sociali nel corso della storia, quelli che spiccano sono il Movimento per i diritti civili degli afroamericani degli anni ’60 e l’attuale (2014-2020/oggi) Movimento Black Lives Matter. Il Movimento per i diritti civili degli afroamericani è un movimento sociale che ha facilmente alcuni dei motivi più memorabili nella coscienza collettiva moderna [occidentale]. Dall’iconico discorso di Martin Luther King “I have a dream” alla Marcia su Washington per il lavoro, all’immagine iconica dello Student Non-violent Coordinating Committees (fotografia di Danny Lyon, ‘SNCC NOW’ Poster, 1964, 55,9 x 35,6 cm – vedi  qui) degli studenti manifestanti con gli occhi chiusi e le braccia alzate in preghiera, simbolo del Black Power.

L’arte è il filo conduttore di innumerevoli movimenti di resistenza e proteste che hanno unito le persone e portato a un cambiamento positivo della società. Che sia attraverso la musica, l’arte visiva, la danza, il teatro o qualsiasi altra forma d’arte, l’arte è in grado di connettersi con le nostre emozioni umane e di unirci attraverso la speranza e il potere. In questo modo, l’arte ha il potere di trasformare Doom in Bloom e di fornire una piattaforma alle persone per stare insieme, non da sole.

Negli ultimi cinquanta-cento anni alcuni movimenti hanno avuto un maggiore impatto culturale sulla società. L’arte della resistenza, l’arte attivista in corso, la Pop art e il movimento delle donne, che è riemerso negli anni Sessanta e si è sviluppato in modi multiformi fino al presente. Il tremendo impatto del femminismo sulla vita quotidiana include, ma va ben oltre, i cambiamenti nelle leggi, nei regolamenti e nelle istituzioni politiche. La struttura della vita di ogni singola persona che vive negli Stati Uniti è stata cambiata dal nuovo femminismo.

Caratteristiche del movimento

Esistono diverse caratteristiche che possono aiutare lo spettatore a identificare i tratti. Ecco alcune delle più comuni:

Simboli

Il pugno chiuso è un tema comunemente ricorrente nell’arte di protesta e di resistenza ed è stato utilizzato già durante la Rivoluzione messicana, la protesta degli studenti americani contro la guerra del Vietnam, il Black Panther Party e gli studenti francesi durante la loro ribellione socialista del 1832 contro la monarchia.

Il movimento Messicano-Americano Chicano vedeva nei murales una forma di protesta contro le ingiustizie che colpivano la popolazione emarginata. Alla fine della Rivoluzione messicana, il governo commissionò agli artisti la creazione di opere d’arte che potessero educare le masse, per lo più analfabete, alla storia del Messico. La celebrazione del potenziale del popolo messicano nel creare la storia della nazione fu un tema chiave del muralismo messicano, un movimento guidato da Siqueiros, Diego Rivera e José Clemente Orozco, noti come Los tres grandes. Tra gli anni Venti e gli anni Cinquanta, hanno coltivato uno stile che ha definito l’identità messicana dopo la Rivoluzione.

Los tres grandes (i tre grandi), come sono conosciuti, sono stati modelli importanti non solo come grandi artisti moderni ma anche come attivisti politici che hanno radicato il loro muralismo nel sostegno alle lotte dei membri più poveri e sfruttati delle loro comunità.

La Rivoluzione messicana è stata un momento cruciale del XX secolo perché ha segnato una vera e propria rottura con il passato, inaugurando un’epoca più egualitaria. Con le sue grandi dimensioni, l’iconografia innovativa e il messaggio socialmente rilevante, il muralismo messicano rimane un notevole omaggio alla Rivoluzione.

I muralisti svilupparono un’iconografia con eroi atipici e non europei dell’illustre passato, presente e futuro della nazione: i guerrieri aztechi che combattevano contro gli spagnoli, gli umili contadini che lottavano nella Rivoluzione, i comuni lavoratori di Città del Messico e i meticci che avrebbero forgiato la prossima grande epoca, come nel murale dell’UNAM di Siqueiros. Los tres grandes realizzarono murales epici sulle pareti di edifici pubblici altamente visibili, utilizzando tecniche come l’affresco, l’encausto, il mosaico e la pittura-scultura.

Inoltre, in un momento di crisi, l’arte è stata utilizzata come un modo molto visivo per agire contro l’AIDS. Per combattere la dannosa costruzione culturale intorno al “sangue contaminato”, i gruppi di movimento sociale della fine degli anni ’80 e degli anni ’90, l’AIDS Coalition to Unleash Power, o ACT UP, hanno creato poster e grafiche per cercare di attirare l’attenzione della gente e incoraggiare la conversazione sulle scomode verità sociali e culturali che circondano l’AIDS.

Molti dei progetti di ACT UP incorporavano testo e immagini; questo manifesto è uno dei pochi che comunicava un messaggio utilizzando solo il testo. Il manifesto è stato realizzato per un’azione alla Borsa di New York nel settembre 1989 (due anni e mezzo dopo la prima protesta di ACT UP, anch’essa svoltasi a Wall Street). Tutte le proteste di Wall Street (una seconda ebbe luogo un anno dopo la prima) riguardavano gli enormi profitti che l’azienda farmaceutica Burroughs Welcome stava realizzando con il farmaco AZT contro l’AIDS. L’azienda aveva ottenuto un brevetto che garantiva che nessun’altra azienda potesse vendere il farmaco per diciassette anni. L’azienda sosteneva di essere giustificata a far pagare un prezzo esorbitante per il farmaco, visto che aveva speso una notevole somma di denaro per il suo sviluppo. ACT UP ha ribattuto che i contribuenti avevano pagato il conto attraverso sovvenzioni e crediti d’imposta. Nell’azione del settembre 1989, gli attivisti chiesero che l’AZT fosse fornito gratuitamente a chiunque ne avesse bisogno.

Colori

I membri del Panther Party che indossavano abiti completamente neri con berretti e ampi capelli afro e la controcultura Hippie dell’epoca che indossava abiti in technicolor e portava cartelli con scritte luminose per protestare contro la guerra del Vietnam e per chiedere “pace, amore e uguali diritti”, è un movimento che ancora oggi ha motivazioni forti ed efficaci che influenzano la cultura ancora oggi, come si può vedere nell’attuale movimento #BlackLivesMatter.

L’uso del colore, osservato non solo negli abiti ma anche nelle opere colorate, è visibile non solo nei lavori dei pittori, ma anche in quelli degli illustratori. Le opere “La regola d’oro” (1961) e “Il problema con cui tutti viviamo” (1963) di Norman Rockwell, essendo già un illustratore bianco molto conosciuto e rispettato nella comunità artistica, rientrano nella categoria dell’arte di protesta che sostiene il movimento. La “Regola d’oro” è un dipinto che presenta un collage di persone di diverse etnie e culture e un riferimento al versetto biblico Matteo 7, 12. Tra tutte le persone presenti nel dipinto, la più importante è una bambina nera in uniforme scolastica con lo sguardo rivolto direttamente all’osservatore del quadro – la bambina è un riferimento diretto a Ruby Bridges, una bambina afroamericana di 6 anni che fu la prima a frequentare una scuola elementare completamente bianca nel sud, e che fu scortata in classe dalla madre e dagli sceriffi americani per garantire la sua sicurezza a causa delle folle arrabbiate che protestavano il 14 novembre 1960, e ogni altro giorno di quell’anno.

Rilevanza nell’era moderna

Il concetto di “arte come arma” è ancora attuale nell’era moderna. È stato semplicemente ricontestualizzato dall’emergere di tecnologie moderne come i social media. Guardando al movimento Black Lives Matter, che è emerso nel 2013 in risposta all’assoluzione dell’assassino di Trayvon Martin, George Zimmerman, e poi nel 2014 ha guadagnato l’attenzione globale quando le proteste si sono scatenate a Ferguson, nel Missouri, in risposta all’omicidio di Mike Brown da parte dell’agente di polizia di Ferguson Darren Wilson (che è stato anche scagionato da illeciti penali in tribunale) e le immagini e i video delle orribili brutalità dei manifestanti da parte della polizia sono stati documentati e condivisi in tempo reale su siti di social media come Twitter, Instagram e Facebook.

L’approccio pedagogico

Perché questo tema è rilevante per gli studenti adulti?

L’arte della resistenza è uno dei movimenti artistici più riconoscibili del secolo scorso. Attraverso la partecipazione a un programma di arte attivista, gli studenti possono sviluppare capacità di pensiero critico, leadership, impegno nella comunità e comunicazione. Mentre creano opere d’arte attivista, possono impegnarsi in tre processi di apprendimento e insegnamento che sono stati fondamentali per lo sviluppo di queste abilità:

Fare collegamenti – Gli studenti pensano alle ingiustizie che intendono affrontare attraverso la loro arte, considerano perché queste ingiustizie esistono e come potrebbero essere cambiate. Identificano relazioni e collegamenti di causa ed effetto, costruendo attivamente una comprensione delle relazioni comunitarie e della leadership civica.

Interrogarsi – Una volta formulate le idee sui loro argomenti, gli studenti iniziano un lungo processo di riflessione critica: come possiamo incidere su questa ingiustizia? Chi è il mio pubblico? Come voglio che pensino all’argomento? Come posso comunicare le mie idee in modo efficace? La mia arte funziona come volevo? Gli studenti iniziano a vedere la legittimità della loro intuizione per sfidare lo status quo e iniziano a capire il loro potere come creatori attivi della società in grado di avviare il cambiamento.

Tradurre – Rappresentare un’idea attraverso l’arte richiede un passaggio dal linguaggio verbale a quello visivo. Traducendo le loro idee in arte, gli studenti le riformulano in senso letterale, metaforico, ironico, dialogico (come interazione con il pubblico) o con un approccio misto. Gli studenti imparano a vedere l’arte come un modo per “insegnare” al pubblico.

Hanno cercato di presentare le loro idee con un equilibrio tra messaggio ed estetica, e di sviluppare abilità comunicative nel processo. Questi risultati sono in linea con lo studio di dottorato sull’argomento condotto da M. Dewhurst nel 2009.

Quali sono i risultati di apprendimento dell’integrazione di questo tema artistico con un’attività educativa?

Con questa attività, gli studenti potranno scoprire l’argomento attraverso gli strumenti e gli occhi del pittore. Infatti, le attività sono impostate in modo che gli studenti possano imparare il potere dell’arte attivista, della musica e delle parole, riflettendo su come possa influenzare le visioni artistiche. Potranno inoltre approfondire dipinti specifici e guardare video esplicativi di alcune delle opere più influenti.

Come farlo: strategie, strumenti e tecniche.

Gli studenti parteciperanno in modo attivo e non attivo al proprio apprendimento. Infatti, utilizzando le loro capacità pittoriche, di pensiero critico e di ascolto, saranno in grado di sviluppare la loro conoscenza dell’arte della resistenza e di discutere con la classe, per poi imparare da altri esperti nel campo della storia dell’arte.

Opere d’arte

Opera d’arte #1 La libertà che guida il popolo, Eugene Delacroix, 1830

• La sua posizione rispetto al tema: La libertà che guida il popolo (in francese: La Liberté guidant le peuple [la libɛʁte ɡidɑ̃ lə pœpl]) è un dipinto di Eugène Delacroix che commemora la Rivoluzione di luglio del 1830, che rovesciò il re Carlo X di Francia.
• Breve descrizione: Una donna del popolo con un berretto frigio, che personifica il concetto di Libertà, guida un gruppo eterogeneo di persone sopra una barricata e i corpi dei caduti, tenendo in una mano la bandiera della Rivoluzione francese – il tricolore, che dopo questi eventi è tornato a essere la bandiera nazionale francese – e brandendo con l’altra un moschetto con baionetta. La figura della Libertà è vista anche come un simbolo della Francia e della Repubblica francese, conosciuta come Marianna. Talvolta si ritiene erroneamente che il dipinto raffiguri la Rivoluzione francese del 1789.
• Ubicazione e dimensione europea: La Libertà che guida il popolo è esposta al Louvre di Parigi.
• Possibile utilizzo didattico: Questo dipinto è stato piuttosto controverso quando è stato reso pubblico per la prima volta; può essere interessante per gli studenti indagare sulle diverse reazioni che ha suscitato, sul motivo per cui sono state negative in base all’osservazione della società e su cosa e perché ad alcuni è piaciuto.

Opera d’arte #2 Emory Douglas, Sopravviveremo senza dubbio (1971)

Visualizza l’opera di Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971). Per gentile concessione di Black Lives Matter qui.

• La sua posizione relativa al tema: “L’arte rivoluzionaria inizia con il programma istituito da Huey P. Newton con il Black Panther Party”, scriveva il grafico e ministro della Cultura delle Pantere Nere Emory Douglas sul giornale The Black Panther nel 1970. “L’arte rivoluzionaria, come il Partito, è per l’intera comunità e affronta tutti i suoi problemi. Dà alla gente l’immagine corretta della nostra lotta, mentre l’ideologia rivoluzionaria dà alla gente la corretta comprensione politica della nostra lotta”. Qui è raffigurato il manifesto di Douglas per la quarta di copertina del numero del 17 febbraio 1970 del giornale, da lui stesso disegnato. (La didascalia recita: “Sopravviveremo. Senza dubbio”) “Deplorando l’imperialismo, il capitalismo e la brutalità della polizia, Douglas raffigurava la polizia, i politici e i banchieri come maiali e ratti”, scrivono i curatori di Soul of a Nation. “Le eroiche donne nere lottano contro i ratti nelle case popolari. Valorosi lavoratori sono mostrati come soldati rivoluzionari. Un bambino sorridente tiene la testa alta, indossando occhiali da sole le cui lenti sono fotografie del programma di colazione gratuita che il Partito attuò per nutrire i bambini delle famiglie povere e lavoratrici”.
• Breve descrizione: Con la frase “Sopravviveremo. Senza dubbio”, l’immagine raffigura un giovane afroamericano brillantemente sorridente che indossa occhiali e, al posto delle lenti, immagini di giovani che vengono istruiti, presumiamo nelle scuole della comunità delle Pantere Nere. In cima alla sua testa c’è un cappello floscio in stile zoot, che emana raggi rossi citati direttamente dai rivoluzionari cinesi… Di solito, nelle immagini di origine cinese, si vedono i raggi rossi emanati da Mao, il leader, ma nelle sue opere Douglas li collega ai bambini, attribuendo loro il ruolo di agenti del cambiamento. La posizione dell’opera d’arte è sconosciuta.
• Possibile utilizzo didattico: Analizzate il significato del testo di quest’opera d’arte. Cosa sta cercando di dire Douglas allo spettatore? Qual è il rapporto con le immagini dei bambini?  Riflettere sugli anni e sull’epoca in cui è stata realizzata l’opera.

Opera #3 Salvador Dalí, Il volto della guerra, 1940

Visualizza l’opera di Salvador Dalí, Il volto della guerra, 1940, olio su tela, 64 cm x 79 cm, Museo Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Paesi Bassi, qui.

• La sua posizione in relazione al tema: Il volto della guerra (in spagnolo La Cara de la Guerra) (1940) è un dipinto del surrealista spagnolo Salvador Dalí. Fu dipinto durante un breve periodo in cui l’artista visse in California. Il trauma e la visione della guerra erano stati spesso fonte di ispirazione per il lavoro di Dalí. A volte credeva che le sue visioni artistiche fossero premonizioni di guerra. Quest’opera fu dipinta tra la fine della guerra civile spagnola e l’inizio della seconda guerra mondiale.
• Breve descrizione: Il dipinto raffigura un volto disincarnato che si staglia su un paesaggio desertico e arido. Il volto è avvizzito come quello di un cadavere e porta un’espressione di miseria. Nella bocca e nelle orbite ci sono volti identici. Nelle loro bocche e nei loro occhi, ci sono altri volti identici, in un processo implicitamente infinito. Intorno al grande volto brulicano serpenti mordaci. Nell’angolo in basso a destra c’è l’impronta di una mano che Dalí insisteva fosse stata lasciata dalla sua stessa mano.
• Ubicazione e dimensione europea: Il dipinto si trova al Museo Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, Paesi Bassi.
• Possibile utilizzo didattico: Salvador Dalì ha uno stile di lavoro molto interessante. Cosa c’è di unico nei suoi dipinti e nelle sue opere? In che modo il suo lavoro è diverso da quello delle altre opere d’arte di questo periodo artistico di resistenza? Riflettete sull’uso del colore, del realismo e delle ombre.…

Opera #4 Pablo Picasso, Massacro in Korea, 1937

• La sua posizione in relazione al tema: Massacro in Corea è il terzo di una serie di dipinti contro la guerra realizzati da Picasso. È stato preceduto dal monumentale Guernica, dipinto nel 1937, e da L’Ossario, realizzato tra il 1944 e il 1945. Il titolo di questo quadro si riferisce allo scoppio della guerra di Corea, iniziata l’anno precedente, ma il soggetto è ambiguo, poiché Picasso non indica direttamente un periodo o un luogo all’interno della composizione.
• • Breve descrizione
    Il dipinto potrebbe raffigurare un evento simile al Massacro di No Gun Ri del luglio 1950, quando un numero imprecisato di rifugiati sudcoreani fu massacrato dai soldati statunitensi, o al Massacro di Sinchon dello stesso anno, un’uccisione di massa compiuta nella contea di Sinchon, nella provincia di Hwanghae Sud, in Corea del Nord. Massacro in Corea raffigura civili uccisi dalle forze anticomuniste. La critica d’arte Kirsten Hoving Keen afferma che l’opera è “ispirata ai resoconti delle atrocità americane” in Corea. Con i suoi 43 pollici (1,1 m) per 82 pollici (2,1 m), l’opera è più piccola del suo Guernica, con il quale ha una somiglianza concettuale e una veemenza espressiva.   L’opera di Picasso è influenzata dal dipinto Il 3 maggio 1808 di Francisco Goya, che mostra i soldati di Napoleone che giustiziano i civili spagnoli agli ordini di Gioacchino Murat.[6] Si colloca nella stessa tradizione iconografica di un’opera precedente modellata su Goya: La serie di cinque dipinti di Édouard Manet raffiguranti l’esecuzione dell’imperatore Massimiliano, completata tra il 1867 e il 1869. Come nel caso de Il terzo maggio 1808 di Goya, il dipinto di Picasso è caratterizzato da una composizione biforcuta, divisa in due parti distinte.
• Ubicazione e dimensione europea: Il dipinto è esposto al Musée Picasso di Parigi.
• Possibile utilizzo didattico: Utilizzate l’immagine per scoprire quali altri artisti hanno creato opere con una prospettiva, un colore e un significato simili. Per cominciare, date un’occhiata a L’execució de l’emperador Maximilià de Mèxic (1868), di Edouard Manet. Cosa c’è di diverso nell’opera di Manet rispetto a quella di Picasso? Il genere?  L’uso del colore? Stile – cubismo, modernismo? E l’opera di Francisco de Goya?

Opera #5 David Alfaro Siqueiros, Tormento e apoteosi di Cuauhtémoc (dettaglio), 1950-51

• La sua posizione in relazione al tema: Il movimento muralista messicano ebbe inizio subito dopo la Rivoluzione messicana, che ebbe luogo dal 1910 al 1920. Dopo la rivoluzione, il governo si fece carico del difficile progetto di trasformare un Messico diviso. Durante questo periodo, ci si preoccupò di definire l’identità messicana e il governo cercò di stabilire una società messicana nuova, fondata sulla sua ricca tradizione ma molto proiettata verso il futuro. Si voleva anche un modo per promuovere l’orgoglio e il nazionalismo nel popolo messicano. Da tutti questi desideri nacque il movimento del muralismo.   Il movimento nacque come forma di arte pubblica finanziata dal governo, che commissionò ad artisti la creazione di opere che potessero illustrare la storia messicana. Poiché la maggior parte della popolazione era analfabeta, il governo messicano scelse i murales come mezzo efficace per diffondere visivamente il messaggio di orgoglio e nazionalismo.
• Breve descrizione: Nel “Tormento di Cuauhtémoc”, Siqueiros raffigura la violenza dei conquistadores spagnoli, mostrando gli spagnoli che torturano l’imperatore azteco Cuauhtémoc per farsi indicare il luogo in cui era nascosto il tesoro di Montezuma. Lo torturano bruciandogli i piedi, ma non mostra alcun dolore fisico, bensì un dolore emotivo. Accanto a Cuauhtémoc, c’è un uomo che piange e prega come se volesse liberarsi da questa punizione. A destra, c’è una donna che sembra essere ricoperta di sangue; assomiglia anche alla madre di Gesù quando il figlio fu crocifisso, che implora il figlio di smettere di provare tale tortura.

Questo fa apparire Cuauhtémoc come una divinità e come un simbolo di patriottismo, un simbolo che sarebbe stato utilizzato dopo la rivoluzione messicana in molte opere dei muralisti dell’epoca. L’uso dell’ultimo imperatore azteco come simbolo ha permesso di riportare in auge il passato, ispirando i messicani a lottare per le proprie radici.

L’esercito spagnolo sembra non essere umano, come se fosse solo un guscio vuoto senza anima; questa mancanza di umanità permette loro di continuare a fare i danni che hanno commesso. C’è anche un cane che sembra portare un po’ alla conclusione che sono umani come lo erano gli Aztechi, mostrando come siano animali rabbiosi come i canini che hanno al fianco.

• Ubicazione e dimensione europea: Il dipinto è conservato nel Museo del Palazzo delle Belle Arti.
• Possibile utilizzo didattico: Nell'”Apoteosi di Cuauhtémoc” si pone la domanda “e se?”. Siqueiros mostra come sarebbe stato se l’esercito di Cuauhtémoc avesse sconfitto l’esercito spagnolo, se fosse riuscito con potenza e forza a tenere lontani gli invasori. Gli studenti analizzano i dettagli del dipinto e le differenze di stile e tecniche tra questo quadro e la pittura di Salvador Dalì e Pablo Picasso. Osservano i loro ritratti e disegni di figure umane – il lavoro, i colori, la prospettiva del disegno, ecc.

Opera d’arte #6 Regola d’oro, Norman Rockwell, 1961

• La sua posizione in relazione al tema: Negli anni Sessanta, l’umore del Paese stava cambiando e per Norman Rockwell si profilava l’opportunità di liberarsi dell’accusa di essere antiquato da parte dell’intellighenzia artistica. La sua Regola d’oro del 1961 fu un precursore del tipo di soggetto che avrebbe presto illustrato. Un gruppo di persone di diversa religione, razza ed etnia fa da sfondo alla scritta “Fai agli altri quello che vorresti fosse fatto a te”. Rockwell era un uomo compassionevole e liberale e questa semplice frase rifletteva la sua filosofia. Avendo viaggiato per tutta la vita ed essendo stato accolto ovunque, Rockwell si sentiva un cittadino del mondo e la sua politica rifletteva questo sistema di valori.  
• Breve descrizione: A partire dalle fotografie scattate durante il suo viaggio intorno al mondo Pam Am del 1955, Rockwell fece riferimento ai costumi e agli accessori dei nativi e al modo in cui venivano indossati. Ha raccolto alcuni costumi e ne ha ideati alcuni a partire da oggetti ordinari nel suo studio, come l’uso di un paralume come fez. Molti dei modelli di Rockwell erano studenti di scambio e visitatori locali. In un’intervista del 1961, indicando l’uomo che indossa un cappello a tesa larga nell’angolo in alto a destra, Rockwell disse: “È in parte brasiliano, in parte ungherese, credo. Poi c’è Choi, un coreano. È uno studente della Ohio State University. Qui c’è uno studente giapponese del Bennington College e qui c’è uno studente ebreo. Stava seguendo i corsi estivi alla Indian Hill Museum School”. Indicando il rabbino, ha continuato: “È il direttore delle poste in pensione di Stockbridge. Nella vita reale è stato un ottimo rabbino, un cattolico devoto.

Tutti i volti del Medio Oriente li ho presi da Abdalla, che gestisce il mercato di Elm Street, a un isolato da casa mia”. Alcuni dei modelli utilizzati provengono anche dalla precedente illustrazione di Rockwell, Nazioni Unite.

• Ubvicazione e dimensione europea: Golden Rule e United Nations sono attualmente in mostra al Norman Rockwell Museum.
• Possibile utilizzo didattico: Esplorate le espressioni facciali e le caratteristiche di tutte le immagini incluse nell’opera. Sapendo che quest’opera è stata creata negli anni ’60 e che voi vivete attualmente nel 2020, più di 60 anni dopo, sosterreste che quest’opera rappresenta ancora le Nazioni Unite? Perché (non)? E cosa potrebbe mancare? Provate a ricreare quest’opera con le foto di chi vi circonda. Nota: fate attenzione ai fulmini quando fotografate!

Opera d’arte #7 Guernica, Pablo Picasso, 1937

• La sua posizione in relazione al tema: Picasso dipinse Guernica nella sua casa di Parigi in risposta al bombardamento del 26 aprile 1937 di Guernica, una città dei Paesi Baschi nel nord della Spagna, bombardata dalla Germania nazista e dall’Italia fascista su richiesta dei nazionalisti spagnoli. Una volta completata, Guernica fu esposta alla mostra spagnola all’Esposizione Internazionale di Parigi del 1937 e poi in altre sedi in tutto il mondo. La mostra itinerante fu utilizzata per raccogliere fondi per i soccorsi di guerra spagnoli. Il dipinto divenne presto famoso e ampiamente acclamato e contribuì a portare l’attenzione mondiale sulla guerra civile spagnola.
• Breve descrizione: Guernica è un grande dipinto a olio su tela del 1937 dell’artista spagnolo Pablo Picasso. È una delle sue opere più conosciute, considerata da molti critici d’arte come il più commovente e potente dipinto contro la guerra della storia.

Il dipinto grigio, nero e bianco, alto 3,49 metri e largo 7,76 metri, ritrae la sofferenza causata dalla violenza e dal caos. La composizione è caratterizzata da un cavallo incornato, un toro, donne urlanti, un bambino morto, un soldato smembrato e fiamme.

• Ubicazione e dimensione europea: È esposto al Museo Reina Sofía di Madrid.
• Possibile utilizzo didattico: È interessante confrontare quest’opera d’arte con il Massacro in Corea. Un’analisi approfondita dei personaggi principali, dei colori e della teoria dei colori potrebbe essere un buon esercizio.

Opera #8 Servire e proteggere, Gregory Ragland, 2013

• La sua posizione rispetto al tema: Servire e proteggere, dimostra il linguaggio dei segni – servire. Le stesse mani aggraziate che ci servono sono anche mani abbastanza forti da proteggerci e prendersi cura di noi. Questa scultura in bronzo rafforza la longevità della forza e agisce come un potente simbolo della nostra fiducia in questi individui. Questa scultura potente ed elegante è un solido promemoria del fatto che i nostri eroi più grandi della vita saranno lì per servire e proteggere tutti noi.
• Breve descrizione: L’artista di Park City Greg Ragland ha creato una scultura in bronzo intitolata “Servire e proteggere”. La scultura raffigura due mani affiancate con i palmi rivolti verso l’alto. L’opera si trova nel giardino della piazza ed è stata progettata per incoraggiare il contatto e l’arrampicata.
• Ubicazione e dimensione europea: Il dipinto si trova presso l’edificio della Pubblica Sicurezza; 475 S 300 E; Distretto 4.
• Possibile utilizzo didattico: Nella sua opera di scultura, Gregory Ragland non ha incluso la vernice rossa. L’originale non include nulla sulla mano. Quando è apparsa la vernice rossa sulla scultura? Osservare i cambiamenti intorno a quest’opera d’arte.

Opera d’arte #9 Pugno chiuso, Everett Spruill

• La sua posizione in relazione al tema: Simbolo di potere, il pugno chiuso è un simbolo importante del movimento. Il colore del primo suggerisce anche a quale movimento era inizialmente legato.
• Breve descrizione: Serigrafia originale tirata a mano dell’artista afroamericano Everett Spruill con un colorato disegno astratto di un pugno nero chiuso creato con un motivo cubista. Medium: Media mista.
• Ubicazione e dimensione europea: Le opere d’arte di Spruill sono state vendute al Centro Epcot della Disney.
• Possibile utilizzo didattico. Sperimentate l’uso di tecniche miste per creare il vostro simbolo di resistenza. Perché avete scelto questo simbolo specifico?

Opera d’arte #10 Willie Bester, Prime Evil, 2015

• La sua posizione in relazione al tema: Willie Bester è uno degli artisti più noti del Sudafrica, che ha iniziato la sua attività come artista della resistenza. Attualmente vive a Kuilsrivier, in Sudafrica.
• Short description: Utilizzando materiali assemblati dalla spazzatura, Bester costruisce superfici in rilievo e poi le dipinge con colori a olio. Le sue opere commentano importanti figure nere sudafricane e aspetti importanti per la sua comunità. Gli artisti della resistenza sudafricana non si occupano esclusivamente di razza e non devono necessariamente provenire dalle township.
• Location and European dimension: Il dipinto si trova ora nella Galleria Melrose.
• Possible educational exploitation: L’atmosfera e la sensazione che si sprigionano dall’opera sono molto speciali. Può essere interessante analizzarla confrontandola con altre sue opere per vedere come i diversi materiali, il loro posizionamento e i colori possano fare una grande differenza.

Attività pratiche

Attività 1

Un dipinto basato su una poesia

Obiettivi

Mettere in contatto gli studenti con la storia personale dell’autore sui tempi della guerra e permettere loro di esprimere la propria visione su un tema che non è stato trattato.

Materiali

• Dispositivo mobile / computer
• Connessione ad Internet
• Tela
• Strumenti di pittura

Fase preparatoria per educatori/mediatori

Fornite agli studenti informazioni sul tema dell’arte della resistenza e mostrate loro alcuni esempi nel corso dei giorni e delle stagioni. Questo aiuterà gli studenti a capire quale fosse l’idea e la visione degli artisti che hanno creato le opere nel corso degli anni.

Sviluppo

Chiedete ai vostri studenti di guardare questo video in cui Rafeef Ziadah, artista canadese-palestinese e attivista, condivide una poesia che ha scritto sugli attentatori in Palestina. Dopo aver ascoltato questa poesia – “We teach life, sir” (Insegniamo la vita, signore) – chiedete loro di creare una propria opera d’arte che rifletta lo scenario descritto nella poesia.

Rafeef Ziadah – ‘We teach life, sir’, London, 12.11.11

Attività 2

Arte della resistenza, arte attivista e pop art

Obiettivi

Gli studenti potranno scoprire maggiori dettagli sui diversi stili artistici e su come si sono influenzati a vicenda e sono intrecciati tra loro.

Materiali

Accesso a un computer con connessione online.

Fase preparatoria per educatori/mediatori

Date un’occhiata alla storia dell’artista Keith Haring.

È possibile utilizzare i seguenti link:

Pop art politics: Activism of Keith Haring

Art Activism: Keith Haring — Art History Kids

Keith Haring: Activist and Artist

7 Reasons Why Keith Haring’s Legacy is Still Important

Sviluppo

Gli studenti possono approfondire la conoscenza di un artista attraverso questi siti web e poi riflettere criticamente se Keith Haring fa parte dei movimenti della Pop Art o dell’Arte della Resistenza. Perché? Può appartenere a entrambi? Potrebbe essere stato influenzato dall’arte della Resistenza e aver applicato i principi della Pop Art? In che modo la sua arte è diversa da quella degli artisti del movimento della Resistenza?

Facoltativo: Provate a ricreare una delle sue opere pop, utilizzando il metodo dello “stamping”. Buona fortuna!