Introduction

L’impressionnisme est un mouvement de peinture français du 19e siècle qui illustre la vie, le mouvement, la nature et la spontanéité. Il a révolutionné la façon dont les artistes peignaient le monde extérieur à l’époque et reste encore aujourd’hui l’un des mouvements artistiques les plus connus et les plus influents de ces derniers siècles.

Dans ce dossier pédagogique, nous vous présenterons d’abord les origines du mouvement, en fournissant un bref contexte historique et culturel à son essor. Ensuite, nous détaillerons les spécificités du mouvement, basées sur les couleurs, les formes, les coups de pinceau, la perspective et plus encore. Enfin, nous vous présenterons 10 des peintures impressionnistes les plus célèbres du 19ème siècle et vous fournirons 2 exemples pratiques d’activités pouvant être mises en œuvre pour un atelier artistique basé sur l’impressionnisme.

En résumé, ce dossier vous permettra de:

• Découvrez les origines du mouvement impressionniste, 
• Découvrez certains de ses personnages clés et de ses influenceurs,
• Explorez les caractéristiques des techniques des impressionnistes, 
• et bien plus encore !

Le thème

Historique du mouvement

L’impressionnisme était un mouvement fondé sur la beauté de la lumière. Bien que né en France, l’impressionnisme a eu une grande influence à l’étranger. Développés par Claude Monet et d’autres artistes basés à Paris au début des années 1860, les impressionnistes ont changé la façon de peindre les paysages et, surtout, la lumière. Au lieu de peindre dans un studio, les impressionnistes ont découvert qu’ils pouvaient capturer les effets momentanés et transitoires de la lumière du soleil en travaillant rapidement, devant leurs sujets, en plein air plutôt que dans un studio. Il en résulte une plus grande conscience de la lumière et de la couleur, ainsi que du caractère changeant de la scène naturelle. Le travail au pinceau devient rapide et se décompose en touches distinctes pour rendre la qualité fugace de la lumière.

Le contexte artistique : le contexte artistique du thème, les grandes questions et enjeux artistiques de l’époque

Pré-impressionnisme

Au début du 19e siècle, le monde de la peinture française est dominé par une institution, l’Académie des Beaux-Arts. Composée d’un corps de 40 membres élus à vie, dont 14 peintres, 8 sculpteurs, 8 architectes, 4 graveurs et 6 compositeurs de musique, l’Académie n’acceptait de nouveaux membres qu’en cas de décès d’un ancien membre.

De nombreux membres de l’Académie tenaient des ateliers privés pour former les étudiants qui espéraient être admis à la prestigieuse École des Beaux Arts, l’école d’art officielle en France. Les élèves suivaient un programme rigoureux qui mettait l’accent sur le dessin – d’abord d’après des gravures et des moulages, puis d’après des modèles vivants – et incluait la maîtrise de la composition, de la perspective et de l’expression. Plus important encore, ils choisissaient ce qui était accroché sur les murs du Salon, les expositions annuelles examinées par les journaux parisiens et auxquelles le public assistait.

L’Académie préférait les images soigneusement finies qui semblaient réalistes lorsqu’on les examinait de près. Les peintures de ce style étaient composées de coups de pinceau précis, soigneusement mélangés pour dissimuler la main de l’artiste dans l’œuvre. Les couleurs étaient restreintes et souvent atténuées par l’application d’un vernis doré.

L’Académie organisait chaque année un salon de l’art appelé « Salon de Paris », où des artistes soigneusement sélectionnés pouvaient exposer leurs œuvres afin de remporter des prix et des commandes et d’accroître leur prestige et leur popularité. Il s’agissait d’un événement très prisé auquel il fallait assister.

Dans les années 1860, le jury du Salon a rejeté environ la moitié des œuvres présentées par les impressionnistes (qui n’étaient pas encore appelés par ce nom) en faveur d’œuvres d’artistes fidèles au style approuvé. En 1863, le jury du Salon a rejeté Le déjeuner sur l’herbe de Manet principalement parce qu’il représentait une femme nue avec deux hommes vêtus lors d’un pique-nique. Alors que le jury du Salon avait l’habitude d’accepter les nus dans les tableaux historiques et allégoriques, il a condamné Manet pour avoir placé un nu réaliste dans un cadre contemporain.

Le jury a rejeté son œuvre, ainsi que plusieurs autres. Le grand nombre de tableaux refusés cette année-là a éveillé la curiosité de l’empereur Napoléon III lui-même, qui a alors décidé d’autoriser la publication de toutes les œuvres refusées en 1863 afin que le public puisse décider par lui-même. L’événement fut appelé « Le Salon des Refusés ». Beaucoup de spectateurs sont venus pour se moquer des peintures, mais cela a marqué le début de l’ère impressionniste.

Impressionnisme

Après avoir tenté d’organiser plusieurs autres « Salons des Refusés » au cours des années suivantes, sans succès, Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Paul Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas et plusieurs autres artistes fondent en décembre 1873 la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs pour exposer leurs œuvres de manière indépendante. La même année, ils ont organisé une grande exposition où plus de 30 artistes ont exposé leurs œuvres.

L’exposition est accueillie avec des sentiments mitigés. Le critique Louis Leroy écrit une critique moqueuse dans le journal Le Charivari dans laquelle, faisant un jeu de mots avec le titre d’Impression, soleil levant de Claude Monet, il donne aux artistes le nom sous lequel ils sont devenus célèbres. En intitulant son article L’exposition des impressionnistes, Leroy déclarait que le tableau de Monet était tout au plus une esquisse et qu’il ne pouvait être qualifié d’œuvre achevée.

Il a écrit :

« Impression – j’en étais certain. Je me disais que, puisque j’étais impressionné, il devait y avoir de l’impression là-dedans… et quelle liberté, quelle facilité de travail ! Le papier peint à l’état embryonnaire est plus achevé que ce paysage marin. » 

Le terme « impressionniste » a rapidement gagné la faveur du public. On les identifie bientôt par leur tempérament, leur esprit d’indépendance et de rébellion. Le style des impressionnistes, avec ses coups de pinceau libres et spontanés, allait bientôt devenir synonyme de vie moderne.

Le Salon des Impressionnistes a été organisé 8 fois entre 1874 et 1886, mais ses membres se sont lentement éloignés du mouvement pour explorer leur propre style. En effet, les désaccords pour savoir qui avait le droit d’exposer avec eux étaient courants et de nombreux artistes ont continué à essayer d’exposer au Salon de Paris. Le Salon des Impressionnistes a rapporté peu d’argent, mais il s’est constitué une base d’admirateurs considérable, à tel point qu’en 1890, les techniques des impressionnistes étaient monnaie courante.

Post-impressionnisme

Le post-impressionnisme est un mouvement artistique français qui s’est développé approximativement entre 1886 et 1905, de la dernière exposition impressionniste à la naissance du fauvisme (voir Dossier pédagogique sur le fauvisme). Le post-impressionnisme est apparu comme une réaction contre la préoccupation des impressionnistes pour la représentation naturaliste de la lumière et de la couleur. Les post-impressionnistes étaient mécontents de ce qu’ils considéraient comme la banalité des sujets et la perte de structure des peintures impressionnistes, bien qu’ils ne soient pas d’accord sur la voie à suivre. Bien qu’ils aient souvent exposé ensemble, les artistes post-impressionnistes n’étaient pas d’accord pour former un mouvement cohérent.

Peintres impressionnistes

Les principaux peintres impressionnistes étaient Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Armand Guillaumin et Frédéric Bazille, qui travaillaient ensemble, s’influençaient mutuellement et exposaient ensemble. Edgar Degas et Paul Cézanne ont également peint dans un style impressionniste pendant un certain temps au début des années 1870. Le peintre établi Édouard Manet, dont le travail dans les années 1860 a grandement influencé Monet et d’autres membres du groupe, a lui-même adopté l’approche impressionniste vers 1873.

Plusieurs femmes ont pu connaître le succès au cours de leur vie, même si leur carrière a été affectée par des circonstances personnelles – Bracquemond, par exemple, avait un mari qui n’appréciait pas son travail, ce qui l’a amenée à abandonner la peinture. Les quatre plus connues, à savoir Eva Gonzalès, Marie Bracquemond et Berthe Morisot, sont et étaient souvent appelées les « femmes impressionnistes ».

Contexte historique et sociétal du mouvement

La révolution industrielle et l’invention du chemin de fer ont soudainement accordé plus de temps libre aux Parisiens des classes moyennes et inférieures, ainsi qu’un moyen de se rendre rapidement et à moindre coût à la campagne. À cette époque, vers 1860, quatre jeunes étudiants en art – Monet, Sisley, Pierre-Auguste Renoir et Frédéric Bazille – se rencontrent alors qu’ils étudient auprès de l’artiste académique français Charles Gleyre. Pendant leur temps libre, les étudiants commencent à monter dans des trains à destination de régions éloignées de la ville, où ils installent leurs chevalets dans les champs ou sur les berges des rivières et tentent de capturer les reflets fugaces du soleil sur l’eau.

En outre, les impressionnistes ont commencé à peindre des thèmes illustrant un contraste croissant entre le travail et les loisirs dans la société et ont contribué à l’accroissement général du fossé entre la classe ouvrière et la classe moyenne. Certains des thèmes que l’impressionnisme avait tendance à mettre en avant étaient « la productivité, la technologie et l’urbanisation. » Bien que les artistes impressionnistes aient déjà peint des scènes représentant le travail et la productivité, il existait également de nombreuses peintures naturalistes qui allaient servir de base aux peintures de loisirs.

Les impressionnistes ne se concentraient pas non plus uniquement sur le travail des hommes. Edgar Degas s’est particulièrement intéressé à la représentation sur toile des occupations des femmes de la classe ouvrière. Bien que Degas soit surtout connu pour ses tableaux de danseuses de ballet (qui étaient généralement connues pour être des travailleuses du sexe), ses peintures offrent un portrait fascinant du travail féminin.

Caractéristiques du mouvement

Il existe plusieurs caractéristiques qui peuvent aider un spectateur à identifier les traits d’une peinture impressionniste. Voici quelques-unes des plus courantes :

Techniques de couleurs :

Couleurs brisées : La technique de coloration des impressionnistes au 19ème siècle était appelée « couleurs brisées ». Cette technique a été développée par Monet et Renoir, dont l’idée était d’utiliser les couleurs directement sur la toile, en utilisant des touches petites et courtes, sans mélanger une couleur avec une autre. La méthode normale de mélange des couleurs consistait à fondre doucement une couleur avec une autre, mais les impressionnistes aimaient l’aspect « patchwork » de la « couleur brisée ». Cette technique donnait un fort effet visuel de lumière tombant sur divers objets, permettait au spectateur de mélanger les couleurs « lui-même » et montrait un fort contraste et des compétences.

Pas de noir : Les impressionnistes étaient friands de couleurs, ils évitaient complètement d’utiliser la peinture noire. Pour créer des zones d’ombre ou des zones plus sombres, ils utilisaient un ton plus sombre et contrasté de la couleur typiquement vive utilisée. Au lieu d’utiliser de la peinture noire et grise pour représenter les ombres, les peintres associaient des couleurs complémentaires. Monet a dit : « La couleur doit sa luminosité à la force du contraste plutôt qu’à ses qualités inhérentes… les couleurs primaires sont plus brillantes lorsqu’elles sont mises en contraste avec leurs complémentaires. »

Dans « La Gare de Saint Lazare » ci-dessous, Monet a utilisé un riche éventail de bruns et de gris en combinant de nouvelles couleurs synthétiques de peinture à l’huile telles que le bleu cobalt, le bleu céruléen, l’outremer synthétique, le vert émeraude, le viridian, le jaune chrome, le vermillon et le lac cramoisi. Aucune ombre n’a été considérée comme étant sans couleur, et les ombres les plus profondes sont teintées de vert et de violet.

La technique de l’empâtement/impasto : La méthode consistant à utiliser des coups de pinceau courts et épais de couleurs est appelée peinture à l’empâtement. L’empâtement permet de créer du volume et de la profondeur, les objets et les sujets semblant faire partie de la toile.

Alla prima : Peindre des objets avec des couches de peinture humide sans attendre que chaque trait sèche est une caractéristique de l’impressionnisme. Cette technique permet des bords plus lâches et plus doux, ainsi que l’innovation en matière de mélange de couleurs.

Lumière :

Plusieurs peintres impressionnistes ont consacré des séries entières de tableaux à un seul objet observé à différents moments de la journée. Les meules de foin de Monet sont un parfait exemple de consécration à la lumière.

Un autre trait caractéristique des impressionnistes est que les conditions de lumière à un moment donné de la journée sont peintes très fidèlement à la réalité pour chaque scène ou paysage. Cette technique donne une grande « impression » de la lumière naturelle du moment. Les couleurs mélangées du soir ou les couleurs vives des scènes du matin donnent une représentation très réaliste des conditions dans l’œuvre d’art.

Voici quelques exemples, mais Monet a peint des dizaines de meules de foin sous différents éclairages.

En plein Air

Avec l’accès récent aux peintures pré-mélangées en tubes, les peintres ont pu déplacer leur toile hors des ateliers. Peindre « en plein air » ajoutait du contraste, des ombres qui étaient audacieusement peintes avec des ciels bleus qui se reflétaient sur les surfaces, ce qui donnait un sentiment de fraîcheur qui n’avait pas été atteint auparavant dans la peinture. Les impressionnistes ont peint à la lumière du soleil, directement dans la nature, et en utilisant les pigments synthétiques vifs qui étaient disponibles, ils ont commencé à développer une manière de peindre plus légère et plus lumineuse.

Approche pédagogique

Pourquoi ce thème est-il pertinent pour les apprenants adultes ?

L’impressionnisme est l’un des mouvements picturaux les plus reconnaissables du siècle dernier. En effet, les artistes étaient prolifiques et gagnent rapidement en popularité. Récemment, en 2019, un tableau de Monet s’est vendu à plus de 110,8 millions de dollars ! L’impressionnisme a également des techniques très spécifiques qui sont clairement reconnaissables, ce qui permet une analyse approfondie des couleurs, des coups de pinceau, de l’éclairage et plus encore. En tant que mouvement qui a ouvert la porte à une peinture plus abstraite et moins académique ou religieuse, il constitue un tournant dans l’histoire de la peinture que les apprenants ne peuvent contourner. En effet, l’impressionnisme est souvent considéré comme l’un des premiers mouvements modernes de la peinture.

Quels sont les résultats d’apprentissage de l’intégration de ce thème artistique dans une activité éducative ?

Avec cette activité, les apprenants pourront découvrir l’impressionnisme à travers les outils et les yeux du peintre. En effet, les activités sont organisées de manière à ce que les apprenants puissent apprendre le pouvoir de la lumière qui se reflète sur les objets et comment elle peut influencer les points de vue artistiques.

Ils pourront également se plonger dans des peintures spécifiques et regarder des explications vidéo de certaines des œuvres les plus influentes.

Mode d’emploi : stratégies, outils et techniques.

Les apprenants participeront à la fois de manière active et inactive à leur propre apprentissage. En effet, à l’aide de leur appareil photo, ils pourront développer leurs connaissances en matière de lumières, et discuter avec la classe, puis apprendre d’autres experts dans les domaines de l’histoire de l’art.

Oeuvres d’art

Œuvre d’art #1 Claude Monet, Impression, Soleil Levant, 1872

• Sa position par rapport au thème : Impression, Soleil levant est le porte-drapeau de tout le mouvement impressionniste. Il a reçu les plus vives critiques lors de son exposition et constitue l’une des œuvres les plus importantes de la vie de Monet.
• Brève description : La peinture représente une scène tôt le matin à La Haye. Le port est un symbole de la révolution industrielle : on y voit la marina avec des bateaux à vapeur, de la fumée et du brouillard. Les coups de pinceau libres permettent de ressentir la peinture plutôt que de copier ce qui est représenté.
• Emplacement et dimension européenne : Le tableau est exposé au Musée Marmottan Monet, à Paris, en France. 
• Exploitation pédagogique possible :Cette peinture a été assez controversée lorsqu’elle a été rendue publique pour la première fois, il peut être intéressant pour les apprenants de se renseigner sur les différentes réactions qu’elle a suscitées, pourquoi elles étaient négatives en fonction de l’observation sociétale et ce que et pourquoi certaines personnes l’ont aimée.

Œuvre d’art #2 Un dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte, George Seurat, 1884

• Son positionnement par rapport au thème : La Grande Jatte a été peinte par Georges Seurat, qui a brièvement exposé avec les impressionnistes en 1886. He soon moved on to what is today known as Neo-Impressionism, a rebellious form of impressionism. This painting marks the beginning of the Neo-Impressionism movement and the dissidence of Seurat. 
• Courte description : La peinture utilise la technique du pointillisme, une technique qui repose sur la capacité de l’œil et de l’esprit du spectateur à mélanger les taches de couleur dans une gamme plus complète de tons. The painting represents a typical Sunday afternoon on the banks of a famous river in Paris where Parisians usually tried to escape the heat and relax.
• Localisation et dimension européenne :Le tableau se trouve à l’Art Institute of Chicago, aux États-Unis. 
• Exploitation pédagogique possible :L’analyse de ce tableau peut aider les apprenants à découvrir le mouvement néo-impressionniste et à explorer comment le travail de Seurat a évolué de l’impressionnisme à des œuvres comme La Grande Jatte.

Œuvre d’art #3 La lecture de l’Illustre, Edouard Manet, 1879

• Sa position-relation au thème : Ce tableau est l’œuvre de Manet la plus proche du style impressionniste ; les coups de pinceau rapides et libres et les couleurs claires sont caractéristiques de sa technique à la fin de sa carrière.
• Courte description : Le tableau représente une jeune femme assise sur un café qui était habillée à la mode, le café semble être à l’extérieur, pourtant elle reste emmitouflée. The woman is holding the journal in both of her hands. From the figure, it was not clear that she was reading the journal or using large pages of the journal as a screen to looks at something.
• Localisation et dimension européenne :Le tableau se trouve à l’Art Institute of Chicago, aux États-Unis. 
• Exploitation pédagogique possible :La carrière de peintre de Manet n’est pas linéaire au sein du mouvement impressionniste. Il est intéressant de voir comment sa peinture du Déjeuner sur l’herbe a permis aux impressionnistes d’exposer leurs tableaux au Salon des Refusés. Il est un personnage clé et central du changement entre le réalisme et l’impressionnisme, ce qui est intéressant à étudier. 

Œuvre d’art #4 Le Déjeuner des canotiers, Pierre-Auguste Renoir, 1881

• Sa position par rapport au thème :Ce tableau est une parfaite illustration du style impressionniste. Il a été exposé au Salon des Impressionnistes de 1882 et a reçu les plus grands éloges.
• Courte description : Le tableau représente certains des amis les plus proches et la famille de Renoir déjeunant sur un soleil. For example, the lady holding a dog on the left of the image is Aline Charigot, Renoir’s wife.
• Localisation et dimension européenne : Le tableau se trouve actuellement à la Phillips Collection, Washington DC, États-Unis. 
• Exploitation pédagogique possible :Utilisez l’image pour découvrir qui était proche de Renoir car chacun des visages représente quelqu’un. Vous pouvez trouver plus d’informations à leur sujet here. Utilisez les fonctions « cliquer pour lier » pour explorer chaque visage.

Œuvre d’art #5 Rue de Paris; Temps de pluie, Gustave Caillebotte, 1877

• Sa position par rapport au thème : Rue de Paris, jour de pluie est l’œuvre la plus célèbre de Gustave Caillebotte. Caillebotte était un ami proche et un mécène des peintres impressionnistes, et même si son œuvre fait partie de ce mouvement, celle-ci est différente par son réalisme et sa proximité avec les lignes plutôt qu’avec les grands coups de pinceau
• Courte description : Le tableau se déroule dans un après-midi hivernal et pluvieux où un couple se promène sous un parapluie. Les deux personnes au premier plan sont à la mode selon les normes parisiennes et semblent appartenir à la classe moyenne. Le premier plan est net, mais légèrement brouillé ; le second plan a des bords nets et clairs et des sujets bien définis, et l’arrière-plan s’estompe dans le lointain, devenant de plus en plus flou à mesure que le regard s’éloigne.
• Localisation et dimension européenne :Le tableau se trouve à l’Art Institute of Chicago, aux États-Unis. 
• Exploitation pédagogique possible :Il est intéressant de réfléchir à ce tableau dans l’œil d’un impressionniste. Qu’est-ce qui est différent ? Les apprenants peuvent repérer la différence de style et de techniques entre ce tableau et ses brouillons antérieurs par exemple.

Œuvre d’art #6 Nénuphars et Pont Japonais, Claude Monet, 1899

• Sa position par rapport au thème :La collection des nymphéas comprend plus de 250 peintures à l’huile réalisées par Claude Monet. Il s’agit de sa représentation la plus prolifique au cours des 30 dernières années de sa vie. Les nénuphars de Monet représentent l’épitomé de l’impressionnisme, et certaines des œuvres d’art les plus représentatives du 20ème siècle ; elles sont exposées dans le monde entier et se vendent pour des sommes importantes.
• Courte description : Dans ce tableau, Monet a peint ses nénuphars avec un pont japonais au-dessus. Les tons sont complémentaires dans les teintes bleues, vertes et violettes. Vous pouvez également voir les larges coups de pinceau sur les fleurs qui attirent l’œil.
• Localisation et dimension européenne :Le tableau se trouve dans les musées d’art de l’université de Princeton aux États-Unis. 
• Exploitation pédagogique possible :Explorez la série prolifique de nénuphars de Monet et guidez les apprenants pour qu’ils notent les différents jeux de lumière et de couleurs que Monet a essayé de transmettre dans tant de tentatives. C’est un excellent exercice car les impressionnistes ont prospéré en travaillant sur les différentes façons dont la lumière joue sur les objets.

Œuvre d’art #7 Les Joueurs de cartes, Paul Cézanne, 1894

• Sa position par rapport au thème : Les Joueurs de charrette fait également partie d’une série de 5 tableaux de Cézanne. Il les a peints au début des années 1890, et ils représentent certains des tableaux de genre les plus importants du monde de l’art français. Cézanne était un peintre prolifique qui a franchi la ligne de l’impressionnisme et du post impressionnisme comme aucun autre peintre. 
• Courte description : Le tableau représente deux fermiers jouant une partie de cartes. Les tons sont dans les bruns mais il n’y a presque pas d’utilisation du noir, un trait impressionniste. Il a utilisé des traits de lilas et de vert pour mettre en valeur le tableau en fines couches. 
• Localisation et dimension européenne :Le tableau se trouve actuellement au Musée d’Orsay, à Paris, en France. 
• Exploitation pédagogique possible :Il est intéressant de comparer cette série aux œuvres plus colorées de paysages provençaux de Cézanne. Une analyse approfondie des couleurs et de la théorie des couleurs pourrait être un bon exercice pour les peintures de Cézanne.

Œuvre d’art #8 La Classe de danse, Edgar Degas, 1874

• Sa position par rapport au thème : Edgar Degas est bien connu pour avoir représenté des danseurs de ballet sous leurs différentes formes. Cette œuvre représente la peinture la plus ambitieuse de Degas consacrée au thème de la danse. Le tableau a été exposé à l’exposition impressionniste de 1876, mais Degas n’a jamais estimé que ses œuvres étaient trop proches des autres impressionnistes. 
• Courte description : Le tableau représente Jules Perrot, un chef d’orchestre qui évalue un groupe de ballerines pendant que leur mère observe la leçon.
• Localisation et dimension européenne : Le tableau se trouve au Metropolitan Museum of Art aux États-Unis. 
• Exploitation pédagogique possible :Degas a peint de nombreuses variations de ballerines et de danseuses. C’est un excellent moyen d’étudier le mouvement et la façon dont le mouvement était peint par l’impressionniste. Dans le tableau ci-dessus, mais aussi dans ses autres œuvres. 

Œuvre d’art #9 Boulevard Montmartre, matin d’hiver, Camille Pissaro, 1897

• Sa position – sa relation avec le thème : Pissaro a peint plusieurs versions du boulevard Montmartre, comme le feraient de nombreux impressionnistes pour comprendre comment la lumière modifie la façon dont nous percevons les choses. Fait intéressant, Pissaro a pu observer la vie à vol d’oiseau depuis son petit appartement, ce qui lui permet de vraiment dépeindre la vie parisienne telle qu’il la voyait. Ce point de vue a également été influencé par la révolution industrielle.
• Courte description : Le tableau représente le boulevard Montmartre à Paris, pendant l’hiver. Outre les bâtiments, les voitures et les personnes, l’atmosphère et l’éclairage sont également des aspects tangibles de l’œuvre. Plutôt que d’utiliser des lignes claires, Pissarro utilise la théorie des couleurs pour créer un sentiment de distance.
• Localisation et dimension européenne : Le tableau se trouve au Metropolitan Museum of Art aux États-Unis. 
• Exploitation pédagogique possible :L’œuvre de Pissaro a été influencée par Monet, notamment dans cette série. Il pourrait être intéressant pour les apprenants de noter la différence de style, de pinceau et plus encore pour souligner la distinction entre les deux artistes. 

Œuvre d’art #10 Bal du moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir, 1876

• Sa position par rapport au thème :Cette œuvre est peut-être la plus importante de Renoir dans les années 1870 et probablement l’une des plus importantes pièces impressionnistes. Elle a été exposée au Salon impressionniste de 1877. 
• Courte description : Renoir a peint certains de ses amis, et la classe ouvrière parisienne au Moulin de la Galette à Montmartre. Là, les gens dansaient, buvaient et s’amusaient. Le jeu de lumière est particulièrement important car vous pouvez voir des bouts de lumières provenant de sous les arbres mais aussi des lampes au-dessus de la piste de danse. 
• Localisation et dimension européenne :Ce tableau se trouve actuellement au musée d’Orsay, à Paris, en France.
• Explication pédagogique possible : L’atmosphère et le sentiment qui se dégagent de cette peinture sont très particuliers. Il peut être intéressant de l’analyser en le comparant à d’autres peintures de foules pour voir comment la lumière peut faire une si grande différence.

Activités pratiques

Activité 1

Intitulé de l’activité

Lumière et temps

Objectifs

Aider les apprenants à découvrir pourquoi la lumière a joué un rôle si important dans la peinture impressionniste.

Matériel

• Un téléphone avec un appareil photo, ou un appareil photo numérique 

Si les apprenants sont des artistes, ils peuvent utiliser leur matériel de peinture avec un chevalet.

• Une imprimante ou un projecteur

Phase préparatoire pour les éducateurs/médiateurs

Montrez aux apprenants la vaste série de nénuphars ou de meules de foin de Monet au fil des jours et des saisons. Cela aidera les apprenants à comprendre ce que nous essayons de réaliser.

Il s’agit d’une activité qui se déroule sur plusieurs jours, vous devez donc vérifier le temps qu’il fera les jours où les élèves prendront leurs photos. Le ciel doit être dégagé avec un ensoleillement similaire tout au long de la journée.

Développement

Demandez à vos apprenants de choisir un monument, un paysage, un élément extérieur qu’ils devront photographier avec exactement la même vue ou perspective à chaque fois.

Une fois qu’ils ont choisi leur paysage, fixez le programme. Idéalement, une photo doit être prise :

• Tôt le matin (peu après le lever du soleil)
• Milieu de matinée (10-11h)
• Midi (12-13h)
• Milieu de l’après-midi (2-3h)
• Soirée (juste avant le coucher du soleil)

Ils peuvent prendre jusqu’à 5 versions de la même image dans 5 éclairages différents.

Ensuite, une fois que tous les apprenants ont pris leurs photos avec des éclairages différents, utilisez les séries des meules de foin de Monet ou de la cathédrale de Rouen pour comparer les images dans des scènes éclairées différemment.

Réfléchissez avec votre classe au rôle de la lumière, comment elle affecte les couleurs, les sensations et les techniques.

Documents ou fiches pratiques

N/A

Activité 2

Intitulé de l’activité

Suivez la Khan Academy

Objectifs

Pour que les apprenants découvrent plus de détails sur les peintures impressionnistes, les techniques et autres.

Matériel

Accès à un ordinateur avec une connexion en ligne.

Phase préparatoire pour les éducateurs/médiateurs

Les ressources de la Kahn Academy sont autodidactes. Cependant, l’éducateur peut se concentrer sur des vidéos spécifiques plutôt que de demander aux apprenants de tout suivre.

Développement

Les apprenants peuvent explorer des vidéos sur des peintures spécifiques et plus encore sur ce site Web, puis répondre à un quiz à la fin pour évaluer leurs connaissances.

Realism, Impressionism and Post-Impressionism — Khan Academy