Introduction 

Lorsque nous regardons une œuvre d’art, notre œil identifie immédiatement un sujet. Un sujet ne doit pas nécessairement être un objet spécifique ou une personne, il peut aussi être, par exemple, un moment de la journée, un sentiment, une couleur ou une chose abstraite. Que peindre ? Trouver un sujet est une difficulté récurrente. Comment les artistes choisissent-ils ce qu’ils vont peindre ?

Dans ce dossier pédagogique, nous vous présenterons d’abord le concept de sujet d’une œuvre d’art et parlerons des principaux sujets choisis par les artistes, en fournissant un bref contexte historique et culturel aux différents sujets et artistes. Enfin, nous vous présenterons 10 peintures célèbres sur lesquelles il peut être intéressant de se concentrer et nous vous fournirons 2 exemples pratiques d’activités pouvant être mises en œuvre pour un atelier artistique basé sur le sujet.

En résumé, dans ce dossier, vous allez :

• Apprendre ce qu’est le sujet d’une œuvre d’art
• Découvrir les principaux sujets choisis par les artistes au cours des derniers siècles,
• Explorer certains des tableaux les plus célèbres qui peuvent présenter un intérêt pour les sujets choisis,
• Et bien plus encore !

Le thème

Introduction

Lorsque nous regardons une œuvre d’art, notre œil identifie immédiatement un sujet. Un sujet ne doit pas nécessairement être un objet spécifique, il peut aussi être, par exemple, un moment de la journée, un sentiment, une couleur ou une chose abstraite. Que peindre ? Trouver un sujet est extrêmement difficile. Comment les artistes choisissent-ils ce qu’ils vont peindre ? Lorsque nous racontons quelque chose, nous suivons, même si ce n’est pas intentionnel, une liste précise : en général, nous ne commençons pas par la fin, sauf pour des raisons de suspense ou de jeu rhétorique, et nous précisons immédiatement de qui ou de quoi nous parlons. En clarifiant immédiatement de qui nous parlons – le sujet de notre histoire – nous conditionnons l’attention de notre interlocuteur. Dans le domaine de l’art, le terme « sujet » désigne le sujet ou le point de fuite autour duquel une œuvre d’art est construite. Il peut s’agir d’une variété de choses. Souvent, les sujets les plus pertinents changent en fonction de la période historique ou du courant artistique. Il peut s’agir d’une personne, d’une nature morte, d’un paysage, d’un bâtiment ou d’un autre élément clé. Il est important de comprendre le sujet d’une œuvre d’art afin d’en saisir la signification globale. Et parfois, il peut également être intéressant de voir comment le peintre choisit son sujet, et quels sont les moyens par lesquels il le met en valeur et le souligne.

Le choix du sujet

Le sujet d’une œuvre d’art peut être aussi bien abstrait que concret. Identifier le sujet principal d’une œuvre d’art est utile pour trouver un sens à l’œuvre, pour comprendre les intentions de l’artiste, mais aussi pour comprendre le mouvement artistique de référence, et plus généralement le contexte culturel historique.

Parfois, le sujet d’une œuvre d’art est clairement identifiable : par exemple, si dans un tableau nous ne voyons que le visage d’une personne, nous pouvons dire que ce tableau est un portrait ou un autoportrait, et le sujet est identifié.

Il arrive également que le peintre choisisse de nommer son tableau en fonction du sujet : par exemple, la représentation d’un paysage. Si l’artiste appelle l’œuvre « paysage », nous sommes sûrs qu’il s’agit du sujet.

Mais parfois, l’identification du sujet peut être plus difficile, ou peu claire, lorsque par exemple il semble y avoir plus d’un sujet, ou que le sujet du tableau est abstrait.

Le contexte artistique : le contexte artistique du thème, les grandes questions et enjeux artistiques de l’époque

L’évolution des sujets dans le temps et dans l’histoire

Le « sujet » d’un tableau désigne généralement le thème ou ce que le tableau représente dans un contexte illustratif. Le choix du sujet a également beaucoup évolué au fil du temps. Cela s’explique par le fait que la signification de la peinture a également changé au cours du temps. Jusqu’à l’époque moderne et avant la photographie, les peintures servaient de témoignage d’un événement ou d’un paysage réel. Par conséquent, la valeur de l’art était également historique. L’art abstrait n’existait pas vraiment dans les contextes culturels convenus. Même les fantastiques peintures atmosphériques de paysages et de marines de Turner décrivaient une réalité (réelle ou fantasmée).

Dans le passé, les artistes n’étaient pas toujours libres de leur choix ; souvent, la tradition académique choisissait les sujets pour l’artiste. Ils pouvaient réaliser des portraits, des scènes religieuses ou historiques, des peintures de genre, des paysages ou des natures mortes. Un artiste de cour, comme Van Dyck ou Velázquez, peignait le monarque et son entourage, devenant ainsi en quelque sorte le photographe de la cour.

Dans le cas des artistes travaillant pour l’église, par exemple Caravage, c’est la Bible qui fournissait les histoires. Chaque institution avait ses thèmes favoris, et l’artiste était en quelque sorte au service de cette institution.

Cependant, on peut également dire que les œuvres d’art ont tendance à être plus réussies lorsque l’artiste est en contact émotionnel avec le sujet, lorsque la volonté de l’artiste de peindre un sujet particulier est visible. De cette façon l’art devient un moyen de communication direct de l’artiste avec le spectateur, et l’artiste n’est plus un acteur passif dans la peinture.

Les institutions telles que la cour ou l’église changent partiellement à la suite d’événements sociaux tels que l’émergence du mouvement des Lumières ou de nouvelles classes sociales comme la bourgeoisie. Dès le XVIIe siècle, pendant le « siècle des Lumières », puis durant le romantisme au XVIIIe siècle, les artistes cherchent à modifier ces conventions. Mais le véritable tournant a lieu avec l’arrivée de l’ « art moderne » à la fin du XIXe siècle. Ce terme est associé à un art dans lequel les traditions du passé sont mises de côté dans un esprit d’expérimentation.

Au cours de cette période, les sujets de l’art changent en même temps que la figure de l’artiste. Les artistes deviennent plus autonomes et conçoivent l’ « art pour l’art ». Les artistes modernes expérimentent de nouvelles façons de voir et développent de nouvelles idées sur la nature des matériaux, les fonctions de l’art et le choix des sujets. C’est au cours de la période de l’ « art moderne » qu’ont été posées les premières pierres de l’ « art abstrait ». Avec l’art abstrait, on peut aussi dire que le sujet est ce que l’on voit. Cela inclut les formes, les couleurs, les lignes et autres éléments.

L’art abstrait est compris comme étant subjectif, ce qui laisse le sujet ouvert à l’interprétation. On peut penser que tout art est subjectif – mais cela ne fera pas l’objet d’un débat ici – l’important est que, pour déterminer le sujet de l’art abstrait, il faut faire plus de recherches personnelles que pour une chose plus évidente, comme un portrait.

Les caractéristiques du mouvementLes principales catégories de sujets.

Nous avons vu qu’un sujet en peinture peut être beaucoup de choses. Le terme « sujet » dans l’art fait référence à l’idée principale qui est représentée dans l’œuvre. Le sujet dans l’art est essentiellement l’essence de l’œuvre. Pour déterminer le sujet d’une œuvre d’art particulière, nous pouvons nous poser plusieurs questions : Qu’est-ce qui est réellement représenté dans cette œuvre d’art ? Qu’est-ce que l’artiste essaie d’exprimer au monde, quel est son message ? Et comment transmet-il ce message ?

Il existe plusieurs sujets « de base » qui apparaissent souvent dans l’histoire de la peinture, c’est-à-dire qu’à différentes époques et pour différents courants artistiques, certains sujets se répètent, devenant de grands classiques. Certains des sujets les plus populaires en peinture ont été identifiés. Voici une liste des sujets les plus populaires que l’on peut trouver en peinture.

Les sujets les plus populaires en peinture :

Paysages

Une peinture ou un dessin de paysage désigne une œuvre d’art dont le thème principal est le paysage naturel. L’artiste y dépeint différents paysages naturels tels que des montagnes, des forêts, des falaises, des arbres, des rivières, des vallées, etc., y compris des paysages impressionnistes et abstraits. La Terre est une création merveilleuse, pleine de couleurs et riche en diversité. Des déserts arides aux forêts tropicales luxuriantes, des océans agités aux ciels nuageux, la Terre offre une inspiration sans fin aux artistes. La palette de la nature est partout où vous regardez. Tout au long de l’histoire, les artistes ont trouvé une inspiration sans fin dans la beauté mystérieuse de la nature et la grandeur de ses paysages variés. Elle a toujours été un sujet de grande inspiration, mais aussi de grande facilité et d’immédiateté puisqu’elle nous entoure à tout moment.

Natures mortes

C’est un ensemble d’objets inanimés disposés ensemble d’une manière spécifique. La grande particularité des natures mortes est qu’elles peuvent nous montrer une nouvelle façon de regarder les objets ordinaires qui nous entourent. Une fois placés dans une disposition spécifique et capturés par la peinture, l’encre, le pastel ou tout autre moyen, les objets prennent une toute nouvelle signification. Ils sont imprégnés d’une vie qui dépasse l’ordinaire. Leur existence est enregistrée dans le temps, et les artistes sont les protagonistes de cette action.

Portrait et figure humaine

Il s’agit de l’image d’une personne particulière. Le but d’un portrait est souvent de conserver l’image d’une personne pour l’avenir. Il peut être réalisé par la peinture, la photographie, la sculpture ou tout autre moyen. Certains portraits sont réalisés par des artistes dans le seul but de créer de l’art, plutôt que de passer commande. Le corps et le visage humains sont des sujets fascinants que de nombreux artistes aiment étudier dans leur travail personnel.

Nature et faune

Un regard ou une interprétation ciblée sur des éléments naturels spécifiques : l’exploration de la nature dans l’art peut prendre des formes infinies car la nature nous offre une telle richesse de phénomènes inspirants.

L’ abstrait

L’art abstrait désigne une œuvre d’art non représentative qui se manifeste comme une poésie visuelle. Cependant, au lieu de recourir à des mots et à des phrases, les œuvres d’art abstraites utilisent des couleurs, des formes, des lignes, des motifs et des textures pour créer une danse visuelle de l’esprit. Dans ce cas précis, le sujet est difficilement reconnaissable et nécessite une analyse pour être détecté.

Nus

Le nu est un thème artistique qui consiste à représenter, au sein de divers supports artistiques, le corps humain (tant masculin que féminin), nu ou semi-nu. La nudité dans l’art vient refléter les normes sociales en vigueur, dans leur ensemble, tant sur le plan de l’esthétique que moral de l’époque et du lieu où l’œuvre a été réalisée. De nombreuses cultures tolèrent (chacune avec un seuil de tolérance différent) la nudité dans l’art bien plus qu’elles ne l’acceptent pas dans la vie réelle.

Nous devons rappeler que tous les peintres sont, dans une certaine mesure, influencés par ceux qui les ont précédés et sont emmenés à se comparer à leurs prédécesseurs. Mais nous devons également dire que certains sujets sont définitivement associés à leurs auteurs, car certaines œuvres sont devenues si célèbres qu’il est impossible d’en détacher leur sujet de leur créateur. Les Tournesols de Van Gogh, les Danseuses de Degas, le Mont St Victoire de Cézanne illustrent à merveille ce cas particulier.

Approche pédagogique

Pourquoi ce thème est-il pertinent pour les étudiants adultes ?

Qu’il soit facilement reconnaissable ou non, chaque tableau comporte son sujet propre mis en valeur d’une manière ou d’une autre : que ce soit par la taille, la couleur, le clair-obscur ou la perspective. Il est donc important, de reconnaître qu’il existe plusieurs techniques et éléments analysables pour percer le sens d’une œuvre : il peut s’agir de l’utilisation des couleurs, du style artistique d’un artiste particulier, de l’utilisation de la perspective, ou même le choix d’un sujet à peindre. Ainsi il ne s’agit pas simplement de regarder une œuvre, mais d’apprendre à la voir et l’apprécier pour ce qu’elle transmet.

Quels objectifs éducatifs sont visés en combinant ce thème artistique et une activité pédagogique ?

Grâce à cette activité, les étudiants pourront découvrir l’existence de différents sujets à travers histoire de l’art. En effet, les activités sont mises en place afin que les étudiants puissent en apprendre plus sur le pouvoir de la lumière qui se reflète sur les objets et sur comment elle peut influencer les regards artistiques.

Mode d’emploi : stratégies, outils et techniques.

Les étudiants participeront à leur apprentissage de manière active et passive. Ils engrangeront à la fois des connaissances théoriques sur le thème du sujet et des compétences pratiques à l’aide d’activités personnelles.  

Œuvres d’art

Œuvre d’art #1 Pierre-Auguste Renoir, Nu féminin, 1876

• Rapport au thème : Nu féminin,est un tableau de 1876 de style impressionniste de l’artiste français de renom Pierre-Auguste Renoir.

• Courte description : Anna, le modèle, est ici représentée sous les traits d’une jeune femme nue au corps rosé et captivant, surprise en train de regarder par-dessus l’épaule de l’observateur, avec une pose provocante et sans équivoque. La femme, assise sur une chaise, trône au centre d’une pièce dépourvue de lumière mais animée par la couleur claire des différents tissus empilés de façon désordonnée ça et là.

• Emplacement et dimension européenne : Cette œuvre est située au Musée des Beaux-Arts Pouchkine à Moscou, en Russie.

• Possible exploitation pédagogique : Ici, le sujet choisi par l’artiste est une jeune femme, peinte nue dans une chambre. Pierre-Auguste Renoir était un peintre français, considéré comme l’un des principaux représentants de l’impressionnisme. Le nu est un thème très fréquent dans les œuvres des impressionnistes, ce qui a souvent suscité des critiques de la part de l’Académie et plus généralement de la société française de l’époque. Il peut être intéressant de voir comment les impressionnistes ont amené le nu sur des toiles artistiques d’une manière différente des peintres précédents.

Œuvre d’art #2 La Décollation de saint Jean-Baptiste, Caravage (1608)

• Rapport au thème : La Décollation de saint Jean-Baptiste est une peinture à l’huile, réalisée par Caravage en 1608. Il s’agit d’une scène religieuse. Caravage représente souvent des scènes tirées des Saintes Écritures. C’est un thème traditionnel de son époque.

• Courte description : La toile représente un geôlier imperturbable, un bourreau s’apprêtant à porter le coup de grâce, une jeune femme portant une bassine sur lequel elle recueillera la tête de Baptiste, et une vieille femme se couvrant le visage de ses mains avec horreur ; à droite, deux prisonniers observent la scène depuis une grille.

• Emplacement et dimension européenne : Le tableau est conservé à l’Oratoire Saint-Jean-Baptiste des Chevaliers dans la co-cathédrale Saint-Jean de La Valette, à Malte.

• Possible exploitation pédagogique : Depuis longtemps, les thèmes religieux sont au centre de la production artistique. Il peut être intéressant de voir la relation entre l’église, le message religieux et l’art.

Œuvre d’art #3 J. M. W. Turner, Le Téméraire remorqué à son dernier mouillage pour y être détruit (1839)

• Rapport au thème : Le Téméraire remorqué à son dernier mouillage pour y être détruit est une peinture de J. M. W. Turner. Turner est très célèbre pour ses peintures de paysages désolés, brumeux, où la force et la grandeur de la nature font ressortir la petitesse de l’homme et lui inspire une peur mêlée de vénération.

• Courte description : Le tableau représente un paysage, des bateaux sur l’eau, un ciel aux couleurs pastelles de l’aube. Les nuances de bleu et de rose dominent : le soleil est encore au loin.

• Emplacement et dimension européenne :Le tableau se trouve à la National Gallery, à Londres.

• Possible exploitation pédagogique : Turner est très célèbre pour ses peintures de paysages. Regardez ses autres œuvres et analysez comment le peintre dépeint différents paysages.

Œuvre d’art #4 Diego Velázquez, Portrait de Marianne d’Autriche, c. 1656

• Rapport au thème : Portrait de Marianne d’AustrichePortrait de Marianne d’Autriche est une huile sur toile de Diego Velázquez. À son époque il était courant pour les artistes de travailler dans les cours royales, ils y peignaient des moments de la vie des nobles, devenant ainsi en quelques sorte des photographes témoignant d’une époque et d’un milieux.

• Courte description :Ce tableau est le portrait d’une jeune femme à la peau pâle, aux joues roses et aux cheveux bien coiffés. Elle porte une grande robe de cours, raffinée, coûteuse et comprenant de nombreux détails. La jeune femme a un air très sérieux qui contraste avec son jeune âge et son visage enfantin.

• Location et dimension européenne :Le tableau se trouve actuellement au musée du Prado.

• Possible exploitation pédagogique : Utilisez des peintures de cours pour en savoir plus sur le rôle des peintres dans les milieux aristocrates et sur la façon dont les nobles faisaient peindre leur portrait.

Œuvre d’art #5 Edgar Degas, Danseuses, 1884-1885

• Rapport au thème : Danseuses fait partie d’une série représentant des danseuses, créée par Edgar Degas. Ce tableau est l’un des plus célèbres réalisés par Degas, il est considéré comme l’un des plus représentatifs de son œuvre.

• Courte description : Des jeunes ballerines sont représentées. Elles sont vêtues de robes de danse classique, les cheveux attachés en queue de cheval. La lumière est faible et met l’accent sur les gestes des sujets.

• Emplacement et dimension européenne : Le tableau se trouve au Musée d’Orsay, à Paris

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• Possible exploitation pédagogique : Degas est célèbre pour avoir peint plusieurs œuvres ayant pour thème les ballerines. Ce sujet lui est désormais indissociable. Découvrez d’autres œuvres.

Œuvre d’art #6 Wassily Kandinsky, Peinture avec une tache rouge, 1914

• Rapport au thème : Peinture avec une tâche rouge est un tableau de Wassily Kandinsky l’un des artistes les plus célèbres de l’art abstrait.

• Courte description : Le tableau est très coloré, Kandinsky utilise le bleu, le jaune, le rouge, l’orange, le vert, le violet. Ici, le sujet n’est pas très clair, ce qui est voulu dans le cas de l’art abstrait. Très souvent, le peintre n’identifie même pas le sujet dans le titre de l’œuvre, il cherche à le rendre insaisissable, et veut laisser place à l’interprétation.

• Emplacement et dimension européenne : Le tableau se trouve actuellement au Centre Pompidou, à Paris, en France.

• Possible exploitation pédagogique : L’art abstrait est très intéressant. Si nous ne pouvons pas identifier un sujet, cela ne signifie pas que l’artiste ne savait pas ce qu’il/elle peignait. Analysez différents artistes abstraits, tels que Mondrian, Kandinsky et Pollock.

Œuvre d’art #7 Le Bassin aux nymphéas, harmonie verte, Claude Monet, 1899

• Rapport au thème : La collection des Nymphéas comprend plus de 250 peintures à l’huile de Claude Monet. Les nymphéas de Monet sont aujourd’hui considérées comme les tableaux illustrant le mieux l’impressionnisme et figurent parmi les œuvres d’art les plus représentatives du XXe siècle.

• Courte description : Dans ce tableau, Monet a peint dans les teintes bleues, vertes et violettes des nymphéas surplombées par un pont japonais. Le sujet des nymphéas est à jamais lié à Monet et sont représentatives du mouvement impressionniste.

• Emplacement et dimension européenne : Le tableau se trouve dans le Musée d’Art de l’université de Princeton, aux États-Unis.

• Possible exploitation pédagogique : La série prolifique des Nymphéas de Monet est à jamais liée à la manière dont les artistes peuvent représenter la nature. Découvrez d’autres œuvres aussi représentatives de certains artistes, comme dans ce cas-ci.

Œuvre d’art #8 Juan Sánchez Cotán, Nature morte au gibier, légumes et fruits, 1602

• Rapport au thème : Nature morte au gibier, légumes et fruits est une huile sur toile du peintre espagnol Juan Sánchez Cotán, c’est l’une des premières natures mortes peintes en Europe.

• Courte description : Un gibier à plumes, d’après le titre original, est un oiseau appartenant à l’une des diverses races de volailles. Le tableau représente différents gibiers, comme des verdiers, des chardonnerets et des moineaux, mais aussi des fruits suspendus, comme des citrons et des pommes, et, à droite, un énorme cardon. Le sujet du tableau est une nature morte.

• Emplacement et dimension européenne : Le tableau est conservé au musée du Prado à Madrid.

• Possible exploitation pédagogique : Les objets du quotidien, fruits, légumes ou animaux, sont ici dépeints, isolés et représentés indépendamment de la présence de l’homme. La scène, axée sur une étude attentive et méticuleuse des objets de la vie quotidienne et de la nature, semble être plongées dans des « silences ». Il peut être intéressant de se demander comment, entre le XVIIe siècle et aujourd’hui, le rapport de l’homme avec les éléments de la vie quotidienne a changé.

Œuvre d’art #9 Gustave Courbet, Le Désespéré, 1843

• Rapport au thème : Le Désespéré est un tableau de Gustave Courbet. C’est un autoportrait, et il a été achevé en 1843-1845, il se classe parmi les plus beaux tableaux de toute sa carrière.

• Courte description : Le tableau représente le visage de l’artiste, les mains dans les cheveux, et habillé d’une chemise blanche. La lumière entre par le côté gauche et inonde le visage de l’artiste à sa droite. Ses longs cheveux pendent librement et la position de ses mains donne une impression d’anxiété. Ses yeux sont grands ouverts, saillants, et regardent directement le spectateur, créant ainsi un lien fort entre le spectateur et l’artiste lui-même.

• Emplacement et dimension européenne : Le tableau est aujourd’hui dans la collection privée du Conseil Investissement Art BNP Paribas mais il a été présenté dans l’exposition Courbet du Musée d’Orsay en 2007.

• Possible exploitation pédagogique : On dit qu’au moment où il a réalisé cet autoportrait, Gustave Courbet avait été rejeté à plusieurs reprises par le Salon de Paris pour d’autres œuvres d’art. Ce tableau peut donc être considéré comme reflétant sa frustration à cette période de sa vie. Il peut être intéressant de voir le rôle des critiques sur les peintures, et comment l’opinion sur une certaine peinture peut changer en fonction de la période historique.

Œuvre d’art #10 Giuseppe Arcimboldo, Rodolphe II d’Habsburg en Vertumne, 1590

• Rapport au thème : Vertumne, également connu sous le nom de Rodolphe II de Habsbourg en Vertumne, est un tableau de 1590 de Giuseppe Arcimboldo représentant l’empereur Rodolphe II de Habsbourg en tant que Vertumne, le dieu romain du changement des saisons.

• Courte description : Le portrait de l’empereur est composé de plantes, de fleurs et de fruits de toutes les saisons : citrouilles, poires, pommes, cerises, raisins, blé, pois, oignons, feuilles de chou, châtaignes, figues, mûres, grenades, courges diverses, etc. Le portrait est conçu comme une allégorie impériale, l’empereur étant considéré comme le maître de tous. La variété des fleurs et des fruits de toutes les saisons indique le retour d’un âge d’or sous le règne de l’empereur.

• Emplacement et dimension européenne : Cette peinture est aujourd’hui conservée au château de Skokloster à Håbo, en Suède.

• Possible exploitation pédagogique : Il est intéressant de voir comment l’artiste utilise la nature morte (fleurs, fruits, légumes) pour peindre un sujet qui est un portrait, comment il utilise des objets inanimés pour présenter un objet animé. Apprenez-en plus sur le travail de Giuseppe Arcimboldo dans ce style, et découvrez d’autres peintures où différents sujets sont entrelacés.

Activités pédagogiques