Introducción
El arte es algo hermoso y curioso, porque cuando se utiliza con el propósito de crear cambio, unidad y poder a través de la resistencia, tiene la gran fuerza de conectar a las personas que comparten un mismo mensaje.
En este dossier didáctico, te presentaremos primero los orígenes del movimiento, ofreciendo un breve contexto histórico y cultural a su surgimiento. Luego, entraremos en detalles sobre las particularidades del movimiento, basándonos en artistas, colores, formas, pinceladas, perspectiva etc. Por último, te presentaremos 10 obras de arte que se crearon durante el período y te proporcionaremos 2 ejemplos prácticos de actividades que se pueden implementar para un taller de arte basado en el arte de Resistencia y Protesta.
Para resumir, en este dossier podrás:
- Conocer los orígenes del movimiento,
- Descubrir algunas de sus figuras clave e influyentes,
- Explorar las características de las técnicas de las obras de arte,
- ¡Y más!
El tema
Antecedentes del movimiento
La protesta, la lucha y el activismo político son poderosas herramientas de resistencia. El poder a través de la movilización de las personas puede crear un palpable cambio positivo en el mundo. En particular, usar el arte como una forma de protesta no violenta puede tener un significado y una fuerza inmensos, conectando a las personas a través de la resistencia. Puede convertir cuestiones negativas y llenas de miedo en algo que valga la pena. El arte de resistencia, también conocido como arte de protesta, se refiere a las obras creativas producidas por activistas y movimientos sociales. El arte de protesta ayuda a despertar emociones básicas en sus audiencias, y a cambio puede aumentar el clima de tensión y crear nuevas oportunidades para discrepar.
“El arte de protesta en sí mismo no crea cambios, pero tiene como objetivo animar y galvanizar a suficientes personas de diferentes entornos socioeconómicos a que se movilicen por una causa. Para tener éxito, un llamamiento a las armas debe ser inmediato, descarado y, lo más importante, tener alma»
(Lanks, 2016).
Diferentes formas de arte pueden vincular a las personas de diferentes maneras. El poder de la música al escribir y cantar canciones de libertad se ha convertido en una tradición en el corazón de muchos movimientos. La música ha sido reconocida como una fuerza de unión que ayudó a crear y fortalecer una conciencia común (Eprile, 2017). El arte visual como protesta es otra forma en la que el arte se utiliza como medio de resistencia para crear un cambio a mejor. El arte es una herramienta crítica que siempre se está utilizando para influir en los pensamientos y comportamientos de una población, si no fuera así, la propaganda financiada por el gobierno no existiría, tampoco lo haría la destrucción del arte o la quema de libros.
El arte de resistencia es el arte utilizado como forma de mostrar su oposición a las potencias. Esto incluye el arte que se opuso a tales potencias como el partido nazi alemán, así como al que lo hizo al apartheid en Sudáfrica. El levantamiento de Soweto marcó el comienzo del cambio social en Sudáfrica. El arte de resistencia surgió del Movimiento de Conciencia Negra, un popular movimiento anti-Apartheid que surgió en la década de 1960, liderado por el carismático activista Steve Biko. Gran parte del arte era público, en forma de murales, pancartas, carteles, camisetas y graffiti con mensajes políticos conflictivos y que se centraban en las realidades de la vida en una Sudáfrica segregada. Willie Bester es uno de los artistas sudafricanos más conocidos que originalmente comenzó como artista de resistencia. A través de materiales ensamblados de la basura, Bester construye superficies en relieve y luego pinta la superficie con pintura al óleo. Sus obras tratan sobre importantes figuras negras sudafricanas y aspectos relevantes para su comunidad. Los artistas de resistencia sudafricanos no se ocupan exclusivamente de la raza ni tienen que ser del mismo municipio. Bester vive actualmente en Kuilsrivier, Sudáfrica.
Otra artista, Jane Alexander, se ha ocupado de las atrocidades del apartheid desde la perspectiva blanca. Su arte de resistencia se ocupa de la sociedad insana que continúa en Sudáfrica después del apartheid.
Artistas como John Trumbull, Emory Douglas, Martha Rosler, Keith Haring y Judy Chicago fueron artistas estadounidenses famosos durante el período.
John Trumbull (6 de junio de 1756 – 10 de noviembre de 1843) fue un artista estadounidense de principios de la independencia, famoso por sus pinturas históricas de la Guerra de la Independencia de los Estados Unidos, de la que fue veterano. Le llamaron «El pintor de la revolución»
La pintura Rendición de Lord Cornwallis de John Trumbull se expone en la Rotonda del Capitolio de Estados Unidos. El tema de esta pintura es la rendición del ejército británico en Yorktown, Virginia, en 1781, que puso fin a la última gran campaña de la Guerra de la Independencia.
Douglas sirvió como el artista revolucionario y ministro de cultura de los Panteras, y se encargó de crear imágenes (en gran parte difundidas por su periódico oficial) que establecieron un registro visual de la plataforma del partido.
Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971). Cortesía de Black Lives Matter website.
Siempre ha habido una respuesta psicológica que trasciende al Partido Pantera Negra en la comunidad afroamericana y se ha convertido en un símbolo nacional e internacional. Siempre ha sido parte de la identidad cultural de la gente en relación a su forma ver la injusticia. Los cerdos se convirtieron en un símbolo psicológico de resistencia.
Ilustración de Emory Douglas de policías representados como cerdos para el partido Pantera Negra. Cortesía de Fricar creative commons. Puedes ver la obra aquí.
En Europa, artistas como Eugène Delacroix, Henri Rousseau, Francisco Goya, Salvador Dalí y Pablo Picasso, comenzaron a documentar expresivamente su visión sobre la guerra. En su obra, Goya buscó conmemorar la resistencia española a los ejércitos de Napoleón durante la ocupación de 1808 en la invasión napoleónica. Goya pintó El 3 de mayo de 1808, que se considera una pieza inspiradora para el signo de la paz de Gerald Holtom y una serie de pinturas importantes posteriores, incluida una serie de Édouard Manet, y la Masacre de Pablo Picasso en Corea y Guernica. No está claro si él había presenciado personalmente la rebelión o las represalias, a pesar de los muchos intentos posteriores de situarlo en alguno de esos eventos. Se cree que 2 y 3 de mayo de 1808 fue concebido como parte de una serie más grande. Al principio, la pintura se encontró con reacciones mixtas de críticos de arte e historiadores.
Anteriormente, los artistas tendían a representar la guerra en el grandioso estilo de la pintura de historia, y la descripción no heroica de Goya era inusual para la época. Según algunas primeras opiniones críticas, la pintura tenía fallos técnicas: la perspectiva es plana, o las víctimas y los verdugos están demasiado juntos para ser realistas. Aunque estas observaciones pueden ser rigurosamente correctas, el escritor Richard Schickel argumenta que Goya no intentaba defender las competencias académicas, sino el impacto general de la obra. El artificio pictórico da paso a la representación épica de la brutalidad sin barnices. La pintura está estructural y temáticamente ligada a las tradiciones del martirio en el arte cristiano, como se ejemplifica en el uso dramático del claroscuro, y el atractivo de la vida yuxtapuesto con lo inevitable de la ejecución inminente.
Incluso los pintores románticos contemporáneos (que también estaban intrigados por los temas de la injusticia, la guerra y la muerte) compusieron sus cuadros prestando mayor atención a las convenciones de la belleza, como queda patente en La balsa de la Medusa (1818-1819) de Théodore Géricault y en el cuadro La Libertad guiando al pueblo de Eugène Delacroix (1830).
La Guerre de Henri Rousseau también representa los efectos de la guerra.
El caballo de la pintura contrasta con el de El carro de Père Junier: negro, salvaje y erizado, representa la fuerza brutal de la guerra. En su espalda, la mujer armada, fea y salvaje da a entender que la guerra saca lo primitivo. La parte inferior de la pintura muestra los efectos de la guerra: cadáveres que son el alimento de los cuervos. Los árboles desnudos y las ramas rotas crean un paisaje de desolación y aluden a la muerte, aún cuando el rosa de las nubes y el azul del cielo no muestran el drama de la escena. La composición es piramidal, con los cadáveres en la base, y el caballo y la mujer arriba.
Pablo Picasso se inspiró en la obra de Goya. Guernica es una gran pintura al óleo de 1937 sobre lienzo de Pablo Picasso. Es una de sus obras más conocidas, considerada por muchos críticos de arte como la pintura anti-bélica más conmovedora y poderosa de la historia. Se expone en el Museo de Reina Sofía de Madrid.
Picasso pintó el Guernica en su casa de París en respuesta al bombardeo del 26 de abril de 1937 de Guernica, una ciudad del País Vasco en el norte de España que fue bombardeada por la Alemania nazi y la Italia fascista a petición de los nacionalistas españoles. A lo largo de los años, Guernica se ha convertido en un símbolo universal y poderoso que advierte a la humanidad del sufrimiento y la devastación de la guerra.
Durante el mismo periodo Salvador Dalí pintó El rostro de la guerra. La pintó durante un breve periodo en que el artista vivió en California. El trauma y la visión de la guerra habían servido a menudo de inspiración para la obra de Dalí. A veces creía que sus visiones artística eran premoniciones de guerra. Esta obra se pintó entre el final de la Guerra Civil Española y el comienzo de la Segunda Guerra Mundial.
Salvador Dalí, El rostro de la guerra (1940), óleo sobre lienzo, 64cm x 79cm, Boijmans Van Beuningen Museum, Rotterdam, Países Bajos.
La pintura representa una cara desencarnada flotando frente a un paisaje desértico estéril. El rostro se marchita como el de un cadáver y tiene una expresión de miseria. En la boca y cuencas oculares, hay caras idénticas. En las bocas y ojos, encontramos más caras idénticas en un proceso que pretende ser infinito. Alrededor de la cara grande pululan serpientes mordedoras. En la esquina inferior derecha está la huella de una mano que Dalí insistió que fue la suya propia.
Los movimientos sociales a menudo se definen por su mensaje, pero se recuerdan por su arte y las imágenes que utilizaron. Tanto si se trata de arte basado en el movimiento (arte que surge de los propios grupos del movimiento social) como de arte de apoyo al movimiento (arte realizado por artistas profesionales que utilizan su práctica como una forma de apoyo a los movimientos sociales y que, aunque pueden estar directamente vinculados al movimiento, no forman parte de las organizaciones del mismo), el uso de la expresión artística es parte integral de los movimientos sociales. Esto es así especialmente en el arte de protesta, ya que se utilizan para permitir una expresión fácil de ideas complejas como son la expresión cultural, social o de clase y la identidad, que se comunican a través de sus medios porque en lugar de pasar complicados libros de teoría para ser leídos por lectores profanos, el arte de protesta (basado en el movimiento) es tradicionalmente fácil de distribuir, consumir y comprender –su mensaje es alto y claro y no permite que barreras como la enseñanza y el nivel de educación impidan que su mensaje se comunique y comprenda de manera efectiva.
Mirando a dos movimientos sociales a lo largo de la historia, los que se destacan son el Movimiento Afroamericano de Derechos Civiles de la década de 1960 y el actual (2014 – 2020/presente) Movimiento Black Lives Matter. El Movimiento afroamericano por los derechos civiles es un movimiento social que fácilmente tiene algunos de los motivos más memorables en la conciencia colectiva moderna [occidental]. Desde el emblemático discurso de Martin Luther King Tengo un sueño en la protesta de la marcha por el empleo en Washington, hasta la icónica imagen de los Student Non-violent Coordinating Committees –Comités de Coordinación Estudiantil No Violenta– (Fotografía de Danny Lyon, Cartel «SNCC NOW», 1964, 55,9 x 35,6 cm) de los estudiantes manifestantes con los ojos cerrados y los brazos levantados en señal de oración, simbolizando el Poder Negro.
El arte es el hilo conductor de innumerables movimientos de resistencia y protestas que han unido a la gente y han provocado un cambio social positivo. Ya sea a través de la música, el arte visual, la danza, el teatro o cualquier otra forma de arte, el arte tiene una forma de conectar con nuestras emociones humanas y unirnos a través de la esperanza y el poder. De esta manera, el arte tiene el poder de convertir lo malo en bueno y proporcionar una plataforma para que la gente se mantenga unida, no sola.
En los últimos cincuenta a cien años, algunos movimientos han tenido un mayor impacto cultural en la sociedad. El arte de resistencia, el arte activista en curso, el arte pop y el movimiento feminista, que resurgió en la década de 1960 y ha crecido de diversas formas hasta el presente. Los tremendos impactos del feminismo en la vida cotidiana incluyen cambios en las leyes, regulaciones e instituciones políticas, pero van mucho más allá. La esencia de la vida de cada persona que vive en los Estados Unidos se ha visto cambiada por el nuevo feminismo.
Características del movimiento
Hay varias características que pueden ayudar al espectador a identificar los rasgos. Algunas de las más comunes son las siguientes:
Símbolos
El puño cerrado es un tema recurrente en el arte de protesta y resistencia y se ha utilizado ya durante la revolución mexicana, la protesta de los estudiantes estadounidenses contra la guerra de Vietnam, el partido Pantera Negra, así como los estudiantes franceses durante su rebelión socialista de 1832 contra la monarquía.
El movimiento chicano mexicano-americano vio en los murales una forma de protesta contra las injusticias que perjudicaban a su marginada población. Al final de la revolución mexicana, el gobierno encargó a artistas la creación de un arte que pudiera educar a las masas, en su mayoría analfabetas, sobre la historia mexicana. Celebrar el potencial del pueblo mexicano para elaborar la historia de la nación fue un tema clave en el muralismo mexicano, un movimiento dirigido por Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco, conocidos como los tres grandes. Entre las décadas de 1920 y 1950, cultivaron un estilo que definió la identidad mexicana después de la revolución.
Los tres grandes, como se les conoce, fueron modelos importantes no solo como grandes artistas modernos, sino también como activistas políticos que enraizaron su muralismo en apoyo a las luchas de los miembros más pobres y explotados de sus comunidades.
La revolución mexicana marcó un hito en el siglo XX, ya que supuso una verdadera ruptura con el pasado, dando paso a una época más igualitaria. Con su gran escala, su iconografía innovadora y su mensaje socialmente relevante, el muralismo mexicano sigue siendo un notable elogio a la revolución.
Los muralistas desarrollaron una iconografía con héroes atípicos y no europeos del ilustre pasado, presente y futuro de la nación: guerreros aztecas que luchan contra los españoles, campesinos humildes que luchan en la revolución, trabajadores comunes de la Ciudad de México y la gente mestiza que forjará la próxima gran época, como en el mural de la UNAM de Siqueiros. Los tres grandes crearon murales épicos en las paredes de edificios públicos ampliamente visibles utilizando técnicas como el fresco, la encáustica, el mosaico y la escultura-pintura.
Aparte, en tiempos de crisis, el arte se utilizaba como una forma muy visual de actuar contra el SIDA. Para combatir la dañina construcción cultural en torno a la «sangre contaminada», los grupos del movimiento social de finales de los años 80 y 90, la coalición contra el SIDA para liberar el poder, o ACT UP, creó carteles y gráficos para tratar de atraer la atención de la gente y fomentar la conversación sobre las incómodas verdades sociales y culturales que rodean al SIDA.
Muchos de los diseños de ACT UP incorporaban texto e imágenes; este póster es uno de los pocos que comunicaba un mensaje solo con texto. El cartel se hizo para una acción en la bolsa de Nueva York en septiembre de 1989 (dos años y medio después de la primera protesta de ACT UP, que también tuvo lugar en Wall Street). Todas las protestas de Wall Street (una segunda tuvo lugar un año después de la primera) estaban sensibilizadas por las enormes ganancias que la compañía farmacéutica Burroughs Wellcome estaba obteniendo del medicamento contra el SIDA AZT. La empresa había recibido una patente que garantizaba que ninguna otra empresa podría vender el medicamento durante diecisiete años. La empresa alegó que tenía justificación para cobrar un precio desorbitante por el medicamento considerando que había gastado una suma significativa de dinero en su desarrollo. ACT UP respondió que los contribuyentes habían pagado la factura a través de subvenciones y créditos fiscales. En la acción de septiembre de 1989, los activistas pidieron que se proporcionara AZT gratuitamente a cualquiera que necesitara el medicamento.
Colores
Los miembros del Partido Pantera, que llevaban trajes negros con boinas y grandes peinados afro, y la contracultura hippie de la época, que vestía trajes tecnicolor y llevaba carteles brillantes para protestar contra la guerra de Vietnam y abogar por «la paz, el amor y la igualdad de derechos», es un movimiento que, incluso ahora, tiene un motivo fuerte y eficaz que sigue influyendo en la cultura de hoy, lo que puede verse en el actual movimiento #BlackLivesMatter.
El uso del color, no sólo se observa en los trajes, sino también en las obras de colores se puede ver tanto en la obra del pintor, como en la del ilustrador. Las obras The Golden Rule (1961) y The Problem We All Live With (1963) de Norman Rockwell, ya que era un ilustrador blanco conocido y respetado en la comunidad artística su arte cae en la categoría de apoyo al movimiento del arte de protesta. Golden Rule es una pintura que presenta un collage de personas de diferentes etnias y culturas y una referencia al versículo bíblico Mateo 7:12. De todas las personas que aparecen en la pintura, la más notable es una pequeña niña negra con un uniforme escolar y cuyos ojos se encuentran directamente con el espectador de la pintura: la niña es una referencia directa a Ruby Bridges, una niña afroamericana de 6 años que fue la primera en asistir a una escuela primaria completamente blanca en el sur, fue escoltada a clase por su madre y los marshals de EE.UU. para garantizar su seguridad debido a las multitudes furiosas que protestaron el 14 de noviembre de 1960 y cada dos días de ese año.
Relevancia en la era moderna
El concepto de «arte como arma» sigue siendo relevante en la era moderna. Simplemente ha cambiado el contexto por la aparición de tecnologías modernas como las redes sociales. Mirando hacia el movimiento Black Lives Matter, surgido en 2013 en respuesta a la absolución del asesino de Trayvon Martin, George Zimmerman, y que posteriormente en 2014 ganó la atención mundial cuando se iniciaron las protestas en Ferguson, Missouri en respuesta al asesinato de Mike Brown por el oficial de policía de Ferguson Darren Wilson (que también resultó exento de delitos en la corte) y por las imágenes y videos de enorme contenido de brutalidad policial que los manifestantes iban documentando y compartiendo en tiempo real en redes sociales como Twitter, Instagram y Facebook.
Enfoque pedagógico
¿Por qué este tema es importante para los estudiantes adultos?
El arte de resistencia es uno de los movimientos artísticos más reconocibles del siglo pasado. A través de la participación en un programa de arte activista, los estudiantes pueden desarrollar habilidades para el pensamiento crítico, el liderazgo, la participación comunitaria y la comunicación. Al crear obras de arte activista, pueden participar en tres procesos de aprendizaje y enseñanza que fueron clave para el desarrollo de estas habilidades:
Conectar: los estudiantes piensan en las injusticias que pretenden abordar a través de su arte, consideran por qué existen estas injusticias y cómo podrían cambiarse. Identifican relaciones y conexiones de causa y efecto, y llevan activamente a comprender las relaciones de la comunidad y el liderazgo civil.
Cuestionar: Una vez que los estudiantes se forman idea de sus temas, comienzan un largo proceso de pensamiento crítico: ¿Cómo podemos incidir en esta injusticia? ¿Quién es mi audiencia? ¿Cómo quiero que piensen sobre el tema? ¿Cómo puedo comunicar mis ideas ? ¿Mi obra de arte funciona como pretendía? Los estudiantes comienzan a ver la legitimidad de su propia visión para desafiar el status quo, y comienzan a comprender su poder como creadores activos de la sociedad capaces de iniciar el cambio.
Traducir: representar una idea a través del arte requirió un cambio del lenguaje verbal al visual. Al traducir sus ideas en arte, los estudiantes replantean sus ideas literal, metafórica, irónicamente y a modo de diálogo (como una interacción con la audiencia) o a través de un enfoque mixto. Los estudiantes aprenden a ver el arte como una forma de «enseñar» a la audiencia.
Buscaban presentar sus ideas con un equilibrio entre mensaje y estética, y de paso desarrollar habilidades de comunicación. Estos resultados están en consonancia con el estudio de doctorado sobre el tema realizado por M. Dewhurst en 2009.
¿Cuáles son los resultados del aprendizaje al integrar este tema artístico con una actividad educativa?
Con esta actividad, los alumnos podrán descubrir el tema a través de las herramientas y los ojos del pintor. De hecho, las actividades se establecen para que los alumnos puedan aprender el poder del arte activista, la música y las palabras, reflexionando sobre cómo puede influir en las opiniones artísticas. También podrán profundizar más en pinturas determinadas y ver explicaciones en vídeo de algunas de las obras más influyentes.
Cómo hacerlo: estrategias, herramientas y técnicas.
Los alumnos tomarán una participación activa e inactiva en su propio aprendizaje. De hecho, utilizando sus habilidades de pintura, pensamiento crítico y habilidades de escucha, podrán desarrollar su conocimiento del arte de resistencia, y discutir con los compañeros, y luego aprender de otros expertos en los campos de la historia del arte.
Obras artísticas
Obra de arte #1 La Libertad guiando al pueblo, Eugene Delacroix (1830)
- Su posición-relación con el tema: La Libertad guiando al pueblo (francés: La Liberté guidant le peuple [la libɛʁte ɡidɑ̃ lə pœpl]es una pintura de Eugène Delacroix que conmemora la revolución de julio de 1830, que derrocó al rey Carlos X de Francia.
- Breve descripción: Una mujer del pueblo con un gorro frigio que personifica el concepto de libertad conduce a un grupo variopinto de personas hacia delante sobre una barricada y los cuerpos de los caídos, sosteniendo la bandera de la revolución francesa – el tricolor, que nuevamente se convirtió en la bandera nacional de Francia después de estos eventos – en una mano y blandiendo un mosquete con bayoneta en la otra. La figura de la Libertad también se ve como un símbolo de Francia y la República Francesa conocida como Marianne. A veces se cree erróneamente que la pintura representa la revolución francesa de 1789.
- Ubicación y dimensión europea: La Libertad guiando al pueblo se expone en el Louvre en París.
- Posible uso didáctico: Esta pintura fue bastante polémica cuando se hizo pública por primera vez, puede ser interesante para los estudiantes indagar sobre las diferentes reacciones que creó, por qué tuvo críticas basándose en la observación social y qué y por qué a algunas personas les gustó.
Obra de arte nº 2 Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971)
Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971). Cortesía de Black Lives Matter website.
- Su posición-relación con el tema: «El arte revolucionario comienza con el programa que Huey P. Newton instituyó con el Partido Pantera Negra», el diseñador gráfico y ministro de Cultura de Pantera Negra Emory Douglas escribió en el periódico The Black Panther en 1970. «El arte revolucionario, como el Partido, es para toda la comunidad y se ocupa de todos sus problemas. Le da al pueblo la imagen correcta de nuestra lucha, mientras que la ideología revolucionaria le da al pueblo la comprensión política correcta de nuestra lucha». A continuación está el póster de la contraportada de Douglas para la edición del periódico del 17 de febrero de 1970, que también diseñó. (La leyenda dice: «Sobreviviremos, sin duda».) «Rechazando el imperialismo, el capitalismo y la brutalidad policial, Douglas describió a la policía, los políticos y los banqueros como cerdos y ratas», escriben los curadores de Soul of a Nation. «Mujeres negras heroicas luchan contra ratas reales en viviendas de calidad inferior. Los trabajadores valientes se muestran como soldados revolucionarios. Un niño sonriente sostiene su cabeza en alto, usando gafas de sol cuyas lentes son fotografías del programa de desayuno gratuito que el partido implementó para alimentar a los niños de familias pobres y trabajadoras.
- Breve descripción: Encabezado con la frase: «Sobreviviremos. Sin duda», la imagen representa a un niño afroamericano brillantemente sonriente usando gafas y, en lugar de lentes, son imágenes de los jóvenes que están siendo educados, asumimos en las escuelas comunitarias de los Pantera Negra. Sobre su cabeza hay un sombrero flexible, estilo zoot, que irradia rayos rojos citados directamente por los revolucionarios chinos…Tradicionalmente, en las imágenes de origen chino, uno vería los rayos rojos irradiando detrás de Mao, el líder, pero en sus obras, Douglas los relaciona con los niños, otorgándoles [como los] agentes del cambio. Se desconoce la ubicación exacta.
- Posible uso didáctico: Analizar el significado del texto de esta obra de arte. ¿Qué trata de decirle Douglas al espectador? ¿Cómo se relaciona esto con las imágenes de los niños? Reflexiona sobre los años y la época, el marco temporal en el que se completó esta obra de arte.
Obra de arte #3 Salvador Dalí, El rostro de la guerra (1940)
Salvador Dalí, El rostro de la guerra (1940), óleo sobre lienzo, 64cm x 79cm, Boijmans Van Beuningen Museum, Rotterdam, Países Bajos.
- Su posición-relación con el tema: La cara de la guerra (1940) es una pintura del surrealista español Salvador Dalí. La pintó durante un breve periodo en que el artista vivió en California. El trauma y la visión de la guerra habían servido a menudo de inspiración para la obra de Dalí. A veces creía que sus visiones artística eran premoniciones de guerra. Esta obra se pintó entre el final de la Guerra Civil Española y el comienzo de la Segunda Guerra Mundial.
- Breve descripción: La pintura representa una cara desencarnada flotando frente a un paisaje desértico estéril. El rostro se marchita como el de un cadáver y tiene una expresión de miseria. En la boca y cuencas oculares, hay caras idénticas. En las bocas y ojos, encontramos más caras idénticas en un proceso que pretende ser infinito. Alrededor de la cara grande pululan serpientes mordedoras. En la esquina inferior derecha está la huella de una mano que Dalí insistió que fue la suya propia.
- Ubicación y dimensión europea: La pintura se encuentra en el museo Boijmans Van Beuningen de Rotterdam, Países Bajos
- Posible uso didáctico: Salvador Dalí tiene un estilo de trabajo muy interesante. ¿Qué hace que sus pinturas y obras de arte sean únicas? ¿En qué se diferencia su trabajo de las otras obras de arte de este periodo de arte de resistencia? Reflexiona como mínimo sobre el uso que hace del color, el realismo, la sombra…
Obra de arte #4 Pablo Picasso, Masacre en Corea (1937)
- Su posición-relación con el tema: Masacre en Corea es la tercera de una serie de pinturas antibélicas creadas por Picasso. Precedida por el monumental Guernica, pintado en 1937, y la Casa Charnel, pintada de 1944 a 1945. El título de esta pintura se refiere al estallido de la Guerra de Corea, que había comenzado el año anterior, pero el tema es ambiguo, ya que Picasso no apunta directamente a un período o ubicación dentro de la composición.
- Breve descripción: La pintura puede representar un evento similar a la Masacre de No Gun Ri en julio de 1950, cuando un número indeterminado de refugiados surcoreanos fueron masacrados por soldados estadounidenses, o la Masacre de Sinchon del mismo año, una matanza masiva llevada a cabo en el condado de Sinchon, provincia de Hwanghae del Sur, Corea del Norte. La masacre en Corea muestra a civiles siendo asesinados por fuerzas anticomunistas. La crítica de arte Kirsten Hoving Keen, dice que está «inspirada por informes de atrocidades estadounidenses» en Corea. De 1,1 m por 2,1 m, la obra es más pequeña que su Guernica, con la que tiene un parecido conceptual y una vehemencia expresiva. La obra de Picasso está influenciada por la pintura de Francisco Goya El tres de mayo de 1808, que muestra a los soldados de Napoleón ejecutando a civiles españoles bajo las órdenes de Joachim Murat.[6] Se sitúa en la misma tradición iconográfica de una obra anterior inspirada en Goya: la serie de cinco pinturas de Édouard Manet que representan la ejecución del emperador Maximiliano, completada entre 1867 y 1869. Al igual que con El tres de mayo de 1808 de Goya, la pintura de Picasso se caracteriza por una composición bifurcada, dividida en dos partes distintas.
- Ubicación y dimensión europea: La pintura se expone en el Musée Picasso de París.
- Posible uso didáctico: Utiliza la imagen para descubrir qué otros artistas crearon obras de arte con perspectiva, color y significado similares. Tal vez comenzar echando un vistazo a la L’execució de l’emperador Maximilià de Mèxic (1868), Edouard Manet. ¿Qué diferencia la obra de Manet en comparación con la de Picasso? ¿Género? ¿Uso de color? Estilo – ¿cubismo, modernismo? ¿Y la obra de Francisco de Goya?
Obra de arte #5 David Alfaro Siqueiros, Tormento y Apoteosis de Cuauhtémoc (detalle), 1950-5
- Su posición-relación con el tema: El movimiento muralista mexicano comenzó poco después de la revolución mexicana, que tuvo lugar de 1910 a 1920. Después de la revolución, el gobierno asumió el difícil proyecto de transformar un México dividido. Durante este tiempo, hubo una preocupación por definir la identidad mexicana, por lo que el gobierno buscó establecer una nueva sociedad mexicana fundada en su rica tradición, pero con mucha visión de futuro. También querían una manera de promover el orgullo y el nacionalismo en el pueblo mexicano. De todos estos deseos surgió el movimiento del muralismo. El movimiento comenzó como una forma de arte público financiada por el gobierno, encargaron crear arte a los artistas que ilustrara la historia mexicana. Dado que la mayoría de la población era analfabeta, el gobierno mexicano vio en los murales una manera efectiva de difundir visualmente el mensaje de orgullo y nacionalismo.
- Breve descripción: En El tormento de Cuauhtémoc Siqueiros retrata la violencia venida con los conquistadores españoles: muestra al español torturando al emperador azteca, Cuauhtémoc, para que le indicara el lugar donde estaba escondido el tesoro de Montezuma. Lo torturaron quemándole los pies, pero no muestra ningún dolor físico, sino más bien un dolor emocional. Al lado de Cuauhtémoc, hay un hombre que está llorando y orando como para salir de tal castigo. A la derecha, hay una mujer que parece estar cubierta de sangre; también se parece a la madre de Jesús cuando estaban crucificando a su hijo, rogándole que deje de sentir tal tortura.
Esto hace que Cuauhtémoc parezca divino y como símbolo de patriotismo, un símbolo que sería utilizado después de la revolución mexicana en muchas obras de muralistas de la época. Usando al último emperador azteca como símbolo, permitió que volviera a surgir el pasado, inspiración para empujar a los mexicanos a luchar por sus raíces.
El ejército español parece que no es humano, como si fueran sólo conchas vacías sin alma; tal falta de humanidad les permitiría seguir haciendo los daños que cometieron. También hay un perro que parece un poco dar a entender que son tan humanos como los aztecas, los muestra cómo animales rabiosos al igual que el can que tienen al lado.
- Ubicación y dimensión europea: El cuadro se encuentra en el museo del Palacio de Bellas Artes
- Posible uso didáctico: En la “Apotheosis de Cuauhtémoc”, se muestra la pregunta del “¿y si?” Siqueiros muestra cómo sería si el ejército de Cuauhtémoc hubiera derrotado al ejército español, si hubieran tenido éxito con el poder y la fuerza para mantener alejados a los invasores. Los alumnos analizan los detalles de la pintura y la diferencia de estilo y técnicas entre esta pintura y la pintura de Salvador Dalí y Pablo Picasso. Mira su retrato y dibujo de figuras humanas – trabajo, los colores, la perspectiva del dibujo, etc.
Obra de arte #6 Regla de oro, Norman Rockwell (1961)
- Su posición-relación con el tema: En la década de 1960, el estado de ánimo del país estaba cambiando, y la oportunidad de Norman Rockwell de librarse de la afirmación de los intelectuales del arte de que era anticuado estaba al llegar. Su Regla de Oro de 1961 fue el precursor del tipo de tema que pronto ilustraría. Un grupo de personas de diferentes religiones, razas y etnias sirvió como telón de fondo para la inscripción «Haz a los demás lo que quieres que te hagan a ti». Rockwell era un hombre compasivo y liberal, y esta simple frase reflejaba su filosofía. Después de haber viajado toda su vida y haber sido bienvenido donde fuera, Rockwell se sentía como un ciudadano del mundo, y su política reflejaba ese conjunto de valores.
- Breve descripción: A partir de las fotografías que había tomado en su viaje alrededor del mundo Pam Am de 1955, Rockwell hizo referencia a los trajes y accesorios autóctonos y cómo se usaban. Cogió algunos disfraces y diseñó otros en su estudio a partir de objetos ordinarios, como usar de una pantalla de lámpara a modo de fez. Muchos de los modelos de Rockwell eran estudiantes de intercambio locales y visitantes. En una entrevista de 1961, indicando que el hombre llevaba un sombrero de ala ancha en la esquina superior derecha, Rockwell dijo: «Es en parte brasileño, en parte húngaro, creo. Luego está Choi, un coreano estudiante de la Universidad Estatal de Ohio. Aquí hay un estudiante japonés en Bennington College y aquí hay un estudiante judío. Estaba tomando cursos de verano en la Escuela del Museo de Indian Hill». Señalando al rabino, continuó: «Es el director de correos jubilado de Stockbridge. Hizo un buen trabajo de rabino, en la vida real era un devoto católico.
Obtuve todas mis caras de Oriente Medio de Abdalla, que dirige el mercado de Elm Street, a solo una manzana de mi casa.» Algunos de los modelos utilizados también eran de la ilustración anterior de Rockwell, Naciones Unidas.
- Ubicación y dimensión europea: Golden Rule y Las Naciones Unidas se encuentran actualmente en el museo Norman Rockwell.
- Posible uso didáctico: Explora las expresiones faciales y las características de todas las imágenes incluidas en la obra de arte. Sabiendo que esta pieza fue creada en la década de 1960 y que actualmente vives en la década de 2020, más de 60 años después, ¿podrías argumentar que esta obra de arte sigue representando a las Naciones Unidas? ¿Por qué no? ¿Qué podría faltar? Intenta recrear esta pieza de trabajo con fotos de los que te rodean. Nota: Nota: ¡No pierdas de vista el rayo cuando hagas fotografías!
Obra de arte #7 Guernica, Pablo Picasso (1937)
- Su posición-relación con el tema: Picasso pintó el Guernica en su casa de París en respuesta al bombardeo del 26 de abril de 1937 de Guernica, una ciudad del País Vasco en el norte de España que fue bombardeada por la Alemania nazi y la Italia fascista a petición de los nacionalistas españoles. Una vez terminado el Guernica se expuso en el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937, y luego en otros lugares de todo el mundo. La exposición itinerante se utilizó para recaudar fondos para remitir la guerra española.
- Breve descripción: El Guernica es una gran pintura al óleo sobre lienzo de 1937 del artista español Pablo Picasso. Es una de sus obras más conocidas, considerada por muchos críticos de arte como la pintura anti-bélica más conmovedora y poderosa de la historia.
La pintura gris, negra y blanca, de 3,49 metros de altura y 7,76 metros de ancho, retrata el sufrimiento causado por la violencia y el caos. En la composición destacan un caballo con cuernos, un toro, mujeres gritando, un bebé muerto, un soldado desmembrado y llamas.
- Ubicación y dimensión europea: Se expone en el Museo de Reina Sofía de Madrid.
- Posible uso didáctico: Es interesante comparar esta obra de arte con la Masacre en Corea. Un análisis más profundo de los personajes principales, los colores y la teoría de los colores podría ser un buen ejercicio.
Obra de arte #8 Servir y proteger, Gregory Ragland (2013)
- Su posición-relación con el tema: Servir y proteger, muestra la simbología para servir. Las mismas manos elegantes que nos sirven también son manos lo suficientemente fuertes para protegernos y cuidarnos. Esta escultura de bronce refuerza la permanencia de la fuerza y actúa como un poderoso símbolo de nuestra confianza en esos individuos. Esta poderosa y elegante escultura es una prueba sólida de que nuestros héroes más valiosos que la vida estarán allí para servirnos y protegernos a todos.
- Breve descripción: El artista de Park City Greg Ragland creó una escultura de bronce titulada Servir y proteger. La escultura representa dos manos, una al lado de otra, con las palmas hacia arriba. La obra se encuentra en el jardín de la plaza y está diseñada para fomentar el tacto y la escalada.
- Ubicación y dimensión europea: La pintura se encuentra en el Edificio de Seguridad Pública; 475 S 300 E; Distrito 4
- Posible uso didáctico: En su obra de escultura, Gregory Ragland no incluyó la pintura roja. El original no tiene nada en la mano. ¿Cuándo apareció esta pintura roja en la escultura? Observa los cambios en torno a esta obra de arte.
Obra de arte nº 9 Puño cerrado, Everett Spruill
- Su posición-relación con el tema: Símbolo de poder, el puño cerrado es un icono importante del movimiento. El color del puño también sugiere a qué movimiento se relacionaba en un principio.
- Breve descripción: El original serigrafiado a mano del artista afroamericano Everett Spruill presenta un colorido diseño abstracto de un puño negro cerrado creado en un motivo cubista. Técnica: Técnicas mixtas.
- Ubicación y dimensión europea: El arte de Spruill se ha vendido en el Centro Epcot de Disney.
- Posible uso didáctico: Experimenta usando técnicas mixtas para crear tu propio símbolo de arte de resistencia. ¿Por qué elegiste específicamente este símbolo?
Obra de arte #10 Willie Bester, Prime Evil, 2015
- Su posición-relación con el tema: Willie Bester es uno de los artistas sudafricanos más conocidos que originalmente comenzó como artista de resistencia. Bester vive actualmente en Kuilsrivier, Sudáfrica
- Breve descripción: A través de materiales ensamblados de la basura, Bester construye superficies en relieve y luego pinta la superficie con pintura al óleo. Sus obras tratan sobre importantes figuras negras sudafricanas y aspectos relevantes para su comunidad. Los artistas de la resistencia sudafricana no se ocupan exclusivamente de la raza ni tienen que ser del municipio.
- Ubicación y dimensión europea: Esta pintura se encuentra ahora en la Galería Melrose.
- Posible uso didáctico: El ambiente y la sensación que se desprende de la obra de arte son muy especiales. Puede ser interesante analizarlo comparándolo con otras obras de arte suyas para ver cómo los diferentes materiales, su posicionamiento y colores pueden marcar una gran diferencia.
Actividades prácticas
Actividad 1
Una pintura basada en un poema
Objetivos
Conectar a los alumnos con la historia personal del autor sobre los tiempos de guerra y permitirles expresar su visión
Materiales
- Dispositivo móvil/ordenador
- Conexión a Internet
- Lienzos
- Herramientas de pintura
Preparación para educadores/intermediarios
Da a los alumnos información sobre el tema del arte de resistencia y muéstrales algunos ejemplos a lo largo de los días y las temporadas. Esto ayudará a los alumnos a comprender cuál fue la idea y la visión de los artistas que crearon la obra a lo largo de los años.
Desarrollo
Pide a tus alumnos que vean este video en el que Rafeef Ziadah, una artista y activista canadiense-palestina, comparte un poema que escribió sobre los bombarderos en Palestina. Una vez que hayan escuchado este poema (Enseñamos la vida, Señor) pídeles que crean su propia obra de arte reflexionando sobre el paisaje que está describiendo en el poema.
Rafeef Ziadah – ‘We teach life, sir’, London, 12.11.11
Actividad 2
Arte de resistencia, arte activista y arte pop
Objetivos
Para que los alumnos descubran más detalles sobre los diferentes estilos de arte y cómo se han influenciado entre sí y están entrelazados.
Materiales
Acceso a un ordenador con conexión a Internet.
Preparación para educadores/intermediarios
Echa un vistazo a la historia del artista Keith Haring.
Puedes utilizar los siguientes enlaces:
Pop art politics: Activism of Keith Haring
Art Activism: Keith Haring — Art History Kids
Keith Haring: Activist and Artist
7 Reasons Why Keith Haring’s Legacy is Still Important
Desarrollo
Los estudiantes pueden explorar más sobre un artista a través de estos sitios web, y luego reflexionar críticamente sobre si Keith Haring es parte de los movimientos de arte Pop o arte de resistencia. ¿Por qué? ¿Puede pertenecer a los dos? ¿Podría haber estado influido por el arte de resistencia y haber aplicado los principios del arte Pop? ¿En qué se diferencia las obras de los artistas del movimiento de arte de resistencia?
Opcional: Intenta recrear una de sus obras de arte pop, utilizando el método de estampación. ¡Buena suerte!