Introduzione

In questo dossier tratteremo il tema del corpo umano nell’arte e il suo contesto in Europa. Guarderemo 10 esempi del corpo umano nelle opere d’arte europee, e presenteremo due attività in classe – una per imparare i principi del disegno gestuale, con un’attività bonus di disegnare il corpo umano usando tecniche artistiche di uno dei periodi studiati. L’altra sarà una lezione e una riflessione sul whitewashing dell’arte in Europa.

Gli obiettivi del dossier sono:

• Confrontare e contrastare il corpo umano nell’arte europea attraverso i secoli, a partire dall’epoca classica greca (480-400 a.C.). Discuteremo anche brevemente i seguenti periodi:
  1. Il periodo arcaico, 600-480 a.C.
  2. Il periodo ellenistico, 323-150 A
  3. Il periodo medievale, dal 300 d.C. al 1400 d.C., comprese le tre parti principali – paleocristiano, romanico e gotico.
  4. Il Rinascimento, dal 1400 al 1600 CE
  5. Impressionismo, fine del XIX secolo
  6. Cubismo, inizio del XX secolo
• Identificare gli elementi chiave e i temi del corpo umano nell’arte
• Riassumere l’evoluzione e il significato del corpo umano nell’arte
• Disegnare il corpo umano usando uno degli elementi fondamentali del disegno di un certo periodo artistico
• Conoscere e riflettere sulla mancanza di diversità nell’arte europea in termini di forma umana e cosa si può fare per risolverla.

Sfondo europeo

Abbiamo scelto il tema del corpo umano per questo dossier per tre ragioni principali:

• Il ruolo importante che il corpo umano ha avuto nell’evoluzione dell’arte e degli artisti europei:

Gli artisti europei sono sempre stati affascinati dal corpo umano. Anche i primi esempi di arte greca antica raffiguravano la forma umana. Non possiamo parlare del corpo umano nell’arte europea senza riconoscere l’influenza degli antichi greci. I greci idealizzavano il corpo umano, avvicinandolo alla perfezione degli dei. Questo idealismo è stato tramandato molto chiaramente, e infatti è la forza trainante dei nostri canoni contemporanei di bellezza. Il corpo nudo è anche diventato un’abilità essenziale da padroneggiare per gli artisti europei, con il disegno della figura che è una base per gli studi di ogni aspirante artista.

• Come il corpo umano ha plasmato i nostri ideali estetici

Quando studiamo il corpo umano come è raffigurato nell’arte nel corso della storia europea, comprendiamo la cultura dei nostri antenati e quindi comprendiamo meglio noi stessi. Possiamo anche usare questa comprensione per aiutare a combattere gli stereotipi negativi associati oggi al corpo imperfetto, diventando più consapevoli della provenienza di questo idealismo.

• Come il corpo umano nell’arte è influenzato dal razzismo e come influenza le disuguaglianze nella società.

Lo status quo dell’arte europea è costituito da artisti bianchi (di solito uomini) e soggetti bianchi nelle loro opere. La realtà è lontana dalla verità, poiché ci sono stati molti artisti di diverse etnie nel corso dei secoli, ma l’arte europea è stata in gran parte imbiancata.

Il tema

Il corpo umano gioca un ruolo critico nel modo in cui comprendiamo la sessualità, la razza, l’etnia, la cultura, il genere e la nostra mortalità.

Sessualità e genere

Dal ritorno del nudo femminile nell’arte occidentale nel 1486 con La nascita di Venere di Sandro Botticelli, erano normalmente gli artisti maschi a raffigurare nudi femminili, e tipicamente per spettatori principalmente maschi. Queste forme femminili erano spesso idealizzate, e non servivano solo allo scopo dell’arte, ma erano figure erotiche idealizzate.

Secondo il critico d’arte John Berger nel suo manoscritto, Ways of Seeing, l’arte europea post-rinascimentale raffigura spesso figure nude di fronte, il che permette che il protagonista dell’incontro sessuale sia lo spettatore.

Questo è un contrasto con il modo in cui i nudi femminili erano rappresentati nell’antica Grecia, dove il nudo maschile era predominante. Se una donna era svestita nell’arte di quel periodo, di solito una mano era tenuta a coprire i suoi genitali. La mano che copre serve a due scopi: finge modestia ma serve anche ad attirare l’occhio sul punto nascosto.

Razza ed etnia

I non occidentali sono raramente rappresentati nell’arte popolare europea, e quando lo sono possono essere rappresentati con caratteristiche esagerate, o come subordinati al protagonista bianco. Questo non vuol dire che non ci fossero artisti di colore e che non ci fossero più opere d’arte che presentavano persone di colore come protagonisti. È, tuttavia, per dire che i bianchi occupano posizioni privilegiate nel mondo dell’arte europea, e lo hanno fatto per molti secoli, quindi sono stati loro a decidere quali opere d’arte sarebbero state considerate degne.

Mortalità

L’arte dell’antica Grecia idealizzò la forma umana per avvicinarla a quella degli dei. Questo suggerisce un desiderio di essere meno mortale e più immortale. Più tardi, durante il periodo dell’arte cristiana, il corpo umano è stato raffigurato in scene religiose, suggerendo, se non un desiderio di essere immortale, un desiderio di essere visto degno dell’amore di dio, che alla fine permette di entrare in paradiso, che è in sé un tipo di immortalità.

Ulteriori considerazioni

• La gente ha sempre modificato il proprio corpo, con piercing e tatuaggi o con la dieta o l’esercizio fisico.
• La forma dei corpi umani è stata un mezzo per determinare la posizione socioeconomica di qualcuno in vari modi attraverso le culture.
• Il corpo umano nell’arte simboleggia tutto, dalla religione, alla politica, all’identità, al bene e al male, al pio e al peccatore, ai più ovvi standard di bellezza.

• Contesto storico e geografico nel paese, in Europa o nel mondo: eventi storici dell’epoca, confini geografici, movimento di persone e qualsiasi altra informazione di base rilevante.

Antica Grecia

Periodo arcaico 600-480 a.C.

La forma umana nell’arte occidentale contemporanea può rintracciare molte delle sue radici nell’antica Grecia. Nel VI secolo a.C., catturare il corpo umano nell’arte divenne un punto focale, con nuove tecniche che permettevano agli artisti di raffigurare il corpo in modi più realistici.

Il VI secolo fu l’inizio del periodo arcaico dell’arte greca, che durò dal 600 al 480 a.C. Questo fu un periodo di costante evoluzione nella tecnica, con apparizioni più naturalistiche del corpo umano. I greci consideravano il corpo come espressione dell’essere interiore, direttamente collegato alla mente. Quindi rappresentare perfettamente la figura umana significava che l’essere umano rappresentato aveva anche una mente perfetta. Durante la prima parte del periodo arcaico, c’è ancora l’influenza diretta dell’arte egizia.

Solo gli uomini greci erano ritratti nudi, un riflesso di come erano presentati nella società. Ci sono solo poche sculture di donne del periodo che esistono oggi, e tutte mostrano le donne completamente vestite e che guardano direttamente lo spettatore. Anche le sculture umane del periodo arcaico presentano il sorriso arcaico, indipendentemente dall’attività in cui erano impegnati.

Periodo classico 480-400 a.C.

Durante il periodo classico, le sculture di esseri umani assumono una loro autonomia. Smettono di guardare direttamente lo spettatore e invece guardano in lontananza come se pensassero. Le figure smettono di essere così rigide e assumono invece un senso di peso e fluidità. Ora è quando vediamo l’introduzione del contrapposto, quando la figura è in piedi a riposo, il peso del corpo spostato su una gamba. I greci usavano anche le proporzioni per creare figure idealizzate, deviando le dimensioni di certe parti del corpo per mostrare le proporzioni ideali. Anche il ghigno arcaico scomparve e le sculture assunsero espressioni più nobili e serie, un approccio più candido invece di sorridere direttamente alla “telecamera”.

Ellenistico 323-150 a.C.

Ci fu una sorta di rivoluzione culturale dopo la morte di Alessandro Magno. Le città crebbero e richiesero più e meglio l’arte. L’arte ellenistica emerge, grondante di emozione, violenza, sensualità. Le sculture ellenistiche ritraevano ciò che vedevano. Le figure divine del periodo classico non ci sono più, le sculture sono invece mostrate con le loro imperfezioni.

Le sculture ellenistiche hanno un sacco di dettagli e tutte hanno usato i seguenti elementi:

• Forma: I muscoli sotto la pelle sono molto dettagliati, così come le espressioni facciali, con il risultato di emozioni facili da leggere. Anche i capelli assumono più volume e peso, mentre prima non vi si dedicava molta attenzione ed erano piatti.
• Composizione: Le posizioni rigide sono sostituite da pose quotidiane, con curve S e C.
• Struttura e modello: I capelli dettagliati rendono la texture squisita. Queste sculture sarebbero state anche dipinte con molti dettagli.

Arte medievale 5°-14° secolo

L’arte medievale in Europa fu dominata dall’ascesa del cristianesimo e vide la scomparsa della nudità quasi interamente dall’arte. Le uniche persone nude nell’arte erano Adamo ed Eva, e servivano come simbolo del peccato originale. Inoltre, durante questo periodo, il corpo umano non era collegato direttamente al mondo reale, e quindi non era molto realistico.

Prima età cristica 5°-7° secolo

La Chiesa cattolica stava guadagnando influenza, e nel 350 d.C. aveva due centri di potere principali, Roma e Costantinopoli. L’arte era usata per la decorazione e l’apprezzamento pubblico. Era anche usata nelle case di culto. L’arte di questo periodo aveva radici nello stile classico romano, che era basato sullo stile classico greco ma era più astratto e semplificato. Lo scopo della rappresentazione della figura umana era spirituale invece della bellezza fisica. I volti avevano grandi occhi fissi chiamati “finestre dell’anima”.

Romanico 11°-12° secolo

Il periodo romanico durò dalla seconda metà dell’XI secolo fino al XII ed è il primo stile artistico internazionale. Grazie all’aumento dei viaggi, raggiunse tutto il Mediterraneo e fino alla Scandinavia. Le forme umane divennero più espressive nel periodo romanico rispetto al periodo paleocristiano. Avevano spesso figure allungate, c’era un’attenzione ai dettagli lineari e decorativi come le pieghe dei vestiti e i capelli, ma il realismo non era l’obiettivo. Spesso la figura umana era scolpita e presente nei rilievi architettonici, specialmente durante l’XI e il XII secolo. La maggior parte delle sculture di esseri umani erano pittoriche e bibliche.

Gotico 12°-16° secolo

Nel periodo gotico, la figura umana era rappresentata in modo più naturale con un aspetto realistico, rispetto al periodo romanico. Le figure gotiche successive diventano molto più realistiche, con espressioni naturali sui loro volti e la cura di rappresentare accuratamente le pieghe dei vestiti.

Rinascimento 14°-17° secolo

Il Rinascimento portò un’attenzione molto maggiore sul corpo umano, e in un modo molto diverso rispetto al periodo medievale. Mentre il corpo veniva raffigurato in modo astratto e bidimensionale che aveva l’effetto di far sembrare la figura meno legata al suo essere umano, gli artisti rinascimentali trassero ispirazione dalle più realistiche sculture antiche greche e romane. Ritornarono ai rapporti matematici di cui parlavano gli autori romani Plinio e Vitruvio, e come si può vedere nell’Uomo Vitruviano di da Vinci.

Oltre alle rappresentazioni classiche della forma umana, gli artisti durante il Rinascimento divennero esperti di anatomia mentre lavoravano per rendere le loro rappresentazioni della figura umana ancora più realistiche. Questi artisti sapevano molto di più sull’anatomia rispetto agli studenti che studiavano anatomia all’università.

Sia da Vinci che Michelangelo erano noti per fare dettagliate dissezioni anatomiche, stabilendo un nuovo standard per la rappresentazione della figura umana. I mecenati dell’arte si aspettavano la perfezione nell’anatomia.

Neoclassicismo 1750-1850

Gli artisti del periodo neoclassico si ispirarono anche all’antica Roma, specialmente quando si trattava della rappresentazione di tessuti drappeggiati sulla figura umana. Questo periodo è considerato un revival dell’arte greca e romana ed è strettamente legato all’Età dei Lumi che ebbe luogo dal XVII secolo al XIX secolo. Questo periodo fu fondato sul pensiero filosofico, con la ragione come forza trainante della morale. Fu anche influenzato dalla rivoluzione scientifica, che si sviluppò alla fine del Rinascimento, e uno dei temi di questo periodo fu l’anatomia, che figurava molto nell’arte.

Le persone nell’arte neoclassica erano rappresentate con un senso di ‘nobile semplicità’ ispirato dalla ‘tranquilla grandezza’ della scultura greca antica. La scultura neoclassica mostrava figure a grandezza naturale e busti di ritratti (come quelli di Jean-Antoine Houdon, 1741-1828). Le sculture spesso rappresentavano il loro soggetto con molto realismo, i termini usati erano ‘verismo’, o il più garbato ‘verruche e tutto’. Questo era usato anche nella scultura romana, e significava che l’artista doveva includere tutte le imperfezioni viste sul corpo, comprese le verruche e le rughe.

Impressionismo fine XIX secolo

Artisti come Edouard Manet cominciano a rompere i confini del disegno del nudo classico, per disegnare nudi dalla vita reale, con effetti anatomici e sproporzioni che solo un modello vivo avrebbe. Questo fu l’inizio dell’impressionismo e influenzò la creazione artistica a partire dal XX secolo. Artisti come Renoir e Degas hanno mantenuto la somiglianza anatomica del modello reale dal vivo, così come disegnare il nudo all’interno di una composizione, dandogli lo stesso peso della decorazione circostante.

Cubismo inizio XX secolo

Gli artisti del cubismo voltarono le spalle alle rappresentazioni tridimensionali della forma umana, e invece appiattirono e frammentarono il corpo umano in forme geometriche con un aspetto bidimensionale. Picasso e Braque guidano il movimento, con punti multipli di prospettiva e colori monocromatici insieme a mezzi misti.

Il contesto artistico

Il corpo umano è sempre stato una fonte primaria di ispirazione per gli artisti, attraverso la geografia, la religione, la cultura e il livello socioeconomico.

Il corpo umano ha rappresentato la bellezza, il sesso, ha causato grandi controversie, è stato proibito. La più antica pittura rupestre è una figura umana, dimostrando che anche i primi esseri umani erano affascinati dal proprio corpo e volevano rappresentarlo artisticamente.

In Grecia il corpo umano era idealizzato come atletico; nel cristianesimo il corpo rappresentava la sofferenza e la pietà; durante gran parte dell’Islam era disapprovato.

In conclusione, quando consideriamo il corpo umano nella storia dell’arte, solleviamo questioni sull’identità culturale, sessuale, socioeconomica ed etnica.

Il contesto sociale e politico: gli artisti sono influenzati dall’organizzazione politica, dall’organizzazione sociale, dai grandi temi del tempo in cui stanno creando. D’altra parte, l’arte influenza il pubblico; può evocare emozioni o stati d’animo particolari, per l’indagine sociale e il cambiamento politico, per mettere in discussione e criticare la società, o come mezzo di propaganda o pubblicità commerciale per influenzare le concezioni popolari.

L’arte, insieme alla religione e al governo, determina il nostro modo di agire come società; e molto spesso arte, religione e governo interagiscono e persino si sovrappongono. Alcune domande importanti da porre riguardo all’arte e al suo contesto sociale e politico sono:

• In che modo l’arte influenza il nostro modo di vivere?
• In che modo l’arte cambia il modo in cui vediamo noi stessi?
• In che modo l’arte cambia il nostro modo di sentire la religione e la politica?
• L’arte può davvero essere usata come strumento di governo?
• I governi o le religioni hanno mai usato rappresentazioni del corpo umano nell’arte per plasmare i loro elettori attraverso il loro sguardo? E quali sono/potrebbero essere le implicazioni?

Approccio pedagogico

Perché questo tema è rilevante per gli studenti adulti?

Gli studenti adulti esploreranno come la rappresentazione del corpo umano attraverso l’arte ha influenzato la società, la politica e l’immagine di sé nel corso della civiltà umana. Comprendendo il significato dietro tali opere, gli studenti adulti vedranno la società attraverso una lente diversa, e impareranno di più sul perché siamo quello che siamo, perché pensiamo come facciamo, e perché consideriamo alcuni corpi più belli di altri.

Quali sono i risultati di apprendimento dell’inserimento di questo tema culturale/artistico in un’attività educativa?

Il corpo umano è uno dei modelli più classici per gli artisti. C’è molto da imparare sia vedendo il corpo umano raffigurato nell’arte (incluso il contesto sociale, il significato politico e gli standard di bellezza) che gli studenti adulti impareranno una vasta gamma di tecniche e abilità imparando a disegnare il corpo umano. Quindi i risultati dell’apprendimento sono:

• Considerazioni sul perché consideriamo alcuni corpi più belli di altri
• Conoscenza dei vari modi in cui il corpo nell’arte è stato usato come propaganda, dagli organi di governo e come ha cambiato la società;
• Conoscenza anatomica del corpo umano e tecniche di disegno
• Come riconoscere l’evidenza di pregiudizi, gruppi emarginati e razzismo attraverso le opere d’arte

Come farlo: strategie, strumenti e tecniche.

Gli studenti adulti studieranno la storia dietro specifiche opere d’arte che raffigurano il corpo umano nel corso dei secoli, e creeranno anche le loro proprie rappresentazioni di corpi umani.

Opere d’arte

Opera d’arte #1 La nascita di Venere, Botticelli, 1480 (Rinascimento)

• La sua posizione-relazione con il tema: Si riferisce all’ideale di bellezza femminile dell’epoca. La sua rappresentazione come nudo è significativa in sé, poiché durante la storia del Rinascimento quasi tutte le opere d’arte erano di tema cristiano e le donne nude erano difficilmente ritratte.
• Breve descrizione: Significato diretto – La dea dell’amore e della bellezza che arriva sulla terra ferma su una conchiglia gigante. È aiutata dai venti ed è circondata da fiori, un ricordo della primavera.
• L’autore: Il suo nome completo era Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi è nato in Italia nel 1445 ed è conosciuto come Sandro Botticelli. Fu un pittore del primo Rinascimento.
• Posizione e dimensione europea: Dipinto da Botticelli per la famiglia Medici nel ^XV secolo, ora si trova nella galleria degli Uffizi.
• Parlare di come la bellezza sia cambiata nel corso degli anni. Confrontare lo stile di pittura di Botticelli con i contemporanei.

Opera d’arte #2 The Anatomy Lesson of Dr Nicolaes Tulp, Rembrandt, 1632 (dipinto barocco)

• La sua posizione-relazione con il tema: Invece di apprezzare il corpo per la sua bellezza, questo è un corpo in un contesto scientifico, forse anche grottesco.
• Breve descrizione: Nicolaes Tulp spiega ai medici la muscolatura del braccio.
• L’autore: Rembrandt Harmenszoon van Rijn, conosciuto come Rembrandt, è stato un pittore olandese nato nel 1606, considerato uno dei più grandi artisti visivi della storia.
• Luogo e dimensione europea: Dipinto da Rembrandt nel 1632, ora nel museo Mauitshuis a L’Aia.
• Possibile sfruttamento educativo: Imparare lo stile pittorico barocco e le tecniche di disegno per l’anatomia.

Opera d’arte #3 Il bagnante di Valpinçon, Jean-Auguste-Dominique Ingres 1808 (Neoclassicismo)

• La sua posizione-relazione con il tema: Il dipinto è di una donna nuda.
• Breve descrizione: Dipinto neoclassico francese di un ‘bagnante’, seduto su un letto con la schiena rivolta allo spettatore.
• L’autore: L’artista era Jean-Auguste-Dominique Ingres, un pittore neoclassico francese nato nel 1780.
• Luogo e dimensione europea: Louvre, Parigi
• Possibile sfruttamento educativo: Alcuni temi sociali potrebbero essere indagati, come il fatto che né il viso della donna, né la parte anteriore del suo corpo sono visibili. Possiamo anche vedere l’evidenza dell'”aerografia” neoclassica o la cancellazione di qualsiasi imperfezione nel suo corpo. Il dipinto può anche essere usato per discutere come usare la luce, e come l’artista è stato in grado di far apparire la modella senza peso e altre tecniche di pittura.

Opera d’arte #4 Olympia, Edouard Manet, 1863 (Impressionismo)

• La sua posizione-relazione con il tema: Questo dipinto non solo si occupa della sessualità femminile, ma ancora di più, raffigura il corpo di una donna nera in un modo che sovverte lo status quo del tempo.
• Descrizione: Una cameriera nera di nome Laure indossa abiti francesi contemporanei e consiglia la prostituta Olympia che scala direttamente verso lo spettatore.
• Il pittore Édouard Manet, nato in Francia nel 1832, fu uno dei primi pittori modernisti del XIX secolo ad illustrare la vita moderna.
• Posizione e dimensione europea: Museo d’Orsay Parigi
• Possibile sfruttamento educativo: Questo quadro permetterà agli studenti di conoscere la rappresentazione delle donne nere in Europa così come la rappresentazione delle prostitute.

Opera d’arte #5 Head of a Skeleton with a Burning Cigarette, Van Gogh, 1886 (Postimpressionismo)

• La sua posizione-relazione con il tema: qui vediamo il corpo umano senza carne e con un aspetto umoristico.
• Breve descrizione: Studio anatomico di uno scheletro che fuma una sigaretta.
• L’autore: Vincent van Gogh era un pittore olandese post-impressionista nato nel 1853 che, dopo essere morto, divenne un artista estremamente influente nell’arte occidentale.
• Luogo e dimensione europea: Dipinto da Van Gogh nel 1886, attualmente al Van Gogh Museum di Amsterdam.
• Possibile sfruttamento educativo: Studiare l’anatomia, e discutere se si tratta di arte o solo di gioventù.

Opera d’arte #6 Metopa di marmo dal Partenone (metopa sud XXXI).

• La sua posizione-relazione al tema: Questo insieme di placche scolpite rappresentano e descrivono diverse scene di combattimenti famosi nella storia e nella mitologia greca. Sono rilevanti per la loro rappresentazione di tutti i corpi secondo i canoni ideali dell’epoca.
• Breve descrizione: Questa è una delle 92 metope di marmo che si possono vedere sul Partenone dove molte raffigurano una famosa battaglia tra i Centauri, creature mitologiche, e i Lapiti, una tribù mitica della storia greca. Anche se alcune sono state quasi completamente distrutte nel corso degli anni, alcune sagome e figure sono conservate e sono state ricostruite. In ogni lato del Partenone, la metopa rappresenta una diversa lotta importante. In questa (Merope XXXI), possiamo vedere un Centauro a sinistra e un Lapita a destra che combattono.
• L’autore: Fidia, in greco “Φειδίας”, era uno scultore o il capo di tutti gli artisti che vi partecipavano. Era uno scultore di Atene ed è considerato uno dei più famosi scultori della Grecia antica. Ha lavorato principalmente ad Atene, nelle sculture del Partenone, ma è anche noto per la sua scultura di Zeus in oro e avorio, una delle sette meraviglie del mondo antico.
• Posizione e dimensione europea: Questo pezzo di metopa si trova al British Museum; fu acquisito nel 1816 e non è mai tornato nel suo ambiente originale.
• Possibile sfruttamento educativo: Si può discutere la questione dell’arte appartenente a un paese che viene restaurata e conservata in un altro, cosa di cui molti paesi discutono. Si può anche far fare agli studenti una ricerca sulle creature mitologiche, come i centauri, e come sono stati rappresentati come parzialmente umani nel corso del tempo, cioè quanto assomigliano ai corpi umani e se questo è stato rappresentato in modo diverso nel corso delle civiltà.

Opera d’arte #7 L’homme de Vitruve, Léonard De Vinci, 1490 (Rinascimento)

• La sua posizione-relazione al tema: Questo disegno è legato ad una visione del tempo di un corpo umano proporzionato e all’importanza dell’equilibrio e dell’armonia.
• Breve descrizione: Questo disegno, di Leonardo da Vinci, ritrae la sua idea del corpo umano perfetto, altamente proporzionato, e ha le sue note e iscrizioni sopra e sotto il disegno. La descrizione appartiene a Vitruvio, un architetto, ingegnere e autore romano del “De architectura”, del I secolo a.C., noto per la sua idea di “firmitas, utilitas, e venustas (“forza”, “utilità”, e “bellezza”)” le tre caratteristiche che tutti gli edifici dovrebbero avere. Si dice che Leonardo non solo abbia preso la misura e le proporzioni dal lavoro di Vitruvio, ma che abbia anche misurato lui stesso molti modelli. Anche se le misure sono state prese come corpo ideale per molti anni, ultimamente sono state messe in discussione.
• L’autore: Leonardo Da Vinci, nato in Italia nel 1452 e conosciuto non solo per i suoi dipinti e disegni, ma anche per le sue conoscenze, quaderni e note di anatomia, astronomia, botanica e cartografia tra gli altri.
• Posizione e dimensione europea: Attualmente si trova alle Gallerie dell’Accademia, a Venezia, Italia, ed è stato di grande importanza nel mondo dell’arte per il modo in cui fonde matematica, geografia, arte, corpo umano e, in qualche misura, natura.
• Possibile sfruttamento educativo: Si può fare un’attività di gruppo misurando diverse persone del gruppo e disegnandole secondo questo stile. Poi si possono confrontare tutti i disegni e fare un breve dibattito sui canoni, gli standard e le proporzioni del corpo umano.

Opera d’arte #8 Panneau de l’homme blesse (arte rupestre)

• La sua posizione-relazione con il tema: È un’opera importante perché in quel periodo i dipinti rappresentavano principalmente grandi animali e nessuna figura umana. Inoltre, per la forte relazione con le pratiche sciamaniche e con gli organi sessuali del corpo umano.
• Breve descrizione: Risale al Paleolitico. Ha un’età compresa tra i 17.000 e i 16.000 anni. Il dipinto si trova in una parte separata della grotta chiamata The Shaft, che era probabilmente un luogo speciale o nascosto nelle grotte sacre di Lascaux. Le rappresentazioni principali del dipinto sono un uomo ferito, un bufalo ferito e un rinoceronte. La parte più importante mostra un uomo con una testa di uccello e un bisonte. L’unico uomo della scena giace ferito dall’animale accanto a lui. Alcuni pensano che potrebbe essere un cacciatore mentre altri pensano che potrebbe essere uno sciamano per tutti gli elementi sciamanici e totemici. Indossa una maschera da uccello, le sue mani ricordano le zampe di un uccello e il suo fallo, eretto, è rivolto verso il toro trafitto.
• Luogo e dimensione europea: Questa pittura murale si trova in un gruppo di grotte chiamate Lascaux, vicino al villaggio di Montignac, nel sud-ovest della Francia. Ci sono più di 600 dipinti sulle pareti e sui soffitti della grotta.
• L’autore: È sconosciuto.
• Possibile sfruttamento educativo: Quando si tratta dell’arte rupestre, si può parlare di come venivano raffigurati i ruoli degli uomini e delle donne in quel periodo; come la nudità fosse la regola generale e fare qualche ricerca sull’evoluzione dell’arte rupestre nel corso di migliaia di anni. Per esempio, come all’inizio venivano dipinte solo scene di animali e come poi le scene di persone fossero più comuni. Puoi anche analizzare le tecniche usate per differenziare i corpi maschili e femminili.

Opera d’arte #9, Nudo reclinato, Modigliani, 1917 (Espressionismo)

• La sua posizione-relazione con il tema: Pittura di Modigliani, che spesso dipingeva nudi femminili sensuali, empatici ed emotivi.
• Breve descrizione: Questo dipinto mostra l’intero corpo (girato lontano dallo spettatore) di una donna nuda reclinata su un letto, sostenuta da un cuscino. Si guarda alle spalle con uno sguardo fiducioso e labbra rosso fuoco.
• L’autore: Amedeo Modigliani era un pittore ebreo italiano nato nel 1884 che lavorò in Francia per la maggior parte della sua carriera.
• Luogo e dimensione europea: Dipinta da Modigliani a Parigi, l’opera è nella collezione del Metropolitan Museum of Art (MoMA), New York City, NY, USA.
• Possibile sfruttamento educativo: Parlare della controversia sui nudi all’epoca (la prima mostra personale di Modigliani fu presumibilmente chiusa a causa dei nudi). Discutere sul fatto che, poiché la sua tecnica sembra essere un po’ infantile, perché è così buona? Imparate a conoscere il genio torturato che era Modigliani. È necessaria una certa quantità di dolore per creare buona arte?

Attività pratiche

Attività 1 – Arte e patrimonio culturale – L’imbiancatura dell’arte europea

• Obiettivi – Parlare del razzismo oggi e di come si riflette nell'”arte europea”. Discutere la mancanza di persone marroni e nere rappresentate nell’arte europea e nella storia.
• Materiali – Un portatile, un computer o un tablet per studente o per gruppo di studenti
• Fase preparatoria – Ascoltate questa intervista prima della sessione e https://www.npr.org/sections/codeswitch/2013/12/13/250184740/taking-a-magnifying-glass-to-the-brown-faces-in-medieval-art e date un’occhiata a questo articolo per capire un po’ meglio l’argomento. Scegliete almeno 5 o 6 esempi dall’articolo e siate pronti a mostrarli su uno schermo con una lavagna luminosa: https://thewalters.org/wp-content/uploads/revealing-the-african-presence-in-renaissance-europe.pdf
• Sviluppo – Fase 1: l’insegnante mostrerà sullo schermo alcune immagini in modo comparativo per far emergere la questione del razzismo nell’arte. L’insegnante porrà alcune domande per incoraggiare la discussione e il dibattito tra gli studenti. Gli studenti parleranno delle loro esperienze nel vedere la diversità razziale ed etnica nell’arte. Fase 2: Gli studenti faranno una ricerca su internet (individualmente o in gruppo) e dovranno preparare una breve presentazione che presenti questo problema includendo esempi nazionali e se possibile locali. Poi, dovranno cercare di trovare musei che fanno uno sforzo per esporre arte con molta diversità.
• Dispense o schede pratiche – Se gli studenti hanno un livello sufficiente per farlo, date loro questo articolo (stampato o in formato digitale):https://www.rd.com/list/examples-of-whitewashing/ Chiedete agli studenti di trovare altri esempi

Attività 2 – Disegnare il corpo umano

• Obiettivi – imparare/praticare le tecniche di disegno dei gesti
• Materiali – Carboncino, carta, oggetti fermi, compagni di classe come modelli
• Fase preparatoria per educatori/mediatori – insegnare agli studenti i fondamenti del disegno gestuale. Insegnare agli studenti come lavorare con il carboncino. Esercitarsi a disegnare su oggetti della natura morta.
• Fase preparatoria – Gli insegnanti guardano questi video https://www.youtube.com/watch?v=74HR59yFZ7Y&t=297s // https://www.youtube.com/watch?v=KVXOIBRdzPw&ab_channel=LoveLifeDrawing per imparare le basi del disegno gestuale (non è necessario che siano esperti dell’argomento, gli insegnanti faranno solo sperimentare la tecnica agli studenti).
• Sviluppo – Fase 1: gli insegnanti introducono gli studenti al disegno gestuale (possono usare la presentazione di accompagnamento o i video per farlo). Fase 2: gli studenti prenderanno a turno il modello per intervalli di 5 secondi mentre i loro compagni creano disegni di figure con il carboncino. Fase 3: gli studenti si prenderanno 2 minuti per fare disegni gestuali dei loro compagni. Passo 4. Gli studenti si passeranno i loro disegni e discuteranno le difficoltà del disegno gestuale e avranno un breve dibattito su come questo sia legato ai canoni di bellezza di ogni epoca.
• Dispense o schede pratiche – Powerpoint che introduce il disegno gestuale come questo: https://www.slideshare.net/Morrisartistic/gesture-drawing-25293109
• Attività finale – Ogni studente dovrebbe scegliere una tecnica di uno dei periodi dell’arte europea e disegnare la forma umana in quel modo. Per esempio, greco classico, arte cristiana ecc.

Attività finale – Ogni studente dovrebbe scegliere una tecnica di uno dei periodi dell’arte europea e disegnare la forma umana in quel modo. Per esempio, greco classico, arte cristiana ecc.

Web

• Why does the art of Ancient Greece still shape our world? (from BBC timeline)
• Greek Art part 1: The human figure, from Geometric to Hellenistic, Francisco Guerrero
• Considerations on the Human Body in European Art from Ancient Times to Present Day
• Neoclassical Art – A Return to Symmetry in the Neoclassical Period
• The Body Hidden, the Body Revealed: Neoclassical Drapery Studies
• Anatomy in the Renaissance
• The Classical Treatment of the Body
• Romanesque Sculpture
• Romanesque Art
• Fragmented: The Human Form in Early Cubism
• The body in Ancient Greek Art
• Sexuality in art

Libro

Johan Joachim Winckelmann in his publication “Thoughts on the Iimitations of Greek Works in Painting and Sculpture” (1750)