Cuerpo humano

En este dosier trataremos el tema del cuerpo humano en el arte y su contexto en Europa. Veremos 10 ejemplos del cuerpo humano en obras de arte europeas, y presentaremos dos actividades en el aula: una para aprender los principios del dibujo gestual, con una actividad extra de dibujar el cuerpo humano utilizando técnicas artísticas de uno de los períodos estudiados. La otra será una lección y una reflexión sobre el blanqueamiento del arte en Europa.

Los objetivos del dosier son:

Comparar y contrastar el cuerpo humano en el arte europeo a lo largo de los siglos, empezando con la época clásica griega (480-400 a.C.). También trataremos brevemente los siguientes periodos:
1. El periodo arcaico, 600-480 a.C.
2. El periodo helenístico, 323-150 a.C.
3. El periodo medieval, 300 e.c. hasta 1400 e.c., incluyendo las tres partes principales: los periodos paleocristiano, románico y gótico.
4. El Renacimiento, 1400 hasta 100 e.c.
5. El impresionismo, a finales del siglo XIX
6. El cubismo, a principios del siglo XX
Identificar elementos y temas clave del cuerpo humano en el arte
Resumir la evolución y el significado del cuerpo humano en el arte
Dibujar el cuerpo humano usando un de los elementos fundamentales de diseño de un determinado periodo artístico
Conocer y reflexionar sobre la falta de diversidad en el arte europeo en cuanto a la forma humana y qué se puede hacer para solucionarlo.

Antecedentes europeos

Hemos elegido el tema del cuerpo humano para este dosier por tres principales razones:

El importante papel que ha desempeñado el cuerpo humano en la evolución del arte y los artistas europeos:

Los artistas europeos siempre han estado fascinados por el cuerpo humano. Incluso los primeros ejemplos del arte griego antiguo representaban la forma humana. No podemos hablar del cuerpo humano en el arte europeo sin reconocer la influencia de los antiguos griegos. Los griegos idealizaron el cuerpo humano, acercándolo a la perfección de los dioses. Este idealismo se ha transmitido muy claramente, y de hecho es el motor de nuestros cánones de belleza contemporáneos. El cuerpo desnudo también se ha convertido en una habilidad esencial para los artistas europeos siendo el dibujo de la figura una base para los estudios de cualquier aspirante a artista.

Cómo el cuerpo humano ha determinado nuestros ideales estéticos

Cuando estudiamos el cuerpo humano tal y como se representa en el arte a lo largo de la historia de Europa, comprendemos la cultura de nuestros antepasados y, por tanto, nos comprendemos mejor a nosotros mismos. También podemos utilizar esta comprensión para ayudar a combatir los estereotipos negativos asociados hoy en día con el cuerpo imperfecto, al ser más conscientes de dónde viene este idealismo.

Cómo el cuerpo humano en el arte está influenciado por el racismo y cómo influye en las desigualdades en la sociedad

El statu quo del arte europeo son artistas blancos (generalmente hombres) y sujetos blancos en sus obras. Esto dista mucho de la realidad, ya que ha habido muchos artistas de diferentes etnias a lo largo de los siglos, pero el arte europeo se ha blanqueado en gran medida.

*Metopa de mármol (Metopa sur XXXI) del Partenón: un centauro y un lapita se pelean como dos luchadores*. © Los administradores del Museo Británico – Fuente

El tema

El cuerpo humano desempeña un papel fundamental en la forma de entender la sexualidad, la raza, la etnia, la cultura, el género y nuestra propia mortalidad.

Sexualidad y género

Desde el regreso del desnudo femenino en el arte occidental en 1487 con El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli, normalmente eran artistas masculinos los que representaban desnudos femeninos, y normalmente para espectadores principalmente masculinos. Estas formas femeninas solían estar idealizadas, y no sólo servían para el arte sino para idealizar figuras eróticas.

Birth of Venus — *El nacimiento de Venus,* pintura al temple sobre lienzo de Sandro Botticelli 1485, la Galería Uffizi. Fuente

Según el crítico de arte John Berger en su manuscrito Ways of Seeing, el arte europeo posterior al Renacimiento suele representar las figuras desnudas de frente, lo que permite que el protagonista del encuentro sexual sea el espectador.

Esto contrasta con la forma en que se representaban los desnudos femeninos en la antigua Grecia, donde predominaba el desnudo masculino. Si una mujer estaba desnuda en el arte de esa época, normalmente tenía una mano cubriendo sus genitales. La mano que cubre los genitales tiene un doble propósito: fingir modestia, pero a la vez atraer la atención hacia el lugar oculto.

*Estatuilla de bronce de Afrodita*, estatua de bronce, griega, aprox. 150-100 a.C. © Dominio público. Fuente

Raza y etnia

Los no occidentales rara vez son representados en el arte popular europeo, y cuando lo son pueden ser representados con rasgos exagerados, o como un subordinado del protagonista blanco. Esto no quiere decir que no haya habido artistas de color y que no haya más obras de arte con personas de color como protagonistas. Pero sí quiere decir que los blancos ocupan posiciones más privilegiadas en el mundo del arte europeo, y lo han hecho durante muchos siglos, por lo que han sido ellos los que han decidido qué obras de arte se consideraban dignas.

*Olympia,* aguafuerte sobre papel verjurado azul de Edouard Manet, 1867 © Dominio público. Fuente

Mortalidad

El arte de la antigua Grecia idealizaba la forma humana para acercarla a la de los dioses. Esto sugiere un deseo de ser menos mortal y más inmortal. Más tarde, durante el periodo del arte cristiano, el cuerpo humano se representó en escenas religiosas, sugiriendo, si no un deseo de ser inmortal, un deseo de ser visto digno del amor de dios, que al final te permite la entrada al cielo, que es en sí mismo un tipo de inmortalidad.

*Virgen con el Niño,* Témpera sobre madera de Simone Martini 1326 © Dominio público. Fuente

Otras consideraciones:

Las personas siempre han modificado sus cuerpos, con piercings y tatuajes o con dietas o con ejercicio.
La forma de los cuerpos humanos ha sido un medio para determinar la posición socioeconómica de alguien de diversas formas en todas las culturas.
El cuerpo humano en el arte simboliza de todo, desde la religión, la política, la identidad, el bien y el mal, el piadoso y el pecador, hasta los estándares de belleza más obvios.

Contexto histórico y geográfico en el país, en Europa o en el mundo: acontecimientos históricos de la época, fronteras geográficas, movimiento de personas y cualquier otro antecedente relevante.

La antigua Grecia

Periodo arcaico 600-480 a.C.

La forma humana en el arte occidental contemporáneo tiene muchas de sus raíces en la antigua Grecia. En el siglo VI a.C., plasmar el cuerpo humano en el arte se convirtió en un punto central, con nuevas técnicas que permitieron a los artistas representar el cuerpo de forma más realista.

El siglo VI fue el inicio del periodo arcaico del arte griego, que duró del 600 al 480 a.C. Fue una época de constante evolución de la técnica, con apariencias más naturalistas del cuerpo humano. Los griegos consideraban que el cuerpo era una expresión del ser interior, directamente conectado con la mente. Por ello, representar la figura humana a la perfección significaba que el ser humano representado también tenía una mente perfecta. Durante la primera parte del periodo arcaico, todavía hay una influencia directa del arte egipcio.

Sólo los hombres griegos eran retratados desnudos, un reflejo de cómo eran presentados en la sociedad. Hoy en día sólo existen unas pocas esculturas de mujeres de la época, y todas ellas muestran a las mujeres completamente vestidas y mirando directamente al espectador. Las esculturas humanas del periodo arcaico también presentan la sonrisa arcaica, independientemente de la actividad que estén realizando.

*Estatua de piedra caliza de un hombre barbudo con ofrendas votivas,* escultura de piedra caliza, chipriota, 475-450 a.C. © Dominio público. – Fuente

Periodo Clásico 480–400 a.C.

Durante el periodo Clásico, las esculturas de seres humanos adquieren su propio protagonismo. Dejan de mirar directamente al espectador y miran a lo lejos como si estuvieran pensando. Las figuras dejan de ser tan rígidas y adquieren una sensación de peso y fluidez. Ahora es cuando vemos la introducción del contrapposto, cuando la figura está en reposo, el peso del cuerpo se desplaza a una pierna. Los griegos también utilizaron las proporciones para crear figuras idealizadas, distorsionando el tamaño de ciertas partes del cuerpo para mostrar proporciones ideales. La sonrisa arcaica también desapareció, y las esculturas adoptaron expresiones más nobles y serias, un enfoque más cándido en lugar de sonreír directamente a la «cámara».

*Lanzador de diskos de bronce*, estatua de bronce, griega, 480-460 a.C. © Dominio público. Fuente

Periodo helenístico 323-150 a.C.

Tras la muerte de Alejandro Magno se produjo una especie de revolución cultural. Las ciudades crecen y exigen más y mejor arte. Surge el arte helenístico, cargado de emoción, violencia y sensualidad. Las esculturas helenísticas retrataban lo que veían. Las figuras divinas del periodo clásico ya no existen, en su lugar se muestran esculturas con sus imperfecciones.

El Gálata moribundo una copia romana en mármol de una obra helenística de finales del siglo III a.C. Museos Capitolinos, (aprox. 230-220 a.C.) de Epígonos; Museos Capitolinos, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons

Las esculturas helenísticas tienen muchos detalles y todas utilizan los siguientes elementos:

Forma: Los músculos bajo la piel son muy detallados, al igual que las expresiones faciales, lo que da lugar a emociones fáciles de leer. El cabello también adquiere más volumen y peso, mientras que antes no se le dedicaba mucha atención y era plano.
Composición: Las posturas rígidas se sustituyen por poses cotidianas, con curvas en S y C.
Textura y patrón: El pelo detallado hace que la textura sea exquisita. Estas esculturas se habrían pintado también con mucho detalle.

El arte medieval de los siglos V-XIV

El arte medieval en Europa estuvo dominado por el auge del cristianismo, y vio la desaparición del desnudo casi por completo del arte. Las únicas personas desnudas en el arte eran Adán y Eva, y servían como símbolo del pecado original. Además, durante esta época, el cuerpo humano no se relacionaba directamente con el mundo real, por lo que no era muy realista.

Periodo paleocristiano siglos V-VII

La Iglesia católica iba ganando influencia y en el año 350 de la era cristiana tenía dos centros de poder principales, Roma y Constantinopla. El arte se utilizaba para la decoración y la apreciación pública. También se utilizaba en las casas de culto. El arte de este periodo tiene sus raíces en el estilo romano clásico, que se basaba en el estilo griego clásico, pero era más abstracto y simplificado. El objetivo de la representación de la figura humana era la belleza espiritual en lugar de la física. Los rostros tenían grandes ojos fijos, llamados «ventanas del alma».

*Sergio y Baco*, aprox. siglo VI-VII, museo de Kiev. – Fuente

Periodo románico siglos XI-XII

El periodo románico abarca desde la segunda mitad del siglo XI hasta el XII y es el primer estilo artístico internacional. Gracias al aumento de los viajes, llegó a todo el Mediterráneo y hasta Escandinavia. Las formas humanas se volvieron más expresivas en el periodo románico que en el paleocristiano. A menudo, las figuras eran alargadas, se hacía hincapié en los detalles lineales y decorativos, como los pliegues de la ropa y el pelo, pero el realismo no era el objetivo. A menudo, la figura humana se esculpía y aparecía en relieves arquitectónicos, especialmente durante los siglos XI y XII. La mayoría de las esculturas humanas eran pictóricas y bíblicas.

*Virgen entronizada*, 1175-1200, Escultura de madera © Dominio público – Fuente

Periodo gótico siglos XII-XVI

En el periodo gótico, la figura humana se representaba con mayor naturalidad y apariencia de vida, en comparación con el periodo románico. Las figuras góticas posteriores se vuelven mucho más realistas, con expresiones naturales en sus rostros y el cuidado de representar con precisión los pliegues de la ropa.

El Renacimiento siglos XIV-XVII

El Renacimiento supuso una mayor atención al cuerpo humano, y de una forma muy diferente a la del periodo medieval. Mientras que el cuerpo se representaba de forma abstracta y bidimensional, lo que hacía que la figura pareciera menos conectada con su ser humano, los artistas del Renacimiento se inspiraron en las antiguas esculturas griegas y romanas, más realistas. Volvieron a las proporciones matemáticas de las que hablaban los autores romanos Plinio y Vitruvio, y como se puede ver en El Hombre de Vitruvio de da Vinci.

*Hombre de Vitruvio,* Leonardo da Vinci, 1492, tinta y acuarela y punta de metal sobre papel. – Fuente

Aparte de las representaciones clásicas de la forma humana, los artistas del Renacimiento se convirtieron en expertos en anatomía, ya que trabajaban para que sus representaciones de la figura humana fueran aún más reales. Estos artistas sabían mucho más sobre anatomía que los estudiantes de anatomía de la universidad.

Tanto da Vinci como Miguel Ángel eran conocidos por sus detalladas disecciones anatómicas, estableciendo un nuevo estándar para la representación de la figura humana. Los mecenas llegaron a esperar la perfección de la anatomía.

*De humani corporis fabrica (De la estructura del cuerpo humano)* 1555, Andreas Vesalius, xilografía. – Fuente

Neoclasicismo 1750-1850

Los artistas del periodo neoclásico también se inspiraron en la antigua Roma, especialmente en lo que respecta a la representación de telas sobre la figura humana. Este periodo se considera un renacimiento del arte griego y romano y está estrechamente ligado al Siglo de las Luces, que tuvo lugar entre el siglo XVII y el XIX. Este periodo se basó en el pensamiento filosófico, con la razón como fuerza principal en la moral. También estuvo influenciado por la revolución científica, que se desarrolló a finales del Renacimiento, y uno de los temas de este periodo fue la anatomía, que tuvo una gran presencia en el arte.

*Antoine Laurent Lavoisier (1743-1794) y Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Paulze, 1758-1836) 1788.* Jacques Louis David F. © Dominio público. – Fuente

Las personas en el arte neoclásico se representaban con un sentido de «noble simplicidad» inspirado en la «tranquila grandeza» de la antigua escultura griega. La escultura neoclásica mostraba figuras de tamaño natural y bustos (como los de Jean-Antoine Houdon, 1741-1828). Las esculturas a menudo representaban a su sujeto con mucho realismo, los términos utilizados eran «verismo», o el más simplista «verrugas y todo». Este término se utilizaba también en la escultura romana, y significaba que el artista debía incluir todas las imperfecciones del cuerpo, incluidas las verrugas y las arrugas.

*Denis Diderot* (1713–1784) 1773 Jean Antoine Houdon. © Dominio público. – Fuente

El impresionismo a finales del siglo XIX

Artistas como Edouard Manet comienzan a romper los límites del dibujo del desnudo clásico, para dibujar desnudos de la vida real, con efectos anatómicos y desproporciones que sólo tendría un modelo vivo. Este fue el inicio del impresionismo e influyó en la creación artística a partir del siglo XX. Artistas como Renoir y Degas mantuvieron el parecido anatómico del modelo real en vivo, además de dibujar el desnudo dentro de una composición, dándole el mismo peso que el decorado que lo rodea.

*Olympia,* Edouard Manet, Museo de Orsay, París, 1863. Óleo sobre lienzo. – Fuente

El cubismo a principios del siglo XX

Los artistas del cubismo dieron la espalda a las representaciones tridimensionales de la forma humana y, en su lugar, aplanaron y fragmentaron el cuerpo humano en formas geométricas de aspecto bidimensional. Picasso y Braque lideran el movimiento, con múltiples puntos de perspectiva y colores monocromáticos junto con medios mixtos.

El contexto artístico

El cuerpo humano siempre ha sido una fuente de inspiración primordial para los artistas, más allá de la geografía, la religión, la cultura y el nivel socioeconómico.

El cuerpo humano ha representado la belleza, el sexo, ha causado gran controversia, ha sido prohibido. La pintura rupestre más antigua es una figura humana, lo que demuestra que incluso los primeros humanos estaban fascinados por su propio cuerpo y querían representarlo artísticamente.

En Grecia, el cuerpo humano se idealizaba como atlético; en el cristianismo, el cuerpo representaba el sufrimiento y la piedad; durante gran parte del Islam, estaba mal visto.

En conclusión, cuando consideramos el cuerpo humano en la historia del arte, planteamos cuestiones sobre la identidad cultural, sexual, socioeconómica y étnica.

El contexto social y político: los artistas se ven influidos por la organización política, la organización social y las cuestiones importantes de la época en la que crean. Por otra parte, el arte influye en el público; puede evocar emociones o estados de ánimo particulares, para la investigación social y el cambio político, para cuestionar y criticar a la sociedad, o como medio de propaganda o publicidad comercial para influir en las concepciones populares.

El arte, junto con la religión y el gobierno, determina cómo actuamos como sociedad; y muy a menudo el arte, la religión y el gobierno interactúan e incluso se solapan. Algunas de las preguntas importantes que hay que hacerse en relación con el arte y su contexto social y político son:

¿Cómo afecta el arte a nuestra forma de vivir?
¿Cómo cambia el arte la forma en que nos vemos a nosotros mismos?
¿Cómo cambia el arte nuestra forma de sentir la religión y la política?
¿Puede utilizarse realmente el arte como herramienta para gobernar?
¿Han utilizado alguna vez los gobiernos o las religiones las representaciones del cuerpo humano en el arte para moldear a sus electores a través de su mirada? ¿Y cuáles son/podrían ser las implicaciones?

Enfoque pedagógico

¿Porque este tema es relevante para los estudiantes adultos?

Los estudiantes adultos explorarán cómo la representación del cuerpo humano a través del arte ha influido en la sociedad, la política, y la imagen de uno mismo a lo largo de la civilización humana. Al comprender el significado de estas obras, los estudiantes adultos verán la sociedad a través de una lente diferente y aprenderán más sobre por qué somos quienes somos, por qué pensamos como lo hacemos y por qué consideramos que algunos cuerpos son más bellos que otros.

¿Cuáles son los resultados del aprendizaje al incorporar este tema cultural/artístico a una actividad educativa?

El cuerpo humano es uno de los modelos más clásicos para los artistas. Hay mucho que aprender al ver el cuerpo humano representado en el arte (incluyendo el contexto social, el significado político y los estándares de belleza) y los estudiantes adultos aprenderán una amplia gama de técnicas y habilidades al aprender a dibujar el cuerpo humano. Por lo tanto, los resultados del aprendizaje son:

Consideración de por qué consideramos que algunos cuerpos son más bellos que otros;
Conocimiento de las diversas formas en que el cuerpo en el arte ha sido utilizado como propaganda, por los órganos de gobierno y cómo ha cambiado la sociedad;
Conocimiento anatómico del cuerpo humano y técnicas de dibujo;
Cómo reconocer la evidencia de los prejuicios, los grupos marginados y el racismo a través de las obras de arte.

Cómo hacerlo: estrategias, herramientas y técnicas.

Los estudiantes adultos estudiarán la historia que hay detrás de determinadas obras de arte que representan el cuerpo humano a lo largo del tiempo, y también crearán sus propias representaciones de cuerpos humanos.

Obras de arte

Obra de arte #1 El nacimiento de Venus, Botticelli, 1480 (Renacimiento)

Su posición-relación con el tema: Se relaciona con el ideal de belleza femenina de la época. Su representación como desnuda es significativa en sí misma, ya que durante la historia del Renacimiento casi todas las obras de arte eran de temática cristiana y apenas se retrataban mujeres desnudas.
Breve descripción: Significado directo – La diosa del amor y la belleza llega a tierra firme de pie en una concha gigante. Es ayudada por los vientos y está rodeada de flores, un recuerdo de la primavera.
El autor: Su nombre completo es Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, nació en Italia en 1445 y es conocido como Sandro Botticelli. Es un pintor de principios del Renacimiento.
Ubicación y dimensión europea: Pintado por Botticelli para la familia Medici en el siglo XV, actualmente se encuentra en la Galería Uffizi.
Hablar de cómo ha cambiado la belleza a lo largo de los años. Comparar el estilo pictórico de Botticelli con el de sus contemporáneos.

Obra de arte #2 La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp, Rembrandt, 1632 (pintura barroca)

Su posición-relación con el tema: En lugar de apreciar el cuerpo por su belleza, se trata de un cuerpo en un contexto científico, quizás incluso grotesco.
Breve descripción: Nicolaes Tulp explica a los médicos la musculatura del brazo.
El autor: Rembrandt Harmenszoon van Rijn, conocido como Rembrandt, es un pintor holandés nacido en 1606, considerado uno de los mayores artistas plásticos de la historia.
Ubicación y dimensión europea: Pintado por Rembrandt en 1632, actualmente está en el museo Mauritshuis en La Haya.
Posible explotación educativa: Conocer el estilo pictórico barroco y las técnicas de dibujo para la anatomía.

Obra de arte #3 La bañista de Valpinçon, Jean-Auguste-Dominique Ingres 1808 (Neoclasicismo)

Su posición-relación con el tema: El cuadro es de una mujer desnuda.
Breve descripción: Cuadro neoclásico francés de una «bañista», sentada en una cama de espaldas al espectador.
El autor: El artista es Jean-Auguste-Dominique Ingres, pintor neoclásico francés nacido en 1780.
Ubicación y dimensión europea: Louvre, París
Posible explotación educativa: Se podrían investigar algunos temas sociales, como el hecho de que no se vea el rostro de la mujer, ni la parte delantera de su cuerpo. También podemos ver la evidencia de la «aerografía» neoclásica o el borrado de cualquier imperfección en su cuerpo. El cuadro también puede servir para debatir sobre el uso de la luz y sobre cómo el artista consiguió que la modelo pareciera ingrávida, así como sobre otras técnicas pictóricas.

Obra de arte #4 Olympia, Edouard Manet, 1863 (Impresionismo)

Su posición-relación con el tema: Esta pintura no sólo trata con la sexualidad femenina, sino que, sobre todo, representa el cuerpo de una mujer negra de una forma que subvierte el statu quo de la época.
Breve descripción: Una sirvienta negra llamada Laure lleva ropa francesa contemporánea y aconseja a la prostituta Olympia que mira directamente al espectador.
El pintor, Édouard Manet, nació en Francia en 1832 y fue unos de los fue uno de los primeros pintores modernistas del siglo XIX en ilustrar la vida moderna.
Ubicación y dimensión europea: Museo de Orsay, París
Posible explotación pedagógica: Este cuadro permitirá a los alumnos conocer la representación de las mujeres negras en Europa, así como la representación de las prostitutas.

Obra de arte #5 Cráneo con cigarrillo encendido, Van Gogh, 1886 (Postimpresionismo)

Su posición-relación con el tema: Aquí vemos el cuerpo humano sin carne y con un aspecto humorístico.
Breve descripción: Estudio anatómico de un esqueleto fumando un cigarrillo.
El autor: Vincent van Gogh es un pintor postimpresionista holandés nacido en 1853 que, tras morir, se convirtió en un artista extremadamente influyente en el arte occidental.
Ubicación y dimensión europea: Pintado por Van Gogh en 1886, actualmente en el Museo Van Gogh de Ámsterdam.
Posible explotación educativa: Estudiar la anatomía, y discutir si es arte o sólo una broma algo infantil.

Obra de arte #6 Metopa de mármol del Partenón (Metopa sur XXXI).

Su posición-relación con el tema: Este conjunto de placas talladas representan y describen diferentes escenas de luchas famosas de la historia y la mitología griega. Son relevantes por su representación de todos los cuerpos siguiendo los cánones ideales de la época.
Breve descripción: Esta es una de las 92 metopas de mármol que se pueden ver en el Partenón, donde muchas representan una famosa batalla entre los centauros, las criaturas mitológicas, y los lapitas, una tribu mitológica de la historia griega. Aunque algunas fueron destruidas casi por completo con el paso de los años, algunas siluetas y figuras se conservan y han sido reconstruidas. En cada lado del Partenón, la metopa representa una lucha importante diferente. En esta (Metopa sur XXXI), podemos ver a un centauro a la izquierda y a un lapita a la derecha luchando.
El autor: Feidias, en griego «Φειδίας», fue o un escultor o el jefe de todos los artistas que participaron en él. Fue un escultor de Atenas y está considerado como uno de los escultores más famosos de la antigua Grecia. Trabajó principalmente en Atenas, en las esculturas del Partenón, pero también es conocido por su escultura de Zeus en oro y marfil, una de las siete maravillas del mundo antiguo.
Ubicación y dimensión europea: Esta pieza de la metopa se encuentra en el Museo Británico; fue adquirida en 1816 y nunca ha vuelto a su escenario original.
Posible explotación educativa: Se puede discutir el tema con el arte perteneciente a un país que se restaura y se mantiene en otro, algo que muchos países discuten. También puedes hacer que los alumnos investiguen un poco sobre las criaturas mitológicas, como los centauros, y cómo han sido representados como parcialmente humanos a lo largo del tiempo, es decir, cuánto se parecen a los cuerpos humanos y si eso se ha representado de forma diferente a lo largo de las civilizaciones.

Obra de arte #7 El Hombre de Vitruvio, Leonardo da Vinci, 1490 (Renacimiento)

Su posición-relación con el tema: Este dibujo está relacionado con una visión del tiempo de un cuerpo humano proporcionado y la importancia del equilibrio y la armonía.
Breve descripción: Este dibujo, de Leonardo da Vinci, retrata su idea del cuerpo humano perfecto, muy proporcionado, y tiene sus anotaciones e inscripciones encima y debajo del dibujo. La descripción pertenece a Vitruvio, arquitecto, ingeniero y autor romano de «De architectura», del siglo I a.C., conocido por su idea de «firmitas, utilitas y venustas («fuerza», «utilidad» y «belleza»)», las tres características que deben tener todos los edificios. Se dice que Leonardo no sólo tomó la medida y las proporciones de la obra de Vitruvio, sino que también midió él mismo muchos modelos. Aunque las medidas se tomaron como el cuerpo ideal durante muchos años, últimamente se han cuestionado.
El autor: Leonardo Da Vinci, nacido en Italia en 1452 y conocido no sólo por sus pinturas y dibujos sino también por sus conocimientos, cuadernos y apuntes de anatomía, astronomía, botánica y cartografía entre otros.
Ubicación y dimensión europea: Actualmente se encuentra en las Galerias dell’Accademia, en Venecia, Italia, y ha tenido gran importancia en el mundo del arte por la forma en que mezcla las matemáticas, la geografía, el arte, el cuerpo humano y, en cierta medida, la naturaleza.
Posible explotación educativa: Se puede hacer una actividad en grupo midiendo a varias personas del grupo y dibujándolas siguiendo este estilo. Luego se pueden comparar todos los dibujos y hacer un pequeño debate sobre los cánones, normas y proporciones del cuerpo humano.

Obra de arte #8 Panneau de l’homme blesse (arte rupestre)

© André M. Winter, www.voyage-hors-saison.fr

Su posición-relación con el tema: Es una obra importante porque en esa época las pinturas representaban principalmente grandes animales y ninguna figura humana. También por la fuerte relación con las prácticas chamánicas y con los órganos sexuales del cuerpo humano.
Breve descripción: Se remonta al Paleolítico. Tiene una antigüedad de entre 17.000 y 16.000 años. La pintura se encuentra en una parte separada de la cueva llamada The Shaft, que probablemente era un lugar especial o escondido en las cuevas sagradas de Lascaux. Las principales representaciones en la pintura son un hombre herido, un búfalo malherido y un rinoceronte. La parte más importante muestra a un hombre con cabeza de pájaro y un bisonte. El único hombre de la escena yace herido por el animal que está a su lado. Algunos piensan que podría ser un cazador, mientras que otros creen que podría ser un chamán por todos los elementos chamánicos y totémicos. Lleva una máscara de pájaro, sus manos recuerdan a las patas de un pájaro y su falo, erecto, apunta al toro atravesado.
Ubicación y dimensión europea: Esta pintura mural se encuentra en un conjunto de cuevas llamado Lascaux, cerca del pueblo de Montignac, en el suroeste de Francia. Hay más de 600 pinturas en las paredes y los techos de la cueva.
El autor: Se desconoce.
Posible explotación educativa: Al tratar el arte rupestre, se puede hablar de cómo se representaban los roles del hombre y la mujer en esa época; de cómo el desnudo era la norma general e investigar un poco sobre la evolución del arte rupestre a lo largo de miles de años. Por ejemplo, cómo al principio sólo se pintaban escenas de animales y cómo luego las escenas de personas fueron más comunes. También puedes analizar las técnicas utilizadas para diferenciar los cuerpos masculinos y femeninos.

Obra de arte #9, Desnudo recostado, Modigliani, 1917 (Expresionismo)

Su posición-relación con el tema: La pintura de Modigliani, que solía pintar desnudos femeninos sensuales, empáticos y emotivos.
Breve descripción: Este cuadro muestra el cuerpo entero (de espaldas al espectador) de una mujer desnuda reclinada en una cama, apoyada en un cojín. Mira por encima del hombro con una mirada segura y unos labios rojos y brillantes.
El autor: Amedeo Modigliani es un pintor judío italiano nacido en 1884 que trabajó en Francia durante la mayor parte de su carrera.
Ubicación y dimensión europea: Pintada por Modigliani en París, la obra se encuentra en la colección del Museo Metropolitano de Arte (MoMA), Nueva York, NY, Estados Unidos.
Posible explotación educativa: Hablar de la controversia que rodea a los desnudos en la época (la primera exposición individual de Modigliani fue supuestamente clausurada a causa de los desnudos). Discutir que, dado que su técnica parece algo infantil, ¿por qué es tan buena? Infórmate sobre el genio torturado que era Modigliani. ¿Es necesario un cierto grado de dolor para crear buen arte?

Actividades practicas

Actividad 1 – Patrimonio artístico y cultural – El blanqueamiento del arte europeo

Objetivos: Hablar del racismo que hay actualmente y de cómo se refleja en el «Arte Europeo». Discutir la falta de personas de color y negras representadas en el Arte Europeo y a través de la historia.
Materiales: Un portátil, un ordenador o una tableta por alumno o por grupo de alumnos.
- Etapa preparatoria: Escucha esta entrevista antes de la sesión y echa un vistazo a este artículo para entender un poco mejor el tema. Elige al menos 5 o 6 ejemplos del artículo y prepárate para mostrarlos en una pantalla con un proyector.
Desarrollo: Paso 1: el profesor mostrará en la pantalla algunas imágenes de forma comparativa para plantear el tema del racismo en el arte. El profesor formulará algunas preguntas para fomentar cierta discusión y debate entre los alumnos. Los alumnos hablarán de sus experiencias al ver la diversidad racial y étnica en el arte. Paso 2: los alumnos buscaran en Internet (individualmente o en grupos) y tendrán que preparar una breve presentación que exponga este tema incluyendo ejemplos nacionales y, si es posible, locales. A continuación, tendrán que tratar de encontrar museos que se esfuercen por exponer arte con mucha diversidad.
- Fichas prácticas: Si los alumnos tienen un nivel suficiente para hacerlo, entrégales este artículo (impreso o en formato digital) y pide a los alumnos que propongan más ejemplos

Actividad 2 – Dibujar el cuerpo humano

Objetivos: Aprender/practicar las técnicas de dibujo gestual.
Materiales: Carboncillo, papel, objetos inmóviles, compañeros de clase como modelos.
Fase preparatoria para educadores/mediadores: Enseñar a los alumnos los fundamentos del dibujo gestual. Enseñar a los alumnos a trabajar con el carboncillo. Practicar cómo dibujar bodegones.
Etapa preparatoria: Los profesores ven estos vídeos https://www.youtube.com/watch?v=74HR59yFZ7Y&t=297s // https://www.youtube.com/watch?v=KVXOIBRdzPw&ab_channel=LoveLifeDrawing para aprender los fundamentos del dibujo gestual (no es necesario que sean expertos en el tema, los profesores sólo dejarán que los alumnos experimenten con la técnica).
Desarrollo: Paso 1: los profesores introducen a los alumnos en el dibujo gestual (pueden utilizar para ello la presentación o los vídeos que acompañan a la obra). Paso 2: los alumnos se turnarán para modelar durante intervalos de 5 segundos mientras sus compañeros crean dibujos de figuras con carboncillo. Paso 3: los alumnos se tomarán 2 minutos para realizar dibujos gestuales de sus compañeros. Paso 4. Los alumnos se pasarán sus dibujos y comentarán las dificultades del dibujo gestual y mantendrán un breve debate sobre cómo se relaciona con los cánones de belleza de cada época.
- Fichas prácticas: PowerPoint de introducción al dibujo gestual como éste.
Actividad final: Cada alumno deberá elegir una técnica de uno de los períodos del arte europeo y dibujar la forma humana de esa manera. Por ejemplo, el griego clásico, el arte cristiano, etc.

Referencias

Web

Libro

Johan Joachim Winckelmann in his publication “Thoughts on the Iimitations of Greek Works in Painting and Sculpture” (1750)