Introduzione

Il discorso abilistaconsidera i corpi abili come la norma nella società, indicando che le persone con disabilità devono lottare per diventare normali. La disabilità è quindi definita come un errore o un difetto, piuttosto che come una diversità umana; la disabilità è vista come una cosa “cattiva” che deve essere superata o sradicata.

In questo dossier pedagogico, esaminerete esempi del corpo umano disabile così come è stato rappresentato nella storia dell’arte. Attraverso questo dossier, esplorerete il corpo nella cultura visiva per scoprire come la differenza corporea è ed è stata articolata fisicamente e teoricamente, dimostrando come la disabilità possa essere definita come una costruzione culturale. Poiché si tratta di un progetto molto vasto, questa scheda utilizza solo alcuni esempi artistici per ogni tema.

Per riassumere, in questo dossier, potrete:

• Imparare cosa significa l’essere umano;
• Comprendere come il corpo viene rappresentato nella cultura visiva;
• Scoprire come le formazioni della disabilità si esprimono rispetto alle idee di normalità, ibridazione e/o anomalia.
• E altro ancora!

La tematica

Contesto del movimento

Cronologicamente, gli “studi sulla disabilità” sono sorti a metà-fine anni ’80 e la “body art” ha iniziato a essere considerata una categoria dell’arte contemporanea negli anni ’70, ma i corpi disabili nell’arte risalgono almeno al I secolo a.C.. Gli studisulla disabilità mirano a presentare una metodologia e un punto di partenza alternativi per lo studio del corpo nella storia dell’arte. Attraverso gli studi sulla disabilità, possiamo comprendere e rintracciare la discriminazione nella storia dell’arte a favore delle persone abili, chiamata anche “abilismo”.

Ci sono una serie di esempi e di domande provocatorie che si possono pensare e porre a se stessi quando si cerca di capire una disabilità, per esempio:

• Possiamo compilare un elenco di opere che includono rappresentazioni della disabilità?
• Come vengono rappresentate le persone con disabilità nell’arte?
• Le persone con disabilità sono partecipanti attivi e creatori di cultura e media?

Le persone con disabilità non hanno in genere deciso come essere rappresentate nell’arte e nella letteratura, né hanno partecipato alla creazione degli oggetti d’arte in cui sono ritratte. Artisti e autori hanno usato varie disabilità per comunicare idee sul male, la sofferenza, la grazia e la natura umana e per sostenere stereotipi sulla disabilità.

La disabilità è una costruzione socioculturale idiosincratica, corporea e sfaccettata. La rappresentazione di corpi disabili nella storia dell’arte dimostra come l’arte possa sostenere o sovvertire la costruzione e la rappresentazione di valori normativi.

Rappresentazioni storiche della disabilità nella storia dell’arte

Aristotele (384-322 a.C.) raccomandava l’eutanasia per i “bambini deformi”, scrivendo: “Sia una legge che nessun bambino deforme possa vivere”. Sebbene l’arte ellenistica comprenda rappresentazioni di “grottesche”, anziani e bambini, non troviamo molte rappresentazioni di persone con disabilità nel mondo antico

Il cristianesimo ha portato a maggiori interpretazioni delle persone con disabilità. Nel Nuovo Testamento, Gesù mostrò gentilezza e compì miracoli per curare persone cieche e diversamente abili. Questi miracoli erano spesso rappresentati nell’arte, ad esempio nel Miracolo di Cristo che guarisce i ciechi di El Greco(1570 circa). Anche in questo modo, la disabilità era considerata una situazione da curare, per consentire il ritorno alla normalità.

Durante la Riforma protestante del 1517, le persone con disabilità dello sviluppo erano considerate organismi subumani. Martin Lutero (1483-1546) condannò i bambini e gli adulti con disturbi cognitivi come “pieni di Satana”.

In questi tempi, molte personecon disabilità sopravvivevano come mendicanti, come raffigurato in I mendicanti, di Pieter Bruegel (1568).

Il cristianesimo, inoltre, ha spesso considerato la disabilità come un peccato da parte delle persone con disabilità o delle loro famiglie. A volte era anche vista come un atto di Dio per qualche scopo divino. Nel primo caso, le persone venivano punite ed espulse dalla società. Nel secondo caso, erano viste come divine e considerate sante. Percepite come peccatori o santi, le persone con disabilità erano solitamente tenute separate dalla società tradizionale e si pensava che le loro disabilità servissero a qualche scopo divino.

Prendiamo come esempio il dipinto di Rembrandt Pietro e Giovanni che guariscono lo storpio alla porta del tempio e il dipinto di Goya Mendicanti che si muovono da soli a Bordeaux. Entrambe le opere presentano un uomo disabile. Nel caso di Rembrandt, ci sono anche altri due personaggi: San Pietro e San Giovanni, che sovrastano lo “storpio” (come venivano chiamati i disabili in quel periodo) con benevolenza e autorità. Il disegno di Goya sottolinea più da vicino l’individuo disabile, unmendicante su una sedia a rotelle. Il soggetto sembra sporco e trasandato, ma anche attivamente impegnato nel mondo. Il mendicante di Goya guarda fuori dall’opera verso l’osservatore ed è ritratto come una persona attiva, mentre lo storpio di Rembrandt siede passivamente, dando le spalle all’osservatore; aspetta di essere guarito per poter partecipare al mondo che lo circonda.

Nel XIX secolo è emerso il modello medico della disabilità, che considera la disabilità come una menomazione, come qualcosa di sbagliato nel corpo. Con l’affermarsi della medicina scientifica moderna, i medici del XIX secolo hanno percepito la disabilità come una “malattia” e una “lesione”. La disabilità è diventata qualcosa che deve essere curato dalla scienza. Le persone con disabilità sono diventate pazienti da curare. Definendo le persone in base alle loro disabilità piuttosto che come esseri umani a pieno titolo, il modello medico favorisce le classificazioni, la dipendenza da cure professionali e spesso comporta trattamenti dolorosi.

Il modello medico ha talvolta portato al darwinismo sociale. Il darwinismo sociale è l’idea che certe persone diventino potenti nella società perché sono innatamente migliori. Questa idea ha contribuito a razionalizzare le sterilizzazioni forzate, le restrizioni matrimoniali e l’incarcerazione di individui con disabilità dello sviluppo in istituti. Queste “creature” o “persone malate” sono spesso diventate soggetti di artisti e scienziati interessati a classificare le persone in base al tipo e all’aspetto.

Tra i pittori romantici francesi, i più grandi successi di Théodore Géricaultsono i suoi Ritratti di folli. Originariamente erano dieci, ma solo cinque sono sopravvissuti: Pazza e giocatrice d’azzardo compulsiva, Rapitore, Donna folle, Kleptomane e Uomo che soffre di manie di comando militare. Ecco alcuni di loro.

Il terrore di persone con deformità fisiche divenne popolare nei media, con figure come Quasimodo, il Dottor Stranamore, Frankenstein e l’Uomo Lupo. Spesso alle persone con disabilità venivano assegnati ruoli di cattivi.

Gli stereotipi sono stati rafforzati da teorie quasi scientifiche come l’eugenetica. Durante la “paura genetica” degli anni Venti, si riteneva che le persone con disabilità dello sviluppo potessero danneggiare gli altri. La ricerca eugenetica ha avuto un impatto diretto sulle posizioni e sulla mentalità nei confronti delle persone con disabilità nella Germania nazista. La Germania nazista accusava le persone con disabilità di sprecare risorse preziose. Allo scoppio della Seconda Guerra Mondiale, Hitler ordinò un’ampia “uccisione per pietà” di malati e disabili. Il programma nazista di eutanasia fu istituito per eliminare la “vita indegna di essere vissuta”;oltre 200.000 persone con disabilità furono uccise durante l’Olocausto.

Il “Freakshow”, il potere e il privilegio

Durante il XV secolo, le persone con disabilità fisiche e mentali venivano fatte imbarcare su navi ed esibite in cambio di denaro. Il dipinto La nave dei folli di Hieronymus Bosch (1490-1500) raffigura la vita di persone con disabilità cognitive a bordo diuna nave di questo tipo.

Durante il Rinascimento, Velázquez dipinse molti ritratti di nani, tra cui il Ritratto di Sebastián de Morra (1645), che può essere paragonato al ritratto della pittrice italiana Lavinia Fontana di Antonietta Gonzalez (1595), di dieci anni, il cui padre Pedro, “l’uomo peloso di Monaco”, fu il primo caso documentato di “sindrome del lupo mannaro” o ipertricosi.

Nel 1841 apre l’American Museumdi P.T. Barnum. Negli anni Quaranta dell’Ottocento il termine “freak” divenne sinonimo di “mostruosità, individuo anormalmente sviluppato di qualsiasi specie; una curiosità vivente esposta in una mostra”. Questa definizione deve il suo posto nel vernacoloinglese a Barnum e al suo American Museum (1841-65), che si basava su mostre sensazionali per attirare le folle.

Questo tipo di mostre iniziò a essere immortalato dai fotografi negli anni Ottanta del XIX secolo. Charles Eisenmann realizzò cartes de visite, o biglietti da visita, per i “fenomeni da baraccone del Museo Americano di Barnum”. Aveva il suo studio nel quartiere Bowery di New York, vicino al Barnum’s American Museum. Gli artisti di Barnum utilizzavano i biglietti da visita come strumenti promozionali e di marketing. Eisenmann le vendeva anche come oggetti da collezione a persone che spesso le assemblavano in album. Ecco alcuni esempi del lavoro del suo studio.

Myrtle Corbin era stata definita “la ragazza a 4 zampe del Texas”, un’attrazione popolare per Barnum. Come uno dei fenomeni da baraccone più popolari, guadagnava fino a 450 dollari alla settimana. All’età di diciannove anni sposò un medico, dal quale ebbe cinque figli.

Eli Bowen era un saltimbanco e un uomo robusto che girò l’Europa con Barnum. Conosciuto come “Il prodigio senza gambe”, fu applaudito a livello internazionale per il suo straordinario numero durante il quale si arrampicava su un palo di tre metri, poi oscillava intorno al palo tenendo il corpo parallelo al palo con una mano. Si sposò ed ebbe quattro figli. Era molto orgoglioso della sua famiglia e la maggior parte delle foto di Eli ritraggono anche la sua famiglia.

In seguito, un’altra fotografa interessata a soggetti insoliti fu Diane Arbus. Il suo lavoro pluripremiato è stato esposto in importanti mostre e ha ottenuto due borse di studio Guggenheim. La fotografia della Arbus differisce da quella di Eisenmann.

“Arbus non è un’artista che ci fa vedere il mondo in modo nuovo; ci incorpora nei nostri limiti, nella nostra mancanza di empatia, nelle nostre reazioni impulsive, nella nostra incuriosità e mancanza di preoccupazione. Il suo è un mondo senza orizzonti in cui non c’è fuga da se stessi”. (“Wrestling with Diane Arbus”, The Guardian, 2005).

Corpo, performance e postumano

Nel pensiero umanistico, la mente e il corpo sono divisi, con il corpo che agisce come mezzo per la mente. Le tecnologie informatiche, le scoperte scientifiche e la bioingegneria mettono alla prova il ruolo del corpo meccanico, incapace di sostituire completamente il corpo umano e inadatto a svolgere le funzioni del corpo biologico. Inoltre, la guerra, la chirurgia plastica e le protesi hanno cambiato la percezione del corpo e la rappresentazione delle persone con disabilità. Prendiamo ad esempio la criticadel pittore tedesco Otto Dix alla prima guerra mondiale, come si vede in Skat Players e War Cripples.

Grazie all’aumento delle conoscenze mediche, le ferite che in passato avrebbero ucciso i soldati ora rimangono sui loro corpi come cicatrici. Ma l’evoluzione delle conoscenze mediche consente di salvare molte più vite, anche se evitare le ferite di guerra e i corpi martoriati è impossibile.

È quando appare il movimento del transumanesimo che cerca di trasformare la condizione umana attraverso le tecnologie, che le capacità intellettuali, fisiche e psicologiche dell’uomo migliorano. Orlan (Self-Hybridizations) e Stelarc (Third Hand) sono due artisti contemporanei che esplorano e spingono i confini dell'”umanità” intraprendendo interventi chirurgici per trasformare i loro corpi in ibridi e cyborg.

Come sfida all’invisibilità, Marc Quinn ha scolpito la collega artista e attivista Alison Lapper Pregnant in marmo di Carrara per il quarto plinto di Trafalgar Square a Londra. L’opera che presenta Lapper, nata senza braccia e con le gambe accorciate, ha creato molti dibattiti da parte di coloro che la considerano consecutivamente offensiva o progressista. L’opera, come le altre sculture di Quinn di modelli con amputazioni per la serie The Complete Marbles(2002), approva l’idealismo del Neoclassicismo per criticare le rappresentazioni pubbliche della disabilità.

Approccio pedagogico

Perché questo tema è rilevante per i partecipanti adulti?

L’esclusione basata su pregiudizi o discriminazioni strutturali è ingiusta in qualsiasi ambito. Le persone con disabilità sono state storicamente discriminate, separate, chiuse, controllate ed eliminate. Per molti anni non hanno avuto accesso all’istruzione.

Attraverso gli studi sulla disabilità, possiamo comprendere e tracciare la discriminazione nella storia dell’arte a favore delle persone normodotate e impedire che si ripeta. Questo ci permette di puntare a creare una società basata sulla conoscenza, sulla comprensione dell’altro e quindi sull’inclusione.

Quali sono i risultati di apprendimento dell’integrazione di questo tema artistico con un’attività didattica?

Con questa attività, gli studenti potranno scoprire il tema attraverso gli strumenti e gli occhi del pittore. Infatti, le attività sono impostate in modo chegli studenti possano imparare il potere dell’arte attivista, della musica e delle parole, riflettendo su come possono influenzare le visioni artistiche. Potranno inoltre approfondire dipinti specifici e guardare video esplicativi di alcune delle opere piùinfluenti.

Come fare: strategie, strumenti e tecniche

Gli studenti parteciperanno all’apprendimento in modo attivo e non attivo. Utilizzando le loro abilità pittoriche, il pensiero critico e la capacità di ascolto, saranno in grado di sviluppare la loro conoscenza della disabilità nell’arte, di discutere e condividere i loro pensieri con la classe e di imparare da altri esperti nel campo della storia dell’arte.

Opere d’arte

Opera d’arte #1 Guarigione dell’uomo nato cieco, El Greco, 1567

• La sua posizione e la sua relazione con il tema: La guarigione dell’uomo nato cieco è un dipinto di El Greco, realizzato nel 1567.

• Breve descrizione: La scena centrale del dipinto raffigura il momento in cui Gesù, in primo piano, apre gli occhi a un cieco. L’episodio è descritto nel Vangelo di Giovanni (9,1-41). Il soggetto del dipinto si adatta perfettamente alla committenza cardinalizia: la parabola di una profonda crisi religiosa e di una vera e propria spaccatura dell’Europa cristiana, oggi divisatra cattolici e protestanti, una chiara allegoria del ruolo della Chiesa di Roma che, come Cristo, solo può aprire gli occhi alla vera fede.

• Ubicazione e dimensione europea: Oggi si trova nel Palazzo della Pilotta di Parma, in Italia.

• Possibile sfruttamento educativo: Il cristianesimo ha portato a un maggior numero di interpretazioni di persone con disabilità. La disabilità viene quindi rappresentata nell’arte. Anche in questo caso, la disabilità è stata considerata una condizione da curare, per consentire il ritorno alla normalità. Potrebbe essere interessante per gli studenti esplorare il legame tra la disabilità e le diverse religioni.

Opera d’arte #2 I mendicanti-Pieter Bruegel (1568)

• La sua posizione in relazione al tema: I mendicanti, noti anche comeGli storpi, è un dipinto a olio su tavola di Pieter Bruegel il Vecchio. Il dipinto de I mendicanti di Bruegelè un’immagine affascinante che offre una visione della storia e della società dell’epoca. Sebbene i mendicanti siano ritratti in modo patetico e antipatico, la composizione è abile e accattivante. Un notevole commento sociale, in parte ancora non decifrato. Infatti, a tutt’oggi, dato il ricco simbolismo dell’opera e il suo tono un po’ ironico, gli esperti non sono del tutto sicuri del messaggio che si cela dietro questo dipinto.

• Breve descrizione: Il dipinto presenta una donna mendicante e cinque uomini in primo piano, di cui uno di spalle, che si offrono alla visione dello spettatore in tutta la loro deformità.Privi di gambe e afflitti da deformazioni fisiche, si muovono animatamente utilizzando stampelle e parastinchi di vario tipo. Indossano diversi copricapi carnevaleschi, ognuno dei quali rappresenta un diverso gruppo di persone della società (il re, il soldato, il borghese, il contadino e il vescovo). È possibile che le deformità fisiche presentate da Bruegel corrispondano a qualche forma di debolezza morale, anche se questa ipotesi non è stata confermata dagli esperti.

• Ubicazione e dimensione europea: L’opera si trova oggi al Museo del Louvre, a Parigi.

• Possibile sfruttamento educativo: Durante la Riforma protestante del 1517, le persone con disabilità dello sviluppo erano considerate organismi subumani. Soffermiamoci a riflettere sulle diverse forme di esclusione nella società. Qui i disabili sopravvivono diventando mendicanti. Come la società decide di escludere alcuni gruppi rispetto ad altri? Come cambia storicamente?

Opera d’arte #3 Pietro e Giovanni guariscono lo storpio alla porta del Tempio–Rembrandt, 1659

• La sua posizione in relazione al tema: L’opera raffigura un uomo disabile. Fa parte del genere dell’arte cristiana. Risale al periodo barocco e al Secolo d’oro olandese.

• Breve descrizione: È un’acquaforte, un’incisione e una puntasecca su carta avorio. I personaggi sono due: San Pietro e San Giovanni, che sovrastano lo “storpio” (come venivano chiamati a quei tempi i disabili) con benevolenza e autorità. Lo storpio di Rembrandt siede passivamente, dando le spalle allo spettatore; aspetta di essere guarito per poter partecipare al mondo che lo circonda.

• Ubicazione e dimensione europea: Il dipinto si trova alla National Gallery of Art di Washington DC.

• Possibile sfruttamento didattico: Potrebbe essere interessante per lo studente approfondire come la forma di esclusione sia storicamente rappresentata nello spazio, attraverso la fisicità e la rappresentazione fisica e spaziale.

Opera d’arte #4 Donna folle (La Monomane de l’Envie) -Théodore Géricault, 1822

• La sua posizione in relazione al tema: La donna pazza è un dipinto a olio su tela del 1822 di Théodore Géricault. Fa parte della serie di opere che Géricault dedicò alla presentazione di persone con diverse condizioni di salute mentale.

• Breve descrizione: Il ritratto è realistico senza compromessi, con una precisione assoluta nella descrizione dei dettagli del viso, ed è quasi uno studio clinico di questa donna con problemi di salute. Tutta l’attenzione è concentrata sugli elementi fisici, su questo volto che denota il disturbo psicologico della donna: Géricault insiste sulla tensione che lo attraversa e ne fa una maschera, un’imitazione esacerbata, sulla chiusura della bocca, sulla fissità dello sguardo esorbitante, ma anche sul copricapo della vecchia.Glialienati di Géricault sono uomini e donne affetti da varie alterazioni psichiche, tutte riconducibili alla categoria delle monomanie, cioè ossessioni che riguardano un solo aspetto del comportamento: il furto, la pedofilia, la dipendenza dal gioco d’azzardo, l’invidia. Le suddette condizioni non sono colpe da punire in manicomio, ma malattie che presentano una sintomatologia peculiare che il pittore si preoccupa di portare sulla tela.

• Ubicazione e dimensione europea: È conservato presso il Musée des Beaux-Arts di Lione, in Francia.

• Possibile sfruttamento didattico: Per un lungo periodo della storia si è pensato che le cataratte comportamentali corrispondessero alle caratteristiche fisiche della persona. Potrebbe essere interessante approfondire il legame tra aspetto e norme sociali.

Opera d’arte #5 La nave dei folli-Hieronymus Bosch, c. 1490–1500

• La sua posizione in relazione al tema: All’epoca di HieronymusBosch, i conflitti sociali erano al culmine e la religione era in profonda crisi. La Nave dei folli, spingendosi oltre l’aspetto burlesco che conferisce a prima vista, è una critica alla follia degli uomini che vivono senza morale e perdono i loro riferimenti religiosi. Ma anche, durante il XV secolo, persone con disabilità fisiche e mentali venivano imbarcate sulle navi ed esposte per denaro. Il dipinto Nave dei folli di Hieronymus Bosch (1490-1500) raffigura la vita di persone con disabilità cognitive a bordo di una nave di questo tipo.

• Breve descrizione: Questa immagine intitolata “La nave dei folli” faceva originariamente parte di un trittico o di 3 pannelli, dipinti a olio e datati tra il 1490 e il 1500 circa. L’illustrazione mostra dieci persone alladeriva in una barca, mentre altre due sono fuori bordo. Al centro del gruppo, una suora che suona un liuto e un frate. A sinistra dell’immagine, una donna sembra in procinto di colpire un uomo che sta trascinando un carro nell’acqua. A destra dell’immagine, un altro uomo sembra vomitare sulla sponda. Sopra di lui, un uomo chiaramente vestito da pazzo sta bevendo da una coppa. Uno dei barcaioli sta usando un enorme mestolo al posto del remo, mentre l’altro ha un carro all’estremità del suo remo.

• Ubicazionee dimensione europea: Il dipinto si trova oggi al Musée du Louvre, a Parigi.

• Possibile sfruttamento educativo: Il rapporto che Bosch stabilisce tra “vizio” e “follia” è caratteristico della letteratura del XV secolo. Con questo dipinto, egli mette scherzosamente in guardia contro la perdita dei valori ecclesiastici, la negligenza o la follia degli uomini nei confronti della religione. Questo rapporto tra vizio e follia è espresso nella nostra società di oggi? Se sì, come?

Opera d’arte #6 Ritratto di Sebastiánde Morra -Diego Velázquez, c. 1645

• La sua posizione in relazione al tema: Sebastian de Morra è un dipinto a olio su telarealizzato nel 1644 circa dal pittore Diego Velázquez. Sebastian de Morra era un buffone di corte nano, che conviveva con la sua disabilità fin dalla nascita. Velázquez lo raffigura seduto, in una posizione che ricorda quella delle marionette, con un’espressione severa e triste che contrasta con la sua professione, come a voler dare voce al tormento dell’uomo.

• Breve descrizione: Il ritratto, oggi conservato al Prado di Madrid, mostra de Morra seduto a terra, con le gambe protese in avanti e le braccia appoggiate alle cosce, che oscurano le dita. De Morra ha baffi e barba scuri e indossa un mantello rosso. La cosa più significativa sono i suoi occhi, che guardano il pittore, Velázquez, voi. Con gli occhi scuri e la fronte alta, lo sguardo è calmo e senzapaura. Invece di apparire come qualcosa di cui ridere e da compatire, Morra assomiglia a un uomo che non è ancora stato sconfitto e che dimostra ancora di resistere al suo povero trattamento.

• Ubicazione e dimensione europea: È conservato nel Museo del Prado, a Madrid.

• Possibile sfruttamento didattico: Anche se Sebastian de Morra era lì in ultima analisi per il valore dell’intrattenimento, doveva essere tenuto in grande considerazione, dato che Velazquez dipingeva in media solo due quadri all’anno e questo era uno di quelli. Potrebbe essere interessante esplorare il ruolo dell’artista, in questo caso specifico Velázquez, ma anche di tutti gli artisti in generale, in tutto questo. Come si pone l’artista? È solo colui che rappresenta la realtà senza giudicarla? È un obiettivo passivo? Oppure partecipa attivamente alla scelta della rappresentazione? Dov’è la voce dell’artista?

Opera d’arte #7La ragazza cieca, John Everett Millais, 1856

• La sua posizione in relazione al tema: La ragazza cieca è un dipinto a olio su tela del pittore preraffaellita John Everett Millais, realizzato nel 1856.

• Breve descrizione: L’opera, realizzata da Millais a Perth, raffigura due giovani donne, probabilmente sorelle, sedute sotto un cielo ingombrodi nuvole. Di queste, la fanciulla a destra è intenta ad ammirare il paesaggio davanti a sé; la sorella, invece, non può partecipare alla contemplazione del panorama, poiché è cieca. Nonostante la cecità, gli altri quattro sensi sono ben attivi; infatti, la sua testa è leggermente sollevata, come se stesse annusando l’aroma dei fiori portati dal vento, e con le dita palpa l’erba fresca. Il sostentamento di entrambe le fanciulle è assicurato dalla concertina posata sulle ginocchia della ragazza cieca, che risulta quindi essere una musicista; al collo di quest’ultima, inoltre, è posto un fagotto con la scritta ” PIETÀ PER I CIECHI.”

• Ubicazione e dimensione europea: È esposto alla Birmingham Art Gallery di Birmingham, Regno Unito.

• Possibile sfruttamento educativo: È interessante confrontare quest’opera d’arte con altre rappresentazioni della disabilità. Possiamo riflettere su ciò che questo dipinto può insegnarci sulla disabilità visiva nel periodo vittoriano e anche nella società odierna.

Opera d’arte #8 Uomocieco, Gustav Klimt 1896

• Lasua posizione in relazione al tema: È il ritratto di un uomo cieco. Ma Klimt non si sofferma su questo aspetto, ciò che risalta è la dignità dell’anziano.

• Breve descrizione: L’opera raffigura un uomo. L’uomo ha i capelli bianchi, molto folti e ricci. Ha le guance infossate. La luce sembra evidenziare i tratti dell’uomo. Lo sguardo è rivolto alla destra dello spettatore, ma sembra perso nel vuoto.

• Luogo e dimensione europea: L’opera si trova ora al Leopold Museum di Vienna.

• Possibile sfruttamento educativo: L’attenzione dell’artista non è sempre rivolta alla forma di disabilità. Soffermiamoci a notare, ad esempio in questo dipinto, cosa l’artista vuole esprimere.

Opera d’arte #9 Giocatori di skat, Otto Dix, 1920

Otto Dix, Giocatori di skat(1920) non è di dominio pubblico in Europa, quindi non può essere mostrato in questo dossier pedagogico. È possibile trovare l’opera d’arte : https://www.wikiart.org/en/otto-dix/the-skat-players-1920

• La sua posizione in relazione al tema: I giocatori di skat è un dipinto a olio e collage su tela di Otto Dix. Ritrae invalidi della Prima Guerra Mondiale che giocano a carte.

• Breve descrizione: Il dipinto raffigura tre uomini che giocano a “Skat”, uno dei giochi di carte più popolari in Germania. I tre uomini raffigurati, tuttavia, hanno un aspetto grottesco e bizzarro. L’uomo ritratto a sinistra ha una gamba e un braccio di legno e una gamba abile con cui tiene le carte. L’uomo al centro ha due gambe finte, senza braccia, una coppa di metallo che tiene insieme la testa, un occhio di vetro, una protesi alla mascella, al naso e alla gola e non ha l’orecchio sinistro. Ha un portacarte davanti a sé e sta giocando con la bocca. L’uomo a destra, che indossa una Croce di Ferro, non ha le gambe, ha un braccio finto, un braccio vero, una protesi alla mascella e non ha il naso.

• Ubicazione e dimensione europea: L’opera si trova ora alla Neue Nationalgalerie di Berlino.

• Possibile sfruttamento educativo: Qui la disabilità è legata alla guerra mondiale. In che modo gli eventi storici hanno un impatto sull’arte e sulla rappresentazione di certi temi?

Opera d’arte #10 L’Annunciazione,Alberto Savinio, 1932

L’opera “L’Annunciazione” di Alberto Savinio(1932) è una gentile concessione della Casa Museo Boschi di Stefano di Milano. L’opera è visibile qui.

• La sua posizione in relazione al tema: L’artista è Alberto Savinio. L’analisi dei suoi dipinti rivela che Savinio era affetto dalla sindrome di Asperger.

• Breve descrizione: L’opera d’arte presenta diversi elementi. L’opera raffigura un interno, in cui una Vergine accogliente, sottomessa e assopita riceve la visita di Gabriele, raffigurato solo nella compassione che emana dal suo enorme volto.

• Ubicazione e dimensione europea: L’opera si trova oggi nella collezione della Casa Museo Boschi Di Stefano, a Milano.

• Possibile sfruttamento didattico: L’artista non è diventato famoso e ancora oggi molte delle sue opere sono criticate.In che modo il rapporto dell’artista con il tema della disabilità influisce sul suo lavoro? Saviniosi è avvicinato all’arte anche come forma di terapia. Vediamo gli aspetti positivi che l’arte può avere per le diverse forme di disabilità.

Attività pratiche

Attività 1 – L’evoluzione della disabilità nell’arte

Obiettivo

L’obiettivo è capire come il corpo viene rappresentato nella cultura visiva e scoprire come le formazioni della disabilità vengono espresse in relazione alle idee di normalità, ibridazione e/o anormalità.

Materiali

• Dispositivo mobile / computer
• Connessione ad Internet

Fase preparatoria per educatori/mediatori

Fornire agli studenti informazioni sul tema della disabilità nell’arte e mostrare loro alcuni esempi nel corso dei giorni e delle stagioni. Questo aiuterà gli studenti a capire anche l’evoluzione storica e come gli eventi storici, le concezioni e le ideologie abbiano un impatto sulla rappresentazione artistica.

Sviluppo

Chiedere agli studenti di riflettere sui vari modi in cui la disabilità è stata vista nel corso della storia e su come le rappresentazioni visive siano strumenti influenti nella costruzione di mentalità e opinioni della società. Se gli studenti sono interessati a ulteriori progetti legati alle arti e alla disabilità, si può suggerire loro http://disartfestival.org/, una risorsa online.

Attività 2 – Arte terapia

Obiettivo

Scoprite come l’arte possa avere anche funzioni terapeutiche ed effetti positivi a breve e lungo termine.

Materiali

• Accesso a un computer con connessione online
• Materiale da colorare
• Fogli

Fase preparatoria per educatori/mediatori

Il termine arteterapiasi riferisce a un insieme di tecniche e trattamenti terapeutici che utilizzano le arti visive (e, con un significato più ampio, anche il teatro, la musica e la danza) per promuovere la salute (o favorire la guarigione) dell’individuo nella sfera emotiva, affettiva e relazionale. Esplorare i metodi e le funzioni dell’arteterapia.

Sviluppo

L’arteterapia può assumere diverse forme, ma in generale prevede che i pazienti creino materiale artistico (attraverso la pittura, la scultura, la danza, ecc.) al fine diutilizzare la forma del linguaggio non verbale per dare più libero sfogo a istinti e impulsi, che non sempre sono facilmente verbalizzabili. Alcuni studi hanno verificato l’efficacia dell’arteterapia sul miglioramento dell’umore e sulla riduzione dell’ansia e del dolore fisico. Provate a usare l’arte come momento per sentire voi stessi e poi descrivete come vi sentite e come la vostra produzione artistica lo riflette.

Buona fortuna!