Introducción

El discurso capazista considera que los cuerpos capaces son la norma en la sociedad, indicando que las personas que tienen una discapacidad deben luchar para llegar a ser normales. Por lo tanto, la discapacidad se define como un error o un defecto, en lugar de una diversidad humana; la discapacidad se ve como algo «malo» que hay que superar o erradicar.

En este dossier pedagógico, estudiarás ejemplos del cuerpo humano discapacitado tal y como se ha representado en la historia del arte. A través de este dossier, explorarás el cuerpo en la cultura visual para descubrir cómo la diferencia corporal se articula y se ha articulado física y teóricamente y demuestra cómo la discapacidad puede definirse como una construcción cultural. Dado que se trata de un proyecto de gran envergadura, esta ficha utiliza sólo unos pocos ejemplos artísticos por tema.

Para resumir, en este dossier:

• Aprender lo que significa ser humano
• Comprender cómo se representa el cuerpo en la cultura visual
• Descubrir cómo se expresan las formaciones de la discapacidad en relación con las ideas de normalidad, hibridez y/o anomalía
• Y mucho más!

El tema

Antecedentes del movimiento

Cronológicamente, los «estudios sobre discapacidad» surgieron entre mediados y finales de los años ochenta, y el «arte corporal» empezó a considerarse una categoría del arte contemporáneo en los años setenta, pero los cuerpos discapacitados en el arte se remontan al menos al siglo I de nuestra era. Los estudios sobre discapacidad pretenden presentar unametodología alternativa y un punto de partida para el estudio del cuerpo en la historia del arte. A través de los estudios sobre discapacidad, podemos entender y rastrear la discriminación en la Historia del Arte a favor de las personas sin discapacidad, también llamada «ableismo».

Hay una serie de ejemplos y preguntas provocadoras que uno puede plantearse y plantearse a sí mismo cuando intenta comprender una discapacidad, por ejemplo:

• ¿Podemos recopilar una lista de obras que incluyan representaciones dela discapacidad?
• ¿Cómo se representa a las personas con discapacidad en el arte?
• ¿Las personas con discapacidad son participantes activos y creadores de cultura y medios de comunicación?

Por lo general, las personas con discapacidad no han decidido cómo se las presentaría en el arte y la literatura, ni han participado en la creación de los objetos artísticos en los que se las retrata. Artistas y autores han utilizado diversas discapacidades para comunicar ideas sobre el mal, el sufrimiento, la gracia y lanaturaleza humana y para apoyar estereotipos sobre la discapacidad.

La discapacidad es una construcción sociocultural idiosincrásica, corpórea y polifacética. La representación de cuerpos discapacitados en la historia del arte demuestra cómo el arte puede apoyar o subvertir la construcción y representación de valores normativos.

Representaciones históricas de la discapacidad en la historia del arte

Aristóteles (384-322 a.C.) recomendó la eutanasia para los «niños deformes», escribiendo: «Que haya una ley para que ningún niño deforme viva». Aunque el arte helenístico incluye representaciones de «grotescos», ancianos y niños, no encontramos muchas representaciones de personas con discapacidad en el mundo antiguo.

El cristianismo dio lugar a más interpretaciones de las personas con discapacidad. En el Nuevo Testamento, Jesús mostró bondad y realizó milagros para curar a personas ciegas y con otras discapacidades. Estos milagros se representaban a menudo en el arte, por ejemplo en El milagro de Cristo curando al ciego (c. 1570), de El Greco. De este modo, también la discapacidad se consideraba una situación que había que curar para permitir la vuelta a lanormalidad.

Durante la Reforma protestante de 1517, las personas con discapacidades del desarrollo eran consideradas organismos infrahumanos. Martín Lutero (1483-1546) condenó a los niños y adultos contrastornos cognitivos como «llenos de Satanás.

En esta época, muchas personas con discapacidad sobrevivían como mendigos, como se retrata en Los mendigos, de Pieter Bruegel (1568).

El cristianismo, por tanto, a menudo consideraba la discapacidad como un pecado por parte de las personas con discapacidad o de sus familias. A veces también se consideraban un acto de Dios con algún propósito divino. En el primer caso, las personas eran castigadas y expulsadas de la sociedad. En el segundo caso, se las consideraba divinas y santas. Percibidas como pecadoras o santas, las personas discapacitadas solían mantenerse separadas de la sociedad y se pensaba que sus discapacidades servían a algún propósito divino.

Tomemos como ejemplo Pedro y Juan curando al tullido a la puerta del Templo, de Rembrandt, y Los mendigos que se las arreglan solos en Burdeos, de Goya. Ambas obras presentan a un hombre discapacitado. En el caso de Rembrandt, hay además otros dos personajes: San Pedro y San Juan, que se sitúan junto al «tullido» (como se llamaba en esta época a las personas con discapacidad) con benevolencia y autoridad. El dibujo de Goya hace más hincapié en el individuo discapacitado, un mendigo en silla de ruedas. El sujeto parece sucio ydesaliñado, pero también participa activamente en el mundo. El mendigo de Goya mira al espectador desde fuera de la obra y es retratado como un ser activo, mientras que el tullido de Rembrandt permanece sentado pasivamente, de espaldas al espectador; espera a ser curado para poder participar en el mundo que le rodea.

En el siglo XIX surgió el modelo médico de discapacidad, que consideraba la discapacidad como una deficiencia, como algo malo en el cuerpo. Junto con el auge de la medicina científica moderna, los médicos del siglo XIX percibían la discapacidad como una «enfermedad» y una «lesión». La discapacidad se convirtió en algo que debía ser curado por la ciencia. Las personas con discapacidad se convirtieron en pacientes que necesitaban ser curados. Al definir a las personas por sus discapacidades y no como seres humanos de pleno derecho, el modelo médico fomenta las clasificaciones, la dependencia de los cuidados profesionales y, a menudo, implica tratamientos dolorosos.

El modelo médico condujo en ocasiones al darwinismo social. El darwinismo social es la idea de que ciertas personas se hacen poderosas en la sociedad porque son innatamente mejores. Esta idea ayudó a racionalizar las esterilizaciones forzosas, las restricciones matrimoniales y el encarcelamiento de individuos con discapacidades de desarrollo en instituciones. Estas «criaturas» o «personas enfermas» se convirtieron a menudo en objeto de artistas y científicos interesados en categorizar a las personas por su tipo y apariencia.

Entre los pintores románticos franceses, los mayores logros de Théodore Géricault son sus Retratos de locos. Originalmente eran diez, pero sólo se conservan cinco: Una loca y jugadora compulsiva, Un secuestrador, Una mujer demente, Un cleptómano y Un hombre que sufre delirios de mando militar. Éstos son algunos de ellos.

El terror de las personas con deformidades físicas se hizo popular en los medios de comunicación, con figuras como Quasimodo, el Dr. Strangelove, Frankenstein y el Hombre Lobo. A menudo, a las personas con discapacidad se les asignaban papeles de villanos.

Los estereotipos se reforzaron a través de teorías casi científicas como la eugenesia. Durante el «miedo genético» de los años 20, se creía que las personas con discapacidades de desarrollo perjudicaban a los demás. La investigación eugenésica tuvo un impacto directo en las posturas y mentalidades hacia las personas con discapacidad en la Alemania nazi. La Alemania nazi acusaba a las personas con discapacidad de malgastar recursos valiosos. Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Hitler ordenó la «matanzapiadosa» generalizada de enfermos y discapacitados. El programa nazi de eutanasia se instituyó para eliminar la «vida indigna de la vida»; más de 200.000 personas con discapacidad fueron asesinadas durante el Holocausto.

El “Freakshow,” el poder y los privilegios

En el siglo XV, las personas con discapacidades físicas y mentales eran embarcadas en barcos y exhibidas por dinero. El cuadro El barco de los locos (1490-1500), de Hieronymus Bosch, representa la vida de personas con discapacidades cognitivasa bordo de un barco de este tipo.

Durante el Renacimiento, Velázquez pintó muchos retratos de enanos, incluido su Retrato de Sebastián de Morra (1645), que puede compararse con el retrato de la pintora italiana Lavinia Fontana de la niña de diez años Antonietta González (1595), cuyo padre Pedro, «El peludo de Munich», fue el primer caso documentado de «síndrome del hombre lobo» o hipertricosis.

En 1841 se inaugura elMuseo Americano de P.T. Barnum. Durante la década de 1840, el término «freak» se convirtió en sinónimo de «una monstruosidad, un individuo anormalmente desarrollado de cualquier especie; una curiosidad viviente exhibida en un espectáculo». Esta definicióndebe su lugar en la lengua vernácula inglesa a Barnum y su Museo Americano (1841-65), que se basaba en exhibiciones sensacionales para atraer multitudes.

Este tipo de exposiciones empezaron a ser captadas en la década de 1880 por los fotógrafos. Charles Eisenmann hacía cartes de visite, o tarjetas de visita, para los «fenómenos del Museo Americano de Barnum». Tenía su estudio en el barrio neoyorquino de Bowery, cerca del Museo Americano de Barnum. Los artistas de Barnum utilizaban las tarjetas de visita como herramientas de marketing y promoción. Eisenmann también las vendía como objetos de colección a personas que a menudo las reunían en álbumes. He aquí algunos ejemplos del trabajo de su estudio.

Myrtle Corbin era conocida como «la chica de cuatro patas de Texas», una atracción muy popular para Barnum. Como uno de los fenómenos más populares del espectáculo, llegó a ganar 450 dólares a la semana. A los diecinueve años se casó con un médico, con el que tuvo cinco hijos.

Eli Bowen era un maromero y forzudo que recorrió Europa con Barnum. Conocido como «La maravilla sin piernas», fue aplaudido internacionalmente por su extraordinaria rutina durante la cual trepaba a un poste de trece pies y luego giraba alrededor del poste manteniendo su cuerpo paralelo al poste con una mano. Se casó y tuvo cuatro hijos. Estaba muy orgulloso de su familia, y en la mayoría de las fotos en las que aparece Eli también aparece su familia.

Más tarde, otra fotógrafa interesada en temas inusuales fue Diane Arbus. Su galardonada obra se ha expuesto en importantes muestras y le ha valido dos becas Guggenheim. La fotografía de Arbus difiere de la de Eisenmann.

«Arbus no es una artista que nos hace ver el mundo de nuevo; ella nos incrusta en nuestras propias limitaciones, nuestra falta deempatía, nuestras reacciones instintivas, nuestra incuriosidad y falta de preocupación. El suyo es un mundo sin horizontes donde no hay escapatoria del yo». («Luchando con Diane Arbus», The Guardian, 2005).

Cuerpo, espectáculo y lo posthumano

En el pensamiento humanista, la mente y el cuerpo están divididos, y el cuerpo actúa como un medio para la mente. Las tecnologías de la información, los descubrimientos científicos y la bioingeniería ponen a prueba el papel del cuerpo mecánico, incapaz de sustituir totalmente al cuerpo humano e inadecuado para desempeñar funciones del cuerpo biológico. Además, la guerra, la cirugía plástica y las prótesis cambiaron la percepción del cuerpo, así como las representaciones de las personas con discapacidad. Tomemos como ejemplo la crítica que el pintor alemán Otto Dix hizo de la Primera Guerra Mundial en Skat Players y War Cripples.

Gracias al aumento de los conocimientos médicos, las heridas que en el pasado habrían matado a los soldados ahora permanecen en sus cuerpos como cicatrices. Pero la evolución de los conocimientos médicos permite salvar muchas más vidas, aunque evitar las heridas de guerra y los cuerpos maltrechos sea imposible.

Es cuando aparece el movimiento del transhumanismo que busca transformar la condición humana a través de las tecnologías, que mejoran las capacidades intelectuales, físicas y psicológicas del ser humano. Orlan (Self-Hybridizations) y Stelarc (Third Hand) son dos artistas contemporáneos que exploran y superan los límites de lo «humano» sometiéndose a cirugías para transformar sus cuerpos en híbridos y cyborgs.

Como desafío a la invisibilidad, Marc Quinn esculpió a su colega y activista Alison Lapper Pregnant en mármol de Carrara para el cuarto zócalo de la londinense Trafalgar Square. La obra que presenta a Lapper, que nació sin brazos y con las piernas acortadas, ha suscitado numerosos debates por parte de quienes la consideran consecutivamente ofensiva o progresista. La obra, como otras esculturas de Quinn de modelos con amputaciones para la serie The Complete Marbles (2002), aprueba el idealismo del neoclasicismo para criticar las representaciones públicas de la discapacidad.

Enfoque pedagógico

¿Por qué es importante este tema para los alumnos adultos?

La exclusión basada en prejuicios o en la discriminación estructural es injusta en cualquier ámbito. Las personas con discapacidad han sido históricamente discriminadas, separadas, encerradas, controladas y desechadas. Durante muchos años no tuvieron acceso a la educación.

A través de los estudios sobre discapacidad, podemos comprender y rastrear la discriminación en la historia del arte a favor de las personas sin discapacidad y evitar que vuelva a ocurrir. Esto nos permite aspirar a crear una sociedad basada en el conocimiento, la comprensión del otro y, por tanto, la inclusión.

¿Cuáles son los resultados de aprendizaje de integrar este tema artístico con una actividad educativa?

Con esta actividad, los alumnos podrán descubrir el tema a través de las herramientas y los ojos del pintor. De hecho, las actividades están pensadas para que los alumnos aprendan el poder del arte activista, la música y las palabras, reflexionando sobre cómo pueden influir en las visiones artísticas. También podrán profundizar en cuadros concretos y ver vídeos explicativos de algunas de las obras más influyentes.

Cómo hacerlo: estrategias, herramientas y técnicas

Los alumnos participarán activa e inactivamente en su aprendizaje. Utilizando sus habilidades pictóricas, su pensamiento crítico y su capacidad de escucha, podrán desarrollar sus conocimientos sobre la discapacidad en el arte, y debatir y compartir sus ideas con la clase, para después aprender de otros expertos en los campos de la historia del arte.

Obras de arte

Obra de arte nº 1 Curación del ciego de nacimiento, El Greco, 1567

• Su posición-relación con el tema: Curación del ciego de nacimiento es un cuadro de El Greco, realizado en 1567.

• Breve descripción : La escena central del cuadro representa el momento en que Jesús, en primer plano, abre los ojos a un ciego. El episodio se describe en el Evangelio según San Juan (9:1-41). El tema del cuadro se adapta perfectamente al encargo de un cardenal: la parábola de una profunda crisis religiosa y una verdadera fractura en la Europa cristiana, dividida ahora entre católicos y protestantes, una clara alegoría del papel de la Iglesia de Roma, que, como Cristo, es la única que puede abrir los ojos a la verdadera fe.

• Ubicación y dimensión europea : Actualmente se encuentra en el Palazzo dellaPilotta de Parma, Italia.
• Posible explotación educativa: El cristianismo dio lugar a más interpretaciones de las personas con discapacidad. La discapacidad se representa entonces en el arte. De ese modo, de nuevo, la discapacidad se consideraba una condición que había que curar, para permitir la vuelta a la normalidad. Podría ser interesante que los alumnos exploraran el vínculo entre la discapacidad y las distintas religiones.

Obra de arte nº 2 Los mendigos -Pieter Bruegel (1568)

• Su posición-relación con el tema: Los mendigos, también conocido como Los tullidos, es un óleo sobre tabla de Pieter Bruegel el Viejo. El cuadro de Bruegel de Los mendigos es una imagen fascinante que da una idea de la historia y la sociedad de la época. Aunque los mendigos están retratados de forma patética y poco simpática, la composición es hábil y cautivadora. Se trata de un notable comentario social, parte del cual sigue sin descifrarse. De hecho, a día de hoy, dado el rico simbolismo de la obra y su tono un tanto irónico, los expertos no están del todo seguros de cuál era el mensaje que escondía este cuadro.

• Breve descripción : El cuadro presenta en primer plano a una mendiga y a cinco hombres, uno de ellos de espaldas, que se ofrecen a la visión del espectador en toda su deformidad.Sin piernas y aquejados de deformidades físicas, se mueven animadamente utilizando muletas y espinilleras de diversos tipos. Llevan diferentes tocados de carnaval, cada uno de los cuales representa a un grupo diferente de personas de la sociedad (el rey, el soldado, el burgués, el campesino y el obispo). Es posible que las deformidades físicas presentadas por Bruegel correspondan a algún tipo de debilidad moral, aunque esta hipótesis no ha sido confirmada por los expertos.

• Ubicación y dimensión europea : Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre, en París.

• Posible explotación educativa: Durante la Reforma protestante de 1517, las personas con discapacidades del desarrollo eran consideradas organismos infrahumanos. Detengámonos a reflexionar sobrelas distintas formas de exclusión en la sociedad. Aquí los discapacitados sobreviven convirtiéndose en mendigos. ¿Cómo decide la sociedad excluir a unos grupos en detrimento de otros? ¿Cómo cambia esto históricamente?

Obra de arte nº 3 Pedro y Juan curando al tullido a la puerta del Templo -Rembrandt, 1659

• Su posición-relación con el tema: La obra representa a un hombre discapacitado. Forma parte del género del arte cristiano. Se remonta al Barroco y al Siglo de Oro holandés.

• Breve descripción : Se trata de un aguafuerte, grabado y punta seca sobre papel marfil. Hay dos personajes: San Pedro y San Juan, que se sitúan sobre el «tullido» (como se llamaba en esta época a las personas con discapacidad) con benevolencia y autoridad. El tullido de Rembrandt está sentado pasivamente, de espaldas al espectador; espera a ser curado para poder participar en el mundo que le rodea.

• Ubicación y dimensión europea: El cuadro se encuentra en la Galería Nacional de Arte, en Washington DC.
• Posible explotación educativa: Puede ser interesante que el alumno profundice en cómo se representa históricamente la forma de exclusión en el espacio, a través de la fisicidad y la representación física y espacia.

Obra de arte nº 4 Mujer demente (La Monomane de l’Envie) -Théodore Géricault,1822

• Su posición-relación con el tema: Mujer demente es un óleo sobre lienzo de 1822 de Théodore Géricault. Forma parte de la serie de obras que Géricault dedicó a presentar a personas con diferentes afecciones mentales.

• Breve descripción: El retrato es de un realismo sin concesiones, con unaprecisión absoluta en la descripción de los detalles faciales, y es casi un estudio clínico de esta mujer con un problema de salud. Toda la atención se centra en los elementos físicos, en ese rostro que denota el trastorno psicológico de la mujer: Géricault insiste en la tensión que lo recorre y hace de ella una máscara, una imitación exacerbada, en la tirantez de la boca, en la fijeza de la mirada desorbitada, pero también en el tocado de la anciana.Los alienados de Géricault son hombres y mujeres que padecen diversas alteraciones psíquicas, todas ellas adscribibles a la categoría de lasmonomanías, es decir, obsesiones que afectan a un solo aspecto del comportamiento: el robo, la pedofilia, la adicción al juego y la envidia. Las afecciones mencionadas noson culpas que deban castigarse en manicomios, sino enfermedades que presentan una sintomatología peculiar que el pintor se esmera en llevar al lienzo.

• Ubicación y dimensión europea : Se encuentra en el Museo deBellas Artes de Lyon, Francia.

• Posible explotación pedagógica: Durante un largo periodo de la historia, se pensó que las cataratas de comportamiento coincidían con las características físicas de la persona. Podría ser interesante saber más sobre el vínculo entre la apariencia y las normas sociales.

Obra de arte #5 La Nave de los Locos -Hieronymus Bosch, c. 1490-1500

• Su posición-relación con el tema: En la época de Jerónimo Bosch, los conflictos sociales estaban en su apogeo y la religión en una profunda crisis. La Nave de los Locos, al ir más allá del aspecto burlesco que desprende a primera vista, es una crítica a lalocura de los hombres que viven sin moral y pierden sus referencias religiosas. Pero también, durante el siglo XV, personas con discapacidades físicas y mentales eran embarcadas en barcos y exhibidas por dinero. El cuadro El barco de los locos (1490-1500), de Hieronymus Bosch, representa la vida de personas con discapacidades cognitivas a bordo de un barco de este tipo.
• Breve descripción: Esta imagen titulada «El barco de los locos» formaba parte originalmente de un tríptico o 3 paneles, que fueron pintados al óleo y datan de alrededor de 1490 a 1500. La ilustración muestra a diez personas a la deriva en una barca, otras dos por la borda. En el centro del grupo hay una monja que toca el laúd y un fraile. A la izquierda de la imagen, una mujer parece estar a punto de golpear a un hombre que arrastra una jarra por el agua. A la derecha de la imagen, otro hombre parece vomitar por la borda. Encima de él, un hombre claramente disfrazado de tonto bebe de una copa. Uno de los barqueros utiliza un enorme cucharón en lugar de un remo, y el otro lleva una jarra en el extremo del remo.
• Ubicación y dimensión europea: El cuadro se encuentra actualmente en el Museo del Louvre, París.
• Posible explotación pedagógica: Así, la relación que establece el Bosco entre «vicio» y «locura» es característica de la literatura del siglo XV. Con este cuadro, advierte juguetonamente contra la pérdida de los valores eclesiásticos, el descuido o la locura de los hombres hacia la religión. ¿Se expresa esta relación entre vicio y locura en nuestra sociedad actual? Si es así, ¿cómo?

Obra de arte #6 Retrato de Sebastián de Morra -Diego Velázquez, c. 1645

• Su posición-relación con el tema: Sebastián de Morra es un óleo sobre lienzo realizado hacia 1644 por el pintor Diego Velázquez. Sebastián de Morra era un bufón de la corte enano, que vivía con su discapacidad desde su nacimiento. Velázquez lo representa sentado, en una posición que recuerda a la de los títeres, con una expresión severa y triste que contrasta con su profesión, como si quisiera dar voz al tormento del hombre.

• Breve descripción : El retrato, actualmente en el Prado de Madrid, muestra a de Morra sentado en el suelo, con las piernas echadas hacia delante y los brazos colocados contra los muslos, ocultando los dedos. De Morra lleva bigote y barba oscuros y viste una capa roja. Lo más significativo son sus ojos, que miran al pintor, a Velázquez, a ti. Con los ojos oscuros y la frente alta, la mirada es tranquila y sin miedo.En lugar de parecer algo de lo que reírse y compadecerse, Morra se asemeja a un hombre que aún no ha sido abatido y sigue mostrando resistencia a su mal trato.
• Ubicación y dimensión europea: Se conserva en el Museo del Prado, en Madrid.
• Posible aprovechamiento didáctico: Aunque Sebastián de Morra estaba allí, en última instancia, por su valor de entretenimiento, debía de gozar de cierta estima, ya que Velázquez sólo pintaba una media de dos cuadros al año y éste era uno de ellos. Puede ser interesante explorar el papel del artista, en este caso concreto Velázquez, pero también todos los artistas más en general, en todo esto. ¿Cuál es la posición del artista? ¿Se limita a representar la realidad sin juzgarla? ¿Es una lente pasiva? ¿O participa activamente en la elección de la representación? ¿Dónde está la voz del artista?

Obra de arte nº 7 La niña ciega, John Everett Millais, 1856

• Su posición-relación con el tema: La muchacha ciega es un óleo sobre lienzo del pintor prerrafaelita John Everett Millais, realizado en 1856.

• Breve descripción : La obra, realizada por Millais en Perth, representa a dos mujeres jóvenes, probablemente hermanas, sentadas bajo un cielo abarrotado de nubes. De ellas, la doncella de la derecha está concentrada en admirar el paisaje que tiene ante sí; su hermana, sin embargo, no puede participar en la contemplación de la vista, ya que es ciega. A pesar de su ceguera, sus otros cuatro sentidos están bien activos; de hecho, tiene la cabeza ligeramente levantada, como si estuviera oliendo el aroma de las flores que lleva el viento, y con los dedos palpa la hierba fresca. La subsistencia de ambas doncellas está asegurada por la concertina colocada sobre las rodillas de la ciega, que resulta ser, por tanto, músico; en el cuello de esta última, además, está colocado un fardo conla inscripción «PITY THE BLIND»
• Ubicación y dimensión europea: Se expone en la Birmingham Art Gallery de Birmingham, Reino Unido.
• Posible explotación educativa: Es interesante comparar esta obra de arte con otras representaciones de la discapacidad. Podemos reflexionar sobre lo que este cuadro puede enseñarnos sobre la discapacidad visual en la época victoriana y también en la sociedad actual.

Obra de arte nº 8 Hombre ciego, Gustav Klimt 1896

• Su posición-relación con el tema: Se trata del retrato de un ciego. Pero Klimt no se centra en esto, lo que destaca es la dignidad del anciano.
• Breve descripción : La obra de arte representa a un hombre. El hombre tiene el pelo blanco, muy espeso y rizado. Tiene las mejillas hundidas. La luz parece resaltar los rasgos del hombre. La mirada está a la derecha del espectador, pero parece perdido en el vacío.
• Ubicación y dimensión europea: La obra se encuentra actualmente en el Museo Leopold de Viena.
• Posible explotación educativa : El artista no siempre se centra en la forma de la discapacidad. Detengámonos a observar, por ejemplo,en este cuadro, lo que el artista quiere expresar.

Obra de arte nº 9 Skat Players, Otto Dix, 1920

Otto Dix, Skat Players (1920) no es de dominio público en Europa, por lo que no puede mostrarse en este dossier pedagógico. Puede encontrar la obra aquí

• Su posición-relación con el tema: Los jugadores de skat es una pintura al óleo y collage sobre lienzo de Otto Dix. Retrata a inválidos de la Primera Guerra Mundial jugando a las cartas.

• Breve descripción: El cuadro representa a tres hombres jugando al «Skat», uno de los juegos de cartas más populares en Alemania. Sin embargo, los tres hombres representados tienen un aspecto grotesco y extraño. El hombre retratado a la izquierda tiene una pierna y un brazo de madera y una pierna hábil con la que sujeta las cartas. El hombre del centro tiene dos piernas falsas, no tiene brazos, tiene una copa de metal que le sujeta la cabeza, un ojo de cristal, una mandíbula, nariz y garganta protésicas y no tiene oreja izquierda. Tiene un tarjetero delante y juega con la boca. El hombre de la derecha, que lleva una Cruz de Hierro, no tiene piernas, un brazo falso, un brazo real, una mandíbula protésica y no tiene nariz.
• Ubicación y dimensión europea: La obra se encuentra ahora en la Neue Nationalgalerie de Berlín.
• Posible explotación educativa: Aquí se vincula la discapacidad con la Guerra Mundial. Cómo influyen los acontecimientos históricos en el arte y en la representación de determinados temas?

Obra de arte nº 10 La Anunciación, Alberto Savinio, 1932

La Anunciación» (1932) de Alberto Savinio es cortesía de la Casa Museo Boschi di Stefano de Milán (Italia). La obra puede verse aquí.

• Su posición-relación con el tema: El artista es Alberto Savinio. El análisis de sus cuadros revela que Savinio padecía el síndrome de Asperger.

• Breve descripción: La obra de arte tiene diferentes elementos. La obra representa un interior, en el que una Virgen acogedora, sumisa y dormida recibe la visita de Gabriel, representado sólo en la compasión que emana de su enorme rostro.
• Ubicación y dimensión europea: La obra se encuentra actualmente en la colección de la Casa Museo Boschi Di Stefano, en Milán.
• Posible explotación educativa: El artista no alcanzó la fama, y aún hoy muchas de sus obras son criticadas.Cómo afecta a su obra la relación del artista con el tema de la discapacidad? Savinio también abordó el arte como una forma de terapia. Veamos los aspectos positivos que puede tener el arte para las distintas formas de discapacidad.

Actividades Prácticas

Actividad 1 – La evolución de la discapacidad en el arte

Objetivos

El objetivo es comprender cómo se representa el cuerpo en la cultura visual y descubrir cómo se expresan las formaciones de la discapacidad en relación con las ideas de normalidad, hibridación y/o anormalidad.

Materiales

• El objetivo es comprender cómo se representa el cuerpo en la cultura visual y descubrir cómo se expresan las formaciones de la discapacidad en relación con las ideas de normalidad, hibridación y/o anormalidad
• Conexión a Internet

Fase preparatoria para educadores/mediadores:

Proporcione a los alumnos información sobre el tema de la discapacidad en el arte y muéstreles algunos ejemplos a lo largo de los días y las estaciones. Esto ayudará a los alumnos a comprender también la evolución histórica y cómo los acontecimientos históricos, las concepciones y las ideologías repercuten en la representación artística.

Desarrollo

Pida a los alumnos que piensen en las distintas formas en que se ha visto la discapacidad a lo largo de la historia y en cómo las representaciones visuales son herramientas influyentes en la construcción de las mentalidades y opiniones de la sociedad. Si los alumnos están interesados en otros proyectos relacionados con las artes y la discapacidad, puede sugerirles http://disartfestival.org/, un recurso en línea.

Actividad 2 – Arteterapia

Objetivos

Descubrir cómo el arte también puede tener funciones terapéuticas y efectos positivos a corto y largo plazo.

Materiales

• Acceso a un ordenador con conexión a Internet
• Material para colorear
• Hojas

Fase preparatoria para educadores/mediadores:

El término arteterapia hace referencia a un conjunto de técnicas y tratamientos terapéuticos que utilizan las artes visuales (y, con un significado más amplio, también el teatro, la música y la danza) para promover la salud (o favorecer la curación) del individuo en las esferas emocional, afectiva y relacional. Explorar los métodos y funciones de la arteterapia.

Desarrollo

La arteterapia puede adoptar muchas formas, pero en general consiste en que los pacientes creen material artístico (a través de la pintura, la escultura, la danza, etc.) con el fin de utilizar la forma del lenguaje no verbal para dar más rienda suelta a los instintos e impulsos, que no siempre se verbalizan con facilidad. Diversos estudios han comprobado la eficacia de la arteterapia para mejorar el estado de ánimo y reducir la ansiedad y el dolor físico. Intenta utilizar el arte como un momento para sentirte a ti mismo, y luego describe cómo te sientes y cómo tu producción artística lo refleja.

Buena suerte!