La tematica<\/h1>\n\nOrigini del movimento <\/h2>\n\n
La protesta, la lotta e l’attivismo politico sono potenti strumenti di resistenza. Il potere attraverso la mobilitazione delle persone pu\u00f2 creare un cambiamento positivo misurabile nel nostro mondo. In particolare, l’uso dell’arte come forma di protesta non violenta pu\u00f2 avere un significato e una forza immensi, collegando le persone attraverso la loro resistenza. Pu\u00f2 trasformare argomenti negativi e pieni di paura in qualcosa per cui mobilitarsi. L’arte della Resistenza, detta anche arte della Protesta, \u00e8 legata alle opere creative prodotte da attivisti e movimenti sociali. L’arte di protesta aiuta a suscitare emozioni di base nel pubblico e, in cambio, pu\u00f2 aumentare il clima di tensione e creare nuove opportunit\u00e0 di dissenso.<\/p>\n\n
\u201cL’arte di denuncia di per s\u00e9 non crea cambiamenti, ma mira a incoraggiare e mobilitare un numero sufficiente di persone, di diversa estrazione socioeconomica, a mobilitarsi per una causa. Per farlo con successo, una chiamata alle armi deve essere immediata, sfacciata e, soprattutto, avere un’anima.\u201d\u00a0<\/em><\/p>
(Lanks, 2016)<\/p><\/blockquote>\n\n
Le diverse forme d’arte possono collegare le persone in modi diversi. Il potere della musica, scrivendo e cantando canzoni di libert\u00e0, si \u00e8 sviluppato in una tradizione al centro di molti movimenti. La musica \u00e8 stata riconosciuta come una forza unificante che ha contribuito a creare e rafforzare una coscienza comune (Eprile, 2017, fonte: Eprile, Brendan Thabro. “Canzoni del cambiamento: How Music Helped Spark the Arab Spring Revolutions in Egypt and Tunisia”. Oberlin College Learning and Labor, 2017). L’arte visiva come protesta \u00e8 un altro modo in cui l’arte viene usata come mezzo di resistenza per creare un cambiamento in meglio. L’arte \u00e8 uno strumento critico che viene sempre utilizzato per influenzare i pensieri e i comportamenti della popolazione; se cos\u00ec non fosse, non esisterebbe la propaganda finanziata dai governi, n\u00e9 la distruzione dell’arte o il rogo dei libri. <\/p>\n\n
L’arte della resistenza \u00e8 un’arte utilizzata per mostrare la propria opposizione ai detentori del potere. Questo include l’arte che si oppone a poteri come il partito nazista tedesco e quella che si oppone all’apartheid in Sudafrica. La rivolta di Soweto ha segnato l’inizio del cambiamento sociale in Sudafrica. L’arte della resistenza \u00e8 nata dal Movimento per la Coscienza Nera<\/strong> (Black Consciousness Movement), un movimento di base contro l’apartheid <\/strong>sorto negli anni Sessanta e guidato dal carismatico attivista Steve Biko. Gran parte dell’arte era pubblica, sotto forma di murales, striscioni, poster, magliette e graffiti con messaggi politici conflittuali e incentrati sulla realt\u00e0 della vita in un Sudafrica segregato. Willie Bester \u00e8 uno degli artisti pi\u00f9 noti del Sudafrica, che ha iniziato come artista di resistenza. Utilizzando materiali assemblati dalla spazzatura, Bester costruisce superfici in rilievo e poi le dipinge con colori a olio. Le sue opere commentano importanti figure nere sudafricane e aspetti importanti per la sua comunit\u00e0. Gli artisti della resistenza sudafricana non si occupano esclusivamente di questioni razziali e non devono necessariamente provenire dalle township (fonte<\/a>). Attualmente Bester vive a Kuilsrivier, in Sudafrica.<\/p>\n\n
Un’altra artista, Jane Alexander, ha affrontato le atrocit\u00e0 dell’apartheid da una prospettiva bianca. La sua arte di resistenza affronta la societ\u00e0 malsana che continua a esistere nel Sudafrica post-apartheid. <\/p>\n\n
Willie Bester, Prime Evil<\/em>, 2015 (\u00a9 Willie Bester ; fonte : The Melrose Gallery<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n Artisti come John Trumbull, Emory Douglas, Martha Rosler, Keith Haring, Judy Chicago sono stati artisti americani famosi durante il period (fonte).<\/p>\n\n
John Trumbull (6 giugno 1756 – 10 novembre 1843) \u00e8 stato un artista americano del primo periodo dell’indipendenza, noto per i suoi dipinti storici sulla guerra rivoluzionaria americana, di cui fu veterano. \u00c8 stato definito “il pittore della Rivoluzione”<\/p>\n\n
Surrender of Lord Cornwallis, John Trumbull, 1826, Oil on canvas, 12in x18in , Capitol Rotunda<\/em> (\u00a9 Public domain ; source : Architect of the Capitol<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n Il dipinto Surrender of Lord Cornwallis di John Trumbull<\/strong> \u00e8 esposto nella Rotonda del Campidoglio degli Stati Uniti. Il soggetto del dipinto \u00e8 la resa dell’esercito britannico a Yorktown, in Virginia, nel 1781, che concluse l’ultima grande campagna della Guerra rivoluzionaria.<\/p>\n\n
Douglas <\/strong>\u00e8 stato l’artista rivoluzionario e il ministro della cultura delle Pantere, incaricato di creare immagini (diffuse in gran parte attraverso il suo giornale ufficiale) che hanno creato una documentazione visiva della piattaforma del partito.<\/p>\n\n
Visualizza l’opera di Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt<\/em> (1971). Per gentile concessione di Black Lives Matter qui<\/a>.<\/p>\n\n
C’\u00e8 sempre stata una risposta psicologica che ha trasceso il Black Panther Party nella comunit\u00e0 afroamericana ed \u00e8 diventato un simbolo nazionale e internazionale. \u00c8 sempre stato parte dell’identit\u00e0 culturale della gente in relazione al modo in cui pensava all’ingiustizia. I pigs sono diventati un simbolo psicologico di resistenza.<\/p>\n\n
Visualizza l’opera d’arte di Emory Douglas che illustra gli agenti di polizia come maiali per il Black Panther Party. Cortesia Flickr creative commons qui<\/a>.<\/em><\/p>\n\n
In Europa artisti come Eug\u00e8ne Delacroix, Henri Rousseau, Francesco Goya, Salvador Dal\u00ec e Pablo Picasso iniziarono a documentare in modo espressivo la loro visione della guerra. Nelle sue opere, Goya cerc\u00f2 di commemorare la resistenza spagnola alle armate napoleoniche durante l’occupazione del 1808 nella Guerra Peninsulare. Goya dipinse Il 3 maggio 1808<\/em>, che \u00e8 considerato un’opera di ispirazione per il segno di pace di Gerald Holtom e per una serie di importanti dipinti successivi, tra cui una serie di \u00c9douard Manet e Massacro in Corea e Guernica di Pablo Picasso. Non \u00e8 noto se l’artista abbia assistito personalmente alla ribellione o alle rappresaglie, nonostante i numerosi tentativi successivi di collocarlo nei momenti salienti di entrambi i giorni (per saperne di pi\u00f9, leggi qui<\/a>) Si pensa che Il secondo e il terzo maggio 1808 siano stati concepiti come parti di una serie pi\u00f9 ampia. All’inizio il dipinto ha suscitato reazioni contrastanti da parte di critici e storici dell’arte.<\/p>\n\n
Il 3 maggio 1808, Francisco Goya, 1814, olio su tela, 268cm x 347cm, Museo del Prado. (<\/em>fonte<\/em><\/a>)<\/em><\/figcaption><\/figure>\n In precedenza gli artisti tendevano a rappresentare la guerra nello stile elevato della pittura storica e la descrizione non eroica di Goya era insolita per l’epoca. Secondo alcune prime opinioni critiche, il dipinto \u00e8 tecnicamente difettoso: la prospettiva \u00e8 piatta, oppure le vittime e i carnefici sono troppo vicini per essere realistici. Sebbene queste osservazioni possano essere rigorosamente corrette, lo scrittore Richard Schickel sostiene che Goya non cercava la correttezza accademica, ma piuttosto di rafforzare l’impatto complessivo dell’opera. L’artificio pittorico cede il passo alla rappresentazione epica della brutalit\u00e0 pi\u00f9 cruda. Il dipinto \u00e8 strutturalmente e tematicamente legato alle tradizioni del martirio nell’arte cristiana, come esemplificato dall’uso drammatico del chiaroscuro e dall’appello alla vita giustapposto all’inevitabilit\u00e0 dell’imminente esecuzione.<\/p>\n\n
Anche i pittori romantici contemporanei, anch’essi interessati ai temi dell’ingiustizia, della guerra e della morte, componevano i loro quadri con una maggiore attenzione alle convenzioni della bellezza, come \u00e8 evidente nella Zattera della Medusa di Th\u00e9odore G\u00e9ricault (1818-1819) e nel dipinto Libert\u00e0 in testa al popolo di Eug\u00e8ne Delacroix del 1830. <\/p>\n\n
La libert\u00e0 che guida il popolo, Eugene Delacroix, 1830, olio su tela, 260 cm x 325 cm, Louvre, Parigi <\/em>(fonte<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n Anche La Guerre di Henri Rousseau rappresenta gli effetti della guerra.<\/p>\n\n
Henri Rousseau, Veduta dell’opera La Guerre<\/em>, 1894, olio su tela, 114 cm x 195 cm, Mus\u00e9e d’Orsay, Parigi, Francia, <\/em>qui<\/a>.<\/figcaption><\/figure>\n Il cavallo del dipinto contrasta con quello de La Carriole du P\u00e8re Junier: nero, selvaggio e irto, rappresenta la forza brutale della guerra. Sulle sue spalle, la donna armata, brutta e selvaggia, suggerisce che la guerra porta con s\u00e9 la primitivit\u00e0. La parte inferiore del dipinto mostra gli effetti della guerra: cadaveri che sono il cibo dei corvi. Gli alberi spogli e i rami spezzati creano un paesaggio di desolazione e alludono alla morte, anche se il rosa delle nuvole e l’azzurro del cielo non rivelano la drammaticit\u00e0 della scena. La composizione \u00e8 piramidale, con i cadaveri alla base e il cavallo e la donna in alto.<\/p>\n\n
Pablo Picasso si ispir\u00f2 all’opera di Goya. Guernica \u00e8 un grande dipinto a olio su tela del 1937 di Pablo Picasso. \u00c8 una delle sue opere pi\u00f9 conosciute, considerata da molti critici d’arte come il pi\u00f9 commovente e potente dipinto contro la guerra della storia. \u00c8 esposto al Museo Reina Sof\u00eda di Madrid.<\/p>\n\n
Riproduzione murale di Guernica di Pablo Picasso. Opera realizzata su piastrelle, a Gernika-Lumo, in via Allendesalazar 11, in Spagna. Questa foto \u00e8 stata pubblicata con licenza Creative Commons 3.0 da Papamanila su Wikicommons<\/a>. L’opera originale di Pablo Picasso (Guernica, 1937, olio su tela, 349,3 cm x 776,6 cm) si trova al Museo Reina Sofia di Madrid, Spagna.<\/figcaption><\/figure>\n Picasso dipinse Guernica nella sua casa di Parigi in risposta al bombardamento del 26 aprile 1937 di Guernica, una citt\u00e0 dei Paesi Baschi nel nord della Spagna, bombardata dalla Germania nazista e dall’Italia fascista su richiesta dei nazionalisti spagnoli. Nel corso degli anni, Guernica \u00e8 diventata un simbolo universale e potente che mette in guardia l’umanit\u00e0 dalle sofferenze e dalle devastazioni della guerra.<\/p>\n\n
Nello stesso periodo Salvador Dal\u00ec dipinse “Il volto della guerra”. L’opera fu dipinta durante un breve periodo in cui l’artista viveva in California. Il trauma e la visione della guerra erano stati spesso fonte di ispirazione per l’opera di Dal\u00ed. A volte riteneva che le sue visioni artistiche fossero premonizioni di guerra. Quest’opera fu dipinta tra la fine della guerra civile spagnola e l’inizio della seconda guerra mondiale.<\/p>\n\n
Visualizza l’opera di Salvador Dal\u00ed, Il volto della guerra, 1940, olio su tela, 64 cm x 79 cm, Museo Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Paesi Bassi, qui<\/a>.<\/em><\/p>\n\n
Il dipinto raffigura un volto disincarnato che si staglia su un arido paesaggio desertico. Il volto \u00e8 avvizzito come quello di un cadavere e porta un’espressione di miseria. Nella bocca e nelle orbite ci sono volti identici. Nelle loro bocche e nei loro occhi, ci sono altri volti identici, in un processo implicitamente infinito. Intorno al grande volto brulicano serpenti mordaci. Nell’angolo in basso a destra c’\u00e8 l’impronta di una mano che Dal\u00ed insisteva fosse stata lasciata dalla sua stessa mano.\u2003<\/p>\n\n
Contesto storico e sociale del movimento<\/strong><\/h2>\n\n
I movimenti sociali sono spesso definiti dal loro messaggio ma ricordati dalla loro arte e dall’immaginario che hanno utilizzato. Sia che l’arte fosse basata sul movimento (arte che emerge all’interno dei gruppi del movimento sociale stesso) o che fosse di supporto al movimento (arte di artisti professionisti che usano la loro pratica come un modo per sostenere i movimenti sociali e che, pur essendo direttamente collegati al movimento, non fanno parte delle organizzazioni del movimento), l’uso dell’espressione artistica \u00e8 parte integrante dei movimenti sociali, specialmente nell’arte di protesta, in quanto viene utilizzata in modo tale da consentire una facile espressione di idee complesse come l’espressione culturale, la lotta sociale\/di classe e l’identit\u00e0.L’arte di protesta (basata sui movimenti) \u00e8 tradizionalmente facile da distribuire, consumare e comprendere – il suo messaggio \u00e8 forte e chiaro e non permette a barriere come l’alfabetizzazione e il livello di istruzione di ostacolare la sua capacit\u00e0 di comunicare e comprendere efficacemente il messaggio.<\/p>\n\n
Guardando a due movimenti sociali nel corso della storia, quelli che spiccano sono il Movimento per i diritti civili degli afroamericani degli anni ’60 e l’attuale (2014-2020\/oggi) Movimento Black Lives Matter. Il Movimento per i diritti civili degli afroamericani \u00e8 un movimento sociale che ha facilmente alcuni dei motivi pi\u00f9 memorabili nella coscienza collettiva moderna [occidentale]. Dall’iconico discorso di Martin Luther King “I have a dream” alla Marcia su Washington per il lavoro, all’immagine iconica dello Student Non-violent Coordinating Committees (fotografia di Danny Lyon, ‘SNCC NOW’ Poster, 1964, 55,9 x 35,6 cm<\/em> – vedi \u00a0<\/em>qui<\/em><\/a>) degli studenti manifestanti con gli occhi chiusi e le braccia alzate in preghiera, simbolo del Black Power.<\/p>\n\n
L’arte \u00e8 il filo conduttore di innumerevoli movimenti di resistenza e proteste che hanno unito le persone e portato a un cambiamento positivo della societ\u00e0. Che sia attraverso la musica, l’arte visiva, la danza, il teatro o qualsiasi altra forma d’arte, l’arte \u00e8 in grado di connettersi con le nostre emozioni umane e di unirci attraverso la speranza e il potere. In questo modo, l’arte ha il potere di trasformare Doom in Bloom e di fornire una piattaforma alle persone per stare insieme, non da sole.<\/p>\n\n
Negli ultimi cinquanta-cento anni alcuni movimenti hanno avuto un maggiore impatto culturale sulla societ\u00e0. L’arte della resistenza, l’arte attivista in corso, la Pop art e il movimento delle donne, che \u00e8 riemerso negli anni Sessanta e si \u00e8 sviluppato in modi multiformi fino al presente. Il tremendo impatto del femminismo sulla vita quotidiana include, ma va ben oltre, i cambiamenti nelle leggi, nei regolamenti e nelle istituzioni politiche. La struttura della vita di ogni singola persona che vive negli Stati Uniti \u00e8 stata cambiata dal nuovo femminismo.<\/p>\n\n
Caratteristiche del movimento <\/strong><\/h2>\n\n
Esistono diverse caratteristiche che possono aiutare lo spettatore a identificare i tratti. Ecco alcune delle pi\u00f9 comuni: <\/p>\n\n
Simboli<\/strong><\/h3>\n\n
Il pugno chiuso<\/strong><\/em> \u00e8 un tema comunemente ricorrente nell’arte di protesta e di resistenza ed \u00e8 stato utilizzato gi\u00e0 durante la Rivoluzione messicana, la protesta degli studenti americani contro la guerra del Vietnam, il Black Panther Party e gli studenti francesi durante la loro ribellione socialista del 1832 contro la monarchia.<\/p>\n\n
Visualizza qui<\/a> l’opera d’arte: Pugno chiuso, Everett Spruill, Copyright Everett Spruill<\/em><\/figcaption><\/figure>\n Il movimento Messicano-Americano Chicano vedeva nei murales<\/strong> una forma di protesta contro le ingiustizie che colpivano la popolazione emarginata. Alla fine della Rivoluzione messicana, il governo commission\u00f2 agli artisti la creazione di opere d’arte che potessero educare le masse, per lo pi\u00f9 analfabete, alla storia del Messico. La celebrazione del potenziale del popolo messicano nel creare la storia della nazione fu un tema chiave del muralismo messicano, un movimento guidato da Siqueiros, Diego Rivera e Jos\u00e9 Clemente Orozco, noti come Los tres grandes. Tra gli anni Venti e gli anni Cinquanta, hanno coltivato uno stile che ha definito l’identit\u00e0 messicana dopo la Rivoluzione.<\/p>\n\n
Los tres grandes (i tre grandi), come sono conosciuti, sono stati modelli importanti non solo come grandi artisti moderni ma anche come attivisti politici che hanno radicato il loro muralismo nel sostegno alle lotte dei membri pi\u00f9 poveri e sfruttati delle loro comunit\u00e0.<\/p>\n\n
Veduta dell’opera di David Alfaro Siqueiros, Date della storia messicana o del diritto alla cultura, Universit\u00e0 Nazionale Autonoma del Messico (UNAM), 1952-56, (Citt\u00e0 del Messico, foto: Fausto Puga)<\/em> qui<\/a>. <\/em><\/figcaption><\/figure>\n La Rivoluzione messicana \u00e8 stata un momento cruciale del XX secolo perch\u00e9 ha segnato una vera e propria rottura con il passato, inaugurando un’epoca pi\u00f9 egualitaria. Con le sue grandi dimensioni, l’iconografia innovativa e il messaggio socialmente rilevante, il muralismo messicano rimane un notevole omaggio alla Rivoluzione.<\/p>\n\n
Visualizza l’opera di David Alfaro Siqueiros, Tormento e apoteosi di Cuauht\u00e9moc (particolare), 1950-51 (Museo del Palazzo delle Belle Arti, foto: Jaontiveros) <\/em>qui<\/a>.<\/figcaption><\/figure>\n I muralisti svilupparono un’iconografia con eroi atipici e non europei dell’illustre passato, presente e futuro della nazione: i guerrieri aztechi che combattevano contro gli spagnoli, gli umili contadini che lottavano nella Rivoluzione, i comuni lavoratori di Citt\u00e0 del Messico e i meticci che avrebbero forgiato la prossima grande epoca, come nel murale dell’UNAM di Siqueiros. Los tres grandes realizzarono murales epici sulle pareti di edifici pubblici altamente visibili, utilizzando tecniche come l’affresco, l’encausto, il mosaico e la pittura-scultura. <\/p>\n\n
Inoltre, in un momento di crisi, l’arte \u00e8 stata utilizzata come un modo molto visivo per agire contro l’AIDS. Per combattere la dannosa costruzione culturale intorno al “sangue contaminato”, i gruppi di movimento sociale della fine degli anni ’80 e degli anni ’90, l’AIDS Coalition to Unleash Power, o ACT UP, hanno creato poster e grafiche per cercare di attirare l’attenzione della gente e incoraggiare la conversazione sulle scomode verit\u00e0 sociali e culturali che circondano l’AIDS.<\/p>\n\n
(Purchase, with funds provided by the ICP Acquisitions Committee, 2000 ; source : ICP.org<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n Molti dei progetti di ACT UP incorporavano testo e immagini; questo manifesto \u00e8 uno dei pochi che comunicava un messaggio utilizzando solo il testo. Il manifesto \u00e8 stato realizzato per un’azione alla Borsa di New York nel settembre 1989 (due anni e mezzo dopo la prima protesta di ACT UP, anch’essa svoltasi a Wall Street). Tutte le proteste di Wall Street (una seconda ebbe luogo un anno dopo la prima) riguardavano gli enormi profitti che l’azienda farmaceutica Burroughs Welcome stava realizzando con il farmaco AZT contro l’AIDS. L’azienda aveva ottenuto un brevetto che garantiva che nessun’altra azienda potesse vendere il farmaco per diciassette anni. L’azienda sosteneva di essere giustificata a far pagare un prezzo esorbitante per il farmaco, visto che aveva speso una notevole somma di denaro per il suo sviluppo. ACT UP ha ribattuto che i contribuenti avevano pagato il conto attraverso sovvenzioni e crediti d’imposta. Nell’azione del settembre 1989, gli attivisti chiesero che l’AZT fosse fornito gratuitamente a chiunque ne avesse bisogno.<\/p>\n\n
Colori<\/h3>\n\n
I membri del Panther Party che indossavano abiti completamente neri con berretti e ampi capelli afro e la controcultura Hippie dell’epoca che indossava abiti in technicolor e portava cartelli con scritte luminose per protestare contro la guerra del Vietnam e per chiedere “pace, amore e uguali diritti”, \u00e8 un movimento che ancora oggi ha motivazioni forti ed efficaci che influenzano la cultura ancora oggi, come si pu\u00f2 vedere nell’attuale movimento #BlackLivesMatter.<\/p>\n\n
L’uso del colore, osservato non solo negli abiti ma anche nelle opere colorate, \u00e8 visibile non solo nei lavori dei pittori, ma anche in quelli degli illustratori. Le opere “La regola d’oro” (1961) e “Il problema con cui tutti viviamo” (1963) di Norman Rockwell, essendo gi\u00e0 un illustratore bianco molto conosciuto e rispettato nella comunit\u00e0 artistica, rientrano nella categoria dell’arte di protesta che sostiene il movimento. La “Regola d’oro” \u00e8 un dipinto che presenta un collage di persone di diverse etnie e culture e un riferimento al versetto biblico Matteo 7, 12. Tra tutte le persone presenti nel dipinto, la pi\u00f9 importante \u00e8 una bambina nera in uniforme scolastica con lo sguardo rivolto direttamente all’osservatore del quadro – la bambina \u00e8 un riferimento diretto a Ruby Bridges, una bambina afroamericana di 6 anni che fu la prima a frequentare una scuola elementare completamente bianca nel sud, e che fu scortata in classe dalla madre e dagli sceriffi americani per garantire la sua sicurezza a causa delle folle arrabbiate che protestavano il 14 novembre 1960, e ogni altro giorno di quell’anno.<\/p>\n\n
Vista Regola d’oro, Norman Rockwell, 1961. Olio su tela, 44 1\/2″ x 39 1\/2″. Illustrazione per il Saturday Evening Post, 1 aprile 1961, <\/em>qui<\/em><\/a>.<\/em><\/figcaption><\/figure>\n Rilevanza nell’era moderna<\/h3>\n\n
Il concetto di “arte come arma” \u00e8 ancora attuale nell’era moderna. \u00c8 stato semplicemente ricontestualizzato dall’emergere di tecnologie moderne come i social media. Guardando al movimento Black Lives Matter, che \u00e8 emerso nel 2013 in risposta all’assoluzione dell’assassino di Trayvon Martin, George Zimmerman, e poi nel 2014 ha guadagnato l’attenzione globale quando le proteste si sono scatenate a Ferguson, nel Missouri, in risposta all’omicidio di Mike Brown da parte dell’agente di polizia di Ferguson Darren Wilson (che \u00e8 stato anche scagionato da illeciti penali in tribunale) e le immagini e i video delle orribili brutalit\u00e0 dei manifestanti da parte della polizia sono stati documentati e condivisi in tempo reale su siti di social media come Twitter, Instagram e Facebook.<\/p>\n\n
Servire e proteggere, Gregory Ragland, 2013, Bronzo, 20\u2032 x 20\u2032 x 38\u2033 \nLa vernice rossa \u00e8 stata aggiunta da ignoti durante la protesta #BlackLivesMatter del 29 maggio. (fonte<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n L’approccio pedagogico<\/h1>\n\n
Perch\u00e9 questo tema \u00e8 rilevante per gli studenti adulti?<\/h2>\n\n
L’arte della resistenza \u00e8 uno dei movimenti artistici pi\u00f9 riconoscibili del secolo scorso. Attraverso la partecipazione a un programma di arte attivista, gli studenti possono sviluppare capacit\u00e0 di pensiero critico, leadership, impegno nella comunit\u00e0 e comunicazione. Mentre creano opere d’arte attivista, possono impegnarsi in tre processi di apprendimento e insegnamento che sono stati fondamentali per lo sviluppo di queste abilit\u00e0:<\/p>\n\n
Fare collegamenti<\/strong> – Gli studenti pensano alle ingiustizie che intendono affrontare attraverso la loro arte, considerano perch\u00e9 queste ingiustizie esistono e come potrebbero essere cambiate. Identificano relazioni e collegamenti di causa ed effetto, costruendo attivamente una comprensione delle relazioni comunitarie e della leadership civica.<\/p>\n\n
Interrogarsi<\/strong> – Una volta formulate le idee sui loro argomenti, gli studenti iniziano un lungo processo di riflessione critica: come possiamo incidere su questa ingiustizia? Chi \u00e8 il mio pubblico? Come voglio che pensino all’argomento? Come posso comunicare le mie idee in modo efficace? La mia arte funziona come volevo? Gli studenti iniziano a vedere la legittimit\u00e0 della loro intuizione per sfidare lo status quo e iniziano a capire il loro potere come creatori attivi della societ\u00e0 in grado di avviare il cambiamento.<\/p>\n\n
Tradurre – <\/strong>Rappresentare un’idea attraverso l’arte richiede un passaggio dal linguaggio verbale a quello visivo. Traducendo le loro idee in arte, gli studenti le riformulano in senso letterale, metaforico, ironico, dialogico (come interazione con il pubblico) o con un approccio misto. Gli studenti imparano a vedere l’arte come un modo per “insegnare” al pubblico.<\/p>\n\n
Hanno cercato di presentare le loro idee con un equilibrio tra messaggio ed estetica, e di sviluppare abilit\u00e0 comunicative nel processo. Questi risultati sono in linea con lo studio di dottorato sull’argomento condotto da M. Dewhurst nel 2009.<\/p>\n\n
Quali sono i risultati di apprendimento dell’integrazione di questo tema artistico con un’attivit\u00e0 educativa?<\/h2>\n\n
Con questa attivit\u00e0, gli studenti potranno scoprire l’argomento attraverso gli strumenti e gli occhi del pittore. Infatti, le attivit\u00e0 sono impostate in modo che gli studenti possano imparare il potere dell’arte attivista, della musica e delle parole, riflettendo su come possa influenzare le visioni artistiche. Potranno inoltre approfondire dipinti specifici e guardare video esplicativi di alcune delle opere pi\u00f9 influenti. <\/p>\n\n
Come farlo: strategie, strumenti e tecniche. <\/h2>\n\n
Gli studenti parteciperanno in modo attivo e non attivo al proprio apprendimento. Infatti, utilizzando le loro capacit\u00e0 pittoriche, di pensiero critico e di ascolto, saranno in grado di sviluppare la loro conoscenza dell’arte della resistenza e di discutere con la classe, per poi imparare da altri esperti nel campo della storia dell’arte. <\/p>\n\n
Opere d\u2019arte<\/h1>\n\n
Opera d’arte #1 La libert\u00e0 che guida il popolo, Eugene Delacroix, 1830<\/strong><\/h2>\n\n
La libert\u00e0 che guida il popolo, Eugene Delacroix, 1830, olio su tela, 260 cm x 325 cm, Louvre, Parigi <\/em>(fonte<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n
- La sua posizione rispetto al tema: <\/strong>La libert\u00e0 che guida il popolo (in francese: La Libert\u00e9 guidant le peuple [la lib\u025b\u0281te \u0261id\u0251\u0303 l\u0259 p\u0153pl]) \u00e8 un dipinto di Eug\u00e8ne Delacroix che commemora la Rivoluzione di luglio del 1830, che rovesci\u00f2 il re Carlo X di Francia.<\/li>
- Breve descrizione: <\/strong>Una donna del popolo con un berretto frigio, che personifica il concetto di Libert\u00e0, guida un gruppo eterogeneo di persone sopra una barricata e i corpi dei caduti, tenendo in una mano la bandiera della Rivoluzione francese – il tricolore, che dopo questi eventi \u00e8 tornato a essere la bandiera nazionale francese – e brandendo con l’altra un moschetto con baionetta. La figura della Libert\u00e0 \u00e8 vista anche come un simbolo della Francia e della Repubblica francese, conosciuta come Marianna. Talvolta si ritiene erroneamente che il dipinto raffiguri la Rivoluzione francese del 1789.<\/li>
- Ubicazione e dimensione europea: <\/strong>La Libert\u00e0 che guida il popolo \u00e8 esposta al\u00a0Louvre<\/a> di Parigi.<\/li>
- Possibile utilizzo didattico: <\/strong>Questo dipinto \u00e8 stato piuttosto controverso quando \u00e8 stato reso pubblico per la prima volta; pu\u00f2 essere interessante per gli studenti indagare sulle diverse reazioni che ha suscitato, sul motivo per cui sono state negative in base all’osservazione della societ\u00e0 e su cosa e perch\u00e9 ad alcuni \u00e8 piaciuto.<\/li><\/ul>\n
Opera d’arte #2 Emory Douglas, Sopravviveremo senza dubbio<\/strong> (1971)<\/strong><\/h2>\n\n
Visualizza l’opera di Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt<\/em> (1971). Per gentile concessione di Black Lives Matter qui<\/a>.<\/p>\n\n
- La sua posizione relativa al tema: <\/strong>\u201cL’arte rivoluzionaria inizia con il programma istituito da Huey P. Newton con il Black Panther Party”, scriveva il grafico e ministro della Cultura delle Pantere Nere Emory Douglas sul giornale The Black Panther nel 1970. “L’arte rivoluzionaria, come il Partito, \u00e8 per l’intera comunit\u00e0 e affronta tutti i suoi problemi. D\u00e0 alla gente l’immagine corretta della nostra lotta, mentre l’ideologia rivoluzionaria d\u00e0 alla gente la corretta comprensione politica della nostra lotta”. Qui \u00e8 raffigurato il manifesto di Douglas per la quarta di copertina del numero del 17 febbraio 1970 del giornale, da lui stesso disegnato. (La didascalia recita: “Sopravviveremo. Senza dubbio”) “Deplorando l’imperialismo, il capitalismo e la brutalit\u00e0 della polizia, Douglas raffigurava la polizia, i politici e i banchieri come maiali e ratti”, scrivono i curatori di Soul of a Nation. “Le eroiche donne nere lottano contro i ratti nelle case popolari. Valorosi lavoratori sono mostrati come soldati rivoluzionari. Un bambino sorridente tiene la testa alta, indossando occhiali da sole le cui lenti sono fotografie del programma di colazione gratuita che il Partito attu\u00f2 per nutrire i bambini delle famiglie povere e lavoratrici”.<\/li>
- Breve descrizione: <\/strong>Con la frase “Sopravviveremo. Senza dubbio”, l’immagine raffigura un giovane afroamericano brillantemente sorridente che indossa occhiali e, al posto delle lenti, immagini di giovani che vengono istruiti, presumiamo nelle scuole della comunit\u00e0 delle Pantere Nere. In cima alla sua testa c’\u00e8 un cappello floscio in stile zoot, che emana raggi rossi citati direttamente dai rivoluzionari cinesi… Di solito, nelle immagini di origine cinese, si vedono i raggi rossi emanati da Mao, il leader, ma nelle sue opere Douglas li collega ai bambini, attribuendo loro il ruolo di agenti del cambiamento.\u00a0La posizione dell’opera d’arte \u00e8 sconosciuta.<\/li>
- Possibile utilizzo didattico: <\/strong>Analizzate il significato del testo di quest’opera d’arte. Cosa sta cercando di dire Douglas allo spettatore? Qual \u00e8 il rapporto con le immagini dei bambini?\u00a0 Riflettere sugli anni e sull’epoca in cui \u00e8 stata realizzata l’opera.<\/li><\/ul>\n
Opera #3 Salvador Dal\u00ed, Il volto della guerra<\/strong>, 1940<\/strong><\/h2>\n\n
Visualizza l’opera di Salvador Dal\u00ed, Il volto della guerra, 1940, olio su tela, 64 cm x 79 cm, Museo Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Paesi Bassi, qui<\/a>.<\/em><\/p>\n\n
- La sua posizione in relazione al tema: <\/strong>Il volto della guerra (in spagnolo La Cara de la Guerra) (1940) \u00e8 un dipinto del surrealista spagnolo Salvador Dal\u00ed. Fu dipinto durante un breve periodo in cui l’artista visse in California. \n \nIl trauma e la visione della guerra erano stati spesso fonte di ispirazione per il lavoro di Dal\u00ed. A volte credeva che le sue visioni artistiche fossero premonizioni di guerra. Quest’opera fu dipinta tra la fine della guerra civile spagnola e l’inizio della seconda guerra mondiale.<\/li>
- Breve descrizione: <\/strong>Il dipinto raffigura un volto disincarnato che si staglia su un paesaggio desertico e arido. Il volto \u00e8 avvizzito come quello di un cadavere e porta un’espressione di miseria. Nella bocca e nelle orbite ci sono volti identici. Nelle loro bocche e nei loro occhi, ci sono altri volti identici, in un processo implicitamente infinito. Intorno al grande volto brulicano serpenti mordaci. Nell’angolo in basso a destra c’\u00e8 l’impronta di una mano che Dal\u00ed insisteva fosse stata lasciata dalla sua stessa mano.<\/li>
- Ubicazione e dimensione europea: <\/strong>Il dipinto si trova al Museo Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, Paesi Bassi.<\/li>
- Possibile utilizzo didattico: <\/strong>Salvador Dal\u00ec ha uno stile di lavoro molto interessante. Cosa c’\u00e8 di unico nei suoi dipinti e nelle sue opere? In che modo il suo lavoro \u00e8 diverso da quello delle altre opere d’arte di questo periodo artistico di resistenza? Riflettete sull’uso del colore, del realismo e delle ombre.\u2026<\/li><\/ul>\n
Opera #4 Pablo Picasso, Massacro in Korea, 1937 <\/strong><\/h2>\n\n
\n Pablo Picasso, Massacre in Korea, 18 January 1951, oil on wood, 110 x 210 cm, Mus\u00e9e national Picasso-Paris, MP203 \u00a9 RMN-Grand Palais\/Mathieu Rabeau \u00a9 Succession Picasso, 2018 ; source : Mus\u00e9e Picasso Paris<\/a>. This artwork is under a copyright, therefore it is not available in higher resolution. The original artwork can be seen in the Mus\u00e9e Picasso in Paris, France.<\/figcaption><\/figure><\/figure>\n\n
- La sua posizione in relazione al tema: <\/strong>Massacro in Corea \u00e8 il terzo di una serie di dipinti contro la guerra realizzati da Picasso. \u00c8 stato preceduto dal monumentale Guernica<\/a>, dipinto nel 1937, e da L’Ossario<\/a>, realizzato tra il 1944 e il 1945. Il titolo di questo quadro si riferisce allo scoppio della guerra di Corea<\/a>, iniziata l’anno precedente, ma il soggetto \u00e8 ambiguo, poich\u00e9 Picasso non indica direttamente un periodo o un luogo all’interno della composizione.<\/li>
- Breve descrizione<\/strong><\/li> \n<\/ul> \n\u00a0 \n \nIl dipinto potrebbe raffigurare un evento simile al Massacro di No Gun Ri del luglio 1950, quando un numero imprecisato di rifugiati sudcoreani fu massacrato dai soldati statunitensi, o al Massacro di Sinchon dello stesso anno, un’uccisione di massa compiuta nella contea di Sinchon, nella provincia di Hwanghae Sud, in Corea del Nord. Massacro in Corea raffigura civili uccisi dalle forze anticomuniste. La critica d’arte Kirsten Hoving Keen afferma che l’opera \u00e8 “ispirata ai resoconti delle atrocit\u00e0 americane” in Corea. Con i suoi 43 pollici (1,1 m) per 82 pollici (2,1 m), l’opera \u00e8 pi\u00f9 piccola del suo Guernica, con il quale ha una somiglianza concettuale e una veemenza espressiva. \n \n\u00a0 \n \nL’opera di Picasso \u00e8 influenzata dal dipinto Il 3 maggio 1808 di Francisco Goya, che mostra i soldati di Napoleone che giustiziano i civili spagnoli agli ordini di Gioacchino Murat.[6] Si colloca nella stessa tradizione iconografica di un’opera precedente modellata su Goya: La serie di cinque dipinti di \u00c9douard Manet raffiguranti l’esecuzione dell’imperatore Massimiliano, completata tra il 1867 e il 1869. Come nel caso de Il terzo maggio 1808 di Goya, il dipinto di Picasso \u00e8 caratterizzato da una composizione biforcuta, divisa in due parti distinte.<\/li>
- Ubicazione e dimensione europea: <\/strong>Il dipinto \u00e8 esposto al Mus\u00e9e Picasso di Parigi.<\/li>
- Possibile utilizzo didattico: <\/strong>Utilizzate l’immagine per scoprire quali altri artisti hanno creato opere con una prospettiva, un colore e un significato simili. Per cominciare, date un’occhiata a L’execuci\u00f3 de l’emperador Maximili\u00e0 de M\u00e8xic (1868), di Edouard Manet<\/a>. Cosa c’\u00e8 di diverso nell’opera di Manet rispetto a quella di Picasso? Il genere?\u00a0 L’uso del colore? Stile – cubismo, modernismo? E l’opera di Francisco de Goya?<\/li><\/ul>\n
Opera #5 David Alfaro Siqueiros, Tormento e apoteosi di Cuauht\u00e9moc (dettaglio), 1950-51<\/strong><\/h2>\n\n
Visualizza l’opera di David Alfaro Siqueiros, Tormento e apoteosi di Cuauht\u00e9moc (particolare), 1950-51 (Museo del Palazzo delle Belle Arti, foto: Jaontiveros) <\/em>qui<\/a>.<\/figcaption><\/figure>\n
- La sua posizione in relazione al tema: <\/strong>Il movimento muralista messicano ebbe inizio subito dopo la Rivoluzione messicana, che ebbe luogo dal 1910 al 1920. Dopo la rivoluzione, il governo si fece carico del difficile progetto di trasformare un Messico diviso. Durante questo periodo, ci si preoccup\u00f2 di definire l’identit\u00e0 messicana e il governo cerc\u00f2 di stabilire una societ\u00e0 messicana nuova, fondata sulla sua ricca tradizione ma molto proiettata verso il futuro. Si voleva anche un modo per promuovere l’orgoglio e il nazionalismo nel popolo messicano. Da tutti questi desideri nacque il movimento del muralismo. \n \n\u00a0 \n \nIl movimento nacque come forma di arte pubblica finanziata dal governo, che commission\u00f2 ad artisti la creazione di opere che potessero illustrare la storia messicana. Poich\u00e9 la maggior parte della popolazione era analfabeta, il governo messicano scelse i murales come mezzo efficace per diffondere visivamente il messaggio di orgoglio e nazionalismo.<\/li>
- Breve descrizione: <\/strong>Nel “Tormento di Cuauht\u00e9moc”, Siqueiros raffigura la violenza dei conquistadores spagnoli, mostrando gli spagnoli che torturano l’imperatore azteco Cuauht\u00e9moc per farsi indicare il luogo in cui era nascosto il tesoro di Montezuma. Lo torturano bruciandogli i piedi, ma non mostra alcun dolore fisico, bens\u00ec un dolore emotivo. Accanto a Cuauht\u00e9moc, c’\u00e8 un uomo che piange e prega come se volesse liberarsi da questa punizione. A destra, c’\u00e8 una donna che sembra essere ricoperta di sangue; assomiglia anche alla madre di Ges\u00f9 quando il figlio fu crocifisso, che implora il figlio di smettere di provare tale tortura.<\/li><\/ul>\n
Questo fa apparire Cuauht\u00e9moc come una divinit\u00e0 e come un simbolo di patriottismo, un simbolo che sarebbe stato utilizzato dopo la rivoluzione messicana in molte opere dei muralisti dell’epoca. L’uso dell’ultimo imperatore azteco come simbolo ha permesso di riportare in auge il passato, ispirando i messicani a lottare per le proprie radici. <\/p>\n\n
L’esercito spagnolo sembra non essere umano, come se fosse solo un guscio vuoto senza anima; questa mancanza di umanit\u00e0 permette loro di continuare a fare i danni che hanno commesso. C’\u00e8 anche un cane che sembra portare un po’ alla conclusione che sono umani come lo erano gli Aztechi, mostrando come siano animali rabbiosi come i canini che hanno al fianco. <\/p>\n\n
- Ubicazione e dimensione europea: <\/strong>Il dipinto \u00e8 conservato nel Museo del Palazzo delle Belle Arti<\/em>.<\/li>
- Possibile utilizzo didattico: <\/strong>Nell'”Apoteosi di Cuauht\u00e9moc” si pone la domanda “e se?”. Siqueiros mostra come sarebbe stato se l’esercito di Cuauht\u00e9moc avesse sconfitto l’esercito spagnolo, se fosse riuscito con potenza e forza a tenere lontani gli invasori. Gli studenti analizzano i dettagli del dipinto e le differenze di stile e tecniche tra questo quadro e la pittura di Salvador Dal\u00ec e Pablo Picasso. Osservano i loro ritratti e disegni di figure umane – il lavoro, i colori, la prospettiva del disegno, ecc.<\/li><\/ul>\n
Opera d’arte #6 Regola d’oro<\/strong>, Norman Rockwell, 1961<\/strong><\/h2>\n\n
Vista Regola d’oro, Norman Rockwell, 1961. Olio su tela, 44 1\/2″ x 39 1\/2″. Illustrazione per il Saturday Evening Post, 1 aprile 1961, <\/em>qui<\/em><\/a>.<\/em><\/figcaption><\/figure>\n
- La sua posizione in relazione al tema: <\/strong>Negli anni Sessanta, l’umore del Paese stava cambiando e per Norman Rockwell si profilava l’opportunit\u00e0 di liberarsi dell’accusa di essere antiquato da parte dell’intellighenzia artistica. La sua Regola d’oro del 1961 fu un precursore del tipo di soggetto che avrebbe presto illustrato. Un gruppo di persone di diversa religione, razza ed etnia fa da sfondo alla scritta “Fai agli altri quello che vorresti fosse fatto a te”. Rockwell era un uomo compassionevole e liberale e questa semplice frase rifletteva la sua filosofia. Avendo viaggiato per tutta la vita ed essendo stato accolto ovunque, Rockwell si sentiva un cittadino del mondo e la sua politica rifletteva questo sistema di valori. \n \n\u00a0<\/li>
- Breve descrizione: <\/strong>A partire dalle fotografie scattate durante il suo viaggio intorno al mondo Pam Am del 1955, Rockwell fece riferimento ai costumi e agli accessori dei nativi e al modo in cui venivano indossati. Ha raccolto alcuni costumi e ne ha ideati alcuni a partire da oggetti ordinari nel suo studio, come l’uso di un paralume come fez. Molti dei modelli di Rockwell erano studenti di scambio e visitatori locali. In un’intervista del 1961, indicando l’uomo che indossa un cappello a tesa larga nell’angolo in alto a destra, Rockwell disse: “\u00c8 in parte brasiliano, in parte ungherese, credo. Poi c’\u00e8 Choi, un coreano. \u00c8 uno studente della Ohio State University. Qui c’\u00e8 uno studente giapponese del Bennington College e qui c’\u00e8 uno studente ebreo. Stava seguendo i corsi estivi alla Indian Hill Museum School”. Indicando il rabbino, ha continuato: “\u00c8 il direttore delle poste in pensione di Stockbridge. Nella vita reale \u00e8 stato un ottimo rabbino, un cattolico devoto.<\/li><\/ul>\n
Tutti i volti del Medio Oriente li ho presi da Abdalla, che gestisce il mercato di Elm Street, a un isolato da casa mia”. Alcuni dei modelli utilizzati provengono anche dalla precedente illustrazione di Rockwell, Nazioni Unite.<\/p>\n\n
- Ubvicazione e dimensione europea: <\/strong>Golden Rule e United Nations sono attualmente in mostra al Norman Rockwell Museum.<\/li>
- Possibile utilizzo didattico: <\/strong>Esplorate le espressioni facciali e le caratteristiche di tutte le immagini incluse nell’opera. Sapendo che quest’opera \u00e8 stata creata negli anni ’60 e che voi vivete attualmente nel 2020, pi\u00f9 di 60 anni dopo, sosterreste che quest’opera rappresenta ancora le Nazioni Unite? Perch\u00e9 (non)? E cosa potrebbe mancare? Provate a ricreare quest’opera con le foto di chi vi circonda. Nota: fate attenzione ai fulmini quando fotografate!<\/li><\/ul>\n
Opera d\u2019arte #7 Guernica, Pablo Picasso, 1937<\/strong><\/h2>\n\n
\n Riproduzione murale di Guernica di Pablo Picasso. Opera realizzata su piastrelle, a Gernika-Lumo, in via Allendesalazar 11, in Spagna. Questa foto \u00e8 stata pubblicata con licenza Creative Commons 3.0 da Papamanila su Wikicommons<\/a>. L’opera originale di Pablo Picasso (Guernica, 1937, olio su tela, 349,3 cm x 776,6 cm) si trova al Museo Reina Sofia di Madrid, Spagna.<\/figcaption><\/figure><\/figure>\n\n
- La sua posizione in relazione al tema: <\/strong>Picasso dipinse Guernica nella sua casa di Parigi in risposta al bombardamento del 26 aprile 1937 di Guernica, una citt\u00e0 dei Paesi Baschi nel nord della Spagna, bombardata dalla Germania nazista e dall’Italia fascista su richiesta dei nazionalisti spagnoli. Una volta completata, Guernica fu esposta alla mostra spagnola all’Esposizione Internazionale di Parigi del 1937 e poi in altre sedi in tutto il mondo. La mostra itinerante fu utilizzata per raccogliere fondi per i soccorsi di guerra spagnoli. Il dipinto divenne presto famoso e ampiamente acclamato e contribu\u00ec a portare l’attenzione mondiale sulla guerra civile spagnola.<\/li>
- Breve descrizione: <\/strong>Guernica \u00e8 un grande dipinto a olio su tela del 1937 dell’artista spagnolo Pablo Picasso. \u00c8 una delle sue opere pi\u00f9 conosciute, considerata da molti critici d’arte come il pi\u00f9 commovente e potente dipinto contro la guerra della storia.<\/li><\/ul>\n
Il dipinto grigio, nero e bianco, alto 3,49 metri e largo 7,76 metri, ritrae la sofferenza causata dalla violenza e dal caos. La composizione \u00e8 caratterizzata da un cavallo incornato, un toro, donne urlanti, un bambino morto, un soldato smembrato e fiamme.<\/p>\n\n
- Ubicazione e dimensione europea: <\/strong>\u00c8 esposto al Museo Reina Sof\u00eda di Madrid.<\/li>
- Possibile utilizzo didattico: <\/strong>\u00c8 interessante confrontare quest’opera d’arte con il Massacro in Corea. Un’analisi approfondita dei personaggi principali, dei colori e della teoria dei colori potrebbe essere un buon esercizio.<\/li><\/ul>\n
Opera #8 Servire e proteggere, Gregory Ragland, 2013<\/strong><\/h2>\n\n
Servire e proteggere, Gregory Ragland, 2013, Bronzo, 20\u2032 x 20\u2032 x 38\u2033 \nLa vernice rossa \u00e8 stata aggiunta da ignoti durante la protesta #BlackLivesMatter del 29 maggio. (fonte<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n
- La sua posizione rispetto al tema: <\/strong>Servire e proteggere, dimostra il linguaggio dei segni – servire. Le stesse mani aggraziate che ci servono sono anche mani abbastanza forti da proteggerci e prendersi cura di noi. Questa scultura in bronzo rafforza la longevit\u00e0 della forza e agisce come un potente simbolo della nostra fiducia in questi individui. Questa scultura potente ed elegante \u00e8 un solido promemoria del fatto che i nostri eroi pi\u00f9 grandi della vita saranno l\u00ec per servire e proteggere tutti noi.<\/li>
- Breve descrizione: <\/strong>L’artista di Park City Greg Ragland ha creato una scultura in bronzo intitolata “Servire e proteggere”. La scultura raffigura due mani affiancate con i palmi rivolti verso l’alto. L’opera si trova nel giardino della piazza ed \u00e8 stata progettata per incoraggiare il contatto e l’arrampicata.<\/li>
- Ubicazione e dimensione europea: <\/strong>Il dipinto si trova presso l’edificio della Pubblica Sicurezza; 475 S 300 E; Distretto 4.<\/li>
- Possibile utilizzo didattico: <\/strong>Nella sua opera di scultura, Gregory Ragland non ha incluso la vernice rossa. L’originale non include nulla sulla mano. Quando \u00e8 apparsa la vernice rossa sulla scultura? Osservare i cambiamenti intorno a quest’opera d’arte.<\/li><\/ul>\n
Opera d’arte #9 Pugno chiuso, Everett Spruill<\/strong><\/h2>\n\n
Visualizza qui<\/a> l’opera d’arte: Pugno chiuso, Everett Spruill, Copyright Everett Spruill<\/em><\/figcaption><\/figure>\n
- La sua posizione in relazione al tema: <\/strong>Simbolo di potere, il pugno chiuso \u00e8 un simbolo importante del movimento. Il colore del primo suggerisce anche a quale movimento era inizialmente legato.<\/li>
- Breve descrizione: <\/strong>Serigrafia originale tirata a mano dell’artista afroamericano Everett Spruill con un colorato disegno astratto di un pugno nero chiuso creato con un motivo cubista. Medium: Media mista.<\/li>
- Ubicazione e dimensione europea: <\/strong>Le opere d’arte di Spruill sono state vendute al Centro Epcot della Disney.<\/li>
- Possibile utilizzo didattico. <\/strong>Sperimentate l’uso di tecniche miste per creare il vostro simbolo di resistenza. Perch\u00e9 avete scelto questo simbolo specifico?<\/li><\/ul>\n
Opera d\u2019arte #10
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