{"id":5904,"date":"2022-09-22T16:53:50","date_gmt":"2022-09-22T14:53:50","guid":{"rendered":"https:\/\/team-of-art.eu\/pedagogical_dossier\/corpo-umano\/"},"modified":"2022-09-22T16:53:54","modified_gmt":"2022-09-22T14:53:54","slug":"corpo-umano","status":"publish","type":"pedagogical_dossier","link":"https:\/\/team-of-art.eu\/it\/pedagogical_dossier\/corpo-umano\/","title":{"rendered":"Corpo umano"},"content":{"rendered":"\n<h1 class=\"wp-block-heading\"><strong>Introduzione <\/strong><\/h1>\n\n<p>In questo dossier tratteremo il tema del corpo umano nell&#8217;arte e il suo contesto in Europa. Guarderemo 10 esempi del corpo umano nelle opere d&#8217;arte europee, e presenteremo due attivit\u00e0 in classe &#8211; una per imparare i principi del disegno gestuale, con un&#8217;attivit\u00e0 bonus di disegnare il corpo umano usando tecniche artistiche di uno dei periodi studiati. L&#8217;altra sar\u00e0 una lezione e una riflessione sul whitewashing dell&#8217;arte in Europa. <\/p>\n\n<p>Gli obiettivi del dossier sono:<\/p>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li>Confrontare e contrastare il corpo umano nell&#8217;arte europea attraverso i secoli, a partire dall&#8217;epoca classica greca (480-400 a.C.). Discuteremo anche brevemente i seguenti periodi: <ol><li>Il periodo arcaico, 600-480 a.C.<\/li><li>Il periodo ellenistico, 323-150 A<\/li><li>Il periodo medievale, dal 300 d.C. al 1400 d.C., comprese le tre parti principali &#8211; paleocristiano, romanico e gotico.<\/li><li>Il Rinascimento, dal 1400 al 1600 CE<\/li><li>Impressionismo, fine del XIX secolo<\/li><li>Cubismo, inizio del XX secolo <\/li><\/ol><\/li><li>Identificare gli elementi chiave e i temi del corpo umano nell&#8217;arte<\/li><li>Riassumere l&#8217;evoluzione e il significato del corpo umano nell&#8217;arte<\/li><li>Disegnare il corpo umano usando uno degli elementi fondamentali del disegno di un certo periodo artistico<\/li><li>Conoscere e riflettere sulla mancanza di diversit\u00e0 nell&#8217;arte europea in termini di forma umana e cosa si pu\u00f2 fare per risolverla. <\/li><\/ul>\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Sfondo europeo <\/strong><\/h2>\n\n<p>Abbiamo scelto il tema del corpo umano per questo dossier per tre ragioni principali: <\/p>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li><strong>Il ruolo importante che il corpo umano ha avuto nell&#8217;evoluzione dell&#8217;arte e degli artisti europei:<\/strong><\/li><\/ul>\n<p>Gli artisti europei sono sempre stati affascinati dal corpo umano. Anche i primi esempi di arte greca antica raffiguravano la forma umana. Non possiamo parlare del corpo umano nell&#8217;arte europea senza riconoscere l&#8217;influenza degli antichi greci. I greci idealizzavano il corpo umano, avvicinandolo alla perfezione degli dei. Questo idealismo \u00e8 stato tramandato molto chiaramente, e infatti \u00e8 la forza trainante dei nostri canoni contemporanei di bellezza. Il corpo nudo \u00e8 anche diventato un&#8217;abilit\u00e0 essenziale da padroneggiare per gli artisti europei, con il disegno della figura che \u00e8 una base per gli studi di ogni aspirante artista.<\/p>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li><strong>Come il corpo umano ha plasmato i nostri ideali estetici<\/strong><\/li><\/ul>\n<p>Quando studiamo il corpo umano come \u00e8 raffigurato nell&#8217;arte nel corso della storia europea, comprendiamo la cultura dei nostri antenati e quindi comprendiamo meglio noi stessi. Possiamo anche usare questa comprensione per aiutare a combattere gli stereotipi negativi associati oggi al corpo imperfetto, diventando pi\u00f9 consapevoli della provenienza di questo idealismo. <\/p>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li><strong>Come il corpo umano nell&#8217;arte \u00e8 influenzato dal razzismo e come influenza le disuguaglianze nella societ\u00e0.<\/strong><\/li><\/ul>\n<p>Lo status quo dell&#8217;arte europea \u00e8 costituito da artisti bianchi (di solito uomini) e soggetti bianchi nelle loro opere. La realt\u00e0 \u00e8 lontana dalla verit\u00e0, poich\u00e9 ci sono stati molti artisti di diverse etnie nel corso dei secoli, ma l&#8217;arte europea \u00e8 stata in gran parte imbiancata. <\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"1024\" height=\"935\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Marble-metope-1024x935.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3413\" srcset=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Marble-metope-980x895.jpeg 980w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Marble-metope-480x438.jpeg 480w\" sizes=\"(min-width: 0px) and (max-width: 480px) 480px, (min-width: 481px) and (max-width: 980px) 980px, (min-width: 981px) 1024px, 100vw\" \/><figcaption><em>Metopa di marmo (Sud XXXI) dal Partenone: un Centauro e un Lapita lottano come due lottatori<\/em>. \u00a9 I fiduciari del British Museum &#8211; <a href=\"https:\/\/www.britishmuseum.org\/collection\/image\/114750001\">Fonte <\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<h1 class=\"wp-block-heading\"><strong>Il tema <\/strong><\/h1>\n\n<p>Il corpo umano gioca un ruolo critico nel modo in cui comprendiamo la sessualit\u00e0, la razza, l&#8217;etnia, la cultura, il genere e la nostra mortalit\u00e0.<\/p>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Sessualit\u00e0 e genere<\/strong><\/h2>\n\n<p>Dal ritorno del nudo femminile nell&#8217;arte occidentale nel 1486 con La nascita di Venere di Sandro Botticelli, erano normalmente gli artisti maschi a raffigurare nudi femminili, e tipicamente per spettatori principalmente maschi. Queste forme femminili erano spesso idealizzate, e non servivano solo allo scopo dell&#8217;arte, ma erano figure erotiche idealizzate. <\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"1024\" height=\"643\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/3439px-Sandro_Botticelli_-_La_nascita_di_Venere_-_Google_Art_Project_-_edited-1024x643.jpg\" alt=\"Birth of Venus\" class=\"wp-image-3315\" srcset=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/3439px-Sandro_Botticelli_-_La_nascita_di_Venere_-_Google_Art_Project_-_edited-980x616.jpg 980w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/3439px-Sandro_Botticelli_-_La_nascita_di_Venere_-_Google_Art_Project_-_edited-480x302.jpg 480w\" sizes=\"(min-width: 0px) and (max-width: 480px) 480px, (min-width: 481px) and (max-width: 980px) 980px, (min-width: 981px) 1024px, 100vw\" \/><figcaption><em>Nascita di Venere<\/em>, tempera su tela di Sandro Botticelli 1485, Uffizi. <a href=\"https:\/\/www.uffizi.it\/en\/artworks\/birth-of-venus\">Fonte <\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<p>Secondo il critico d&#8217;arte John Berger nel suo manoscritto, Ways of Seeing, l&#8217;arte europea post-rinascimentale raffigura spesso figure nude di fronte, il che permette che il protagonista dell&#8217;incontro sessuale sia lo spettatore. <\/p>\n\n<p>Questo \u00e8 un contrasto con il modo in cui i nudi femminili erano rappresentati nell&#8217;antica Grecia, dove il nudo maschile era predominante. Se una donna era svestita nell&#8217;arte di quel periodo, di solito una mano era tenuta a coprire i suoi genitali. La mano che copre serve a due scopi: finge modestia ma serve anche ad attirare l&#8217;occhio sul punto nascosto. <\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"768\" height=\"1024\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Bronze-Statuette-of-Aphrodite-768x1024.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3419\"\/><figcaption><em>Statuetta di bronzo di Afrodite<\/em>, statua di bronzo, greco, ca. 150-100 a.C. \u00a9 Pubblico Dominio. <a href=\"https:\/\/www.metmuseum.org\/art\/collection\/search\/248658\">Fonte<\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Razza ed etnia<\/strong><\/h2>\n\n<p>I non occidentali sono raramente rappresentati nell&#8217;arte popolare europea, e quando lo sono possono essere rappresentati con caratteristiche esagerate, o come subordinati al protagonista bianco. Questo non vuol dire che non ci fossero artisti di colore e che non ci fossero pi\u00f9 opere d&#8217;arte che presentavano persone di colore come protagonisti. \u00c8, tuttavia, per dire che i bianchi occupano posizioni privilegiate nel mondo dell&#8217;arte europea, e lo hanno fatto per molti secoli, quindi sono stati loro a decidere quali opere d&#8217;arte sarebbero state considerate degne.<\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"1024\" height=\"742\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Olympia-large-plate--1024x742.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3425\" srcset=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Olympia-large-plate--980x710.jpeg 980w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Olympia-large-plate--480x348.jpeg 480w\" sizes=\"(min-width: 0px) and (max-width: 480px) 480px, (min-width: 481px) and (max-width: 980px) 980px, (min-width: 981px) 1024px, 100vw\" \/><figcaption><em>Olympia (grande lastra)<\/em>, acquaforte su carta vergata blu di Edouard Manet, 1867 \u00a9 Public Domain. <a href=\"https:\/\/www.metmuseum.org\/art\/collection\/search\/337540\">Fonte<\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Mortalit\u00e0<\/strong><\/h2>\n\n<p>L&#8217;arte dell&#8217;antica Grecia idealizz\u00f2 la forma umana per avvicinarla a quella degli dei. Questo suggerisce un desiderio di essere meno mortale e pi\u00f9 immortale. Pi\u00f9 tardi, durante il periodo dell&#8217;arte cristiana, il corpo umano \u00e8 stato raffigurato in scene religiose, suggerendo, se non un desiderio di essere immortale, un desiderio di essere visto degno dell&#8217;amore di dio, che alla fine permette di entrare in paradiso, che \u00e8 in s\u00e9 un tipo di immortalit\u00e0. <\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"737\" height=\"1024\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Madonna-and-Child-737x1024.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3431\"\/><figcaption><em>Madonna col Bambino<\/em>, tempera su tavola di Simone Martini 1326 \u00a9 Public Domain. <a href=\"https:\/\/www.metmuseum.org\/art\/collection\/search\/459136\">Fonte<\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Ulteriori considerazioni<\/strong><\/h2>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li>La gente ha sempre modificato il proprio corpo, con piercing e tatuaggi o con la dieta o l&#8217;esercizio fisico. <\/li><li>La forma dei corpi umani \u00e8 stata un mezzo per determinare la posizione socioeconomica di qualcuno in vari modi attraverso le culture. <\/li><li>Il corpo umano nell&#8217;arte simboleggia tutto, dalla religione, alla politica, all&#8217;identit\u00e0, al bene e al male, al pio e al peccatore, ai pi\u00f9 ovvi standard di bellezza. <\/li><\/ul>\n<ul class=\"wp-block-list\"><li>Contesto storico e geografico nel paese, in Europa o nel mondo: eventi storici dell&#8217;epoca, confini geografici, movimento di persone e qualsiasi altra informazione di base rilevante. <\/li><\/ul>\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Antica Grecia<\/strong><\/h2>\n\n<h3 class=\"wp-block-heading\"><strong>Periodo arcaico 600-480 a.C. <\/strong><\/h3>\n\n<p>La forma umana nell&#8217;arte occidentale contemporanea pu\u00f2 rintracciare molte delle sue radici nell&#8217;antica Grecia. Nel VI secolo a.C., catturare il corpo umano nell&#8217;arte divenne un punto focale, con nuove tecniche che permettevano agli artisti di raffigurare il corpo in modi pi\u00f9 realistici. <\/p>\n\n<p>Il VI secolo fu l&#8217;inizio del periodo arcaico dell&#8217;arte greca, che dur\u00f2 dal 600 al 480 a.C. Questo fu un periodo di costante evoluzione nella tecnica, con apparizioni pi\u00f9 naturalistiche del corpo umano. I greci consideravano il corpo come espressione dell&#8217;essere interiore, direttamente collegato alla mente. Quindi rappresentare perfettamente la figura umana significava che l&#8217;essere umano rappresentato aveva anche una mente perfetta. Durante la prima parte del periodo arcaico, c&#8217;\u00e8 ancora l&#8217;influenza diretta dell&#8217;arte egizia. <\/p>\n\n<p>Solo gli uomini greci erano ritratti nudi, un riflesso di come erano presentati nella societ\u00e0. Ci sono solo poche sculture di donne del periodo che esistono oggi, e tutte mostrano le donne completamente vestite e che guardano direttamente lo spettatore. Anche le sculture umane del periodo arcaico presentano il sorriso arcaico, indipendentemente dall&#8217;attivit\u00e0 in cui erano impegnati. <\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"819\" height=\"1024\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Limestone-statue-819x1024.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3437\"\/><figcaption><em>Statua in calcare di un uomo barbuto con offerte votive<\/em>, Scultura in calcare, Cipriota, 475-450 a.C. \u00a9 Public Domain. &#8211; <a href=\"https:\/\/www.metmuseum.org\/art\/collection\/search\/242014\">Fonte<\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Periodo classico 480-400 a.C.<\/strong><\/h2>\n\n<p>Durante il periodo classico, le sculture di esseri umani assumono una loro autonomia. Smettono di guardare direttamente lo spettatore e invece guardano in lontananza come se pensassero. Le figure smettono di essere cos\u00ec rigide e assumono invece un senso di peso e fluidit\u00e0. Ora \u00e8 quando vediamo l&#8217;introduzione del contrapposto, quando la figura \u00e8 in piedi a riposo, il peso del corpo spostato su una gamba. I greci usavano anche le proporzioni per creare figure idealizzate, deviando le dimensioni di certe parti del corpo per mostrare le proporzioni ideali. Anche il ghigno arcaico scomparve e le sculture assunsero espressioni pi\u00f9 nobili e serie, un approccio pi\u00f9 candido invece di sorridere direttamente alla &#8220;telecamera&#8221;.<\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"860\" height=\"1024\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Bronze-diskos-thrower-860x1024.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3443\"\/><figcaption>Lanciatore di diskos in bronzo, statua in bronzo, greco, 480-460 a.C. \u00a9 Pubblico dominio. <a href=\"https:\/\/www.metmuseum.org\/art\/collection\/search\/247967\">Fonte<\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Ellenistico 323-150 a.C.<\/strong><\/h2>\n\n<p>Ci fu una sorta di rivoluzione culturale dopo la morte di Alessandro Magno. Le citt\u00e0 crebbero e richiesero pi\u00f9 e meglio l&#8217;arte. L&#8217;arte ellenistica emerge, grondante di emozione, violenza, sensualit\u00e0. Le sculture ellenistiche ritraevano ci\u00f2 che vedevano. Le figure divine del periodo classico non ci sono pi\u00f9, le sculture sono invece mostrate con le loro imperfezioni.<\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"1024\" height=\"833\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Dying_gaul-1024x833.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3449\" srcset=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Dying_gaul-980x797.jpeg 980w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Dying_gaul-480x390.jpeg 480w\" sizes=\"(min-width: 0px) and (max-width: 480px) 480px, (min-width: 481px) and (max-width: 980px) 980px, (min-width: 981px) 1024px, 100vw\" \/><figcaption>La Gallia morente (230-220 a.C. circa) di Epigono; <a href=\"https:\/\/commons.wikimedia.org\/wiki\/File:The_Dying_Gaul.jpg\">Musei Capitolini<\/a>, <a href=\"https:\/\/creativecommons.org\/licenses\/by\/2.0\">CC BY 2.0<\/a>, via Wikimedia Commons. Author: Antmoose<\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<p>Le sculture ellenistiche hanno un sacco di dettagli e tutte hanno usato i seguenti elementi: <\/p>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li><strong>Forma:<\/strong> I muscoli sotto la pelle sono molto dettagliati, cos\u00ec come le espressioni facciali, con il risultato di emozioni facili da leggere. Anche i capelli assumono pi\u00f9 volume e peso, mentre prima non vi si dedicava molta attenzione ed erano piatti.<\/li><li><strong>Composizione:<\/strong> Le posizioni rigide sono sostituite da pose quotidiane, con curve S e C.<\/li><li><strong>Struttura e modello:<\/strong> I capelli dettagliati rendono la texture squisita. Queste sculture sarebbero state anche dipinte con molti dettagli.<\/li><\/ul>\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Arte medievale 5\u00b0-14\u00b0 secolo<\/strong><\/h2>\n\n<p>L&#8217;arte medievale in Europa fu dominata dall&#8217;ascesa del cristianesimo e vide la scomparsa della nudit\u00e0 quasi interamente dall&#8217;arte. Le uniche persone nude nell&#8217;arte erano Adamo ed Eva, e servivano come simbolo del peccato originale. Inoltre, durante questo periodo, il corpo umano non era collegato direttamente al mondo reale, e quindi non era molto realistico. <\/p>\n\n<h3 class=\"wp-block-heading\"><strong>Prima et\u00e0 cristica 5\u00b0-7\u00b0 secolo <\/strong><\/h3>\n\n<p>La Chiesa cattolica stava guadagnando influenza, e nel 350 d.C. aveva due centri di potere principali, Roma e Costantinopoli. L&#8217;arte era usata per la decorazione e l&#8217;apprezzamento pubblico. Era anche usata nelle case di culto. L&#8217;arte di questo periodo aveva radici nello stile classico romano, che era basato sullo stile classico greco ma era pi\u00f9 astratto e semplificato. Lo scopo della rappresentazione della figura umana era spirituale invece della bellezza fisica. I volti avevano grandi occhi fissi chiamati &#8220;finestre dell&#8217;anima&#8221;. <\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-full\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"1022\" height=\"686\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Sergius_baccus.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3456\" srcset=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Sergius_baccus.jpeg 1022w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Sergius_baccus-980x658.jpeg 980w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Sergius_baccus-480x322.jpeg 480w\" sizes=\"(min-width: 0px) and (max-width: 480px) 480px, (min-width: 481px) and (max-width: 980px) 980px, (min-width: 981px) 1022px, 100vw\" \/><figcaption><em>SS.Sergius e Bacchus<\/em>, 6-7 c, museo di Kiev. &#8211; <a href=\"https:\/\/commons.wikimedia.org\/wiki\/File:Sergius_baccus.jpg\">Fonte <\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Romanico 11\u00b0-12\u00b0 secolo<\/strong><\/h2>\n\n<p>Il periodo romanico dur\u00f2 dalla seconda met\u00e0 dell&#8217;XI secolo fino al XII ed \u00e8 il primo stile artistico internazionale. Grazie all&#8217;aumento dei viaggi, raggiunse tutto il Mediterraneo e fino alla Scandinavia. Le forme umane divennero pi\u00f9 espressive nel periodo romanico rispetto al periodo paleocristiano. Avevano spesso figure allungate, c&#8217;era un&#8217;attenzione ai dettagli lineari e decorativi come le pieghe dei vestiti e i capelli, ma il realismo non era l&#8217;obiettivo. Spesso la figura umana era scolpita e presente nei rilievi architettonici, specialmente durante l&#8217;XI e il XII secolo. La maggior parte delle sculture di esseri umani erano pittoriche e bibliche.<\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large is-resized\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Enthroned-Virgin-679x1024.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3462\" width=\"561\" height=\"846\"\/><figcaption>Vergine in trono, 1175-1200, scultura in legno \u00a9 Pubblico Dominio &#8211; <a href=\"https:\/\/www.metmuseum.org\/art\/collection\/search\/464587\">Fonte<\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Gotico 12\u00b0-16\u00b0 secolo<\/strong><\/h2>\n\n<p>Nel periodo gotico, la figura umana era rappresentata in modo pi\u00f9 naturale con un aspetto realistico, rispetto al periodo romanico. Le figure gotiche successive diventano molto pi\u00f9 realistiche, con espressioni naturali sui loro volti e la cura di rappresentare accuratamente le pieghe dei vestiti. <\/p>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Rinascimento 14\u00b0-17\u00b0 secolo<\/strong><\/h2>\n\n<p>Il Rinascimento port\u00f2 un&#8217;attenzione molto maggiore sul corpo umano, e in un modo molto diverso rispetto al periodo medievale. Mentre il corpo veniva raffigurato in modo astratto e bidimensionale che aveva l&#8217;effetto di far sembrare la figura meno legata al suo essere umano, gli artisti rinascimentali trassero ispirazione dalle pi\u00f9 realistiche sculture antiche greche e romane. Ritornarono ai rapporti matematici di cui parlavano gli autori romani Plinio e Vitruvio, e come si pu\u00f2 vedere nell&#8217;Uomo Vitruviano di da Vinci.<\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"748\" height=\"1024\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Vitruvian-748x1024.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3468\" srcset=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Vitruvian-748x1024.jpeg 748w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Vitruvian-480x658.jpeg 480w\" sizes=\"(min-width: 0px) and (max-width: 480px) 480px, (min-width: 481px) 748px, 100vw\" \/><figcaption><em>Uomo vitruviano<\/em>, Leonardo da Vinci, 1492, inchiostro e acquerello e punta di metallo su carta. &#8211; <a href=\"https:\/\/commons.wikimedia.org\/wiki\/File:Vitruvian.jpg\">Fonte<\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<p>Oltre alle rappresentazioni classiche della forma umana, gli artisti durante il Rinascimento divennero esperti di anatomia mentre lavoravano per rendere le loro rappresentazioni della figura umana ancora pi\u00f9 realistiche. Questi artisti sapevano molto di pi\u00f9 sull&#8217;anatomia rispetto agli studenti che studiavano anatomia all&#8217;universit\u00e0. <\/p>\n\n<p>Sia da Vinci che Michelangelo erano noti per fare dettagliate dissezioni anatomiche, stabilendo un nuovo standard per la rappresentazione della figura umana. I mecenati dell&#8217;arte si aspettavano la perfezione nell&#8217;anatomia. <\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"1024\" height=\"768\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/De-humani-corporis-fabrica-1024x768.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3474\" srcset=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/De-humani-corporis-fabrica-980x735.jpeg 980w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/De-humani-corporis-fabrica-480x360.jpeg 480w\" sizes=\"(min-width: 0px) and (max-width: 480px) 480px, (min-width: 481px) and (max-width: 980px) 980px, (min-width: 981px) 1024px, 100vw\" \/><figcaption><em>De humani corporis fabrica (Della struttura del corpo umano) <\/em>1555, Andreas Vesalius, Woodcut. &#8211; <a href=\"https:\/\/www.metmuseum.org\/art\/collection\/search\/358129\">Fonte <\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Neoclassicismo 1750-1850<\/strong><\/h2>\n\n<p>Gli artisti del periodo neoclassico si ispirarono anche all&#8217;antica Roma, specialmente quando si trattava della rappresentazione di tessuti drappeggiati sulla figura umana. Questo periodo \u00e8 considerato un revival dell&#8217;arte greca e romana ed \u00e8 strettamente legato all&#8217;Et\u00e0 dei Lumi che ebbe luogo dal XVII secolo al XIX secolo. Questo periodo fu fondato sul pensiero filosofico, con la ragione come forza trainante della morale. Fu anche influenzato dalla rivoluzione scientifica, che si svilupp\u00f2 alla fine del Rinascimento, e uno dei temi di questo periodo fu l&#8217;anatomia, che figurava molto nell&#8217;arte. <\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"778\" height=\"1024\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Antoine-Laurent-Lavoisier-778x1024.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3480\"\/><figcaption><em>Antoine Laurent Lavoisier (1743-1794) e Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Paulze, 1758-1836) <\/em>1788. Jacques Louis David F. \u00a9 Pubblico dominio. &#8211; <a href=\"https:\/\/www.metmuseum.org\/art\/collection\/search\/436106\">Fonte<\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<p>Le persone nell&#8217;arte neoclassica erano rappresentate con un senso di &#8216;nobile semplicit\u00e0&#8217; ispirato dalla &#8216;tranquilla grandezza&#8217; della scultura greca antica. La scultura neoclassica mostrava figure a grandezza naturale e busti di ritratti (come quelli di Jean-Antoine Houdon, 1741-1828). Le sculture spesso rappresentavano il loro soggetto con molto realismo, i termini usati erano &#8216;verismo&#8217;, o il pi\u00f9 garbato &#8216;verruche e tutto&#8217;. Questo era usato anche nella scultura romana, e significava che l&#8217;artista doveva includere tutte le imperfezioni viste sul corpo, comprese le verruche e le rughe. <\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"905\" height=\"1024\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Denis-Diderot-905x1024.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3487\"\/><figcaption><em>Denis Diderot <\/em>(1713-1784) 1773 Jean Antoine Houdon. \u00a9 Pubblico dominio. &#8211; <a href=\"https:\/\/www.metmuseum.org\/art\/collection\/search\/205719\">Fonte<\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Impressionismo fine XIX secolo<\/strong><\/h2>\n\n<p>Artisti come Edouard Manet cominciano a rompere i confini del disegno del nudo classico, per disegnare nudi dalla vita reale, con effetti anatomici e sproporzioni che solo un modello vivo avrebbe. Questo fu l&#8217;inizio dell&#8217;impressionismo e influenz\u00f2 la creazione artistica a partire dal XX secolo. Artisti come Renoir e Degas hanno mantenuto la somiglianza anatomica del modello reale dal vivo, cos\u00ec come disegnare il nudo all&#8217;interno di una composizione, dandogli lo stesso peso della decorazione circostante. <\/p>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"1024\" height=\"694\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project_2-1024x694.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3493\" srcset=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project_2-980x664.jpeg 980w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project_2-480x325.jpeg 480w\" sizes=\"(min-width: 0px) and (max-width: 480px) 480px, (min-width: 481px) and (max-width: 980px) 980px, (min-width: 981px) 1024px, 100vw\" \/><figcaption><em>Olympia<\/em>, Edouard Manet, Museo de Orsay, Par\u00eds, 1863. Olio su tela. &#8211; <a href=\"https:\/\/commons.wikimedia.org\/wiki\/File:Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project_2.jpg\">Fonte<\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Cubismo inizio XX secolo<\/strong><\/h2>\n\n<p>Gli artisti del cubismo voltarono le spalle alle rappresentazioni tridimensionali della forma umana, e invece appiattirono e frammentarono il corpo umano in forme geometriche con un aspetto bidimensionale. Picasso e Braque guidano il movimento, con punti multipli di prospettiva e colori monocromatici insieme a mezzi misti. <\/p>\n\n<h3 class=\"wp-block-heading\"><strong>Il contesto artistico <\/strong><\/h3>\n\n<p>Il corpo umano \u00e8 sempre stato una fonte primaria di ispirazione per gli artisti, attraverso la geografia, la religione, la cultura e il livello socioeconomico. <\/p>\n\n<p>Il corpo umano ha rappresentato la bellezza, il sesso, ha causato grandi controversie, \u00e8 stato proibito. La pi\u00f9 antica pittura rupestre \u00e8 una figura umana, dimostrando che anche i primi esseri umani erano affascinati dal proprio corpo e volevano rappresentarlo artisticamente. <\/p>\n\n<p> In Grecia il corpo umano era idealizzato come atletico; nel cristianesimo il corpo rappresentava la sofferenza e la piet\u00e0; durante gran parte dell&#8217;Islam era disapprovato. <\/p>\n\n<p>In conclusione, quando consideriamo il corpo umano nella storia dell&#8217;arte, solleviamo questioni sull&#8217;identit\u00e0 culturale, sessuale, socioeconomica ed etnica. <\/p>\n\n<p>Il contesto sociale e politico: gli artisti sono influenzati dall&#8217;organizzazione politica, dall&#8217;organizzazione sociale, dai grandi temi del tempo in cui stanno creando. D&#8217;altra parte, l&#8217;arte influenza il pubblico; pu\u00f2 evocare emozioni o stati d&#8217;animo particolari, per l&#8217;indagine sociale e il cambiamento politico, per mettere in discussione e criticare la societ\u00e0, o come mezzo di propaganda o pubblicit\u00e0 commerciale per influenzare le concezioni popolari.<\/p>\n\n<p>L&#8217;arte, insieme alla religione e al governo, determina il nostro modo di agire come societ\u00e0; e molto spesso arte, religione e governo interagiscono e persino si sovrappongono. Alcune domande importanti da porre riguardo all&#8217;arte e al suo contesto sociale e politico sono: <\/p>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li>In che modo l&#8217;arte influenza il nostro modo di vivere? <\/li><li>In che modo l&#8217;arte cambia il modo in cui vediamo noi stessi? <\/li><li>In che modo l&#8217;arte cambia il nostro modo di sentire la religione e la politica? <\/li><li>L&#8217;arte pu\u00f2 davvero essere usata come strumento di governo? <\/li><li>I governi o le religioni hanno mai usato rappresentazioni del corpo umano nell&#8217;arte per plasmare i loro elettori attraverso il loro sguardo? E quali sono\/potrebbero essere le implicazioni? <\/li><\/ul>\n<h1 class=\"wp-block-heading\">Approccio pedagogico<\/h1>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Perch\u00e9 questo tema \u00e8 rilevante per gli studenti adulti?<\/strong><\/h2>\n\n<p>Gli studenti adulti esploreranno come la rappresentazione del corpo umano attraverso l&#8217;arte ha influenzato la societ\u00e0, la politica e l&#8217;immagine di s\u00e9 nel corso della civilt\u00e0 umana. Comprendendo il significato dietro tali opere, gli studenti adulti vedranno la societ\u00e0 attraverso una lente diversa, e impareranno di pi\u00f9 sul perch\u00e9 siamo quello che siamo, perch\u00e9 pensiamo come facciamo, e perch\u00e9 consideriamo alcuni corpi pi\u00f9 belli di altri. <\/p>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Quali sono i risultati di apprendimento dell&#8217;inserimento di questo tema culturale\/artistico in un&#8217;attivit\u00e0 educativa? <\/strong><\/h2>\n\n<p>Il corpo umano \u00e8 uno dei modelli pi\u00f9 classici per gli artisti. C&#8217;\u00e8 molto da imparare sia vedendo il corpo umano raffigurato nell&#8217;arte (incluso il contesto sociale, il significato politico e gli standard di bellezza) che gli studenti adulti impareranno una vasta gamma di tecniche e abilit\u00e0 imparando a disegnare il corpo umano. Quindi i risultati dell&#8217;apprendimento sono: <\/p>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li>Considerazioni sul perch\u00e9 consideriamo alcuni corpi pi\u00f9 belli di altri<\/li><li>Conoscenza dei vari modi in cui il corpo nell&#8217;arte \u00e8 stato usato come propaganda, dagli organi di governo e come ha cambiato la societ\u00e0; <\/li><li>Conoscenza anatomica del corpo umano e tecniche di disegno<\/li><li>Come riconoscere l&#8217;evidenza di pregiudizi, gruppi emarginati e razzismo attraverso le opere d&#8217;arte<\/li><\/ul>\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Come farlo: strategie, strumenti e tecniche. <\/strong><\/h2>\n\n<p>Gli studenti adulti studieranno la storia dietro specifiche opere d&#8217;arte che raffigurano il corpo umano nel corso dei secoli, e creeranno anche le loro proprie rappresentazioni di corpi umani. <\/p>\n\n<h1 class=\"wp-block-heading\"><strong>Opere d&#8217;arte <\/strong><\/h1>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Opera d&#8217;arte #1 La nascita di Venere, Botticelli, 1480 (Rinascimento)<\/strong><\/h2>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"1024\" height=\"643\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/3439px-Sandro_Botticelli_-_La_nascita_di_Venere_-_Google_Art_Project_-_edited-1024x643.jpg\" alt=\"Birth of Venus\" class=\"wp-image-3315\" srcset=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/3439px-Sandro_Botticelli_-_La_nascita_di_Venere_-_Google_Art_Project_-_edited-980x616.jpg 980w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/3439px-Sandro_Botticelli_-_La_nascita_di_Venere_-_Google_Art_Project_-_edited-480x302.jpg 480w\" sizes=\"(min-width: 0px) and (max-width: 480px) 480px, (min-width: 481px) and (max-width: 980px) 980px, (min-width: 981px) 1024px, 100vw\" \/><figcaption><em>Nascita di Venere<\/em>, tempera su tela di Sandro Botticelli 1485, Uffizi. <a href=\"https:\/\/www.uffizi.it\/en\/artworks\/birth-of-venus\">Fonte<\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li><strong>La sua posizione-relazione con il tema:<\/strong> Si riferisce all&#8217;ideale di bellezza femminile dell&#8217;epoca. La sua rappresentazione come nudo \u00e8 significativa in s\u00e9, poich\u00e9 durante la storia del Rinascimento quasi tutte le opere d&#8217;arte erano di tema cristiano e le donne nude erano difficilmente ritratte.<\/li><li><strong>Breve descrizione:<\/strong> Significato diretto &#8211; La dea dell&#8217;amore e della bellezza che arriva sulla terra ferma su una conchiglia gigante. \u00c8 aiutata dai venti ed \u00e8 circondata da fiori, un ricordo della primavera.<\/li><li><strong>L&#8217;autore: <\/strong>Il suo nome completo era Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi \u00e8 nato in Italia nel 1445 ed \u00e8 conosciuto come Sandro Botticelli. Fu un pittore del primo Rinascimento.<\/li><li><strong>Posizione e dimensione europea: <\/strong>Dipinto da Botticelli per la famiglia Medici nel <sup>XV <\/sup>secolo, ora si trova nella galleria degli Uffizi.<\/li><li>Parlare di come la bellezza sia cambiata nel corso degli anni. Confrontare lo stile di pittura di Botticelli con i contemporanei. <\/li><\/ul>\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Opera d&#8217;arte #2 The Anatomy Lesson of Dr Nicolaes Tulp, Rembrandt, 1632 (dipinto barocco)<\/strong><\/h2>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"1024\" height=\"771\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp-1024x771.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3507\" srcset=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp-980x738.jpeg 980w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Rembrandt_-_The_Anatomy_Lesson_of_Dr_Nicolaes_Tulp-480x362.jpeg 480w\" sizes=\"(min-width: 0px) and (max-width: 480px) 480px, (min-width: 481px) and (max-width: 980px) 980px, (min-width: 981px) 1024px, 100vw\" \/><\/figure><\/div>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li><strong>La sua posizione-relazione con il tema: <\/strong>Invece di apprezzare il corpo per la sua bellezza, questo \u00e8 un corpo in un contesto scientifico, forse anche grottesco.<\/li><li><strong>Breve descrizione:<\/strong> Nicolaes Tulp spiega ai medici la muscolatura del braccio.<\/li><li><strong>L&#8217;autore: <\/strong>Rembrandt Harmenszoon van Rijn, conosciuto come Rembrandt, \u00e8 stato un pittore olandese nato nel 1606, considerato uno dei pi\u00f9 grandi artisti visivi della storia.<\/li><li><strong>Luogo e dimensione europea:<\/strong> Dipinto da Rembrandt nel 1632, ora nel museo Mauitshuis a L&#8217;Aia.<\/li><li><strong>Possibile sfruttamento educativo:<\/strong> Imparare lo stile pittorico barocco e le tecniche di disegno per l&#8217;anatomia.<\/li><\/ul>\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Opera d&#8217;arte #3 Il bagnante di Valpin\u00e7on, Jean-Auguste-Dominique Ingres 1808 (Neoclassicismo)<\/strong><\/h2>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img decoding=\"async\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/the-bather-of-valpinc&#x327;on-667x1024.jpg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3515\"\/><\/figure><\/div>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li><strong>La sua posizione-relazione con il tema:<\/strong> Il dipinto \u00e8 di una donna nuda.<\/li><li><strong>Breve descrizione:<\/strong> Dipinto neoclassico francese di un &#8216;bagnante&#8217;, seduto su un letto con la schiena rivolta allo spettatore.<\/li><li><strong>L&#8217;autore: L&#8217;<\/strong>artista era Jean-Auguste-Dominique Ingres, un pittore neoclassico francese nato nel 1780.<\/li><li><strong>Luogo e dimensione europea:<\/strong> Louvre, Parigi<\/li><li><strong>Possibile sfruttamento educativo:<\/strong> Alcuni temi sociali potrebbero essere indagati, come il fatto che n\u00e9 il viso della donna, n\u00e9 la parte anteriore del suo corpo sono visibili. Possiamo anche vedere l&#8217;evidenza dell'&#8221;aerografia&#8221; neoclassica o la cancellazione di qualsiasi imperfezione nel suo corpo. Il dipinto pu\u00f2 anche essere usato per discutere come usare la luce, e come l&#8217;artista \u00e8 stato in grado di far apparire la modella senza peso e altre tecniche di pittura.<\/li><\/ul>\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Opera d&#8217;arte #4 Olympia, Edouard Manet, 1863 (Impressionismo)<\/strong><\/h2>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"1024\" height=\"694\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project_2-1024x694.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3493\" srcset=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project_2-980x664.jpeg 980w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project_2-480x325.jpeg 480w\" sizes=\"(min-width: 0px) and (max-width: 480px) 480px, (min-width: 481px) and (max-width: 980px) 980px, (min-width: 981px) 1024px, 100vw\" \/><\/figure><\/div>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li>La <strong>sua posizione-relazione con il tema<\/strong>: Questo dipinto non solo si occupa della sessualit\u00e0 femminile, ma ancora di pi\u00f9, raffigura il corpo di una donna nera in un modo che sovverte lo status quo del tempo.<\/li><li><strong>Descrizione<\/strong>: Una cameriera nera di nome Laure indossa abiti francesi contemporanei e consiglia la prostituta Olympia che scala direttamente verso lo spettatore.<\/li><li>Il pittore \u00c9douard Manet, nato in Francia nel 1832, fu uno dei primi pittori modernisti del XIX secolo ad illustrare la vita moderna.<\/li><li><strong>Posizione e dimensione europea:<\/strong> Museo d&#8217;Orsay Parigi<\/li><li><strong>Possibile sfruttamento educativo<\/strong>: Questo quadro permetter\u00e0 agli studenti di conoscere la rappresentazione delle donne nere in Europa cos\u00ec come la rappresentazione delle prostitute.<\/li><\/ul>\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Opera d&#8217;arte #5 Head of a Skeleton with a Burning Cigarette, Van Gogh, 1886 (Postimpressionismo)<\/strong><\/h2>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"772\" height=\"1024\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Vincent_van_Gogh_-_Head_of_a_skeleton_with_a_burning_cigarette_-_Google_Art_Project-772x1024.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3525\"\/><\/figure><\/div>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li>La <strong>sua posizione-relazione con il tema: <\/strong>qui vediamo il corpo umano senza carne e con un aspetto umoristico.<\/li><li><strong>Breve descrizione:<\/strong> Studio anatomico di uno scheletro che fuma una sigaretta.<\/li><li><strong>L&#8217;autore: <\/strong>Vincent van Gogh era un pittore olandese post-impressionista nato nel 1853 che, dopo essere morto, divenne un artista estremamente influente nell&#8217;arte occidentale.<\/li><li><strong>Luogo e dimensione europea: <\/strong>Dipinto da Van Gogh nel 1886, attualmente al Van Gogh Museum di Amsterdam.<\/li><li><strong>Possibile sfruttamento educativo:<\/strong> Studiare l&#8217;anatomia, e discutere se si tratta di arte o solo di giovent\u00f9.<\/li><\/ul>\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Opera d&#8217;arte #6 Metopa di marmo dal Partenone (metopa sud XXXI). <\/strong><\/h2>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"1024\" height=\"935\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Marble-metope-1024x935.jpeg\" alt=\"\" class=\"wp-image-3413\" srcset=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Marble-metope-980x895.jpeg 980w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Marble-metope-480x438.jpeg 480w\" sizes=\"(min-width: 0px) and (max-width: 480px) 480px, (min-width: 481px) and (max-width: 980px) 980px, (min-width: 981px) 1024px, 100vw\" \/><\/figure><\/div>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li><strong>La sua posizione-relazione al tema: <\/strong>Questo insieme di placche scolpite rappresentano e descrivono diverse scene di combattimenti famosi nella storia e nella mitologia greca. Sono rilevanti per la loro rappresentazione di tutti i corpi secondo i canoni ideali dell&#8217;epoca.<\/li><li><strong>Breve descrizione: <\/strong>Questa \u00e8 una delle 92 metope di marmo che si possono vedere sul Partenone dove molte raffigurano una famosa battaglia tra i Centauri, creature mitologiche, e i Lapiti, una trib\u00f9 mitica della storia greca. Anche se alcune sono state quasi completamente distrutte nel corso degli anni, alcune sagome e figure sono conservate e sono state ricostruite. In ogni lato del Partenone, la metopa rappresenta una diversa lotta importante. In questa (Merope XXXI), possiamo vedere un Centauro a sinistra e un Lapita a destra che combattono.<\/li><li><strong>L&#8217;autore: <\/strong>Fidia, in greco &#8220;\u03a6\u03b5\u03b9\u03b4\u03af\u03b1\u03c2&#8221;, era uno scultore o il capo di tutti gli artisti che vi partecipavano. Era uno scultore di Atene ed \u00e8 considerato uno dei pi\u00f9 famosi scultori della Grecia antica. Ha lavorato principalmente ad Atene, nelle sculture del Partenone, ma \u00e8 anche noto per la sua scultura di Zeus in oro e avorio, una delle sette meraviglie del mondo antico.<\/li><li><strong>Posizione e dimensione europea: <\/strong>Questo pezzo di metopa si trova al British Museum; fu acquisito nel 1816 e non \u00e8 mai tornato nel suo ambiente originale.<\/li><li><strong>Possibile sfruttamento educativo: <\/strong>Si pu\u00f2 discutere la questione dell&#8217;arte appartenente a un paese che viene restaurata e conservata in un altro, cosa di cui molti paesi discutono. Si pu\u00f2 anche far fare agli studenti una ricerca sulle creature mitologiche, come i centauri, e come sono stati rappresentati come parzialmente umani nel corso del tempo, cio\u00e8 quanto assomigliano ai corpi umani e se questo \u00e8 stato rappresentato in modo diverso nel corso delle civilt\u00e0.<\/li><\/ul>\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Opera d&#8217;arte #7 L&#8217;homme de Vitruve, L\u00e9onard De Vinci, 1490 (Rinascimento) <\/strong><\/h2>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"748\" height=\"1024\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Vitruvian-748x1024.jpeg\" alt=\"L'homme de Vitruve\" class=\"wp-image-3468\" srcset=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Vitruvian-748x1024.jpeg 748w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Vitruvian-480x658.jpeg 480w\" sizes=\"(min-width: 0px) and (max-width: 480px) 480px, (min-width: 481px) 748px, 100vw\" \/><\/figure><\/div>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li><strong>La sua posizione-relazione al tema: <\/strong>Questo disegno \u00e8 legato ad una visione del tempo di un corpo umano proporzionato e all&#8217;importanza dell&#8217;equilibrio e dell&#8217;armonia.<\/li><li><strong>Breve descrizione<\/strong>: Questo disegno, di Leonardo da Vinci, ritrae la sua idea del corpo umano perfetto, altamente proporzionato, e ha le sue note e iscrizioni sopra e sotto il disegno. La descrizione appartiene a Vitruvio, un architetto, ingegnere e autore romano del &#8220;De architectura&#8221;, del I secolo a.C., noto per la sua idea di &#8220;firmitas, utilitas, e venustas (&#8220;forza&#8221;, &#8220;utilit\u00e0&#8221;, e &#8220;bellezza&#8221;)&#8221; le tre caratteristiche che tutti gli edifici dovrebbero avere. Si dice che Leonardo non solo abbia preso la misura e le proporzioni dal lavoro di Vitruvio, ma che abbia anche misurato lui stesso molti modelli. Anche se le misure sono state prese come corpo ideale per molti anni, ultimamente sono state messe in discussione.<\/li><li><strong>L&#8217;autore: <\/strong>Leonardo Da Vinci, nato in Italia nel 1452 e conosciuto non solo per i suoi dipinti e disegni, ma anche per le sue conoscenze, quaderni e note di anatomia, astronomia, botanica e cartografia tra gli altri.<\/li><li><strong>Posizione e dimensione europea: <\/strong>Attualmente si trova alle Gallerie dell&#8217;Accademia, a Venezia, Italia, ed \u00e8 stato di grande importanza nel mondo dell&#8217;arte per il modo in cui fonde matematica, geografia, arte, corpo umano e, in qualche misura, natura.<\/li><li><strong>Possibile sfruttamento educativo:<\/strong> Si pu\u00f2 fare un&#8217;attivit\u00e0 di gruppo misurando diverse persone del gruppo e disegnandole secondo questo stile. Poi si possono confrontare tutti i disegni e fare un breve dibattito sui canoni, gli standard e le proporzioni del corpo umano.<\/li><\/ul>\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Opera d&#8217;arte #8 Panneau de l&#8217;homme blesse (arte rupestre)<\/strong><\/h2>\n\n<div class=\"wp-block-image\"><figure class=\"aligncenter size-large\"><img decoding=\"async\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/Panneau-de-lhomme-blesse&#x301;-1024x768.jpg\" alt=\"\" class=\"wp-image-5397\"\/><figcaption>\u00a9 Andr\u00e9 M. Winter,\u00a0<a href=\"http:\/\/www.voyage-hors-saison.fr\/\">www.voyage-hors-saison.fr<\/a><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li><strong>La sua posizione-relazione con il tema: <\/strong>\u00c8 un&#8217;opera importante perch\u00e9 in quel periodo i dipinti rappresentavano principalmente grandi animali e nessuna figura umana. Inoltre, per la forte relazione con le pratiche sciamaniche e con gli organi sessuali del corpo umano.<\/li><li><strong>Breve descrizione: <\/strong>Risale al Paleolitico. Ha un&#8217;et\u00e0 compresa tra i 17.000 e i 16.000 anni. Il dipinto si trova in una parte separata della grotta chiamata The Shaft, che era probabilmente un luogo speciale o nascosto nelle grotte sacre di Lascaux. Le rappresentazioni principali del dipinto sono un uomo ferito, un bufalo ferito e un rinoceronte. La parte pi\u00f9 importante mostra un uomo con una testa di uccello e un bisonte. L&#8217;unico uomo della scena giace ferito dall&#8217;animale accanto a lui. Alcuni pensano che potrebbe essere un cacciatore mentre altri pensano che potrebbe essere uno sciamano per tutti gli elementi sciamanici e totemici. Indossa una maschera da uccello, le sue mani ricordano le zampe di un uccello e il suo fallo, eretto, \u00e8 rivolto verso il toro trafitto.<\/li><li><strong>Luogo e dimensione europea: <\/strong>Questa pittura murale si trova in un gruppo di grotte chiamate Lascaux, vicino al villaggio di Montignac, nel sud-ovest della Francia. Ci sono pi\u00f9 di 600 dipinti sulle pareti e sui soffitti della grotta.<\/li><li><strong>L&#8217;autore: <\/strong>\u00c8 sconosciuto.<\/li><li><strong>Possibile sfruttamento educativo: <\/strong>Quando si tratta dell&#8217;arte rupestre, si pu\u00f2 parlare di come venivano raffigurati i ruoli degli uomini e delle donne in quel periodo; come la nudit\u00e0 fosse la regola generale e fare qualche ricerca sull&#8217;evoluzione dell&#8217;arte rupestre nel corso di migliaia di anni. Per esempio, come all&#8217;inizio venivano dipinte solo scene di animali e come poi le scene di persone fossero pi\u00f9 comuni. Puoi anche analizzare le tecniche usate per differenziare i corpi maschili e femminili.<\/li><\/ul>\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Opera d&#8217;arte #9, Nudo reclinato, Modigliani, 1917 (Espressionismo)<\/strong><\/h2>\n\n<figure class=\"wp-block-image size-large\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"1024\" height=\"626\" src=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/image22-1024x626.jpeg\" alt=\"Reclining Nude\" class=\"wp-image-3260\" srcset=\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/image22-980x599.jpeg 980w, https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/06\/image22-480x293.jpeg 480w\" sizes=\"(min-width: 0px) and (max-width: 480px) 480px, (min-width: 481px) and (max-width: 980px) 980px, (min-width: 981px) 1024px, 100vw\" \/><\/figure>\n<ul class=\"wp-block-list\"><li><strong>La sua posizione-relazione con il tema: <\/strong>Pittura di Modigliani, che spesso dipingeva nudi femminili sensuali, empatici ed emotivi.<\/li><li><strong>Breve descrizione:<\/strong> Questo dipinto mostra l&#8217;intero corpo (girato lontano dallo spettatore) di una donna nuda reclinata su un letto, sostenuta da un cuscino. Si guarda alle spalle con uno sguardo fiducioso e labbra rosso fuoco.<\/li><li><strong>L&#8217;autore: <\/strong>Amedeo Modigliani era un pittore ebreo italiano nato nel 1884 che lavor\u00f2 in Francia per la maggior parte della sua carriera.<\/li><li><strong>Luogo e dimensione europea: <\/strong>Dipinta da Modigliani a Parigi, l&#8217;opera \u00e8 nella collezione del Metropolitan Museum of Art (MoMA), New York City, NY, USA.<\/li><li><strong>Possibile sfruttamento educativo:<\/strong> Parlare della controversia sui nudi all&#8217;epoca (la prima mostra personale di Modigliani fu presumibilmente chiusa a causa dei nudi). Discutere sul fatto che, poich\u00e9 la sua tecnica sembra essere un po&#8217; infantile, perch\u00e9 \u00e8 cos\u00ec buona? Imparate a conoscere il genio torturato che era Modigliani. \u00c8 necessaria una certa quantit\u00e0 di dolore per creare buona arte?<\/li><\/ul>\n<h1 class=\"wp-block-heading\"><strong>Attivit\u00e0 pratiche <\/strong><\/h1>\n\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Attivit\u00e0 1 &#8211; Arte e patrimonio culturale &#8211; L&#8217;imbiancatura dell&#8217;arte europea<\/strong><\/h2>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li><strong>Obiettivi <\/strong>&#8211; Parlare del razzismo oggi e di come si riflette nell'&#8221;arte europea&#8221;. Discutere la mancanza di persone marroni e nere rappresentate nell&#8217;arte europea e nella storia.<\/li><li><strong>Materiali <\/strong>&#8211; Un portatile, un computer o un tablet per studente o per gruppo di studenti<\/li><li><strong>Fase preparatoria <\/strong>&#8211; Ascoltate questa intervista prima della sessione e https:\/\/www.npr.org\/sections\/codeswitch\/2013\/12\/13\/250184740\/taking-a-magnifying-glass-to-the-brown-faces-in-medieval-art <a href=\"https:\/\/www.npr.org\/sections\/codeswitch\/2013\/12\/13\/250184740\/taking-a-magnifying-glass-to-the-brown-faces-in-medieval-art\">e date un&#8217;<\/a>occhiata a questo articolo per capire un po&#8217; meglio l&#8217;argomento. Scegliete almeno 5 o 6 esempi dall&#8217;articolo e siate pronti a mostrarli su uno schermo con una lavagna luminosa: <a href=\"https:\/\/thewalters.org\/wp-content\/uploads\/revealing-the-african-presence-in-renaissance-europe.pdf\">https:\/\/thewalters.org\/wp-content\/uploads\/revealing-the-african-presence-in-renaissance-europe.pdf<\/a><\/li><li><strong>Sviluppo <\/strong>&#8211; Fase 1: l&#8217;insegnante mostrer\u00e0 sullo schermo alcune immagini in modo comparativo per far emergere la questione del razzismo nell&#8217;arte. L&#8217;insegnante porr\u00e0 alcune domande per incoraggiare la discussione e il dibattito tra gli studenti. Gli studenti parleranno delle loro esperienze nel vedere la diversit\u00e0 razziale ed etnica nell&#8217;arte. Fase 2: Gli studenti faranno una ricerca su internet (individualmente o in gruppo) e dovranno preparare una breve presentazione che presenti questo problema includendo esempi nazionali e se possibile locali. Poi, dovranno cercare di trovare musei che fanno uno sforzo per esporre arte con molta diversit\u00e0.<\/li><li><strong>Dispense o schede pratiche <\/strong>&#8211; Se gli studenti hanno un livello sufficiente per farlo, date loro questo articolo (stampato o in formato digitale):<a href=\"https:\/\/www.rd.com\/list\/examples-of-whitewashing\/\">https:\/\/www.rd.com\/list\/examples-of-whitewashing\/ <\/a>Chiedete agli studenti di trovare altri esempi<\/li><\/ul>\n<h2 class=\"wp-block-heading\"><strong>Attivit\u00e0 2 &#8211; Disegnare il corpo umano<\/strong><\/h2>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li><strong>Obiettivi <\/strong>&#8211; imparare\/praticare le tecniche di disegno dei gesti<\/li><li><strong>Materiali <\/strong>&#8211; Carboncino, carta, oggetti fermi, compagni di classe come modelli<\/li><li>Fase preparatoria per educatori\/mediatori &#8211; insegnare agli studenti i fondamenti del disegno gestuale. Insegnare agli studenti come lavorare con il carboncino. Esercitarsi a disegnare su oggetti della natura morta. <\/li><li><strong>Fase preparatoria <\/strong>&#8211; Gli insegnanti guardano questi video <a href=\"https:\/\/www.youtube.com\/watch?v=74HR59yFZ7Y&amp;t=297s\">https:\/\/www.youtube.com\/watch?v=74HR59yFZ7Y&amp;t=297s <\/a>\/\/ <a href=\"https:\/\/www.youtube.com\/watch?v=KVXOIBRdzPw&amp;ab_channel=LoveLifeDrawing\">https:\/\/www.youtube.com\/watch?v=KVXOIBRdzPw&amp;ab_channel=LoveLifeDrawing <\/a>per imparare le basi del disegno gestuale (non \u00e8 necessario che siano esperti dell&#8217;argomento, gli insegnanti faranno solo sperimentare la tecnica agli studenti).<\/li><li><strong>Sviluppo <\/strong>&#8211; Fase 1: gli insegnanti introducono gli studenti al disegno gestuale (possono usare la presentazione di accompagnamento o i video per farlo). Fase 2: gli studenti prenderanno a turno il modello per intervalli di 5 secondi mentre i loro compagni creano disegni di figure con il carboncino. Fase 3: gli studenti si prenderanno 2 minuti per fare disegni gestuali dei loro compagni. Passo 4. Gli studenti si passeranno i loro disegni e discuteranno le difficolt\u00e0 del disegno gestuale e avranno un breve dibattito su come questo sia legato ai canoni di bellezza di ogni epoca.<\/li><li><strong>Dispense o schede pratiche <\/strong>&#8211; Powerpoint che introduce il disegno gestuale come questo: https:<a href=\"https:\/\/www.slideshare.net\/Morrisartistic\/gesture-drawing-25293109\">\/\/www.slideshare.net\/Morrisartistic\/gesture-drawing-25293109<\/a><\/li><li><strong>Attivit\u00e0 finale <\/strong>&#8211; Ogni studente dovrebbe scegliere una tecnica di uno dei periodi dell&#8217;arte europea e disegnare la forma umana in quel modo. Per esempio, greco classico, arte cristiana ecc.<\/li><\/ul>\n<h1 class=\"wp-block-heading\"><strong>Attivit\u00e0 finale <\/strong>&#8211; Ogni studente dovrebbe scegliere una tecnica di uno dei periodi dell&#8217;arte europea e disegnare la forma umana in quel modo. Per esempio, greco classico, arte cristiana ecc.<\/h1>\n\n<p><strong>Web<\/strong><\/p>\n\n<ul class=\"wp-block-list\"><li><a href=\"https:\/\/www.saveworlddraw.org\/why-does-the-art-of-ancient-greece-still-shape-our-world-from-bbc-timeline\/\">Why does the art of Ancient Greece still shape our world? (from BBC timeline)<\/a><\/li><li><a href=\"https:\/\/guerrerohistory.wordpress.com\/2013\/09\/25\/greek-art-part-1-the-human-figure-from-geometric-to-hellenistic\">Greek Art part 1: The human figure, from Geometric to\u00a0Hellenistic, Francisco Guerrero<\/a><\/li><li><a href=\"https:\/\/www.researchgate.net\/publication\/334488168_Considerations_on_the_Human_Body_in_European_Art_from_Ancient_Times_to_Present_Day\">Considerations on the Human Body in European Art from Ancient Times to Present Day <\/a><\/li><li><a href=\"https:\/\/artincontext.org\/neoclassical-art\/\">Neoclassical Art \u2013 A Return to Symmetry in the Neoclassical Period<\/a><\/li><li><a href=\"https:\/\/www.metmuseum.org\/blogs\/now-at-the-met\/2015\/neoclassical-drapery-studies\">The Body Hidden, the Body Revealed: Neoclassical Drapery Studies <\/a><\/li><li><a href=\"https:\/\/www.metmuseum.org\/toah\/hd\/anat\/hd_anat.htm\">Anatomy in the Renaissance<\/a><\/li><li><a href=\"http:\/\/www.italianrenaissanceresources.com\/units\/unit-7\/essays\/classical-treatment-of-the-body\/\">The Classical Treatment of the Body <\/a><\/li><li><a href=\"https:\/\/courses.lumenlearning.com\/boundless-arthistory\/chapter\/romanesque-sculpture\/\">Romanesque Sculpture<\/a><\/li><li><a href=\"http:\/\/www.visual-arts-cork.com\/history-of-art\/romanesque-art.htm\">Romanesque Art <\/a><\/li><li><a href=\"https:\/\/artsandculture.google.com\/usergallery\/BgLCGpjUio1MJQ\">Fragmented: The Human Form in Early Cubism<\/a><\/li><li><a href=\"https:\/\/www.gdcinteriors.com\/body-in-greek-art\/\">The body in Ancient Greek Art<\/a><\/li><li><a href=\"https:\/\/arthistoryteachingresources.org\/lessons\/sexuality-in-art\/\">Sexuality in art<\/a><\/li><\/ul>\n<p>Libro<\/p>\n\n<p>Johan Joachim Winckelmann in his publication \u201cThoughts on the Iimitations of Greek Works in Painting and Sculpture\u201d (1750)<a id=\"_msocom_1\"><\/a><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"<p>Introduzione In questo dossier tratteremo il tema del corpo umano nell&#8217;arte e il suo contesto in Europa. 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