Le th\u00e8me<\/h1>\n\nHistorique du mouvement<\/h2>\n\n
La protestation, la lutte et l’activisme politique sont de puissants outils de r\u00e9sistance. La mobilisation des gens peut cr\u00e9er un changement positif mesurable dans notre monde. En particulier, l’utilisation de l’art comme forme non violente de protestation peut \u00eatre porteuse d’un sens et d’une force immenses, reliant les gens par leur r\u00e9sistance. Il peut transformer des sujets n\u00e9gatifs et remplis de peur en quelque chose derri\u00e8re lequel se rallier. L’art de la r\u00e9sistance, \u00e9galement appel\u00e9 art contestataire, est li\u00e9 aux \u0153uvres cr\u00e9atives produites par les militants et les mouvements sociaux. L’art contestataire contribue \u00e0 susciter des \u00e9motions de base chez leur public et, en retour, peut accro\u00eetre le climat de tension et cr\u00e9er de nouvelles opportunit\u00e9s de dissidence.<\/p>\n\n
\u201cL’art contestataire en soi ne cr\u00e9e pas de changement, mais il vise \u00e0 enhardir et \u00e0 galvaniser suffisamment de personnes de tous horizons socio-\u00e9conomiques pour qu’elles se mobilisent en faveur d’une cause. Pour y parvenir, un appel aux armes doit \u00eatre imm\u00e9diat, audacieux et, surtout, avoir une \u00e2me.\u201d<\/em><\/p>
(Lanks, 2016).<\/p><\/blockquote>\n\n
Diff\u00e9rentes formes d’art peuvent relier les gens de diff\u00e9rentes mani\u00e8res. Le pouvoir de la musique en \u00e9crivant et en chantant des chansons de libert\u00e9 s’est d\u00e9velopp\u00e9 en une tradition au c\u0153ur de nombreux mouvements. La musique a \u00e9t\u00e9 reconnue comme une force unificatrice qui a contribu\u00e9 \u00e0 cr\u00e9er et \u00e0 renforcer une conscience commune (Eprile, 2017 ). L’art visuel comme protestation est une autre fa\u00e7on dont l’art est utilis\u00e9 comme un moyen de r\u00e9sistance afin de cr\u00e9er un changement pour le mieux. L’art est un outil essentiel qui est toujours utilis\u00e9 pour influencer les pens\u00e9es et les comportements d’une population, si ce n’\u00e9tait pas le cas, la propagande financ\u00e9e par le gouvernement n’existerait pas, pas plus que la destruction d’\u0153uvres d’art ou l’autodaf\u00e9 de livres.<\/p>\n\n
L’art de la r\u00e9sistance est un art utilis\u00e9 pour montrer son opposition aux d\u00e9tenteurs du pouvoir. Cela inclut l’art qui s’est oppos\u00e9 \u00e0 des pouvoirs tels que le parti nazi allemand, ainsi que l’art qui s’est oppos\u00e9 \u00e0 l’apartheid en Afrique du Sud. Les \u00e9meutes de Soweto ont marqu\u00e9 le d\u00e9but du changement social en Afrique du Sud. L’art de la r\u00e9sistance est n\u00e9 du Black Consciousness Movement, un mouvement <\/strong>populaire anti-apartheid<\/strong> apparu dans les ann\u00e9es 1960 et dirig\u00e9 par le charismatique Steve Biko. Une grande partie de l’art \u00e9tait publique, prenant la forme de peintures murales, de banni\u00e8res, d’affiches, de t-shirts et de graffitis avec des messages politiques de confrontation et ax\u00e9s sur les r\u00e9alit\u00e9s de la vie dans une Afrique du Sud s\u00e9gr\u00e9gu\u00e9e. Willie Bester est l’un des artistes les plus connus d’Afrique du Sud, qui a commenc\u00e9 par \u00eatre un artiste de la r\u00e9sistance. Utilisant des mat\u00e9riaux assembl\u00e9s \u00e0 partir de d\u00e9chets, Bester construit des surfaces en relief et les peint ensuite \u00e0 la peinture \u00e0 l’huile. Ses \u0153uvres commentent d’importants personnages noirs sud-africains et des aspects importants pour sa communaut\u00e9. Les artistes r\u00e9sistants sud-africains ne traitent pas exclusivement de la race et ne sont pas forc\u00e9ment originaires des townships. Bester vit actuellement \u00e0 Kuilsrivier, en Afrique du Sud.<\/p>\n\n
Une autre artiste, Jane Alexander, a trait\u00e9 des atrocit\u00e9s de l’apartheid d’un point de vue blanc. Son art de r\u00e9sistance traite de la soci\u00e9t\u00e9 malsaine qui perdure dans l’Afrique du Sud post-apartheid. <\/p>\n\n
Willie Bester, Prime Evil, 2015<\/em> (\u00a9 Willie Bester ; source : The Melrose Gallery<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n Des artistes tels que John Trumbull, Emory Douglas, Martha Rosler, Keith Haring, Judy Chicago sont des artistes am\u00e9ricains c\u00e9l\u00e8bres de cette p\u00e9riode.<\/p>\n\n
John Trumbull (6 juin 1756 – 10 novembre 1843) \u00e9tait un artiste am\u00e9ricain du d\u00e9but de la p\u00e9riode d’ind\u00e9pendance, remarquable pour ses peintures historiques de la guerre d’ind\u00e9pendance am\u00e9ricaine, dont il \u00e9tait un v\u00e9t\u00e9ran. Il a \u00e9t\u00e9 surnomm\u00e9 \u00ab\u00a0le peintre de la r\u00e9volution\u00a0\u00bb.<\/p>\n\n
La reddition du Lord Cornwallis, John Trumbull, 1826, huile sur toile, 12 pouces x 18 pouces, Rotonde du Capitole (<\/em>\u00a9 Domaine public ; source : Architect of the Capitol<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n La peinture Reddition du Lord Cornwallis de John Trumbull <\/strong>est expos\u00e9e dans la Rotonde du Capitole am\u00e9ricain. Le sujet de cette peinture est la reddition de l’arm\u00e9e britannique \u00e0 Yorktown, en Virginie, en 1781, qui a mis fin \u00e0 la derni\u00e8re grande campagne de la guerre d’ind\u00e9pendance.<\/p>\n\n
Douglas<\/strong> \u00e9tait un artiste r\u00e9volutionnaire et le ministre de la culture des Panth\u00e8res. Il \u00e9tait charg\u00e9 de cr\u00e9er des images (largement diffus\u00e9es par son journal officiel) qui constituaient un enregistrement visuel du programme du parti.<\/p>\n\n
Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971). Avec l’aimable autorisation de Black Lives Matter website<\/a>.<\/em><\/p>\n\n
La r\u00e9ponse psychologique a toujours transcend\u00e9 le Black Panther Party dans la communaut\u00e9 afro-am\u00e9ricaine et est devenue un symbole national et international. Il a toujours fait partie de l’identit\u00e9 culturelle des gens en relation avec leur fa\u00e7on de penser \u00e0 l’injustice. Les cochons sont devenus un symbole psychologique de r\u00e9sistance.<\/p>\n\n
Illustration d’Emory Douglas repr\u00e9sentant des policiers en tant que cochons pour le Black Panther Party. Avec l’aimable autorisation de Flickr creative commons. <\/em>L’oeuvre peut \u00eatre vue ici<\/a><\/em>.<\/p>\n\n
En Europe, des artistes tels qu’Eug\u00e8ne Delacroix, Henri Rousseau, Francesco Goya, Salvador Dali et Pablo Picasso ont commenc\u00e9 \u00e0 documenter de mani\u00e8re expressive leur vision de la guerre. Dans son \u0153uvre, Goya a cherch\u00e9 \u00e0 comm\u00e9morer la r\u00e9sistance espagnole aux arm\u00e9es de Napol\u00e9on pendant l’occupation de 1808 dans la guerre p\u00e9ninsulaire. Goya a peint Le Trois Mai 1808<\/em>, qui est consid\u00e9r\u00e9 comme une pi\u00e8ce inspiratrice du signe de la paix de Gerald Holtom et d’un certain nombre de tableaux majeurs ult\u00e9rieurs, notamment une s\u00e9rie d’\u00c9douard Manet, et Massacre en Cor\u00e9e et Guernica de Pablo Picasso. On ne sait pas s’il a \u00e9t\u00e9 personnellement t\u00e9moin de la r\u00e9bellion ou des repr\u00e9sailles, malgr\u00e9 de nombreuses tentatives ult\u00e9rieures de le situer lors des \u00e9v\u00e9nements de l’une ou l’autre journ\u00e9e. [1]<\/a> On pense que le Deux et le Trois mai 1808 devaient faire partie d’une s\u00e9rie plus vaste. Au d\u00e9but, le tableau a suscit\u00e9 des r\u00e9actions mitig\u00e9es de la part des critiques d’art et des historiens.<\/p>\n\n
Le Trois Mai 1808, Francisco Goya, 1814, Huile sur toile, 268cm x 347cm, Museo del Prado. (\u00a9 <\/em>Domaine public; source: Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n Les artistes avaient auparavant tendance \u00e0 repr\u00e9senter la guerre dans le style \u00e9lev\u00e9 de la peinture d’histoire, et la description non h\u00e9ro\u00efque de Goya \u00e9tait inhabituelle pour l’\u00e9poque. Selon certains critiques, le tableau pr\u00e9sente des d\u00e9fauts techniques : la perspective est plate ou les victimes et les bourreaux sont trop proches les uns des autres pour \u00eatre r\u00e9alistes. Bien que ces observations puissent \u00eatre rigoureusement correctes, l’\u00e9crivain Richard Schickel soutient que Goya ne cherchait pas \u00e0 respecter les r\u00e8gles acad\u00e9miques, mais plut\u00f4t \u00e0 renforcer l’impact global de l’\u0153uvre. L’artifice pictural c\u00e8de la place \u00e0 la repr\u00e9sentation \u00e9pique d’une brutalit\u00e9 sans fard. Le tableau est structurellement et th\u00e9matiquement li\u00e9 aux traditions du martyre dans l’art chr\u00e9tien, comme l’illustre l’utilisation dramatique du clair-obscur et l’appel \u00e0 la vie juxtapos\u00e9 \u00e0 l’in\u00e9vitabilit\u00e9 d’une ex\u00e9cution imminente.<\/p>\n\n
M\u00eame les peintres romantiques contemporains – qui \u00e9taient \u00e9galement intrigu\u00e9s par les sujets de l’injustice, de la guerre et de la mort – ont compos\u00e9 leurs tableaux en accordant une plus grande attention aux conventions de la beaut\u00e9, comme le montrent le Radeau de la M\u00e9duse de Th\u00e9odore G\u00e9ricault (1818-1819) et le tableau d’Eug\u00e8ne Delacroix (1830) intitul\u00e9 La Libert\u00e9 guidant le peuple. <\/p>\n\n
La libert\u00e9 guidant le peuple, Eug\u00e8ne Delacroix, 1830, Huile sur toile, 260cm x 325cm, Louvre, Paris\u00a0<\/em>(\u00a9 Domaine public; source: Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n La Guerre d’Henri Rousseau repr\u00e9sente \u00e9galement les effets de la guerre. <\/p>\n\n
Henri Rousseau, La Guerre, 1894, Oil on Canvas, 114cm x 195cm, Mus\u00e9e d’Orsay, Paris, France\u00a0<\/em>(\u00a9 Domaine public; source : Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n Le cheval du tableau contraste avec celui de La Carriole du P\u00e8re Junier : noir, sauvage et h\u00e9riss\u00e9, il repr\u00e9sente la force brutale de la guerre. Sur son dos, la femme arm\u00e9e, laide et sauvage, sugg\u00e8re que la guerre apporte un caract\u00e8re primitif. Le bas du tableau montre les effets de la guerre : des cadavres qui sont la nourriture des corbeaux. Les arbres d\u00e9nud\u00e9s et les branches cass\u00e9es cr\u00e9ent un paysage de d\u00e9solation et font allusion \u00e0 la mort, m\u00eame si le rose des nuages et le bleu du ciel ne r\u00e9v\u00e8lent pas le drame de la sc\u00e8ne. La composition est pyramidale, avec les cadavres \u00e0 la base, et le cheval et la femme au-dessus.<\/p>\n\n
Pablo Picasso s’est inspir\u00e9 de l’\u0153uvre de Goya. Guernica est une grande peinture \u00e0 l’huile sur toile r\u00e9alis\u00e9e par Pablo Picasso en 1937. C’est l’une de ses \u0153uvres les plus connues, consid\u00e9r\u00e9e par de nombreux critiques d’art comme la peinture anti-guerre la plus \u00e9mouvante et la plus puissante de l’histoire. Elle est expos\u00e9e au Museo Reina Sof\u00eda de Madrid.<\/p>\n\n
Repr\u00e9sentation murale de Guernica <\/em>de Pablo Picasso. Oeuvre cr\u00e9\u00e9e sur des briques \u00e0 Gernika-Lumo, 11 rue Allendesalazar, en Espagne. This photo has been published under Creative Commons 3.0 license by Papamanila on Wikicommons<\/a>. L’oeuvre originale de Pablo Picasso (Guernica, 1937, huile sur toile, 349.3cm x 776.6cm) peut \u00eatre vue au Museo Reina Sofia, Madrid, Spain.<\/figcaption><\/figure>\n Picasso a peint Guernica chez lui, \u00e0 Paris, en r\u00e9action au bombardement, le 26 avril 1937, de Guernica, une ville du Pays basque situ\u00e9e au nord de l’Espagne, par l’Allemagne nazie et l’Italie fasciste, \u00e0 la demande des nationalistes espagnols. Au fil des ans, Guernica est devenu un symbole universel et puissant mettant en garde l’humanit\u00e9 contre les souffrances et les ravages de la guerre. <\/p>\n\n
\u00c0 la m\u00eame \u00e9poque, Salvador Dali a peint \u00ab\u00a0Le visage de la guerre<\/em>\u00ab\u00a0. Cette \u0153uvre a \u00e9t\u00e9 peinte pendant une br\u00e8ve p\u00e9riode o\u00f9 l’artiste vivait en Californie. Le traumatisme et la vision de la guerre avaient souvent servi d’inspiration \u00e0 l’\u0153uvre de Dal\u00ed. Il croyait parfois que sa vision artistique \u00e9tait une pr\u00e9monition de la guerre. Cette \u0153uvre a \u00e9t\u00e9 peinte entre la fin de la guerre civile espagnole et le d\u00e9but de la Seconde Guerre mondiale.<\/p>\n\n
Salvador Dal\u00ed, Le visage de la guerre, 1940, huile sur toile, 64 cm x 79 cm, sous licence et peut \u00eatre vu au Boijmans Van Beuningen Museum<\/a> Rotterdam, Pays-Bas.\u00a0<\/em><\/p>\n\n
La peinture repr\u00e9sente un visage d\u00e9sincarn\u00e9 qui plane sur un paysage d\u00e9sertique. Le visage est fl\u00e9tri comme celui d’un cadavre et porte une expression de mis\u00e8re. Dans sa bouche et ses orbites, il y a des visages identiques. Dans leurs bouches et leurs yeux, il y a d’autres visages identiques dans un processus qui semble infini. Des serpents mordants grouillent autour du grand visage. Dans le coin inf\u00e9rieur droit se trouve une empreinte de main que Dal\u00ed a affirm\u00e9 avoir laiss\u00e9e de sa propre main.<\/p>\n\n
Contexte historique et soci\u00e9tal du mouvement<\/strong><\/h2>\n\n
Les mouvements sociaux sont souvent d\u00e9finis par leur message mais on se souvient de leur art et de l’imagerie qu’ils utilisaient. Que l’art soit bas\u00e9 sur le mouvement (art qui \u00e9merge au sein des groupes de mouvements sociaux eux-m\u00eames) ou qu’il le soutienne (art d’artistes professionnels qui utilisent leur pratique comme un moyen de soutenir les mouvements sociaux et qui, bien que pouvant \u00eatre directement li\u00e9s au mouvement, ne font pas partie des organisations du mouvement), l’utilisation de l’expression artistique fait partie int\u00e9grante des mouvements sociaux, en particulier l’art de protestation, car il est utilis\u00e9 de mani\u00e8re \u00e0 permettre une expression facile d’id\u00e9es complexes telles que l’expression culturelle, la lutte sociale\/de classe et l’identit\u00e9. \n \nEn effet, plut\u00f4t que de faire circuler des livres th\u00e9oriques compliqu\u00e9s pour que le profane ignorant puisse les lire, l’art protestataire (bas\u00e9 sur le mouvement) est traditionnellement facile \u00e0 distribuer, \u00e0 consommer et \u00e0 comprendre – son message est fort et clair et ne permet pas que des barri\u00e8res telles que l’alphab\u00e9tisation et le niveau d’\u00e9ducation l’emp\u00eachent de communiquer et de comprendre efficacement son message.<\/p>\n\n
Si l’on consid\u00e8re deux mouvements sociaux au cours de l’histoire, ceux qui se distinguent sont le mouvement afro-am\u00e9ricain pour les droits civils des ann\u00e9es 1960 et le mouvement actuel (2014 – 2020\/pr\u00e9sent) Black Lives Matter. Le mouvement afro-am\u00e9ricain des droits civiques est un mouvement social qui poss\u00e8de facilement certains des motifs les plus m\u00e9morables dans la conscience collective moderne [occidentale]. Du discours embl\u00e9matique de Martin Luther King, \u00ab\u00a0I have a dream\u00a0\u00bb, lors de la marche sur Washington pour l’emploi, \u00e0 l’image embl\u00e9matique des comit\u00e9s de coordination non violents des \u00e9tudiants (photographie de Danny Lyon, affiche \u00ab\u00a0SNCC NOW\u00a0\u00bb, 1964, 55,9 x 35,6 cm) montrant des \u00e9tudiants manifestants les yeux ferm\u00e9s et les bras lev\u00e9s en signe de pri\u00e8re, symbolisant le \u00ab\u00a0Black Power\u00a0\u00bb.<\/p>\n\n
L’art est le fil conducteur d’innombrables mouvements de r\u00e9sistance et de protestation qui ont uni les gens et apport\u00e9 des changements positifs \u00e0 la soci\u00e9t\u00e9. Que ce soit \u00e0 travers la musique, les arts visuels, la danse, le th\u00e9\u00e2tre ou toute autre forme d’art, l’art a une fa\u00e7on de se connecter \u00e0 nos \u00e9motions humaines et de nous unir par l’espoir et le pouvoir. Ainsi, l’art a le pouvoir de transformer le malheur en gloire et de fournir une plateforme permettant aux gens de se tenir ensemble, et non seuls.<\/p>\n\n
Au cours des cinquante \u00e0 cent derni\u00e8res ann\u00e9es, certains mouvements ont eu un impact culturel plus important sur la soci\u00e9t\u00e9. C’est le cas de l’art de la r\u00e9sistance, de l’art militant actuel, du pop art et du mouvement des femmes, qui est r\u00e9apparu dans les ann\u00e9es 1960 et s’est d\u00e9velopp\u00e9 de mani\u00e8re multiforme jusqu’\u00e0 aujourd’hui. Les impacts consid\u00e9rables du f\u00e9minisme sur la vie quotidienne incluent, mais vont bien au-del\u00e0, des changements dans les lois, les r\u00e8glements et les institutions politiques. La texture de la vie de chaque personne vivant aux \u00c9tats-Unis a \u00e9t\u00e9 modifi\u00e9e par le nouveau f\u00e9minisme. <\/p>\n\n
Caract\u00e9ristiques du mouvement <\/strong><\/h2>\n\n
Il existe plusieurs caract\u00e9ristiques qui peuvent aider un spectateur \u00e0 les identifier. Voici quelques-unes des plus courantes : <\/p>\n\n
Symboles<\/strong><\/h3>\n\n
Le poing serr\u00e9<\/em><\/strong> est un th\u00e8me r\u00e9current dans l’art contestataire et de r\u00e9sistance et a \u00e9t\u00e9 utilis\u00e9 d\u00e8s la r\u00e9volution mexicaine, la protestation des \u00e9tudiants am\u00e9ricains contre la guerre du Vietnam, le Black Panther Party, ainsi que les \u00e9tudiants fran\u00e7ais lors de leur r\u00e9bellion socialiste de 1832 contre la monarchie.<\/p>\n\n
Poing serr\u00e9, Everett Spruill (<\/em>\u00a9 Everett Spruill ; source : Everett Spruill website<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n Le mouvement mexicain-am\u00e9ricain chicano a vu dans les peintures murales<\/em><\/strong> une forme de protestation contre les injustices dont souffrait sa population marginalis\u00e9e. \u00c0 la fin de la r\u00e9volution mexicaine, le gouvernement a charg\u00e9 des artistes de cr\u00e9er des \u0153uvres d’art susceptibles d’\u00e9duquer les masses, pour la plupart analphab\u00e8tes, sur l’histoire du Mexique. La c\u00e9l\u00e9bration du potentiel du peuple mexicain \u00e0 fa\u00e7onner l’histoire de la nation \u00e9tait un th\u00e8me cl\u00e9 du muralisme mexicain, un mouvement dirig\u00e9 par Siqueiros, Diego Rivera et Jos\u00e9 Clemente Orozco – connus sous le nom de Los tres grandes. Entre les ann\u00e9es 1920 et 1950, ils ont cultiv\u00e9 un style qui a d\u00e9fini l’identit\u00e9 mexicaine apr\u00e8s la r\u00e9volution.<\/p>\n\n
Los tres grandes (les trois grands), comme on les appelle, ont \u00e9t\u00e9 des mod\u00e8les importants non seulement en tant qu’artistes modernes majeurs mais aussi en tant qu’activistes politiques qui ont ancr\u00e9 leur muralisme dans le soutien aux luttes des membres les plus pauvres et les plus exploit\u00e9s de leurs communaut\u00e9s.<\/p>\n\n
David Alfaro Siqueiros, Dates de l’histoire du Mexique ou le droit \u00e0 la culture, Universit\u00e9 nationale autonome du Mexique (UNAM), 1952-56, (Mexico, photo :\u00a9 Fausto Puga\u00a0; <\/em>source :\u00a0Smarthistory.org<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n La r\u00e9volution mexicaine a \u00e9t\u00e9 un moment d\u00e9cisif du 20e si\u00e8cle car elle a marqu\u00e9 une v\u00e9ritable rupture avec le pass\u00e9, ouvrant la voie \u00e0 une \u00e8re plus \u00e9galitaire. Avec sa grande \u00e9chelle, son iconographie innovante et son message social pertinent, le muralisme mexicain reste un compliment notable \u00e0 la r\u00e9volution.<\/p>\n\n
David Alfaro Siqueiros, Supplice et apoth\u00e9ose de Cuauht\u00e9moc (d\u00e9tail), 1950-51 (Mus\u00e9e du Palais des Beaux-Arts, photo: Jaontiveros ; source : Wikipedia<\/a>)<\/em><\/figcaption><\/figure>\n Les muralistes ont d\u00e9velopp\u00e9 une iconographie mettant en sc\u00e8ne des h\u00e9ros atypiques, non europ\u00e9ens, issus de l’illustre pass\u00e9, du pr\u00e9sent et de l’avenir de la nation : des guerriers azt\u00e8ques combattant les Espagnols, d’humbles paysans luttant pour la R\u00e9volution, des ouvriers ordinaires de Mexico et des m\u00e9tis qui forgeront la prochaine grande \u00e9poque, comme dans la fresque de Siqueiros \u00e0 l’UNAM. Los tres grandes ont r\u00e9alis\u00e9 des peintures murales \u00e9piques sur les murs de b\u00e2timents publics tr\u00e8s visibles en utilisant des techniques telles que la fresque, l’encaustique, la mosa\u00efque et la sculpture-peinture. <\/p>\n\n
En outre, en p\u00e9riode de crise, l’art a \u00e9t\u00e9 utilis\u00e9 comme un moyen tr\u00e8s visuel d’agir contre le sida. Pour combattre la construction culturelle n\u00e9faste autour du \u00ab\u00a0sang contamin\u00e9\u00a0\u00bb, les groupes de mouvement social de la fin des ann\u00e9es 1980 et des ann\u00e9es 1990, la AIDS Coalition to Unleash Power, ou ACT UP, ont cr\u00e9\u00e9 des affiches et des graphiques pour tenter d’attirer l’attention des gens et encourager la conversation sur les v\u00e9rit\u00e9s sociales et culturelles inconfortables entourant le SIDA. <\/p>\n\n
(Achet\u00e9 avec les fonds fournis par le ICP Acquisitions Committee, 2000 ; source : ICP.org<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n De nombreux dessins d’ACT UP incorporaient du texte et des images ; cette affiche est l’une des rares \u00e0 communiquer un message en utilisant uniquement du texte. L’affiche a \u00e9t\u00e9 r\u00e9alis\u00e9e pour une action \u00e0 la Bourse de New York en septembre 1989 (deux ans et demi apr\u00e8s la premi\u00e8re manifestation d’ACT UP, qui a \u00e9galement eu lieu \u00e0 Wall Street). Toutes les manifestations de Wall Street (une deuxi\u00e8me a eu lieu un an apr\u00e8s la premi\u00e8re) portaient sur les \u00e9normes b\u00e9n\u00e9fices que la soci\u00e9t\u00e9 pharmaceutique Burroughs Wellcome tirait de l’AZT, un m\u00e9dicament contre le sida. L’entreprise avait obtenu un brevet garantissant qu’aucune autre entreprise ne pourrait vendre ce m\u00e9dicament pendant dix-sept ans. La soci\u00e9t\u00e9 a fait valoir qu’elle \u00e9tait justifi\u00e9e d’exiger un prix exorbitant pour le m\u00e9dicament, \u00e9tant donn\u00e9 qu’elle avait d\u00e9pens\u00e9 une somme d’argent consid\u00e9rable pour son d\u00e9veloppement. ACT UP a r\u00e9torqu\u00e9 que les contribuables avaient pay\u00e9 la facture par le biais de subventions et de cr\u00e9dits d’imp\u00f4t. Lors de l’action de septembre 1989, les militants ont demand\u00e9 que l’AZT soit fourni gratuitement \u00e0 toute personne ayant besoin du m\u00e9dicament. <\/p>\n\n
Couleurs<\/h3>\n\n
Les membres du Panther Party portant des tenues enti\u00e8rement noires avec des b\u00e9rets et de grandes afros et la contre-culture hippie de l’\u00e9poque portant des tenues en technicolor et des pancartes lumineuses protestant contre la guerre du Vietnam et pr\u00f4nant \u00ab\u00a0la paix, l’amour et l’\u00e9galit\u00e9 des droits\u00a0\u00bb, c’est un mouvement qui, m\u00eame aujourd’hui, a des motivations fortes et efficaces qui influencent encore la culture d’aujourd’hui, comme le montre le mouvement actuel #BlackLivesMatter.<\/p>\n\n
L’utilisation de la couleur, observ\u00e9e non seulement dans les tenues mais aussi dans les \u0153uvres color\u00e9es, est visible non seulement dans les \u0153uvres des peintres, mais aussi dans celles des illustrateurs. Les \u0153uvres \u00ab\u00a0La r\u00e8gle d’or\u00a0\u00bb (1961) et \u00ab\u00a0Notre probl\u00e8me \u00e0 tous\u00a0\u00bb (1963) de Norman Rockwell, qui \u00e9tait d\u00e9j\u00e0 un illustrateur blanc connu et respect\u00e9 dans la communaut\u00e9 artistique, entrent dans la cat\u00e9gorie de l’art protestataire, qui soutient le mouvement. \u00ab\u00a0La r\u00e8gle d’or\u00a0\u00bb est une peinture qui pr\u00e9sente un collage de personnes de diff\u00e9rentes ethnies et cultures et une r\u00e9f\u00e9rence au verset biblique Matthieu 7:12. Parmi toutes les personnes repr\u00e9sent\u00e9es dans le tableau, la plus remarquable est une petite fille noire en uniforme d’\u00e9coli\u00e8re dont les yeux se dirigent directement vers le spectateur du tableau – la fille est une r\u00e9f\u00e9rence directe \u00e0 Ruby Bridges, une petite fille afro-am\u00e9ricaine de 6 ans qui a \u00e9t\u00e9 la premi\u00e8re \u00e0 fr\u00e9quenter une \u00e9cole primaire enti\u00e8rement blanche dans le sud, elle a \u00e9t\u00e9 escort\u00e9e en classe par sa m\u00e8re et des marshals am\u00e9ricains pour assurer sa s\u00e9curit\u00e9 en raison de la col\u00e8re de la foule qui protestait le 14 novembre 1960 et tous les autres jours de cette ann\u00e9e-l\u00e0.<\/p>\n\n
La R\u00e8gle d’or, Norman Rockwell, 1961. Huile sur toile, 44 1\/2\u201d x 39 1\/2\u201d. Illustration d’un article pour le Saturday Evening Post, 1er avril, 1961<\/em> (source : UN.org<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n Pertinence \u00e0 l’\u00e8re moderne<\/h3>\n\n
Le concept de \u00ab\u00a0l’art comme arme\u00a0\u00bb est toujours d’actualit\u00e9 \u00e0 l’\u00e8re moderne. Il a simplement \u00e9t\u00e9 re-contextualis\u00e9 par l’\u00e9mergence de technologies modernes telles que les r\u00e9seaux sociaux. Prenons l’exemple du mouvement Black Lives Matter, qui a vu le jour en 2013 en r\u00e9ponse \u00e0 l’acquittement de George Zimmerman, le meurtrier de Trayvon Martin, puis qui a attir\u00e9 l’attention du monde entier en 2014 lorsque des manifestations ont \u00e9clat\u00e9 \u00e0 Ferguson, dans le Missouri, en r\u00e9ponse au meurtre de Mike Brown par Darren Wilson, un policier de Ferguson (qui a \u00e9galement \u00e9t\u00e9 exon\u00e9r\u00e9 de toute responsabilit\u00e9 p\u00e9nale devant les tribunaux), et que les images et les vid\u00e9os des horribles brutalit\u00e9s polici\u00e8res commises par les manifestants ont \u00e9t\u00e9 document\u00e9es et partag\u00e9es en temps r\u00e9el sur des r\u00e9seaux sociaux tels que Twitter, Instagram et Facebook.<\/p>\n\n
Servir et prot\u00e9ger, Gregory Ragland, 2013, bronze, 20\u2032 x 20\u2032 x 38\u2033 \n \nLa peinture rouge a \u00e9t\u00e9 ajout\u00e9e par un ou plusieurs manifestants inconnus lors des manifestations #BlackLivesMatter du 29 mai.<\/figcaption><\/figure>\n Approche p\u00e9dagogique<\/h1>\n\n
Pourquoi ce th\u00e8me est-il pertinent pour les apprenants adultes ?<\/h2>\n\n
L’art de la r\u00e9sistance est l’un des mouvements artistiques les plus reconnaissables du si\u00e8cle dernier. En participant \u00e0 un programme d’art militant, les \u00e9l\u00e8ves peuvent d\u00e9velopper des comp\u00e9tences en mati\u00e8re de pens\u00e9e critique, de leadership, d’engagement communautaire et de communication. Tout en cr\u00e9ant des \u0153uvres d’art militant, ils peuvent s’engager dans trois processus d’apprentissage et d’enseignement qui ont \u00e9t\u00e9 essentiels au d\u00e9veloppement de ces comp\u00e9tences :<\/p>\n\n
\u00c9tablir des liens <\/strong>\u2013 Les \u00e9l\u00e8ves r\u00e9fl\u00e9chissent aux injustices qu’ils ont l’intention de combattre \u00e0 travers leur art, ils se demandent pourquoi ces injustices existent et comment elles pourraient \u00eatre chang\u00e9es. Ils identifient les relations et les liens de cause \u00e0 effet, en construisant activement une compr\u00e9hension des relations communautaires et du leadership civique.<\/p>\n\n
Questionner <\/strong>\u2013 Une fois que les \u00e9l\u00e8ves ont des id\u00e9es sur leurs sujets, ils entament un long processus de r\u00e9flexion critique : Comment pouvons-nous avoir un impact sur cette injustice ? Qui est mon public ? Comment veux-je qu’ils pensent \u00e0 ce sujet ? Comment puis-je communiquer mes id\u00e9es efficacement ? Mon art fonctionne-t-il comme je l’avais pr\u00e9vu ? Les \u00e9l\u00e8ves commencent \u00e0 voir la l\u00e9gitimit\u00e9 de leurs propres id\u00e9es pour remettre en question le statu quo, et ils commencent \u00e0 comprendre leur pouvoir en tant que cr\u00e9ateurs actifs de la soci\u00e9t\u00e9 capables d’initier le changement.<\/p>\n\n
Traduire <\/strong>\u2013 La repr\u00e9sentation d’une id\u00e9e par l’art exige le passage du langage verbal au langage visuel. En traduisant leurs id\u00e9es en art, les \u00e9l\u00e8ves recadrent leurs id\u00e9es de mani\u00e8re litt\u00e9rale, m\u00e9taphorique, ironique, dialogique (en tant qu’interaction avec le public) ou par une approche mixte. Les \u00e9l\u00e8ves apprennent \u00e0 consid\u00e9rer l’art comme un moyen d'\u00a0\u00bbenseigner\u00a0\u00bb au public.<\/p>\n\n
Ils cherchent \u00e0 pr\u00e9senter leurs id\u00e9es avec un \u00e9quilibre entre le message et l’esth\u00e9tique, et d\u00e9veloppent des comp\u00e9tences de communication dans le processus. Ces r\u00e9sultats sont conformes \u00e0 l’\u00e9tude doctorale men\u00e9e sur ce sujet par M. Dewhurst en 2009. <\/p>\n\n
Quels sont les r\u00e9sultats d’apprentissage de l’int\u00e9gration de ce th\u00e8me artistique dans une activit\u00e9 \u00e9ducative ?<\/h2>\n\n
Avec cette activit\u00e9, les apprenants pourront d\u00e9couvrir le sujet \u00e0 travers les outils et les yeux du peintre. En effet, les activit\u00e9s sont con\u00e7ues de mani\u00e8re \u00e0 ce que les apprenants puissent d\u00e9couvrir le pouvoir de l’art militant, de la musique et des mots, en r\u00e9fl\u00e9chissant \u00e0 la mani\u00e8re dont il peut influencer les opinions artistiques. Ils pourront \u00e9galement approfondir des peintures sp\u00e9cifiques et regarder des explications vid\u00e9o de certaines des \u0153uvres les plus influentes. <\/p>\n\n
Mode d’emploi : strat\u00e9gies, outils et techniques. <\/h2>\n\n
Les apprenants prendront une part active et inactive \u00e0 leur propre apprentissage. En effet, en utilisant leurs comp\u00e9tences en peinture, leur esprit critique et leur capacit\u00e9 d’\u00e9coute, ils pourront d\u00e9velopper leurs connaissances de l’art de la r\u00e9sistance, et en discuter avec la classe, puis apprendre d’autres experts dans les domaines de l’histoire de l’art. <\/p>\n\n
\u0152uvres d’art <\/h1>\n\n
\u0152uvre d’art #1 La libert\u00e9 guidant le peuple, Eugene Delacroix, 1830<\/strong><\/h2>\n\n
La Libert\u00e9 guidant le peuple, Eugene Delacroix, 1830, huile sur toile, 260cm x 325cm, Louvre, Paris<\/em> (\u00a9 Domaine public; source : Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n
- Rapport au th\u00e8me: <\/strong>La Libert\u00e9 guidant le peuple est un tableau d’Eug\u00e8ne Delacroix comm\u00e9morant la R\u00e9volution de juillet 1830, qui a renvers\u00e9 le roi Charles X de France.<\/li>
- Courte description: <\/strong>Une femme du peuple coiff\u00e9e d’un bonnet phrygien, personnifiant le concept de la Libert\u00e9, fait avancer un groupe vari\u00e9 de personnes par-dessus une barricade et les corps des morts, tenant d’une main le drapeau de la R\u00e9volution fran\u00e7aise – le tricolore, qui est redevenu le drapeau national de la France apr\u00e8s ces \u00e9v\u00e9nements – et brandissant de l’autre un mousquet \u00e0 ba\u00efonnette. La figure de la Libert\u00e9 est \u00e9galement consid\u00e9r\u00e9e comme un symbole de la France et de la R\u00e9publique fran\u00e7aise, sous le nom de Marianne. On pense parfois, \u00e0 tort, que le tableau repr\u00e9sente la R\u00e9volution fran\u00e7aise de 1789.<\/li>
- Emplacement et dimension europ\u00e9enne: <\/strong>La Libert\u00e9 guidant le peuple est expos\u00e9e au Louvre<\/a>\u00a0\u00e0 Paris.<\/li>
- Possible exploitation p\u00e9dagogique: <\/strong>Cette peinture a \u00e9t\u00e9 assez controvers\u00e9e lorsqu’elle a \u00e9t\u00e9 rendue publique pour la premi\u00e8re fois, il peut \u00eatre int\u00e9ressant pour les apprenants de s’enqu\u00e9rir des diff\u00e9rentes r\u00e9actions qu’elle a suscit\u00e9es, des raisons pour lesquelles elles \u00e9taient n\u00e9gatives sur la base d’observations soci\u00e9tales et de ce qui a plu \u00e0 certaines personnes.<\/li><\/ul>\n
\u0152uvre d’art \u00a0#2 Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971)<\/strong><\/h2>\n\n
Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971). Avec l’aimable autorisation de Black Lives Matter website<\/a>.<\/em><\/p>\n\n
- Rapport au th\u00e8me: <\/strong>\u00ab\u00a0L’art r\u00e9volutionnaire commence par le programme que Huey P. Newton a institu\u00e9 avec le Black Panther Party\u00a0\u00bb, \u00e9crit le graphiste et ministre de la Culture des Black Panthers Emory Douglas dans le journal The Black Panther en 1970. \u00ab\u00a0L’art r\u00e9volutionnaire, comme le Parti, s’adresse \u00e0 toute la communaut\u00e9 et traite de tous ses probl\u00e8mes. Il donne au peuple l’image correcte de notre lutte alors que l’id\u00e9ologie r\u00e9volutionnaire donne au peuple la compr\u00e9hension politique correcte de notre lutte.\u00a0\u00bb On voit ici l’affiche de quatri\u00e8me de couverture de Douglas pour le num\u00e9ro du 17 f\u00e9vrier 1970 du journal, qu’il a \u00e9galement con\u00e7ue. (La l\u00e9gende indique : \u00ab\u00a0Nous survivrons. Sans aucun doute\u00a0\u00bb). \u00ab\u00a0D\u00e9plorant l’imp\u00e9rialisme, le capitalisme et la brutalit\u00e9 polici\u00e8re, Douglas a d\u00e9peint la police, les politiciens et les banquiers comme des porcs et des rats\u00a0\u00bb, \u00e9crivent les conservateurs de Soul of a Nation. \u00ab\u00a0Des femmes noires h\u00e9ro\u00efques combattent de v\u00e9ritables rats dans des logements insalubres. De vaillants travailleurs sont repr\u00e9sent\u00e9s comme des soldats r\u00e9volutionnaires. Un enfant souriant tient la t\u00eate haute, portant des lunettes de soleil dont les verres sont des photographies du programme de petits d\u00e9jeuners gratuits que le Parti a mis en place pour nourrir les enfants des familles pauvres et ouvri\u00e8res.<\/li>
- Courte description: <\/strong>Intitul\u00e9e \u00ab\u00a0We shall survive. Without a doubt\u00a0\u00bb, l’image repr\u00e9sente un jeune enfant afro-am\u00e9ricain au sourire \u00e9clatant, portant des lunettes et, \u00e0 la place des lentilles, des images du jeune en train d’\u00eatre \u00e9duqu\u00e9 – nous supposons dans les \u00e9coles de la communaut\u00e9 des Black Panthers. Sur sa t\u00eate se trouve un chapeau souple de style zoot, d’o\u00f9 \u00e9manent des rayons rouges directement cit\u00e9s par les r\u00e9volutionnaires chinois… Habituellement, dans les images de source chinoise, on voit les rayons rouges \u00e9maner de derri\u00e8re Mao, le leader, mais dans ses \u0153uvres, Douglas les associe aux enfants, les consid\u00e9rant comme les agents du changement… L’emplacement de l’\u0153uvre d’art est inconnu.<\/li>
- Possible exploitation p\u00e9dagogique: <\/strong>Analysez la signification du texte de cette \u0153uvre d’art. Qu’est-ce que Douglas essaie de dire au spectateur ? Comment cela est-il li\u00e9 aux images des enfants ?\u00a0 R\u00e9fl\u00e9chissez aux ann\u00e9es, \u00e0 l’\u00e9poque et au cadre temporel dans lesquels cette \u0153uvre d’art a \u00e9t\u00e9 r\u00e9alis\u00e9e.<\/li><\/ul>\n
\u0152uvre d’art \u00a0#3 Salvador Dal\u00ed, Le visage de la guerre, 1940<\/strong><\/h2>\n\n
Salvador Dal\u00ed, Le visage de la guerre, 1940, huile sur toile, 64 cm x 79 cm, sous licence et peut \u00eatre vu au Boijmans Van Beuningen Museum<\/a> Rotterdam, Pays-Bas.\u00a0<\/em><\/p>\n\n
- Rapport au th\u00e8me: <\/strong>Le Visage de la guerre (en espagnol La Cara de la Guerra) (1940) est un tableau du surr\u00e9aliste espagnol Salvador Dal\u00ed. Il a \u00e9t\u00e9 peint pendant une br\u00e8ve p\u00e9riode o\u00f9 l’artiste vivait en Californie. \n \nLe traumatisme et la vision de la guerre avaient souvent servi d’inspiration \u00e0 l’\u0153uvre de Dal\u00ed. Il croyait parfois que sa vision artistique \u00e9tait une pr\u00e9monition de la guerre. Cette \u0153uvre a \u00e9t\u00e9 peinte entre la fin de la guerre civile espagnole et le d\u00e9but de la Seconde Guerre mondiale.<\/li>
- Courte description: <\/strong>La peinture repr\u00e9sente un visage d\u00e9sincarn\u00e9 qui plane sur un paysage d\u00e9sertique. Le visage est fl\u00e9tri comme celui d’un cadavre et porte une expression de mis\u00e8re. Dans sa bouche et ses orbites, il y a des visages identiques. Dans leurs bouches et leurs yeux, il y a d’autres visages identiques dans un processus qui semble infini. Des serpents mordants grouillent autour du grand visage. Dans le coin inf\u00e9rieur droit se trouve une empreinte de main que Dal\u00ed a affirm\u00e9 avoir laiss\u00e9e de sa propre main.<\/li>
- Emplacement et dimension europ\u00e9enne: <\/strong>Le tableau se trouve au Mus\u00e9e Boijmans Van Beuningen \u00e0 Rotterdam, aux Pays-Bas.<\/li>
- Possible exploitation p\u00e9dagogique: <\/strong>Salvador Dali a un style de travail tr\u00e8s int\u00e9ressant. Qu’est-ce qui est unique dans ses peintures et ses \u0153uvres d’art ? En quoi son travail est-il diff\u00e9rent des autres \u0153uvres d’art de cette p\u00e9riode de r\u00e9sistance ? R\u00e9fl\u00e9chissez au moins \u00e0 son utilisation de la couleur, du r\u00e9alisme, des ombres…<\/li><\/ul>\n
\u0152uvre d’art #4 Pablo Picasso, Massacre en Cor\u00e9e, 1937 <\/strong><\/h2>\n\n
\n Pablo Picasso, Massacre en Cor\u00e9e, 18 Janvier 1951, huile sur bois, 110 x 210 cm, Mus\u00e9e national Picasso-Paris, MP203 \u00a9 RMN-Grand Palais\/Mathieu Rabeau \u00a9 Succession Picasso, 2018 ; source : Mus\u00e9e Picasso Paris<\/a>. Cette oeuvre est sous licence, c’est pourquoi elle n’est pas disponible en meilleure r\u00e9solution. L’oeuvre originale peut \u00eatre vue au Mus\u00e9e Picasso \u00e0 Paris, France.<\/figcaption><\/figure><\/figure>\n\n
- Rapport au th\u00e8me: <\/strong>Massacre en Cor\u00e9e est le troisi\u00e8me d’une s\u00e9rie de peintures anti-guerre r\u00e9alis\u00e9es par Picasso. Il a \u00e9t\u00e9 pr\u00e9c\u00e9d\u00e9 par le monumental Guernica<\/a>, peint en 1937, et Le Charnier, peint de 1944 \u00e0 1945. Le titre de ce tableau fait r\u00e9f\u00e9rence au d\u00e9clenchement de la guerre de Cor\u00e9e, qui avait commenc\u00e9 l’ann\u00e9e pr\u00e9c\u00e9dente, mais le sujet est ambigu, car Picasso ne d\u00e9signe pas directement une p\u00e9riode ou un lieu dans la composition.<\/li>
- Courte description: <\/strong>Le tableau peut repr\u00e9senter un \u00e9v\u00e9nement similaire au massacre de No Gun Ri en juillet 1950, lorsqu’un nombre ind\u00e9termin\u00e9 de r\u00e9fugi\u00e9s sud-cor\u00e9ens ont \u00e9t\u00e9 massacr\u00e9s par des soldats am\u00e9ricains, ou au massacre de Sinchon de la m\u00eame ann\u00e9e, une tuerie perp\u00e9tr\u00e9e dans le comt\u00e9 de Sinchon, dans la province du Hwanghae du Sud, en Cor\u00e9e du Nord. Massacre en Cor\u00e9e repr\u00e9sente des civils tu\u00e9s par les forces anticommunistes. La critique d’art Kirsten Hoving Keen affirme qu’elle est \u00ab\u00a0inspir\u00e9e par les rapports sur les atrocit\u00e9s commises par les Am\u00e9ricains\u00a0\u00bb en Cor\u00e9e. Avec ses dimensions de 1,1 m sur 2,1 m, l’\u0153uvre est plus petite que son Guernica, auquel elle ressemble conceptuellement et dont elle exprime la v\u00e9h\u00e9mence. \n \nL’\u0153uvre de Picasso est influenc\u00e9e par le tableau de Francisco Goya Le Trois Mai 1808, qui montre les soldats de Napol\u00e9on ex\u00e9cutant des civils espagnols sous les ordres de Joachim Murat. Elle s’inscrit dans la m\u00eame tradition iconographique qu’une \u0153uvre ant\u00e9rieure model\u00e9e d’apr\u00e8s Goya : la s\u00e9rie de cinq tableaux d’\u00c9douard Manet repr\u00e9sentant l’ex\u00e9cution de l’empereur Maximilien, achev\u00e9e entre 1867 et 1869. Comme pour Le Troisi\u00e8me Mai 1808 de Goya, le tableau de Picasso est marqu\u00e9 par une composition bifurqu\u00e9e, divis\u00e9e en deux parties distinctes.<\/li>
- Emplacement et dimension europ\u00e9enne: <\/strong>Le tableau est expos\u00e9 au Mus\u00e9e Picasso \u00e0 Paris.<\/li>
- Possible exploitation p\u00e9dagogique: <\/strong>Utilisez l’image pour d\u00e9couvrir quels autres artistes ont cr\u00e9\u00e9 des \u0153uvres ayant une perspective, des couleurs et une signification similaires. Pour commencer, regardez peut-\u00eatre L’execuci\u00f3 de l’emperador Maximili\u00e0 de M\u00e8xic (1868), d’Edouard Manet<\/a>. Qu’est-ce qui est diff\u00e9rent dans l’\u0153uvre de Manet par rapport \u00e0 celle de Picasso ? Le genre ?\u00a0 L’utilisation des couleurs ? Le style – cubisme, modernisme ? Qu’en est-il de l’\u0153uvre de Francisco de Goya ?<\/li><\/ul>\n
\u0152uvre d’art \u00a0#5 David Alfaro Siqueiros, Supplice et apoth\u00e9ose de Cuauht\u00e9moc (d\u00e9tail), 1950-51<\/strong><\/h2>\n\n
David Alfaro Siqueiros, Supplice et apoth\u00e9ose de Cuauht\u00e9moc (d\u00e9tail), 1950-51 (Mus\u00e9e du Palais des Beaux-Arts, photo: Jaontiveros ; source : Wikipedia<\/a>)<\/em><\/figcaption><\/figure>\n
- Rapport au th\u00e8me: <\/strong>Le mouvement muraliste mexicain a commenc\u00e9 peu apr\u00e8s la r\u00e9volution mexicaine, qui a eu lieu de 1910 \u00e0 1920. Apr\u00e8s la r\u00e9volution, le gouvernement a entrepris le tr\u00e8s difficile projet de transformer un Mexique divis\u00e9. \u00c0 cette \u00e9poque, on se pr\u00e9occupait de la d\u00e9finition de l’identit\u00e9 mexicaine ; le gouvernement a donc cherch\u00e9 \u00e0 \u00e9tablir une toute nouvelle soci\u00e9t\u00e9 mexicaine fond\u00e9e sur sa riche tradition, mais tr\u00e8s tourn\u00e9e vers l’avenir. Il voulait \u00e9galement trouver un moyen de promouvoir la fiert\u00e9 et le nationalisme au sein du peuple mexicain. C’est de tous ces d\u00e9sirs qu’est n\u00e9 le mouvement du muralisme. \n \nLe mouvement a commenc\u00e9 comme une forme d’art public financ\u00e9 par le gouvernement, qui commandait \u00e0 des artistes des \u0153uvres illustrant l’histoire du Mexique. La majorit\u00e9 de la population \u00e9tant analphab\u00e8te, le gouvernement mexicain a opt\u00e9 pour les peintures murales comme moyen efficace de diffuser le message de fiert\u00e9 et de nationalisme.<\/li>
- Courte description: <\/strong>Dans \u00ab\u00a0Le supplice de Cuauht\u00e9moc\u00a0\u00bb, Siqueiros d\u00e9peint la violence qui accompagnait les conquistadors espagnols. On y voit les Espagnols torturer l’empereur azt\u00e8que Cuauht\u00e9moc pour qu’il indique l’endroit o\u00f9 \u00e9tait cach\u00e9 le tr\u00e9sor de Montezuma. Ils le torturent en lui br\u00fblant les pieds, alors qu’il ne montre aucune douleur physique mais plut\u00f4t une douleur \u00e9motionnelle. \u00c0 c\u00f4t\u00e9 de Cuauht\u00e9moc, il y a un homme qui pleure et prie comme pour \u00e9chapper \u00e0 une telle punition. \u00c0 droite, il y a une femme qui semble \u00eatre couverte de sang ; elle ressemble aussi \u00e0 la m\u00e8re de J\u00e9sus lorsque son fils a \u00e9t\u00e9 crucifi\u00e9, suppliant son fils d’arr\u00eater de ressentir une telle torture.<\/li><\/ul>\n
Cuauht\u00e9moc appara\u00eet ainsi comme un dieu et comme un symbole de patriotisme, un symbole qui sera utilis\u00e9 apr\u00e8s la r\u00e9volution mexicaine dans de nombreuses \u0153uvres des muralistes de l’\u00e9poque. L’utilisation du dernier empereur azt\u00e8que comme symbole a permis de faire ressurgir le pass\u00e9 et d’inspirer les Mexicains pour qu’ils se battent pour leurs racines.<\/p>\n\n
L’arm\u00e9e espagnole semble ne pas \u00eatre humaine, comme si elle n’\u00e9tait qu’une coquille vide sans \u00e2me ; ce manque d’humanit\u00e9 leur permet de continuer \u00e0 faire les d\u00e9g\u00e2ts qu’ils ont commis. Il y a aussi un chien qui semble apporter un peu de conclusion qu’ils sont aussi humains que l’\u00e9taient les Azt\u00e8ques, il montre comment ils sont des animaux enrag\u00e9s comme le chien qu’ils ont sur le c\u00f4t\u00e9.<\/p>\n\n
- Emplacement et dimension europ\u00e9enne: <\/strong>Le tableau se trouve au Mus\u00e9e du Palais des Beaux-Arts.<\/em><\/li>
- Possible exploitation p\u00e9dagogique: <\/strong>Dans l'\u00a0\u00bbApoth\u00e9ose de Cuauht\u00e9moc\u00a0\u00bb, la question \u00ab\u00a0et si ?\u00a0\u00bb se pose. Siqueiros montre ce que serait la situation si l’arm\u00e9e de Cuauht\u00e9moc avait vaincu l’arm\u00e9e espagnole, s’ils avaient r\u00e9ussi avec puissance et force \u00e0 repousser les envahisseurs. Les apprenants analysent les d\u00e9tails de la peinture et la diff\u00e9rence de style et de techniques entre cette peinture et celles de Salvador Dali et Pablo Picasso. Regardez leur portrait et leur dessin de figures humaines – le travail, les couleurs, la perspective du dessin, etc.<\/li><\/ul>\n
\u0152uvre d’art #6 La R\u00e8gle d\u2019or, Norman Rockwell, 1961<\/strong><\/h2>\n\n
La R\u00e8gle d’or, Norman Rockwell, 1961. Huile sur toile, 44 1\/2\u201d x 39 1\/2\u201d. Illustration d’un article pour le Saturday Evening Post, 1er avril, 1961<\/em> (source : UN.org<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n
- Rapport au th\u00e8me: <\/strong>Dans les ann\u00e9es 1960, l’humeur du pays changeait et Norman Rockwell avait l’occasion de se d\u00e9barrasser de l’intelligentsia artistique qui le taxait de ringardise. Sa r\u00e8gle d’or de 1961 \u00e9tait un pr\u00e9curseur du type de sujet qu’il allait bient\u00f4t illustrer. Un groupe de personnes de religions, de races et d’ethnies diff\u00e9rentes sert de toile de fond \u00e0 l’inscription \u00ab\u00a0Fais aux autres ce que tu voudrais qu’ils te fassent\u00a0\u00bb. Rockwell \u00e9tait un homme compatissant et lib\u00e9ral, et cette simple phrase refl\u00e9tait sa philosophie. Ayant voyag\u00e9 toute sa vie et ayant \u00e9t\u00e9 accueilli partout o\u00f9 il allait, Rockwell se sentait comme un citoyen du monde, et sa politique refl\u00e9tait ce syst\u00e8me de valeurs.<\/li>
- Courte description: <\/strong>\u00c0 partir de photographies qu’il avait prises lors de son voyage Pam Am autour du monde en 1955, Rockwell s’est r\u00e9f\u00e9r\u00e9 aux costumes et accessoires indig\u00e8nes et \u00e0 la fa\u00e7on dont ils \u00e9taient port\u00e9s. Il s’est procur\u00e9 quelques costumes et en a imagin\u00e9 d’autres \u00e0 partir d’objets ordinaires dans son studio, par exemple en utilisant un abat-jour pour faire un fez. La plupart des mod\u00e8les de Rockwell \u00e9taient des \u00e9tudiants et des visiteurs locaux. Dans une interview de 1961, d\u00e9signant l’homme portant un chapeau \u00e0 larges bords dans le coin sup\u00e9rieur droit, Rockwell a d\u00e9clar\u00e9 : \u00ab\u00a0Il est en partie br\u00e9silien, en partie hongrois, je pense. Puis il y a Choi, un Cor\u00e9en. Il est \u00e9tudiant \u00e0 l’universit\u00e9 d’\u00c9tat de l’Ohio. Voici un \u00e9tudiant japonais au Bennington College et voici un \u00e9tudiant juif. Il suivait des cours d’\u00e9t\u00e9 \u00e0 l’\u00e9cole du mus\u00e9e d’Indian Hill.\u00a0\u00bb D\u00e9signant le rabbin, il poursuit : \u00ab\u00a0C’est le ma\u00eetre de poste \u00e0 la retraite de Stockbridge. Il a fait un assez bon rabbin, dans la vraie vie, un fervent catholique.<\/li><\/ul>\n
J’ai obtenu tous mes visages du Moyen-Orient d’Abdalla, qui dirige le march\u00e9 de la rue Elm, \u00e0 un p\u00e2t\u00e9 de maisons de chez moi.\u00a0\u00bb Certains des mod\u00e8les utilis\u00e9s proviennent \u00e9galement d’une illustration ant\u00e9rieure de Rockwell, United Nations.<\/p>\n\n
- Emplacement et dimension europ\u00e9enne: <\/strong>La R\u00e8gle d’or et les Nations unies sont actuellement expos\u00e9es au mus\u00e9e Norman Rockwell.<\/li>
- Possible exploitation p\u00e9dagogique: <\/strong>Explorez les expressions faciales et les caract\u00e9ristiques de toutes les images incluses dans l’\u0153uvre d’art. Sachant que cette \u0153uvre a \u00e9t\u00e9 cr\u00e9\u00e9e dans les ann\u00e9es 1960 et que vous vivez actuellement dans les ann\u00e9es 2020, soit plus de 60 ans plus tard, diriez-vous que cette \u0153uvre repr\u00e9sente toujours les Nations unies ? Pourquoi (pas) ? Et que pourrait-il manquer ? Essayez de recr\u00e9er cette \u0153uvre \u00e0 l’aide de photos de votre entourage. Note : Gardez un \u0153il sur les \u00e9clairs lorsque vous faites de la photographie !<\/li><\/ul>\n
\u0152uvre d’art #7 Guernica, Pablo Picasso, 1937<\/strong><\/h2>\n\n
\n Repr\u00e9sentation murale de Guernica <\/em>de Pablo Picasso. Oeuvre cr\u00e9\u00e9e sur des briques \u00e0 Gernika-Lumo, 11 rue Allendesalazar, en Espagne. This photo has been published under Creative Commons 3.0 license by Papamanila on Wikicommons<\/a>. L’oeuvre originale de Pablo Picasso (Guernica, 1937, huile sur toile, 349.3cm x 776.6cm) peut \u00eatre vue au Museo Reina Sofia, Madrid, Spain.<\/figcaption><\/figure><\/figure>\n\n
- Rapport au th\u00e8me: <\/strong>Picasso a peint Guernica chez lui \u00e0 Paris en r\u00e9ponse au bombardement de Guernica, ville du Pays basque au nord de l’Espagne, le 26 avril 1937, par l’Allemagne nazie et l’Italie fasciste \u00e0 la demande des nationalistes espagnols. Une fois achev\u00e9, Guernica a \u00e9t\u00e9 expos\u00e9 au stand de l’Espagne \u00e0 l’Exposition internationale de Paris de 1937, puis \u00e0 d’autres endroits dans le monde. L’exposition itin\u00e9rante a permis de collecter des fonds pour l’aide \u00e0 la guerre en Espagne. Le tableau est rapidement devenu c\u00e9l\u00e8bre et largement acclam\u00e9, et a contribu\u00e9 \u00e0 attirer l’attention du monde entier sur la guerre civile espagnole.<\/li>
- Courte description: <\/strong>Guernica est une grande peinture \u00e0 l’huile sur toile r\u00e9alis\u00e9e en 1937 par l’artiste espagnol Pablo Picasso. Il s’agit de l’une de ses \u0153uvres les plus connues, consid\u00e9r\u00e9e par de nombreux critiques d’art comme la peinture anti-guerre la plus \u00e9mouvante et la plus puissante de l’histoire.<\/li><\/ul>\n
Le tableau gris, noir et blanc, qui mesure 3,49 m\u00e8tres de haut et 7,76 m\u00e8tres de large, d\u00e9peint la souffrance caus\u00e9e par la violence et le chaos. On y voit un cheval encorn\u00e9, un taureau, des femmes qui crient, un b\u00e9b\u00e9 mort, un soldat d\u00e9membr\u00e9 et des flammes.<\/p>\n\n
- Emplacement et dimension europ\u00e9enne: <\/strong>Elle est expos\u00e9e au Museo Reina Sof\u00eda de Madrid.<\/li>
- Possible exploitation p\u00e9dagogique: <\/strong>Il est int\u00e9ressant de comparer cette \u0153uvre d’art avec le Massacre en Cor\u00e9e. Une analyse approfondie des personnages principaux, des couleurs et de la th\u00e9orie des couleurs pourrait \u00eatre un bon exercice.<\/li><\/ul>\n
\u0152uvre d’art #8 Servir et prot\u00e9ger, Gregory Ragland, 2013<\/strong><\/h2>\n\n
Servir et prot\u00e9ger, Gregory Ragland, 2013, bronze, 20\u2032 x 20\u2032 x 38\u2033 \n \nLa peinture rouge a \u00e9t\u00e9 ajout\u00e9e par un ou plusieurs manifestants inconnus lors des manifestations #BlackLivesMatter du 29 mai.<\/figcaption><\/figure>\n
- Rapport au th\u00e8me: <\/strong>Servir & prot\u00e9ger, d\u00e9montre le langage des signes – servir. Les m\u00eames mains gracieuses qui nous servent sont aussi des mains assez fortes pour nous prot\u00e9ger et prendre soin de nous. Cette sculpture en bronze renforce la long\u00e9vit\u00e9 de la force et agit comme un symbole puissant de notre confiance en ces personnes. Cette sculpture puissante et \u00e9l\u00e9gante est un solide rappel que nos h\u00e9ros plus grands que nature seront l\u00e0 pour nous servir et nous prot\u00e9ger tous.<\/li>
- Courte description: <\/strong>L’artiste de Park City Greg Ragland a cr\u00e9\u00e9 une sculpture en bronze intitul\u00e9e \u00ab\u00a0Servir et prot\u00e9ger\u00a0\u00bb. La sculpture repr\u00e9sente deux mains c\u00f4te \u00e0 c\u00f4te avec leurs paumes tourn\u00e9es vers le haut. L’\u0153uvre est situ\u00e9e dans le jardin de la place et a \u00e9t\u00e9 con\u00e7ue pour encourager le toucher et l’escalade.<\/li>
- Emplacement et dimension europ\u00e9enne: <\/strong>Le tableau est situ\u00e9 dans le b\u00e2timent de la s\u00e9curit\u00e9 publique, 475 S 300 E, district 4.<\/li>
- Possible exploitation p\u00e9dagogique: <\/strong>Dans son travail de sculpture, Gregory Ragland n’a pas inclus la peinture rouge. L’original n’inclut rien sur la main. Quand cette peinture rouge est-elle apparue sur la sculpture ? Observez les changements autour de cette \u0153uvre d’art.<\/li><\/ul>\n
\u0152uvre d’art \u00a0#9 Poing serr\u00e9, Everett Spruill<\/strong><\/h2>\n\n
Poing serr\u00e9, Everett Spruill (<\/em>\u00a9 Everett Spruill ; source : Everett Spruill website<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n
- Rapport au th\u00e8me: <\/strong>Symbole de pouvoir, le poing serr\u00e9 est un symbole important du mouvement. La couleur de la premi\u00e8re indique \u00e9galement \u00e0 quel mouvement elle \u00e9tait initialement li\u00e9e.<\/li>
- Courte description: <\/strong>Cette s\u00e9rigraphie originale tir\u00e9e \u00e0 la main par l’artiste afro-am\u00e9ricain Everett Spruill pr\u00e9sente un dessin abstrait et color\u00e9 d’un poing noir serr\u00e9 cr\u00e9\u00e9 dans un motif cubiste. Medium: Mixed Media.<\/li>
- Emplacement et dimension europ\u00e9enne: <\/strong>Les \u0153uvres de Spruill ont \u00e9t\u00e9 vendues au centre Epcot de Disney.<\/li>
- Possible exploitation p\u00e9dagogique: <\/strong>Exp\u00e9rimentez en utilisant des techniques mixtes pour cr\u00e9er votre propre symbole de r\u00e9sistance. Pourquoi avez-vous choisi ce symbole sp\u00e9cifique ?<\/li><\/ul>\n
\u0152uvre d’art\u00a0 #10 Willie Bester, Prime Evil, 2015<\/strong><\/h2>\n\n
Willie Bester, Prime Evil, 2015<\/em> (\u00a9 Willie Bester ; source : The Melrose Gallery<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n
- Rapport au th\u00e8me: <\/strong>Willie Bester est l’un des artistes les plus connus d’Afrique du Sud, qui a commenc\u00e9 par \u00eatre un artiste de la r\u00e9sistance. Bester vit actuellement \u00e0 Kuilsrivier, en Afrique du Sud.<\/li>
- Courte description: <\/strong>\u00c0 l’aide de mat\u00e9riaux assembl\u00e9s \u00e0 partir de d\u00e9chets, Bester construit des surfaces en relief, puis peint la surface \u00e0 la peinture \u00e0 l’huile. Ses \u0153uvres commentent d’importants personnages noirs sud-africains et des aspects importants pour sa communaut\u00e9. Les artistes sud-africains de la r\u00e9sistance ne traitent pas exclusivement de la race et ne sont pas forc\u00e9ment originaires des townships.<\/li>
- Emplacement et dimension europ\u00e9enne: <\/strong>Ce tableau se trouve maintenant dans la galerie Melrose.<\/li>
- Possible exploitation p\u00e9dagogique: <\/strong>L’atmosph\u00e8re et le sentiment qui se d\u00e9gagent de cette \u0153uvre sont tr\u00e8s particuliers. Il peut \u00eatre int\u00e9ressant de l’analyser en la comparant \u00e0 d’autres de ses \u0153uvres pour voir comment diff\u00e9rents mat\u00e9riaux, leur positionnement et les couleurs peuvent faire une si grande diff\u00e9rence.<\/li><\/ul>\n
Activit\u00e9s pratiques <\/h1>\n\n
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