Antecedentes europeos <\/strong><\/h3>\n\nHemos elegido el tema de la perspectiva para este dossier por dos razones principales:<\/p>\n\n
- La identidad cultural influye en la creaci\u00f3n del arte<\/strong>. Entender por qu\u00e9 los artistas utilizaron un tipo de perspectiva concreto en cada \u00e9poca, puede ayudarnos a averiguar un poco m\u00e1s sobre la obra de arte y su contexto. \u00bfQu\u00e9 motiv\u00f3 al artista? \u00bfCu\u00e1l era el mensaje que quer\u00edan que percibi\u00e9ramos? En este dossier podemos aprender sobre arte e historia, que son dos conceptos que siempre van de la mano.<\/li>
- Potenciar el pensamiento creativo de los adultos<\/strong>. El arte fue considerado en su d\u00eda como una herramienta educativa simple y sencilla. Se creaba con la intenci\u00f3n de desmitificar y simplificar conceptos complejos para que se pudieran entender f\u00e1cilmente. Adem\u00e1s, el arte se utilizaba para enfatizar y enfocar conceptos que, aunque nos gustaran, podr\u00edamos haber rechazado si no se presentaban de forma expl\u00edcita o atractiva. La religi\u00f3n -el cristianismo- es un brillante ejemplo de la aplicaci\u00f3n educativa del arte en Europa que se ha comunicado a trav\u00e9s del arte. El cristianismo europeo ha dejado un vasto legado arquitect\u00f3nico y art\u00edstico, incluidas las esculturas, no porque la Iglesia se preocupara mucho por la belleza, sino porque reconoci\u00f3 su poder. El arte es una potente herramienta de instrucci\u00f3n que puede aumentar el impacto de una noci\u00f3n o idea. No s\u00f3lo eso, sino que puede actuar como catalizador para potenciar nuestra capacidad creativa. Cuando nos exponemos al entorno del arte, nos ayuda a participar en el pensamiento abstracto y anal\u00edtico. Nos volvemos m\u00e1s receptivos a ideas y enfoques innovadores.<\/li><\/ul>\n
El tema<\/h1>\n\n
La necesidad de representar el espacio en toda su profundidad ha sido objeto de investigaci\u00f3n por parte de los artistas desde la antig\u00fcedad. La palabra perspectiva, que proviene del lat\u00edn perspicere<\/em>, significa \u00abver a trav\u00e9s\u00bb. Pero m\u00e1s all\u00e1 de hablar del concepto, es interesante revisar su origen y trayectoria, as\u00ed como su influencia en la pintura.<\/p>\n\nA lo largo de la historia, el inter\u00e9s por representar la tercera dimensi\u00f3n en una superficie plana ha estado muy presente. Los griegos fueron los primeros en descubrir el escorzo, que se basa en la idea de que una persona no puede ver un objeto en su totalidad de una vez. <\/p>\n\n
Por ello, representaban en la escultura lo que se pod\u00eda ver desde un punto determinado, sin tener en cuenta los dem\u00e1s elementos.<\/p>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image1bis-721x1024.jpeg\")
Hombre de Vitruvio, dibujo de Leonardo da Vinci (author : Paris Orlando ; license : CC-BY-SA-4.0 ; source :\u00a0Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\nEn la \u00e9poca griega cl\u00e1sica, los artistas y arquitectos conoc\u00edan la perspectiva, sab\u00edan que los objetos lejanos deben dibujarse m\u00e1s peque\u00f1os que los cercanos. Vitruvio lo confirma en el \u00fanico tratado latino de arquitectura que existe (46 a.C.) cuando menciona espec\u00edficamente que la perspectiva era bien conocida desde la antig\u00fcedad.<\/p>\n\n
Antecedentes<\/h2>\n\nArte Medieval<\/h3>\n\n
Una de las caracter\u00edsticas m\u00e1s destacadas de la pintura medieval, antes del descubrimiento de la perspectiva, era el diferente tama\u00f1o de los objetos seg\u00fan su posici\u00f3n relativa en la imagen. Pero la mayor\u00eda de las veces esta diferencia de tama\u00f1o no guardaba una proporci\u00f3n relativa con los objetos circundantes.<\/p>\n\n
Como se ve en la siguiente imagen, los hombres del fondo son simplemente demasiado grandes para la imagen, y casi tan altos como los \u00e1rboles. En general, los artistas medievales tend\u00edan a hacer que los objetos preeminentes del fondo fueran demasiado grandes en comparaci\u00f3n con su representaci\u00f3n en perspectiva, aunque entend\u00edan claramente que los objetos del fondo parecen reducirse con la distancia.<\/p>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image2bis-615x1024.jpeg\")
Invierno en la granja, de los hermanos Limbourg, 1385-1416<\/em> (\u00a9 Public domain ; source : Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\nDos de los conceptos m\u00e1s importantes en la representaci\u00f3n de la escala y la distancia en el arte medieval (precedentes directos de la representaci\u00f3n en perspectiva) son la conceptualizaci\u00f3n y la polidimensionalidad.<\/p>\n\n
En la conceptualizaci\u00f3n, el tama\u00f1o relativo de los objetos de una imagen viene dado principalmente por la importancia absoluta, o relativa, que el autor otorga a ese objeto, independientemente de que est\u00e9 situado en primer o segundo plano. El resto de los objetos est\u00e1n subordinados, en tama\u00f1o y escala relativa, a los principales, produciendo distorsiones en el tama\u00f1o de las figuras en las im\u00e1genes, como se ve en el siguiente cuadro, en el que Jes\u00fas hace su entrada en Jerusal\u00e9n. El personaje m\u00e1s importante aqu\u00ed ser\u00eda Jes\u00fas, que es tan alto como los muros de la ciudad.<\/p>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image3-2.jpeg\")
Entrada de Cristo en Jerusal\u00e9n por los hermanos Limbourg\u00a0<\/em>(\u00a9 Public domain ; source :\u00a0Wikiart<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\nOtro concepto interesante para entender el arte medieval pre-perspectivo, es la polidimensionalidad. La polidimensionalidad es cuando algunos objetos se muestran desde un punto de vista diferente al del resto de la imagen, buscando casi siempre la mejor posici\u00f3n para mostrar esos objetos. Esto hace que incluso algunas figuras se representen desde diferentes puntos de vista simult\u00e1neos, como se ve en la siguiente imagen, donde el muro que rodea el jard\u00edn se representa visto desde arriba, en lugar de en horizontal, como el resto de la imagen. <\/p>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image4-1-638x1024.jpeg\")
Las muy ricas horas del Duque de Berry por los hermanos Limbourg, 1410<\/em> (\u00a9 Public domain ; source :\u00a0Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\nLa t\u00e9cnica m\u00e1s habitual en esta \u00e9poca era mezclar ambos tipos de representaciones, como en la imagen anterior, donde a la multidimensionalidad se suma la conceptualizaci\u00f3n, ya que como vemos, el propio muro del jard\u00edn parte del primer plano, aunque es mucho m\u00e1s peque\u00f1o que las figuras representadas en el mismo primer plano, ya que al artista no le parec\u00eda tan importante.<\/p>\n\n
El que resulta ser el inventor de la perspectiva tal y como la conocemos hoy, es Brunelleschi, el artista italiano, que comenz\u00f3 a aplicar las t\u00e9cnicas ya descritas de l\u00edneas y puntos de fuga a sus construcciones y dibujos, para dar una mayor y m\u00e1s completa sensaci\u00f3n de tridimensionalidad y amplitud. Brunelleschi utiliz\u00f3 la perspectiva para plasmar en sus dibujos una aproximaci\u00f3n, lo m\u00e1s fiel posible, al resultado final de sus futuras construcciones. Joseph W. Dauben nos muestra, en sus p\u00e1ginas sobre El arte de la ciencia del Renacimiento, dos im\u00e1genes: un dibujo del propio Brunelleschi de su Iglesia del Esp\u00edritu Santo y una fotograf\u00eda de la misma iglesia vista desde el mismo lugar que el dibujo, que nos da una idea de la perfecci\u00f3n perspectiva de Brunelleschi.<\/p>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image5.jpeg\")
Dibujo en perspectiva de la iglesia del Santo Esp\u00edritu de Florencia de Filippo Brunelleschi <\/em>(\u00a9 Public domain ; source :\u00a0Wikiart<\/a>) ; (photo: author : \u00a0Randy Connolly<\/a>\u00a0; license : CC BY-NC 2.0 ; source :\u00a0Smarthistory.org<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\nArte del Renacimiento<\/h3>\n\n
Fue en el Renacimiento cuando los pintores florentinos comenzaron a investigar seriamente la perspectiva como ciencia, con sus leyes y principios matem\u00e1ticos. Genios como Mategna, Ghiberti, Massaccio y otros establecieron ciertos principios necesariamente observables para reproducir la distancia.<\/p>\n\n
Fue Filippo Brunelleschi (1377 – 1446), uno de los grandes arquitectos florentinos del Renacimiento, quien descubri\u00f3 el sistema matem\u00e1tico para calcular la proporci\u00f3n en que los objetos disminuyen de tama\u00f1o a medida que se alejan.<\/p>\n\n
Las teor\u00edas de Brunelleschi influyeron en Paolo Uccelo (1397 – 1476). En su famosa escena de la Batalla de San Romano, pintada hacia 1450, Uccello aplic\u00f3 la geometr\u00eda en su composici\u00f3n. En el primer plano pint\u00f3 un soldado muerto, el primer cuerpo en escorzo que aparece en un cuadro. Sin embargo, la obra de Ucello es algo r\u00edgida; no dominaba el uso de las luces y las sombras, tan importantes para enfatizar la profundidad y el espacio.<\/p>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image6-2-1024x596.jpeg\")
La batalla de San Romano de Paolo Uccello<\/em> (\u00a9 Public domain ; source :\u00a0Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\nLa principal caracter\u00edstica del Renacimiento fue la fase en la que se alejaron del concepto medieval de Dios (y la iglesia) como centro omnipotente de la vida, adquiriendo m\u00e1s inter\u00e9s en el estudio de los hombres y el mundo natural.<\/p>\n\n
Leonardo Da Vinci (1452 – 1519), estudiante de bot\u00e1nica, anatom\u00eda, ingenier\u00eda y pintura, representa el esp\u00edritu investigador del Renacimiento.<\/p>\n\n
Aunque ya se hab\u00eda utilizado en la antig\u00fcedad, es Da Vinci quien impone la perspectiva atmosf\u00e9rica en el Renacimiento, consiguiendo un efecto de perspectiva mucho m\u00e1s logrado, y rompiendo con la impresi\u00f3n de dureza y rigidez de la pintura del Quattrocento, que ha evolucionado en perspectiva, pero s\u00f3lo linealmente (a partir de puntos de fuga).<\/p>\n\n
De todos los tipos de perspectiva, la atmosf\u00e9rica (tambi\u00e9n llamada \u00aba\u00e9rea\u00bb) es la m\u00e1s eficaz, ya que utiliza en su concepci\u00f3n el papel que desempe\u00f1an la luz y el color en nuestra percepci\u00f3n.<\/p>\n\n
Produce la sensaci\u00f3n de profundidad imitando el efecto de la atm\u00f3sfera, de manera que los objetos aparecen m\u00e1s p\u00e1lidos y azules cuanto m\u00e1s lejos est\u00e1n del espectador.<\/p>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image7bis-664x1024.jpeg\")
La Virgen de las rocas de Leonardo da Vinci, 1497<\/em> (\u00a9 Public domain ; source :\u00a0Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\nLa raz\u00f3n es muy sencilla: las part\u00edculas de polvo y humedad que flotan en la atm\u00f3sfera dispersan la luz. La luz de menor longitud de onda (azul) se dispersa m\u00e1s y la luz de mayor longitud de onda (roja) se dispersa menos. Por eso el cielo es azul y los objetos oscuros vistos desde la distancia tienen un color azulado.<\/p>\n\n
Los artistas reproducen este efecto natural utilizando tonos tenues, p\u00e1lidos y azulados en el horizonte. <\/p>\n\n
Leonardo lo explica de esta manera: \u00abDe las cosas m\u00e1s oscuras que el aire, la m\u00e1s lejana ser\u00e1 la menos oscura. De las cosas m\u00e1s claras que el aire, la menos blanca ser\u00e1 la m\u00e1s alejada del ojo\u00bb.<\/p>\n\n
Los artistas del Renacimiento se interesaron r\u00e1pidamente por conocer las leyes y los principios de la perspectiva para a\u00f1adir esa actitud a sus obras.<\/p>\n\n
Alberto Durero (1471-1528) emple\u00f3 meticulosamente la nueva t\u00e9cnica de la perspectiva para a\u00f1adir detalle y precisi\u00f3n a sus obras. Su famosa \u00abLiebre\u00bb pintada en 1502 es una lecci\u00f3n de dibujo ilustrativo.<\/p>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image8-1.jpeg\")
Liebre joven de Alberto Durero, 1502<\/em> (\u00a9 Public domain ; source :\u00a0Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\nEl Renacimiento que se extendi\u00f3 en Europa durante el siglo XV desplaz\u00f3 el foco de atenci\u00f3n hacia el hombre y, apoyado en los avances de la filosof\u00eda y la ciencia, aport\u00f3 una nueva disciplina anal\u00edtica y perspectiva para representar la forma y el espacio. Las figuras adquieren mayor volumen y flexibilidad cuyos escenarios mostraban con mayor claridad el espacio tridimensional.<\/p>\n\n
Trabajando con modelos humanos y copiando el entorno en el que viv\u00edan. Los artistas comenzaron a dibujar lo que ve\u00edan en lugar de basarse en los convencionalismos adquirieron el estudio de la anatom\u00eda y la perspectiva se convirti\u00f3 en parte del trabajo del artista, lo que les permiti\u00f3 representar adecuadamente lo que ve\u00edan.<\/p>\n\n
Impresionismo<\/h3>\n\n
El uso del dibujo como medio de investigaci\u00f3n de la naturaleza, la experimentaci\u00f3n con la geometr\u00eda, la perspectiva, la proporci\u00f3n, la composici\u00f3n y la libre expresi\u00f3n como producto del Renacimiento dominaron el arte y la formaci\u00f3n art\u00edstica en Occidente, hasta la aparici\u00f3n del Modernismo a finales del siglo XIX, especialmente relacionado con los impresionistas y postimpresionistas.<\/p>\n\n
Los impresionistas, sin dejar de representar el mundo real, aceptaron la bidimensionalidad del plano: el arte ya no era s\u00f3lo figurativo, sino tambi\u00e9n abstracto. Con estas nuevas actitudes, se anim\u00f3 a los artistas a estudiar otras tradiciones art\u00edsticas no occidentales, lo que se convirti\u00f3 en algo cada vez m\u00e1s importante para los estudiosos del dibujo, ya que muchas de estas tradiciones se han incorporado a la obra de muchos artistas de los siglos XIX y XX.<\/p>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image10-1-1024x766.jpeg\")
Water Lilies (Nympheas) by Claude Monet, 1916<\/em> (\u00a9 Public domain ; source :\u00a0Aparences.net<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\nArte moderno<\/h3>\n\n
El arte moderno representa un conjunto de ideas en evoluci\u00f3n entre una serie de pintores, escultores, escritores y artistas que, tanto individual como colectivamente, buscaron nuevos enfoques en el \u00e1mbito del arte. Aunque el arte moderno comenz\u00f3 en retrospectiva alrededor de 1850 con la llegada del realismo, los enfoques y estilos del arte moderno se definieron y redefinieron a lo largo del siglo XX. Los practicantes de cada nuevo estilo estaban decididos a desarrollar un lenguaje visual que fuera original y representativo de la \u00e9poca.<\/p>\n\n
Desde el Renacimiento hasta el siglo XIX, el plano pict\u00f3rico fue visto como una ventana, a trav\u00e9s de la cual se ve\u00eda el mundo.<\/p>\n\n
Crak! de Roy Lichtenstein, 1964<\/em> – courtesy of \u00a9The Estate of Roy Lichtenstein. This artwork is under a copyright, therefore it cannot be used in this dossier. The original artwork is now in the National Gallery of Art in Washington<\/a>, USA.<\/em><\/p>\n\nEl holand\u00e9s Mauris Cornelis Escher (1898-1972) fue un dibujante y grabador que revolucion\u00f3 la perspectiva del plano y es considerado el int\u00e9rprete de los conceptos matem\u00e1ticos, por qu\u00e9 son abstractos por definici\u00f3n, que sustentan la relatividad del espacio-tiempo propuesta por Einstein en 1905 y 1915, idea que continuaron sus seguidores, ampli\u00e1ndola, profundiz\u00e1ndola e incluso modific\u00e1ndola.<\/p>\n\n
La perspectiva es sin duda uno de los recursos m\u00e1s importantes que hacen que sus grabados y dibujos sean tan interesantes. A menudo utiliza juegos visuales para superponer simult\u00e1neamente varios puntos de vista de un mismo objeto o espacio, generalmente geom\u00e9trico. Esta transgresi\u00f3n o combinaci\u00f3n de las reglas de representaci\u00f3n requiere un gran control de los planos de proyecci\u00f3n y un conocimiento de la \u00f3ptica para generar estas perspectivas imposibles. As\u00ed, con referencias a los poliedros y a las dimensiones geom\u00e9tricas opuestas, con juegos de percepci\u00f3n propios de los ilusionistas, Escher trabaj\u00f3 con la perspectiva como medio para jugar con ciertos conceptos.<\/p>\n\n
Los juegos \u00f3pticos y los enga\u00f1os perceptivos que realiza sobre el plano del papel hacen que su dibujo se convierta, en cierto modo, en una poes\u00eda visual. Su obra tiende a crear una confrontaci\u00f3n o dicotom\u00eda entre conceptos como el d\u00eda y la noche, el mar y el cielo, la simetr\u00eda de la composici\u00f3n o la confusi\u00f3n entre opuestos como el descenso y el ascenso, la ca\u00edda y la subida. En sus redes modulares, un animal suele transformarse en otro, o encajar en su vac\u00edo, en el negativo de su forma. Su imaginer\u00eda tambi\u00e9n remite a un circuito infinito, a un c\u00edrculo de eterno retorno o de movimiento perpetuo. Estas im\u00e1genes po\u00e9ticas nos hablan de una idea muy propia de su tiempo: la relatividad tanto de la percepci\u00f3n como del sentido de las cosas. Todo lo que sube baja, o quiz\u00e1s sube y baja simult\u00e1neamente, porque todo depende del punto de vista desde el que se muestre.<\/p>\n\n
En sus dibujos, el espacio se simula con diversos c\u00f3digos de representaci\u00f3n que establecen varios niveles de lectura y crean un trampantojo que nos hace reflexionar sobre lo que es real y lo que es dibujo. En este sentido, Escher construye el espacio m\u00e1s all\u00e1 de la perspectiva, simulando que la creaci\u00f3n cobra vida en el papel, que los dibujos de las teselas se hacen reales o directamente que es la mano dibujada la que se dibuja a s\u00ed misma. Este gran control t\u00e9cnico de los c\u00f3digos espaciales, tanto bidimensionales como tridimensionales, es lo que hace que sus obras tengan un acabado casi matem\u00e1tico, y da veracidad al enga\u00f1o. <\/p>\n\n
Dicen que no hay coincidencias, sobre todo en los campos de la ciencia y el arte, que, salvo excepciones, van de la mano. Escher, al igual que Leonardo da Vinci en su momento, logr\u00f3 captar el momento crucial de la civilizaci\u00f3n en la que se desarrollaron.<\/p>\n\n
Arte posmoderno<\/h3>\n\n
El posmodernismo es un t\u00e9rmino muy complejo, que tiene diferentes enfoques seg\u00fan el autor o artista al que nos refiramos. No es un t\u00e9rmino que defina un estilo art\u00edstico. Al igual que el t\u00e9rmino modernidad, la postmodernidad define un periodo cultural.<\/p>\n\n
Dentro de este tipo de arte, son relevantes para el tema de la perspectiva en el contexto de Europa.<\/p>\n\n
Expresionismo abstracto – Mark Tobey<\/strong><\/p>\n\nEn un intento de negar las formas y dise\u00f1os tradicionales, adopt\u00f3 las t\u00e9cnicas de la caligraf\u00eda oriental para crear lo que denomin\u00f3 escritura blanca, un confuso patr\u00f3n de l\u00edneas filiformes de tinta blanca sobre un fondo oscuro. En estas obras se sugiere una sensaci\u00f3n de profundidad por la superposici\u00f3n de l\u00edneas m\u00e1s que por el uso de la perspectiva tradicional.<\/p>\n\n
Op Art<\/strong><\/p>\n\nEntre las obras m\u00e1s representativas del Op Art se encuentran los cuadros pintados por Victor Vasarely durante las d\u00e9cadas de 1960 y 1970. En Vonal-Stri (1975) la mirada se precipita hacia el cuadrado negro del centro del lienzo. La sensaci\u00f3n de movimiento se ve reforzada por la ilusi\u00f3n de curvatura del plano de la izquierda.<\/p>\n\n
Nueva pintura europea<\/strong><\/p>\n\nLa Nueva Pintura Europea es un t\u00e9rmino art\u00edstico hist\u00f3rico utilizado para describir la pintura contempor\u00e1nea en Europa desde los a\u00f1os 80 y 90 hasta la actualidad. Este movimiento se caracteriza por una nueva figuraci\u00f3n en relaci\u00f3n con la abstracci\u00f3n americana anteriormente dominante, marcada por nuestra historia colectiva, la memoria y el trauma de la posguerra. <\/p>\n\n
Cuando pensamos en la perspectiva en t\u00e9rminos tradicionales, lo m\u00e1s probable es que la asociemos con el concepto de perspectiva lineal, de uno y dos puntos. <\/p>\n\n
Los artistas postmodernos y contempor\u00e1neos actuales llevan el principio de la perspectiva m\u00e1s all\u00e1 del concepto b\u00e1sico de la perspectiva lineal y lo contemplan desde una perspectiva totalmente diferente.<\/p>\n\n
Julian Beever es un conocido artista callejero que utiliza la anamorfosis para crear la ilusi\u00f3n de tres dimensiones. Cuando se ven desde el \u00e1ngulo preferido, los dibujos de las aceras de Beever tienen una altura y profundidad que asombran al espectador. Sin embargo, con s\u00f3lo caminar alrededor de estos dibujos de acera, la ilusi\u00f3n se pierde.<\/p>\n\n
Felice Varini tambi\u00e9n incorpora el concepto de perspectiva localizada en su obra. Cuando se ven desde el \u00e1ngulo correcto, las pinturas de l\u00edneas y c\u00edrculos de Varini flotan m\u00e1gicamente en el espacio. Cuando el espectador se desplaza ligeramente hacia la izquierda o la derecha, la obra parece no ser m\u00e1s que extra\u00f1as marcas en las paredes y el suelo.<\/p>\n\n
Enfoque pedag\u00f3gico <\/h1>\n\n\u00bfPor qu\u00e9 este tema es relevante para los estudiantes adultos?<\/strong><\/h2>\n\nLa historia del arte nos proporciona un medio para entender nuestro pasado humano y su relaci\u00f3n con nuestro presente, porque el acto de hacer arte es una de las actividades m\u00e1s ubicuas de la humanidad. La perspectiva es relevante en este caso porque nos ayuda a entender lo que le importaba al artista en cada periodo. Por ejemplo, en la perspectiva te\u00f3rica podemos ver un reflejo de la sociedad de entonces. Con el Renacimiento empezamos a ver c\u00f3mo la curiosidad y la necesidad de profundizar comienza.<\/p>\n\n
El aprendizaje de la perspectiva en el arte de la historia europea tambi\u00e9n puede potenciar la creatividad de los estudiantes adultos, y proporcionarles m\u00e1s herramientas para entender y explicar el arte. <\/p>\n\n
\u00bfCu\u00e1les son los resultados del aprendizaje al integrar este tema cultural\/art\u00edstico con una actividad educativa?<\/strong><\/h2>\n\nTodos los ni\u00f1os en la escuela aprenden a dibujar un cubo. Los fundamentos de la perspectiva. Todo lo que nos rodea sigue estas reglas de perspectiva. Hemos aprendido sobre ella: todo es una ilusi\u00f3n, pero las habilidades de la t\u00e9cnica de la perspectiva desempe\u00f1an un papel importante en el dibujo y la pintura. Cuando pintamos con esas habilidades, podemos entender mejor el panorama general de nuestra obra. As\u00ed que, si ense\u00f1amos a nuestros alumnos a utilizar esas habilidades de perspectiva, les ayudaremos a tener un punto de vista m\u00e1s espacial del mundo del arte.<\/p>\n\n
C\u00f3mo hacerlo: estrategias, herramientas y t\u00e9cnicas.<\/strong><\/h2>\n\nLos alumnos adultos estudiar\u00e1n la historia de determinadas obras de arte a trav\u00e9s de las t\u00e9cnicas utilizadas y podr\u00e1n crear su propia pintura poniendo en pr\u00e1ctica esos conocimientos. <\/p>\n\n
Obras de arte<\/h1>\n\nObra de arte #1 La Tempestad de Giorgione (Renacimiento)<\/strong><\/h2>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image18bis-1.jpeg\")
(\u00a9 Public domain; source: Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>perspectiva a\u00e9rea o perspectiva atmosf\u00e9rica<\/li>
- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>perspectiva a\u00e9rea o perspectiva atmosf\u00e9rica<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>un paisaje natural con elementos arquitect\u00f3nicos y tres personajes visibles en primer plano. En el fondo se aprecia que las estructuras est\u00e1n a punto de ser tomadas por una tormenta.<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>un paisaje natural con elementos arquitect\u00f3nicos y tres personajes visibles en primer plano. En el fondo se aprecia que las estructuras est\u00e1n a punto de ser tomadas por una tormenta.<\/li>
- Posible explotaci\u00f3n educativa: <\/strong>Giorgione fue un maestro de la perspectiva a\u00e9rea. La utiliz\u00f3 tan correctamente que alcanza niveles sublimes de realismo. En este cuadro podemos apreciar una notable perspectiva a\u00e9rea: el color se degrada a medida que aumenta la distancia, al igual que la nitidez de los contornos, que casi desaparece en el fondo del paisaje. El contraste entre la claridad de los colores y los contornos del primer plano y el fondo negro y amenazante de la tormenta es muy evidente. Las l\u00edneas de fuga son claras: el arroyo y la l\u00ednea de casas.<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #2 Las Meninas de Vel\u00e1zquez (Barroco)<\/strong><\/h2>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image19-1.jpeg\")
(\u00a9 Public domain; source: Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>perspectiva a\u00e9rea o perspectiva atmosf\u00e9rica<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>hay una sala oscura cuyo centro es el retrato de la infanta Margarita rodeada de su peque\u00f1a corte. A la izquierda est\u00e1 Vel\u00e1zquez delante de un lienzo. Al fondo hay cuadros y un hombre de pie en una puerta.<\/li>
- Ubicaci\u00f3n y dimensi\u00f3n europea: <\/strong>Museo del Prado, Madrid, Espa\u00f1a<\/li>
- El autor: <\/strong>Diego Vel\u00e1zquez. <\/strong>Vel\u00e1zquez fue un pintor espa\u00f1ol, el principal artista de la corte del rey Felipe IV de Espa\u00f1a y Portugal, y del Siglo de Oro espa\u00f1ol (c.1600 \u2013 1750). Comenz\u00f3 a pintar en un estilo tenebrista preciso, desarrollando m\u00e1s tarde una manera m\u00e1s libre caracterizada por una pincelada audaz. Adem\u00e1s de numerosas representaciones de escenas de importancia hist\u00f3rica y cultural, pint\u00f3 decenas de retratos de la familia real espa\u00f1ola y de plebeyos, que culminaron en su obra maestra Las Meninas (1656).<\/li>
- Posible explotaci\u00f3n educativa: <\/strong>esta gran obra es la biblia de la perspectiva, un compendio de todas las estrategias destinadas a enga\u00f1arnos espacialmente mediante la recreaci\u00f3n de un espacio ilusorio. En las Meninas encontramos:<\/li><\/ul>\n
- Perspectiva lineal: con l\u00edneas y puntos de fuga<\/li>
- Perspectiva de color<\/li>
- Perspectiva decreciente<\/li>
- Punto de vista alto<\/li>
- Punto de vista alto<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #3 Retablo de San Crist\u00f3bal, pintor desconocido (g\u00f3tico)<\/strong><\/h2>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image20bis-1.jpeg\")
(\u00a9 Public domain; source: Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>perspectiva teol\u00f3gica<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>un santo en el centro del retablo con im\u00e1genes de cl\u00e9rigos a su alrededor.<\/li>
- Ubicaci\u00f3n y dimensi\u00f3n europea: <\/strong>Museo del Prado, Madrid, Espa\u00f1a<\/li>
- El autor: <\/strong>desconocido<\/li>
- Posible explotaci\u00f3n educativa: <\/strong>en el arte g\u00f3tico medieval las figuras m\u00e1s importantes, en este caso San Crist\u00f3bal, son de mayor tama\u00f1o. No encontramos sensaci\u00f3n de profundidad, solo figuras sobre una superficie plana. Los colores no presentan gradaci\u00f3n ni se reflejan efectos de luz. Es como un dibujo infantil, espl\u00e9ndido en su sencillez e ingenio, pero carente de ciencia pict\u00f3rica que pueda asemejar la pintura a la realidad.<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #4 La Mona Lisa de da Vinci (Renacimiento italiano)<\/strong><\/h2>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image21bis-687x1024.jpeg\")
(\u00a9 Public domain; source: Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema:<\/strong> sfumato<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>retrato de una mujer medio sonriente con las manos apoyadas una sobre otra<\/li>
- Ubicaci\u00f3n y dimensi\u00f3n europea: <\/strong>el Museo del Louvre, Paris, Francia<\/li>
- El autor: <\/strong>Leonardo da Vinci. Da Vinci fue un pol\u00edmata italiano del Alto Renacimiento que ejerci\u00f3 como pintor, dibujante, ingeniero, cient\u00edfico, te\u00f3rico, escultor y arquitecto. El genio de Leonardo personific\u00f3 el ideal humanista del Renacimiento, y su obra colectiva constituye una contribuci\u00f3n a las generaciones posteriores de artistas solo igualada por la de su joven contempor\u00e1neo, Miguel \u00c1ngel.<\/li>
- Posible explotaci\u00f3n pedag\u00f3gica: <\/strong>las inquietudes pict\u00f3ricas de Da Vinci le llevaron a investigar en el campo de la perspectiva, donde aport\u00f3 su famoso \u201csfumato\u201d, t\u00e9cnica consistente en difuminar los contornos, prescindiendo de la l\u00ednea negra que contiene las figuras y consiguiendo una atm\u00f3sfera vaporosa y sugerente. Con el sfumato gradual (cuanto m\u00e1s lejos, m\u00e1s evidente) se consigue una gran sensaci\u00f3n de realismo, los objetos aparecen m\u00e1s borrosos cuanto mayor es la distancia entre ellos.<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #5 La Escuela de Atenas de Rafael (Renacimiento italiano)<\/strong><\/h2>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image22bis-1024x794.jpeg\")
(\u00a9 Public domain; source: Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>perspectiva c\u00f3nica o frontal<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>se representa una escena idealizada del mundo cl\u00e1sico y su relaci\u00f3n con la filosof\u00eda. As\u00ed Rafael re\u00fane en un mismo espacio a todos los fil\u00f3sofos cl\u00e1sicos, situando en el centro a Plat\u00f3n y Arist\u00f3teles. Her\u00e1clito, Euclides, Alcib\u00edades, Di\u00f3genes, Prot\u00e1goras, etc., hacen tambi\u00e9n su aparici\u00f3n en esta pintura. Como curiosidad, muchas de estas figuras cl\u00e1sicas est\u00e1n representadas a trav\u00e9s de retratos de sus contempor\u00e1neos.<\/li>
- Ubicaci\u00f3 y dimensi\u00f3n europea: <\/strong>Palacio Apost\u00f3lico, Ciudad del Vaticano<\/li>
- El autor: <\/strong>Rafael Sanzio. Rafael fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Su obra es admirada por la claridad de sus formas, la facilidad de su composici\u00f3n y el logro visual del ideal neoplat\u00f3nico de grandeza humana.<\/li>
- Posible explotaci\u00f3n pedag\u00f3gica: <\/strong>En el fresco vemos una composici\u00f3n absolutamente sim\u00e9trica y equilibrada (las figuras se distribuyen en masas sim\u00e9tricas a derecha e izquierda del eje vertical de la imagen, as\u00ed como los elementos de la arquitectura representada). La imagen est\u00e1 ordenada con un dibujo muy preciso, con una clara preponderancia del color y una perfecta perspectiva c\u00f3nica frontal (cuyo punto de fuga est\u00e1 en el eje vertical de la imagen) y permite representar con absoluta precisi\u00f3n la arquitectura en la que se sit\u00faan los personajes.<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #6 Mural en un edificio de Patrick Commecy (Nueva Pintura Europea)<\/strong><\/h2>\n\n- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>perspectiva y profundidad perfectas con efecto 3D<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>un callej\u00f3n con escaleras y vecinos haciendo su vida cotidiana, pintado en el lateral de un edificio<\/li>
- Ubicaci\u00f3n y dimensi\u00f3n europea: <\/strong>Eyzin-Pinet, Francia<\/li>
- El autor:<\/strong> El artista franc\u00e9s Patrick Commecy tiene su sede en Eyzin-Pinet (Francia), pero viaja por todo el pa\u00eds para pintar paredes. Utilizando la fachada de los edificios como lienzo, capta la historia y la cultura del lugar a trav\u00e9s de su arte. Commecy utiliza el trompe-l’\u0153il, una t\u00e9cnica en la que se utilizan escenas de aspecto realista para crear ilusiones \u00f3pticas. Lo interesante aqu\u00ed es que, aunque estas fachadas realistas pero falsas enga\u00f1an a primera vista, algunas de las personas pintadas fueron en su d\u00eda reales. Commecy suele pintar a muchas personas notables de la historia de la ciudad en la que se encuentra el mural.<\/li>
- Posible explotaci\u00f3n educativa: <\/strong>el trabajo de perspectiva es tan preciso, que realmente parece que hay un callej\u00f3n en medio del edificio<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #7 \u00abCinq Ellipses Ouvertes\u00bb, Exposici\u00f3n: Constelaci\u00f3n de Felice Varini (Nueva Pintura Europea)<\/strong><\/h2>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image24bis-1.jpeg\")
(author : iJulian ; license : CC BY-NC-SA 2.0 ; source : Flickr<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>perspectiva localizada<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>l\u00edneas dibujadas en varios edificios que vistas desde un lado exacto dan la impresi\u00f3n de ser aros o pilares salientes<\/li>
- Ubicaci\u00f3n y dimensi\u00f3n europea: <\/strong>entrada del Centro Pompidou-Metz, Metz, Francia<\/li>
- El autor: <\/strong>Felice Varini. Varini es un artista suizo afincado en Par\u00eds que fue nominado para el Premio Marcel Duchamp 2000\/2001, Es conocido sobre todo por sus pinturas geom\u00e9tricas de perspectiva localizada en habitaciones y otros espacios, utilizando t\u00e9cnicas de proyector-plantilla. Felice pinta sobre espacios arquitect\u00f3nicos y urbanos, como edificios, paredes y calles. Varini sostiene que la obra existe como un todo, tanto con su forma completa como con los fragmentos. \u00abMi preocupaci\u00f3n\u00bb, dice, \u00abes lo que ocurre fuera del punto de vista.\u00bb<\/li>
- Possible educational exploitation: <\/strong>The depth work is accurate and really gives the impression that the object is protruding from the \u00abcanvas\u00bb<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #8 Les Demoiselles d’Avignon (Las se\u00f1oritas de la calle de Aviny\u00f3) de Picasso (Cubismo)<\/strong><\/h2>\n\nThis artwork is under a copyright, therefore it cannot be presented in this dossier. The original artwork can be seen in Museum of Modern Art<\/a> in New York, USA.<\/em><\/p>\n\n- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>sin perspectiva, esto fue el comienzo de alejarse de las normas establecidas por el Renacimiento cuando se dieron cuenta de que hay otras posibilidades<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>cinco mujeres desnudas, dos de ellas con m\u00e1scaras de estilo africano. Est\u00e1n en una especie de medio c\u00edrculo y delante de ellas hay un cuenco de fruta.<\/li>
- Ubicaci\u00f3n y dimensi\u00f3n europea: <\/strong>Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York, Estados Unidos<\/li>
- El autor: <\/strong>Pablo Picasso. Picasso fue un pintor, escultor, grabador, ceramista y dise\u00f1ador teatral espa\u00f1ol que pas\u00f3 la mayor parte de su vida adulta en Francia. Considerado uno de los artistas m\u00e1s influyentes del siglo XX, es conocido por ser el cofundador del movimiento cubista, la invenci\u00f3n de la escultura construida, la co-invenci\u00f3n del collage y por la gran variedad de estilos que ayud\u00f3 a desarrollar y explorar. Entre sus obras m\u00e1s famosas est\u00e1n la protocubista Les Demoiselles d’Avignon (1907) y el Guernica (1937), una dram\u00e1tica representaci\u00f3n del bombardeo de Guernica por las fuerzas a\u00e9reas alemanas e italianas durante la Guerra Civil espa\u00f1ola.<\/li>
- Posible explotaci\u00f3n pedag\u00f3gica: <\/strong>Picasso elimina todo lo sublime de la tradici\u00f3n, rompiendo con el Realismo, los c\u00e1nones de profundidad espacial y el ideal existente del cuerpo femenino, reduciendo toda la obra a un conjunto de planos<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #9 Manos que dibujan de Escher (Arte Moderno)<\/strong><\/h2>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image27bis.jpeg\")
(author : James Wang ; license : CC BY-NC-ND 2.0 ; source : Flickr<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>2D y 3D<\/li>
- Short description: <\/strong>two hands painting each other at the same time<\/li>
- Location and European dimension: <\/strong>It is referenced in the book G\u00f6del, Escher, Bach, by Douglas Hofstadter (Escher was a dutch artist)<\/li>
- El autor: <\/strong>Maurits Cornelis Escher. Escher fue un artista gr\u00e1fico holand\u00e9s que realiz\u00f3 xilograf\u00edas, litograf\u00edas y mezzotintas de inspiraci\u00f3n matem\u00e1tica. A pesar del gran inter\u00e9s popular, Escher fue ignorado durante la mayor parte de su vida en el mundo del arte, incluso en su Holanda natal. Ten\u00eda 70 a\u00f1os antes de que se celebrara una exposici\u00f3n retrospectiva. A finales del siglo XX fue m\u00e1s apreciado, y en el siglo XXI ha sido celebrado en exposiciones de todo el mundo.<\/li>
- Posible explotaci\u00f3n educativa: <\/strong>Es un ejemplo de lo que el autor Douglas Hofstadter ha llamado un \u00abbucle extra\u00f1o\u00bb, un sistema parad\u00f3jico que se repite continuamente de forma autorreferencial sin que parezca tener un principio o un final. A Escher le fascinaban estas recursiones parad\u00f3jicas, tanto si las exploraba en forma de escaleras, cascadas o manos autoilustradas. Esta es tambi\u00e9n una de las exploraciones m\u00e1s claras de Escher sobre el ilusionismo impl\u00edcito en el arte representativo, ya que la l\u00ednea entre el dibujo bidimensional y la realidad tridimensional est\u00e1n h\u00e1bilmente en juego.<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #10 La persistencia de la memoria de Dal\u00ed (Surrealismo)<\/strong><\/h2>\n\nThis artwork is under a copyright, therefore it cannot be presented in this dossier. The original artwork can be seen in Museum of Modern Art<\/a> in New York, USA.<\/em><\/p>\n\n- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>Perspectiva lineal<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>una playa a la vista con rocas a la derecha en el fondo. Un peque\u00f1o \u00e1rbol o rama que sale lo que parece ser una mesa. 3 relojes fundidos, uno en la rama, otro en la mesa y otro sobre lo que parece una figura humana o animal. Hay en un reloj naranja en la parte inferior izquierda del cuadro cubierto de hormigas.<\/li>
- Location and European dimension:<\/strong> The Museum of Modern Art, New York City, United States (Catalan painter)<\/li>
- El autor: <\/strong>Salvador Dal\u00ed. Dal\u00ed fue un artista surrealista espa\u00f1ol reconocido por su habilidad t\u00e9cnica, su precisi\u00f3n en el dibujo y las impactantes y extra\u00f1as im\u00e1genes de su obra.<\/li>
- Posible explotaci\u00f3n educativa: <\/strong>Este cuadro representa una perspectiva lineal. Los objetos delante de la obra, el \u00e1rbol, los relojes, la mesa destacan m\u00e1s que los objetos en los que el artista quiere que se fijen los espectadores como la monta\u00f1a, el cielo, el oc\u00e9ano y las rocas del fondo.<\/li><\/ul>\n
Actividades pr\u00e1cticas <\/h1>\n\nActividad 1 \u2013 Analizar un cuadro, su perspectiva y su contexto<\/strong><\/h2>\n\nObjetivos <\/strong><\/p>\n\nAnalizar dos cuadros (intentar que sean muy diferentes entre s\u00ed) e intentar identificar qu\u00e9 tipo de perspectiva se ha utilizado y las razones de las intenciones de los artistas.<\/p>\n\n
Materiales <\/strong><\/p>\n\nUn port\u00e1til, ordenador o tablet por estudiante o por grupo de estudiantes y acceso a Internet.<\/p>\n\n
Etapa preparatoria\u00a0<\/strong><\/p>\n\nMostrar los dos cuadros a los alumnos, pedirles que busquen la biograf\u00eda del autor y la \u00e9poca.<\/p>\n\n
Desarrollo<\/strong><\/p>\n\nPresenta dos obras de arte a los alumnos y p\u00eddeles que investiguen primero un poco sobre el contexto. La idea es que tengan alg\u00fan conocimiento de la l\u00ednea de tiempo para que les resulte m\u00e1s f\u00e1cil continuar.<\/p>\n\n
Luego, en equipos o individualmente, p\u00eddeles que escriban:<\/p>\n\n
- qu\u00e9 tipo de perspectiva se ha utilizado;<\/li>
- qu\u00e9 piensan sobre lo que pudo mover al artista a hacerlo as\u00ed;<\/li>
- comparar un cuadro con el otro.<\/li><\/ul>\n
Ejemplo de dos cuadros que ir\u00edan bien juntos:<\/p>\n\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image29bis.jpeg\")
(\u00a9 Public domain ; source : Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n![\"\"](\"https:\/\/team-of-art.eu\/wp-content\/uploads\/2022\/07\/image30-1.jpeg\")
(\u00a9 Public domain ; source : Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n
El tema<\/h1>\n\n
La necesidad de representar el espacio en toda su profundidad ha sido objeto de investigaci\u00f3n por parte de los artistas desde la antig\u00fcedad. La palabra perspectiva, que proviene del lat\u00edn perspicere<\/em>, significa \u00abver a trav\u00e9s\u00bb. Pero m\u00e1s all\u00e1 de hablar del concepto, es interesante revisar su origen y trayectoria, as\u00ed como su influencia en la pintura.<\/p>\n\n A lo largo de la historia, el inter\u00e9s por representar la tercera dimensi\u00f3n en una superficie plana ha estado muy presente. Los griegos fueron los primeros en descubrir el escorzo, que se basa en la idea de que una persona no puede ver un objeto en su totalidad de una vez. <\/p>\n\n Por ello, representaban en la escultura lo que se pod\u00eda ver desde un punto determinado, sin tener en cuenta los dem\u00e1s elementos.<\/p>\n\n En la \u00e9poca griega cl\u00e1sica, los artistas y arquitectos conoc\u00edan la perspectiva, sab\u00edan que los objetos lejanos deben dibujarse m\u00e1s peque\u00f1os que los cercanos. Vitruvio lo confirma en el \u00fanico tratado latino de arquitectura que existe (46 a.C.) cuando menciona espec\u00edficamente que la perspectiva era bien conocida desde la antig\u00fcedad.<\/p>\n\n Una de las caracter\u00edsticas m\u00e1s destacadas de la pintura medieval, antes del descubrimiento de la perspectiva, era el diferente tama\u00f1o de los objetos seg\u00fan su posici\u00f3n relativa en la imagen. Pero la mayor\u00eda de las veces esta diferencia de tama\u00f1o no guardaba una proporci\u00f3n relativa con los objetos circundantes.<\/p>\n\n Como se ve en la siguiente imagen, los hombres del fondo son simplemente demasiado grandes para la imagen, y casi tan altos como los \u00e1rboles. En general, los artistas medievales tend\u00edan a hacer que los objetos preeminentes del fondo fueran demasiado grandes en comparaci\u00f3n con su representaci\u00f3n en perspectiva, aunque entend\u00edan claramente que los objetos del fondo parecen reducirse con la distancia.<\/p>\n\n Dos de los conceptos m\u00e1s importantes en la representaci\u00f3n de la escala y la distancia en el arte medieval (precedentes directos de la representaci\u00f3n en perspectiva) son la conceptualizaci\u00f3n y la polidimensionalidad.<\/p>\n\n En la conceptualizaci\u00f3n, el tama\u00f1o relativo de los objetos de una imagen viene dado principalmente por la importancia absoluta, o relativa, que el autor otorga a ese objeto, independientemente de que est\u00e9 situado en primer o segundo plano. El resto de los objetos est\u00e1n subordinados, en tama\u00f1o y escala relativa, a los principales, produciendo distorsiones en el tama\u00f1o de las figuras en las im\u00e1genes, como se ve en el siguiente cuadro, en el que Jes\u00fas hace su entrada en Jerusal\u00e9n. El personaje m\u00e1s importante aqu\u00ed ser\u00eda Jes\u00fas, que es tan alto como los muros de la ciudad.<\/p>\n\n Otro concepto interesante para entender el arte medieval pre-perspectivo, es la polidimensionalidad. La polidimensionalidad es cuando algunos objetos se muestran desde un punto de vista diferente al del resto de la imagen, buscando casi siempre la mejor posici\u00f3n para mostrar esos objetos. Esto hace que incluso algunas figuras se representen desde diferentes puntos de vista simult\u00e1neos, como se ve en la siguiente imagen, donde el muro que rodea el jard\u00edn se representa visto desde arriba, en lugar de en horizontal, como el resto de la imagen. <\/p>\n\n La t\u00e9cnica m\u00e1s habitual en esta \u00e9poca era mezclar ambos tipos de representaciones, como en la imagen anterior, donde a la multidimensionalidad se suma la conceptualizaci\u00f3n, ya que como vemos, el propio muro del jard\u00edn parte del primer plano, aunque es mucho m\u00e1s peque\u00f1o que las figuras representadas en el mismo primer plano, ya que al artista no le parec\u00eda tan importante.<\/p>\n\n El que resulta ser el inventor de la perspectiva tal y como la conocemos hoy, es Brunelleschi, el artista italiano, que comenz\u00f3 a aplicar las t\u00e9cnicas ya descritas de l\u00edneas y puntos de fuga a sus construcciones y dibujos, para dar una mayor y m\u00e1s completa sensaci\u00f3n de tridimensionalidad y amplitud. Brunelleschi utiliz\u00f3 la perspectiva para plasmar en sus dibujos una aproximaci\u00f3n, lo m\u00e1s fiel posible, al resultado final de sus futuras construcciones. Joseph W. Dauben nos muestra, en sus p\u00e1ginas sobre El arte de la ciencia del Renacimiento, dos im\u00e1genes: un dibujo del propio Brunelleschi de su Iglesia del Esp\u00edritu Santo y una fotograf\u00eda de la misma iglesia vista desde el mismo lugar que el dibujo, que nos da una idea de la perfecci\u00f3n perspectiva de Brunelleschi.<\/p>\n\n Fue en el Renacimiento cuando los pintores florentinos comenzaron a investigar seriamente la perspectiva como ciencia, con sus leyes y principios matem\u00e1ticos. Genios como Mategna, Ghiberti, Massaccio y otros establecieron ciertos principios necesariamente observables para reproducir la distancia.<\/p>\n\n Fue Filippo Brunelleschi (1377 – 1446), uno de los grandes arquitectos florentinos del Renacimiento, quien descubri\u00f3 el sistema matem\u00e1tico para calcular la proporci\u00f3n en que los objetos disminuyen de tama\u00f1o a medida que se alejan.<\/p>\n\n Las teor\u00edas de Brunelleschi influyeron en Paolo Uccelo (1397 – 1476). En su famosa escena de la Batalla de San Romano, pintada hacia 1450, Uccello aplic\u00f3 la geometr\u00eda en su composici\u00f3n. En el primer plano pint\u00f3 un soldado muerto, el primer cuerpo en escorzo que aparece en un cuadro. Sin embargo, la obra de Ucello es algo r\u00edgida; no dominaba el uso de las luces y las sombras, tan importantes para enfatizar la profundidad y el espacio.<\/p>\n\n La principal caracter\u00edstica del Renacimiento fue la fase en la que se alejaron del concepto medieval de Dios (y la iglesia) como centro omnipotente de la vida, adquiriendo m\u00e1s inter\u00e9s en el estudio de los hombres y el mundo natural.<\/p>\n\n Leonardo Da Vinci (1452 – 1519), estudiante de bot\u00e1nica, anatom\u00eda, ingenier\u00eda y pintura, representa el esp\u00edritu investigador del Renacimiento.<\/p>\n\n Aunque ya se hab\u00eda utilizado en la antig\u00fcedad, es Da Vinci quien impone la perspectiva atmosf\u00e9rica en el Renacimiento, consiguiendo un efecto de perspectiva mucho m\u00e1s logrado, y rompiendo con la impresi\u00f3n de dureza y rigidez de la pintura del Quattrocento, que ha evolucionado en perspectiva, pero s\u00f3lo linealmente (a partir de puntos de fuga).<\/p>\n\n De todos los tipos de perspectiva, la atmosf\u00e9rica (tambi\u00e9n llamada \u00aba\u00e9rea\u00bb) es la m\u00e1s eficaz, ya que utiliza en su concepci\u00f3n el papel que desempe\u00f1an la luz y el color en nuestra percepci\u00f3n.<\/p>\n\n Produce la sensaci\u00f3n de profundidad imitando el efecto de la atm\u00f3sfera, de manera que los objetos aparecen m\u00e1s p\u00e1lidos y azules cuanto m\u00e1s lejos est\u00e1n del espectador.<\/p>\n\n La raz\u00f3n es muy sencilla: las part\u00edculas de polvo y humedad que flotan en la atm\u00f3sfera dispersan la luz. La luz de menor longitud de onda (azul) se dispersa m\u00e1s y la luz de mayor longitud de onda (roja) se dispersa menos. Por eso el cielo es azul y los objetos oscuros vistos desde la distancia tienen un color azulado.<\/p>\n\n Los artistas reproducen este efecto natural utilizando tonos tenues, p\u00e1lidos y azulados en el horizonte. <\/p>\n\n Leonardo lo explica de esta manera: \u00abDe las cosas m\u00e1s oscuras que el aire, la m\u00e1s lejana ser\u00e1 la menos oscura. De las cosas m\u00e1s claras que el aire, la menos blanca ser\u00e1 la m\u00e1s alejada del ojo\u00bb.<\/p>\n\n Los artistas del Renacimiento se interesaron r\u00e1pidamente por conocer las leyes y los principios de la perspectiva para a\u00f1adir esa actitud a sus obras.<\/p>\n\n Alberto Durero (1471-1528) emple\u00f3 meticulosamente la nueva t\u00e9cnica de la perspectiva para a\u00f1adir detalle y precisi\u00f3n a sus obras. Su famosa \u00abLiebre\u00bb pintada en 1502 es una lecci\u00f3n de dibujo ilustrativo.<\/p>\n\n El Renacimiento que se extendi\u00f3 en Europa durante el siglo XV desplaz\u00f3 el foco de atenci\u00f3n hacia el hombre y, apoyado en los avances de la filosof\u00eda y la ciencia, aport\u00f3 una nueva disciplina anal\u00edtica y perspectiva para representar la forma y el espacio. Las figuras adquieren mayor volumen y flexibilidad cuyos escenarios mostraban con mayor claridad el espacio tridimensional.<\/p>\n\n Trabajando con modelos humanos y copiando el entorno en el que viv\u00edan. Los artistas comenzaron a dibujar lo que ve\u00edan en lugar de basarse en los convencionalismos adquirieron el estudio de la anatom\u00eda y la perspectiva se convirti\u00f3 en parte del trabajo del artista, lo que les permiti\u00f3 representar adecuadamente lo que ve\u00edan.<\/p>\n\n El uso del dibujo como medio de investigaci\u00f3n de la naturaleza, la experimentaci\u00f3n con la geometr\u00eda, la perspectiva, la proporci\u00f3n, la composici\u00f3n y la libre expresi\u00f3n como producto del Renacimiento dominaron el arte y la formaci\u00f3n art\u00edstica en Occidente, hasta la aparici\u00f3n del Modernismo a finales del siglo XIX, especialmente relacionado con los impresionistas y postimpresionistas.<\/p>\n\n Los impresionistas, sin dejar de representar el mundo real, aceptaron la bidimensionalidad del plano: el arte ya no era s\u00f3lo figurativo, sino tambi\u00e9n abstracto. Con estas nuevas actitudes, se anim\u00f3 a los artistas a estudiar otras tradiciones art\u00edsticas no occidentales, lo que se convirti\u00f3 en algo cada vez m\u00e1s importante para los estudiosos del dibujo, ya que muchas de estas tradiciones se han incorporado a la obra de muchos artistas de los siglos XIX y XX.<\/p>\n\n El arte moderno representa un conjunto de ideas en evoluci\u00f3n entre una serie de pintores, escultores, escritores y artistas que, tanto individual como colectivamente, buscaron nuevos enfoques en el \u00e1mbito del arte. Aunque el arte moderno comenz\u00f3 en retrospectiva alrededor de 1850 con la llegada del realismo, los enfoques y estilos del arte moderno se definieron y redefinieron a lo largo del siglo XX. Los practicantes de cada nuevo estilo estaban decididos a desarrollar un lenguaje visual que fuera original y representativo de la \u00e9poca.<\/p>\n\n Desde el Renacimiento hasta el siglo XIX, el plano pict\u00f3rico fue visto como una ventana, a trav\u00e9s de la cual se ve\u00eda el mundo.<\/p>\n\n Crak! de Roy Lichtenstein, 1964<\/em> – courtesy of \u00a9The Estate of Roy Lichtenstein. This artwork is under a copyright, therefore it cannot be used in this dossier. The original artwork is now in the National Gallery of Art in Washington<\/a>, USA.<\/em><\/p>\n\n El holand\u00e9s Mauris Cornelis Escher (1898-1972) fue un dibujante y grabador que revolucion\u00f3 la perspectiva del plano y es considerado el int\u00e9rprete de los conceptos matem\u00e1ticos, por qu\u00e9 son abstractos por definici\u00f3n, que sustentan la relatividad del espacio-tiempo propuesta por Einstein en 1905 y 1915, idea que continuaron sus seguidores, ampli\u00e1ndola, profundiz\u00e1ndola e incluso modific\u00e1ndola.<\/p>\n\n La perspectiva es sin duda uno de los recursos m\u00e1s importantes que hacen que sus grabados y dibujos sean tan interesantes. A menudo utiliza juegos visuales para superponer simult\u00e1neamente varios puntos de vista de un mismo objeto o espacio, generalmente geom\u00e9trico. Esta transgresi\u00f3n o combinaci\u00f3n de las reglas de representaci\u00f3n requiere un gran control de los planos de proyecci\u00f3n y un conocimiento de la \u00f3ptica para generar estas perspectivas imposibles. As\u00ed, con referencias a los poliedros y a las dimensiones geom\u00e9tricas opuestas, con juegos de percepci\u00f3n propios de los ilusionistas, Escher trabaj\u00f3 con la perspectiva como medio para jugar con ciertos conceptos.<\/p>\n\n Los juegos \u00f3pticos y los enga\u00f1os perceptivos que realiza sobre el plano del papel hacen que su dibujo se convierta, en cierto modo, en una poes\u00eda visual. Su obra tiende a crear una confrontaci\u00f3n o dicotom\u00eda entre conceptos como el d\u00eda y la noche, el mar y el cielo, la simetr\u00eda de la composici\u00f3n o la confusi\u00f3n entre opuestos como el descenso y el ascenso, la ca\u00edda y la subida. En sus redes modulares, un animal suele transformarse en otro, o encajar en su vac\u00edo, en el negativo de su forma. Su imaginer\u00eda tambi\u00e9n remite a un circuito infinito, a un c\u00edrculo de eterno retorno o de movimiento perpetuo. Estas im\u00e1genes po\u00e9ticas nos hablan de una idea muy propia de su tiempo: la relatividad tanto de la percepci\u00f3n como del sentido de las cosas. Todo lo que sube baja, o quiz\u00e1s sube y baja simult\u00e1neamente, porque todo depende del punto de vista desde el que se muestre.<\/p>\n\n En sus dibujos, el espacio se simula con diversos c\u00f3digos de representaci\u00f3n que establecen varios niveles de lectura y crean un trampantojo que nos hace reflexionar sobre lo que es real y lo que es dibujo. En este sentido, Escher construye el espacio m\u00e1s all\u00e1 de la perspectiva, simulando que la creaci\u00f3n cobra vida en el papel, que los dibujos de las teselas se hacen reales o directamente que es la mano dibujada la que se dibuja a s\u00ed misma. Este gran control t\u00e9cnico de los c\u00f3digos espaciales, tanto bidimensionales como tridimensionales, es lo que hace que sus obras tengan un acabado casi matem\u00e1tico, y da veracidad al enga\u00f1o. <\/p>\n\n Dicen que no hay coincidencias, sobre todo en los campos de la ciencia y el arte, que, salvo excepciones, van de la mano. Escher, al igual que Leonardo da Vinci en su momento, logr\u00f3 captar el momento crucial de la civilizaci\u00f3n en la que se desarrollaron.<\/p>\n\n El posmodernismo es un t\u00e9rmino muy complejo, que tiene diferentes enfoques seg\u00fan el autor o artista al que nos refiramos. No es un t\u00e9rmino que defina un estilo art\u00edstico. Al igual que el t\u00e9rmino modernidad, la postmodernidad define un periodo cultural.<\/p>\n\n Dentro de este tipo de arte, son relevantes para el tema de la perspectiva en el contexto de Europa.<\/p>\n\n Expresionismo abstracto – Mark Tobey<\/strong><\/p>\n\n En un intento de negar las formas y dise\u00f1os tradicionales, adopt\u00f3 las t\u00e9cnicas de la caligraf\u00eda oriental para crear lo que denomin\u00f3 escritura blanca, un confuso patr\u00f3n de l\u00edneas filiformes de tinta blanca sobre un fondo oscuro. En estas obras se sugiere una sensaci\u00f3n de profundidad por la superposici\u00f3n de l\u00edneas m\u00e1s que por el uso de la perspectiva tradicional.<\/p>\n\n Op Art<\/strong><\/p>\n\n Entre las obras m\u00e1s representativas del Op Art se encuentran los cuadros pintados por Victor Vasarely durante las d\u00e9cadas de 1960 y 1970. En Vonal-Stri (1975) la mirada se precipita hacia el cuadrado negro del centro del lienzo. La sensaci\u00f3n de movimiento se ve reforzada por la ilusi\u00f3n de curvatura del plano de la izquierda.<\/p>\n\n Nueva pintura europea<\/strong><\/p>\n\n La Nueva Pintura Europea es un t\u00e9rmino art\u00edstico hist\u00f3rico utilizado para describir la pintura contempor\u00e1nea en Europa desde los a\u00f1os 80 y 90 hasta la actualidad. Este movimiento se caracteriza por una nueva figuraci\u00f3n en relaci\u00f3n con la abstracci\u00f3n americana anteriormente dominante, marcada por nuestra historia colectiva, la memoria y el trauma de la posguerra. <\/p>\n\n Cuando pensamos en la perspectiva en t\u00e9rminos tradicionales, lo m\u00e1s probable es que la asociemos con el concepto de perspectiva lineal, de uno y dos puntos. <\/p>\n\n Los artistas postmodernos y contempor\u00e1neos actuales llevan el principio de la perspectiva m\u00e1s all\u00e1 del concepto b\u00e1sico de la perspectiva lineal y lo contemplan desde una perspectiva totalmente diferente.<\/p>\n\n Julian Beever es un conocido artista callejero que utiliza la anamorfosis para crear la ilusi\u00f3n de tres dimensiones. Cuando se ven desde el \u00e1ngulo preferido, los dibujos de las aceras de Beever tienen una altura y profundidad que asombran al espectador. Sin embargo, con s\u00f3lo caminar alrededor de estos dibujos de acera, la ilusi\u00f3n se pierde.<\/p>\n\n Felice Varini tambi\u00e9n incorpora el concepto de perspectiva localizada en su obra. Cuando se ven desde el \u00e1ngulo correcto, las pinturas de l\u00edneas y c\u00edrculos de Varini flotan m\u00e1gicamente en el espacio. Cuando el espectador se desplaza ligeramente hacia la izquierda o la derecha, la obra parece no ser m\u00e1s que extra\u00f1as marcas en las paredes y el suelo.<\/p>\n\n La historia del arte nos proporciona un medio para entender nuestro pasado humano y su relaci\u00f3n con nuestro presente, porque el acto de hacer arte es una de las actividades m\u00e1s ubicuas de la humanidad. La perspectiva es relevante en este caso porque nos ayuda a entender lo que le importaba al artista en cada periodo. Por ejemplo, en la perspectiva te\u00f3rica podemos ver un reflejo de la sociedad de entonces. Con el Renacimiento empezamos a ver c\u00f3mo la curiosidad y la necesidad de profundizar comienza.<\/p>\n\n El aprendizaje de la perspectiva en el arte de la historia europea tambi\u00e9n puede potenciar la creatividad de los estudiantes adultos, y proporcionarles m\u00e1s herramientas para entender y explicar el arte. <\/p>\n\n Todos los ni\u00f1os en la escuela aprenden a dibujar un cubo. Los fundamentos de la perspectiva. Todo lo que nos rodea sigue estas reglas de perspectiva. Hemos aprendido sobre ella: todo es una ilusi\u00f3n, pero las habilidades de la t\u00e9cnica de la perspectiva desempe\u00f1an un papel importante en el dibujo y la pintura. Cuando pintamos con esas habilidades, podemos entender mejor el panorama general de nuestra obra. As\u00ed que, si ense\u00f1amos a nuestros alumnos a utilizar esas habilidades de perspectiva, les ayudaremos a tener un punto de vista m\u00e1s espacial del mundo del arte.<\/p>\n\n Los alumnos adultos estudiar\u00e1n la historia de determinadas obras de arte a trav\u00e9s de las t\u00e9cnicas utilizadas y podr\u00e1n crear su propia pintura poniendo en pr\u00e1ctica esos conocimientos. <\/p>\n\n This artwork is under a copyright, therefore it cannot be presented in this dossier. The original artwork can be seen in Museum of Modern Art<\/a> in New York, USA.<\/em><\/p>\n\n This artwork is under a copyright, therefore it cannot be presented in this dossier. The original artwork can be seen in Museum of Modern Art<\/a> in New York, USA.<\/em><\/p>\n\n Objetivos <\/strong><\/p>\n\n Analizar dos cuadros (intentar que sean muy diferentes entre s\u00ed) e intentar identificar qu\u00e9 tipo de perspectiva se ha utilizado y las razones de las intenciones de los artistas.<\/p>\n\n Materiales <\/strong><\/p>\n\n Un port\u00e1til, ordenador o tablet por estudiante o por grupo de estudiantes y acceso a Internet.<\/p>\n\n Etapa preparatoria\u00a0<\/strong><\/p>\n\n Mostrar los dos cuadros a los alumnos, pedirles que busquen la biograf\u00eda del autor y la \u00e9poca.<\/p>\n\n Desarrollo<\/strong><\/p>\n\n Presenta dos obras de arte a los alumnos y p\u00eddeles que investiguen primero un poco sobre el contexto. La idea es que tengan alg\u00fan conocimiento de la l\u00ednea de tiempo para que les resulte m\u00e1s f\u00e1cil continuar.<\/p>\n\n Luego, en equipos o individualmente, p\u00eddeles que escriban:<\/p>\n\n Ejemplo de dos cuadros que ir\u00edan bien juntos:<\/p>\n\nAntecedentes<\/h2>\n\n
Arte Medieval<\/h3>\n\n
![\"\"](\"https:\/\/commons.wikimedia.org\/wiki\/File:Vitruvian_Man_by_Leonardo_da_Vinci.jpg\")
Arte del Renacimiento<\/h3>\n\n
Impresionismo<\/h3>\n\n
Arte moderno<\/h3>\n\n
Arte posmoderno<\/h3>\n\n
Enfoque pedag\u00f3gico <\/h1>\n\n
\u00bfPor qu\u00e9 este tema es relevante para los estudiantes adultos?<\/strong><\/h2>\n\n
\u00bfCu\u00e1les son los resultados del aprendizaje al integrar este tema cultural\/art\u00edstico con una actividad educativa?<\/strong><\/h2>\n\n
C\u00f3mo hacerlo: estrategias, herramientas y t\u00e9cnicas.<\/strong><\/h2>\n\n
Obras de arte<\/h1>\n\n
Obra de arte #1 La Tempestad de Giorgione (Renacimiento)<\/strong><\/h2>\n\n
Obra de arte #2 Las Meninas de Vel\u00e1zquez (Barroco)<\/strong><\/h2>\n\n
Obra de arte #3 Retablo de San Crist\u00f3bal, pintor desconocido (g\u00f3tico)<\/strong><\/h2>\n\n
Obra de arte #4 La Mona Lisa de da Vinci (Renacimiento italiano)<\/strong><\/h2>\n\n
Obra de arte #5 La Escuela de Atenas de Rafael (Renacimiento italiano)<\/strong><\/h2>\n\n
Obra de arte #6 Mural en un edificio de Patrick Commecy (Nueva Pintura Europea)<\/strong><\/h2>\n\n
Obra de arte #7 \u00abCinq Ellipses Ouvertes\u00bb, Exposici\u00f3n: Constelaci\u00f3n de Felice Varini (Nueva Pintura Europea)<\/strong><\/h2>\n\n
Obra de arte #8 Les Demoiselles d’Avignon (Las se\u00f1oritas de la calle de Aviny\u00f3) de Picasso (Cubismo)<\/strong><\/h2>\n\n
Obra de arte #9 Manos que dibujan de Escher (Arte Moderno)<\/strong><\/h2>\n\n
Obra de arte #10 La persistencia de la memoria de Dal\u00ed (Surrealismo)<\/strong><\/h2>\n\n
Actividades pr\u00e1cticas <\/h1>\n\n
Actividad 1 \u2013 Analizar un cuadro, su perspectiva y su contexto<\/strong><\/h2>\n\n
![Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n](\"https:\/\/commons.wikimedia.org\/wiki\/File:Entrega_de_las_llaves_a_San_Pedro_(Perugino).jpg\"){kind=link}