El tema<\/h1>\n\nAntecedentes del movimiento<\/h2>\n\n
La protesta, la lucha y el activismo pol\u00edtico son poderosas herramientas de resistencia. El poder a trav\u00e9s de la movilizaci\u00f3n de las personas puede crear un palpable cambio positivo en el mundo. En particular, usar el arte como una forma de protesta no violenta puede tener un significado y una fuerza inmensos, conectando a las personas a trav\u00e9s de la resistencia. Puede convertir cuestiones negativas y llenas de miedo en algo que valga la pena. El arte de resistencia, tambi\u00e9n conocido como arte de protesta, se refiere a las obras creativas producidas por activistas y movimientos sociales. El arte de protesta ayuda a despertar emociones b\u00e1sicas en sus audiencias, y a cambio puede aumentar el clima de tensi\u00f3n y crear nuevas oportunidades para discrepar.<\/p>\n\n
\u201cEl arte de protesta en s\u00ed mismo no crea cambios, pero tiene como objetivo animar y galvanizar a suficientes personas de diferentes entornos socioecon\u00f3micos a que se movilicen por una causa. Para tener \u00e9xito, un llamamiento a las armas debe ser inmediato, descarado y, lo m\u00e1s importante, tener alma\u00bb<\/em><\/p>
(Lanks, 2016).<\/p><\/blockquote>\n\n
Diferentes formas de arte pueden vincular a las personas de diferentes maneras. El poder de la m\u00fasica al escribir y cantar canciones de libertad se ha convertido en una tradici\u00f3n en el coraz\u00f3n de muchos movimientos. La m\u00fasica ha sido reconocida como una fuerza de uni\u00f3n que ayud\u00f3 a crear y fortalecer una conciencia com\u00fan (Eprile, 2017). El arte visual como protesta es otra forma en la que el arte se utiliza como medio de resistencia para crear un cambio a mejor. El arte es una herramienta cr\u00edtica que siempre se est\u00e1 utilizando para influir en los pensamientos y comportamientos de una poblaci\u00f3n, si no fuera as\u00ed, la propaganda financiada por el gobierno no existir\u00eda, tampoco lo har\u00eda la destrucci\u00f3n del arte o la quema de libros.<\/p>\n\n
El arte de resistencia es el arte utilizado como forma de mostrar su oposici\u00f3n a las potencias. Esto incluye el arte que se opuso a tales potencias como el partido nazi alem\u00e1n, as\u00ed como al que lo hizo al apartheid en Sud\u00e1frica. \nEl levantamiento de Soweto marc\u00f3 el comienzo del cambio social en Sud\u00e1frica. El arte de resistencia surgi\u00f3 del Movimiento de Conciencia Negra<\/strong>, un popular movimiento anti-Apartheid<\/strong> que surgi\u00f3 en la d\u00e9cada de 1960, liderado por el carism\u00e1tico activista Steve Biko. Gran parte del arte era p\u00fablico, en forma de murales, pancartas, carteles, camisetas y graffiti con mensajes pol\u00edticos conflictivos y que se centraban en las realidades de la vida en una Sud\u00e1frica segregada. \nWillie Bester es uno de los artistas sudafricanos m\u00e1s conocidos que originalmente comenz\u00f3 como artista de resistencia. A trav\u00e9s de materiales ensamblados de la basura, Bester construye superficies en relieve y luego pinta la superficie con pintura al \u00f3leo. Sus obras tratan sobre importantes figuras negras sudafricanas y aspectos relevantes para su comunidad. Los artistas de resistencia sudafricanos no se ocupan exclusivamente de la raza ni tienen que ser del mismo municipio. Bester vive actualmente en Kuilsrivier, Sud\u00e1frica.<\/p>\n\n
Otra artista, Jane Alexander, se ha ocupado de las atrocidades del apartheid desde la perspectiva blanca. Su arte de resistencia se ocupa de la sociedad insana que contin\u00faa en Sud\u00e1frica despu\u00e9s del apartheid. <\/p>\n\n
Willie Bester, Prime Evil, 2015<\/em> (\u00a9 Willie Bester ; source : The Melrose Gallery<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n Artistas como John Trumbull, Emory Douglas, Martha Rosler, Keith Haring y Judy Chicago fueron artistas estadounidenses famosos durante el per\u00edodo.<\/p>\n\n
John Trumbull (6 de junio de 1756 \u2013 10 de noviembre de 1843) fue un artista estadounidense de principios de la independencia, famoso por sus pinturas hist\u00f3ricas de la Guerra de la Independencia de los Estados Unidos, de la que fue veterano. Le llamaron \u00abEl pintor de la revoluci\u00f3n\u00bb<\/p>\n\n
Rendici\u00f3n de Lord Cornwallis, John Trumbull, 1826, \u00f3leo sobre lienzo, 30,5cm x 45,7cm, Rotonda del Capitolio\u00a0<\/em>(\u00a9 Public domain ; source :\u00a0Architect of the Capitol<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n La pintura Rendici\u00f3n de Lord Cornwallis<\/em> de \u200b\u200bJohn Trumbull<\/strong>\u200b\u200b se expone en la Rotonda del Capitolio de Estados Unidos. El tema de esta pintura es la rendici\u00f3n del ej\u00e9rcito brit\u00e1nico en Yorktown, Virginia, en 1781, que puso fin a la \u00faltima gran campa\u00f1a de la Guerra de la Independencia.<\/p>\n\n
\u200bDouglas\u200b <\/strong>sirvi\u00f3 como el artista revolucionario y ministro de cultura de los Panteras, y se encarg\u00f3 de crear im\u00e1genes (en gran parte difundidas por su peri\u00f3dico oficial) que establecieron un registro visual de la plataforma del partido.<\/p>\n\n
Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971). <\/em>Cortes\u00eda de Black Lives Matter website<\/a>.<\/em><\/p>\n\n
Siempre ha habido una respuesta psicol\u00f3gica que trasciende al Partido Pantera Negra en la comunidad afroamericana y se ha convertido en un s\u00edmbolo nacional e internacional. Siempre ha sido parte de la identidad cultural de la gente en relaci\u00f3n a su forma ver la injusticia. Los cerdos se convirtieron en un s\u00edmbolo psicol\u00f3gico de resistencia.<\/p>\n\n
Ilustraci\u00f3n de Emory Douglas de polic\u00edas representados como cerdos para el partido Pantera Negra. Cortes\u00eda de Fricar creative commons. Puedes ver la obra aqu\u00ed<\/a>.<\/em><\/p>\n\n
En Europa, artistas como Eug\u00e8ne Delacroix, Henri Rousseau, Francisco Goya, Salvador Dal\u00ed y Pablo Picasso, comenzaron a documentar expresivamente su visi\u00f3n sobre la guerra. En su obra, Goya busc\u00f3 conmemorar la resistencia espa\u00f1ola a los ej\u00e9rcitos de Napole\u00f3n durante la ocupaci\u00f3n de 1808 en la invasi\u00f3n napole\u00f3nica. Goya pint\u00f3 \u200bEl 3 de mayo de 1808,\u200b<\/em>\u200b que se considera una pieza inspiradora para el signo de la paz de Gerald Holtom y una serie de pinturas importantes posteriores, incluida una serie de \u00c9douard Manet, y la Masacre<\/em> de Pablo Picasso en Corea y Guernica. No est\u00e1 claro si \u00e9l hab\u00eda presenciado personalmente la rebeli\u00f3n o las represalias, a pesar de los muchos intentos posteriores de situarlo en alguno de esos eventos. Se cree que 2 y 3 de mayo de 1808 <\/em>fue concebido como parte de una serie m\u00e1s grande. Al principio, la pintura se encontr\u00f3 con reacciones mixtas de cr\u00edticos de arte e historiadores.<\/p>\n\n
El 3 de mayo de 1808, Francisco Goya, 1814, \u00d3leo sobre lienzo, 268cm x 347cm, Museo del Prado. <\/em>(\u00a9 Public domain; source:\u00a0Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n Anteriormente, los artistas tend\u00edan a representar la guerra en el grandioso estilo de la pintura de historia, y la descripci\u00f3n no heroica de Goya era inusual para la \u00e9poca. Seg\u00fan algunas primeras opiniones cr\u00edticas, la pintura ten\u00eda fallos t\u00e9cnicas: la perspectiva es plana, o las v\u00edctimas y los verdugos est\u00e1n demasiado juntos para ser realistas. Aunque estas observaciones pueden ser rigurosamente correctas, el escritor Richard Schickel argumenta que Goya no intentaba defender las competencias acad\u00e9micas, sino el impacto general de la obra. El artificio pict\u00f3rico da paso a la representaci\u00f3n \u00e9pica de la brutalidad sin barnices. La pintura est\u00e1 estructural y tem\u00e1ticamente ligada a las tradiciones del martirio en el arte cristiano, como se ejemplifica en el uso dram\u00e1tico del claroscuro, y el atractivo de la vida yuxtapuesto con lo inevitable de la ejecuci\u00f3n inminente.<\/p>\n\n
Incluso los pintores rom\u00e1nticos contempor\u00e1neos (que tambi\u00e9n estaban intrigados por los temas de la injusticia, la guerra y la muerte) compusieron sus cuadros prestando mayor atenci\u00f3n a las convenciones de la belleza, como queda patente en La balsa de la Medusa (1818-1819) de Th\u00e9odore G\u00e9ricault y en el cuadro La Libertad guiando al pueblo de Eug\u00e8ne Delacroix (1830). <\/p>\n\n
La libertad guiando al pueblo,<\/em> Eugene Delacroix, (1830),<\/em> \u00f3leo sobre lienzo, 260cm x 325cm, Louvre, Par\u00eds (\u00a9 Public domain; source:\u00a0Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n La Guerre de Henri Rousseau tambi\u00e9n representa los efectos de la guerra. <\/p>\n\n
Henri Rousseau, La Guerra, <\/em>1894, \u00f3leo sobre lienzo, 114cm x 195cm, Mus\u00e9e d\u2019Orsay, Paris, Francia <\/em>(\u00a9 Public domain ; source :\u00a0Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n El caballo de la pintura contrasta con el de El carro de P\u00e8re Junier: negro, salvaje y erizado, representa la fuerza brutal de la guerra. En su espalda, la mujer armada, fea y salvaje da a entender que la guerra saca lo primitivo. La parte inferior de la pintura muestra los efectos de la guerra: cad\u00e1veres que son el alimento de los cuervos. Los \u00e1rboles desnudos y las ramas rotas crean un paisaje de desolaci\u00f3n y aluden a la muerte, a\u00fan cuando el rosa de las nubes y el azul del cielo no muestran el drama de la escena. La composici\u00f3n es piramidal, con los cad\u00e1veres en la base, y el caballo y la mujer arriba.<\/p>\n\n
Pablo Picasso se inspir\u00f3 en la obra de Goya. Guernica es una gran pintura al \u00f3leo de 1937 sobre lienzo de Pablo Picasso. Es una de sus obras m\u00e1s conocidas, considerada por muchos cr\u00edticos de arte como la pintura anti-b\u00e9lica m\u00e1s conmovedora y poderosa de la historia. Se expone en el Museo de Reina Sof\u00eda de Madrid.<\/p>\n\n
Reproducci\u00f3n mural del Guernica<\/em> de Pablo Picasso. Obra realizada sobre azulejos, en Gernika-Lumo, en la calle Allendesalazar 11, en Espa\u00f1a. Esta foto ha sido publicada bajo licencia Creative Commons 3.0 por Papamanila en Wikicommons. La obra original de Pablo Picasso (Guernica, 1937, \u00d3leo sobre lienzo, 349,3cm x 776,6cm) puede verse en el Museo Reina Sof\u00eda, Madrid, Espa\u00f1a.<\/figcaption><\/figure>\n Picasso pint\u00f3 el Guernica en su casa de Par\u00eds en respuesta al bombardeo del 26 de abril de 1937 de Guernica, una ciudad del Pa\u00eds Vasco en el norte de Espa\u00f1a que fue bombardeada por la Alemania nazi y la Italia fascista a petici\u00f3n de los nacionalistas espa\u00f1oles. A lo largo de los a\u00f1os, Guernica se ha convertido en un s\u00edmbolo universal y poderoso que advierte a la humanidad del sufrimiento y la devastaci\u00f3n de la guerra.<\/p>\n\n
Durante el mismo periodo Salvador Dal\u00ed pint\u00f3 \u200b\u200bEl rostro de la guerra<\/em>. \u200b La pint\u00f3 durante un breve periodo en que el artista vivi\u00f3 en California. El trauma y la visi\u00f3n de la guerra hab\u00edan servido a menudo de inspiraci\u00f3n para la obra de Dal\u00ed. A veces cre\u00eda que sus visiones art\u00edstica eran premoniciones de guerra. Esta obra se pint\u00f3 entre el final de la Guerra Civil Espa\u00f1ola y el comienzo de la Segunda Guerra Mundial.<\/p>\n\n
Salvador<\/em> Dal\u00ed, \u200b\u200bEl rostro de la guerra <\/em>(1940), \u00f3leo sobre lienzo, 64cm x 79cm, Boijmans Van Beuningen Museum<\/a>, Rotterdam, Pa\u00edses Bajos.<\/p>\n\n
La pintura representa una cara desencarnada flotando frente a un paisaje des\u00e9rtico est\u00e9ril. El rostro se marchita como el de un cad\u00e1ver y tiene una expresi\u00f3n de miseria. En la boca y cuencas oculares, hay caras id\u00e9nticas. En las bocas y ojos, encontramos m\u00e1s caras id\u00e9nticas en un proceso que pretende ser infinito. Alrededor de la cara grande pululan serpientes mordedoras. En la esquina inferior derecha est\u00e1 la huella de una mano que Dal\u00ed insisti\u00f3 que fue la suya propia.<\/p>\n\n
Contexto hist\u00f3rico y social del movimiento <\/strong><\/h2>\n\n
Los movimientos sociales a menudo se definen por su mensaje, pero se recuerdan por su arte y las im\u00e1genes que utilizaron. Tanto si se trata de arte basado en el movimiento (arte que surge de los propios grupos del movimiento social) como de arte de apoyo al movimiento (arte realizado por artistas profesionales que utilizan su pr\u00e1ctica como una forma de apoyo a los movimientos sociales y que, aunque pueden estar directamente vinculados al movimiento, no forman parte de las organizaciones del mismo), el uso de la expresi\u00f3n art\u00edstica es parte integral de los movimientos sociales. Esto es as\u00ed especialmente en el arte de protesta, ya que se utilizan para permitir una expresi\u00f3n f\u00e1cil de ideas complejas como son la expresi\u00f3n cultural, social o de clase y la identidad, que se comunican a trav\u00e9s de sus medios porque en lugar de pasar complicados libros de teor\u00eda para ser le\u00eddos por lectores profanos, el arte de protesta (basado en el movimiento) es tradicionalmente f\u00e1cil de distribuir, consumir y comprender \u2013su mensaje es alto y claro y no permite que barreras como la ense\u00f1anza y el nivel de educaci\u00f3n impidan que su mensaje se comunique y comprenda de manera efectiva.<\/p>\n\n
Mirando a dos movimientos sociales a lo largo de la historia, los que se destacan son el Movimiento Afroamericano de Derechos Civiles de la d\u00e9cada de 1960 y el actual (2014 \u2013 2020\/presente) Movimiento Black Lives Matter. El Movimiento afroamericano por los derechos civiles es un movimiento social que f\u00e1cilmente tiene algunos de los motivos m\u00e1s memorables\u200b en la conciencia colectiva moderna [occidental]. Desde el emblem\u00e1tico discurso de Martin Luther King Tengo un sue\u00f1o<\/em> en la protesta de la marcha por el empleo en Washington, hasta la ic\u00f3nica imagen de los Student Non-violent Coordinating Committees \u2013<\/em>Comit\u00e9s de Coordinaci\u00f3n Estudiantil No Violenta\u2013 (Fotograf\u00eda de Danny Lyon, Cartel \u00abSNCC NOW\u00bb, 1964, 55,9 x 35,6 cm) de los estudiantes manifestantes con los ojos cerrados y los brazos levantados en se\u00f1al de oraci\u00f3n, simbolizando el Poder Negro.<\/p>\n\n
El arte es el hilo conductor de innumerables movimientos de resistencia y protestas que han unido a la gente y han provocado un cambio social positivo. Ya sea a trav\u00e9s de la m\u00fasica, el arte visual, la danza, el teatro o cualquier otra forma de arte, el arte tiene una forma de conectar con nuestras emociones humanas y unirnos a trav\u00e9s de la esperanza y el poder. De esta manera, el arte tiene el poder de convertir lo malo en bueno y proporcionar una plataforma para que la gente se mantenga unida, no sola.<\/p>\n\n
En los \u00faltimos cincuenta a cien a\u00f1os, algunos movimientos han tenido un mayor impacto cultural en la sociedad. El arte de resistencia, el arte activista en curso, el arte pop y el movimiento feminista, que resurgi\u00f3 en la d\u00e9cada de 1960 y ha crecido de diversas formas hasta el presente. Los tremendos impactos del feminismo en la vida cotidiana incluyen cambios en las leyes, regulaciones e instituciones pol\u00edticas, pero van mucho m\u00e1s all\u00e1. La esencia de la vida de cada persona que vive en los Estados Unidos se ha visto cambiada por el nuevo feminismo.<\/p>\n\n
Caracter\u00edsticas del movimiento <\/strong><\/h2>\n\n
Hay varias caracter\u00edsticas que pueden ayudar al espectador a identificar los rasgos. Algunas de las m\u00e1s comunes son las siguientes: <\/p>\n\n
S\u00edmbolos<\/strong><\/h3>\n\n
El pu\u00f1o cerrado<\/strong><\/em> es un tema recurrente en el arte de protesta y resistencia y se ha utilizado ya durante la revoluci\u00f3n mexicana, la protesta de los estudiantes estadounidenses contra la guerra de Vietnam, el partido Pantera Negra, as\u00ed como los estudiantes franceses durante su rebeli\u00f3n socialista de 1832 contra la monarqu\u00eda.<\/p>\n\n
Pu\u00f1o cerrado, Everett Spruill (\u00a9 Everett Spruill ; source :\u00a0Everett Spruill website<\/a>)<\/em><\/figcaption><\/figure>\n El movimiento chicano mexicano-americano vio en los murales <\/strong>una forma de protesta contra las injusticias que perjudicaban a su marginada poblaci\u00f3n. Al final de la revoluci\u00f3n mexicana, el gobierno encarg\u00f3 a artistas la creaci\u00f3n de un arte que pudiera educar a las masas, en su mayor\u00eda analfabetas, sobre la historia mexicana. Celebrar el potencial del pueblo mexicano para elaborar la historia de la naci\u00f3n fue un tema clave en el muralismo mexicano, un movimiento dirigido por Siqueiros, Diego Rivera y Jos\u00e9 Clemente Orozco, conocidos como los tres grandes. Entre las d\u00e9cadas de 1920 y 1950, cultivaron un estilo que defini\u00f3 la identidad mexicana despu\u00e9s de la revoluci\u00f3n.<\/p>\n\n
Los tres grandes, como se les conoce, fueron modelos importantes no solo como grandes artistas modernos, sino tambi\u00e9n como activistas pol\u00edticos que enraizaron su muralismo en apoyo a las luchas de los miembros m\u00e1s pobres y explotados de sus comunidades.<\/p>\n\n
David Alfaro Siqueiros, Fechas de la historia de M\u00e9xico o El derecho a la cultura, <\/em>Universidad Nacional Aut\u00f3noma de M\u00e9xico (UNAM), 1952-56, (Ciudad de M\u00e9xico, foto: \u00a9Fausto Puga)<\/figcaption><\/figure>\n La revoluci\u00f3n mexicana marc\u00f3 un hito en el siglo XX, ya que supuso una verdadera ruptura con el pasado, dando paso a una \u00e9poca m\u00e1s igualitaria. Con su gran escala, su iconograf\u00eda innovadora y su mensaje socialmente relevante, el muralismo mexicano sigue siendo un notable elogio a la revoluci\u00f3n.<\/p>\n\n
David Alfaro Siqueiros, Tormento y Apoteosis de Cuauht\u00e9moc (detalle), 1950-51 (Museum of the Palace of Fine Arts, photo: Jaontiveros ; source : Wikipedia<\/a>)<\/em><\/figcaption><\/figure>\n Los muralistas desarrollaron una iconograf\u00eda con h\u00e9roes at\u00edpicos y no europeos del ilustre pasado, presente y futuro de la naci\u00f3n: guerreros aztecas que luchan contra los espa\u00f1oles, campesinos humildes que luchan en la revoluci\u00f3n, trabajadores comunes de la Ciudad de M\u00e9xico y la gente mestiza que forjar\u00e1 la pr\u00f3xima gran \u00e9poca, como en el mural de la UNAM de Siqueiros. Los tres grandes crearon murales \u00e9picos en las paredes de edificios p\u00fablicos ampliamente visibles utilizando t\u00e9cnicas como el fresco, la enc\u00e1ustica, el mosaico y la escultura-pintura. <\/p>\n\n
Aparte, en tiempos de crisis, el arte se utilizaba como una forma muy visual de actuar contra el SIDA. Para combatir la da\u00f1ina construcci\u00f3n cultural en torno a la \u00absangre contaminada\u00bb, los grupos del movimiento social de finales de los a\u00f1os 80 y 90, la coalici\u00f3n contra el SIDA para liberar el poder, o ACT UP, cre\u00f3 carteles y gr\u00e1ficos para tratar de atraer la atenci\u00f3n de la gente y fomentar la conversaci\u00f3n sobre las inc\u00f3modas verdades sociales y culturales que rodean al SIDA.<\/p>\n\n
(Purchase, with funds provided by the ICP Acquisitions Committee, 2000 ; source : ICP.org<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n Muchos de los dise\u00f1os de ACT UP incorporaban texto e im\u00e1genes; este p\u00f3ster es uno de los pocos que comunicaba un mensaje solo con texto. El cartel se hizo para una acci\u00f3n en la bolsa de Nueva York en septiembre de 1989 (dos a\u00f1os y medio despu\u00e9s de la primera protesta de ACT UP, que tambi\u00e9n tuvo lugar en Wall Street). Todas las protestas de Wall Street (una segunda tuvo lugar un a\u00f1o despu\u00e9s de la primera) estaban sensibilizadas por las enormes ganancias que la compa\u00f1\u00eda farmac\u00e9utica Burroughs Wellcome estaba obteniendo del medicamento contra el SIDA AZT. La empresa hab\u00eda recibido una patente que garantizaba que ninguna otra empresa podr\u00eda vender el medicamento durante diecisiete a\u00f1os. La empresa aleg\u00f3 que ten\u00eda justificaci\u00f3n para cobrar un precio desorbitante por el medicamento considerando que hab\u00eda gastado una suma significativa de dinero en su desarrollo. ACT UP respondi\u00f3 que los contribuyentes hab\u00edan pagado la factura a trav\u00e9s de subvenciones y cr\u00e9ditos fiscales. En la acci\u00f3n de septiembre de 1989, los activistas pidieron que se proporcionara AZT gratuitamente a cualquiera que necesitara el medicamento.<\/p>\n\n
Colores<\/h3>\n\n
Los miembros del Partido Pantera, que llevaban trajes negros con boinas y grandes peinados afro, y la contracultura hippie de la \u00e9poca, que vest\u00eda trajes tecnicolor y llevaba carteles brillantes para protestar contra la guerra de Vietnam y abogar por \u00abla paz, el amor y la igualdad de derechos\u00bb, es un movimiento que, incluso ahora, tiene un motivo fuerte y eficaz que sigue influyendo en la cultura de hoy, lo que puede verse en el actual movimiento #BlackLivesMatter. <\/p>\n\n
El uso del color, no s\u00f3lo se observa en los trajes, sino tambi\u00e9n en las obras de colores se puede ver tanto en la obra del pintor, como en la del ilustrador. Las obras The Golden Rule (1961) y The Problem We All Live With (1963) de Norman Rockwell, ya que era un ilustrador blanco conocido y respetado en la comunidad art\u00edstica su arte cae en la categor\u00eda de apoyo al movimiento del arte de protesta. Golden Rule es una pintura que presenta un collage de personas de diferentes etnias y culturas y una referencia al vers\u00edculo b\u00edblico Mateo 7:12. De todas las personas que aparecen en la pintura, la m\u00e1s notable es una peque\u00f1a ni\u00f1a negra con un uniforme escolar y cuyos ojos se encuentran directamente con el espectador de la pintura: la ni\u00f1a es una referencia directa a Ruby Bridges, una ni\u00f1a afroamericana de 6 a\u00f1os que fue la primera en asistir a una escuela primaria completamente blanca en el sur, fue escoltada a clase por su madre y los marshals de EE.UU. para garantizar su seguridad debido a las multitudes furiosas que protestaron el 14 de noviembre de 1960 y cada dos d\u00edas de ese a\u00f1o.<\/p>\n\n
Golden Rule, <\/em>Norman Rockwell (1961). \u00d3leo sobre li<\/em>enzo, 113cm x 100cm Ilustraci\u00f3n de la historia para The Saturday Evening Post, <\/em>1 de abril de 1961<\/figcaption><\/figure>\n Relevancia en la era moderna<\/h3>\n\n
El concepto de \u00abarte como arma\u00bb sigue siendo relevante en la era moderna. Simplemente ha cambiado el contexto por la aparici\u00f3n de tecnolog\u00edas modernas como las redes sociales. Mirando hacia el movimiento Black Lives Matter, surgido en 2013 en respuesta a la absoluci\u00f3n del asesino de Trayvon Martin, George Zimmerman, y que posteriormente en 2014 gan\u00f3 la atenci\u00f3n mundial cuando se iniciaron las protestas en Ferguson, Missouri en respuesta al asesinato de Mike Brown por el oficial de polic\u00eda de Ferguson Darren Wilson (que tambi\u00e9n result\u00f3 exento de delitos en la corte) y por las im\u00e1genes y videos de enorme contenido de brutalidad policial que los manifestantes iban documentando y compartiendo en tiempo real en redes sociales como Twitter, Instagram y Facebook.<\/p>\n\n
Serve and Protect<\/em>, Gregory Ragland (2013) Bronce, 6m x 6m x 0,5m \nDurante las protestas de #BlackLivesMatter, el 29 de mayo, manifestantes desconocidos la pintaron de rojo.<\/figcaption><\/figure>\n Enfoque pedag\u00f3gico <\/h1>\n\n
\u00bfPor qu\u00e9 este tema es importante para los estudiantes adultos?<\/h2>\n\n
El arte de resistencia es uno de los movimientos art\u00edsticos m\u00e1s reconocibles del siglo pasado. A trav\u00e9s de la participaci\u00f3n en un programa de arte activista, los estudiantes pueden desarrollar habilidades para el pensamiento cr\u00edtico, el liderazgo, la participaci\u00f3n comunitaria y la comunicaci\u00f3n. Al crear obras de arte activista, pueden participar en tres procesos de aprendizaje y ense\u00f1anza que fueron clave para el desarrollo de estas habilidades:<\/p>\n\n
\u200bConectar\u200b: <\/strong>los estudiantes piensan en las injusticias que pretenden abordar a trav\u00e9s de su arte, consideran por qu\u00e9 existen estas injusticias y c\u00f3mo podr\u00edan cambiarse. Identifican relaciones y conexiones de causa y efecto, y llevan activamente a comprender las relaciones de la comunidad y el liderazgo civil.<\/p>\n\n
Cuestionar:<\/strong> Una vez que los estudiantes se forman idea de sus temas, comienzan un largo proceso de pensamiento cr\u00edtico: \u00bfC\u00f3mo podemos incidir en esta injusticia? \u00bfQui\u00e9n es mi audiencia? \u00bfC\u00f3mo quiero que piensen sobre el tema? \u00bfC\u00f3mo puedo comunicar mis ideas ? \u00bfMi obra de arte funciona como pretend\u00eda? Los estudiantes comienzan a ver la legitimidad de su propia visi\u00f3n para desafiar el status quo, y comienzan a comprender su poder como creadores activos de la sociedad capaces de iniciar el cambio.<\/p>\n\n
Traducir: <\/strong>representar una idea a trav\u00e9s del arte requiri\u00f3 un cambio del lenguaje verbal al visual. Al traducir sus ideas en arte, los estudiantes replantean sus ideas literal, metaf\u00f3rica, ir\u00f3nicamente y a modo de di\u00e1logo (como una interacci\u00f3n con la audiencia) o a trav\u00e9s de un enfoque mixto. Los estudiantes aprenden a ver el arte como una forma de \u00abense\u00f1ar\u00bb a la audiencia.<\/p>\n\n
Buscaban presentar sus ideas con un equilibrio entre mensaje y est\u00e9tica, y de paso desarrollar habilidades de comunicaci\u00f3n. Estos resultados est\u00e1n en consonancia con el estudio de doctorado sobre el tema realizado por M. Dewhurst en 2009.<\/p>\n\n
\u00bfCu\u00e1les son los resultados del aprendizaje al integrar este tema art\u00edstico con una actividad educativa?<\/h2>\n\n
Con esta actividad, los alumnos podr\u00e1n descubrir el tema a trav\u00e9s de las herramientas y los ojos del pintor. De hecho, las actividades se establecen para que los alumnos puedan aprender el poder del arte activista, la m\u00fasica y las palabras, reflexionando sobre c\u00f3mo puede influir en las opiniones art\u00edsticas. Tambi\u00e9n podr\u00e1n profundizar m\u00e1s en pinturas determinadas y ver explicaciones en v\u00eddeo de algunas de las obras m\u00e1s influyentes. <\/p>\n\n
C\u00f3mo hacerlo: estrategias, herramientas y t\u00e9cnicas. <\/h2>\n\n
Los alumnos tomar\u00e1n una participaci\u00f3n activa e inactiva en su propio aprendizaje. De hecho, utilizando sus habilidades de pintura, pensamiento cr\u00edtico y habilidades de escucha, podr\u00e1n desarrollar su conocimiento del arte de resistencia, y discutir con los compa\u00f1eros, y luego aprender de otros expertos en los campos de la historia del arte. <\/p>\n\n
Obras art\u00edsticas <\/h1>\n\n
Obra de arte #1 La Libertad guiando al pueblo,<\/em> Eugene Delacroix (1830)\u200b<\/strong><\/h2>\n\n
La libertad guiando al pueblo,<\/em> Eugene Delacroix, (1830),<\/em> \u00f3leo sobre lienzo, 260cm x 325cm, Louvre, Par\u00eds (\u00a9 Public domain; source:\u00a0Wikipedia<\/a>)<\/figcaption><\/figure>\n
- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>La Libertad guiando al pueblo <\/em>(franc\u00e9s: La Libert\u00e9 guidant le peuple<\/em> [la lib\u025b\u0281te \u0261id\u0251\u0303 l\u0259 p\u0153pl]es una pintura de Eug\u00e8ne Delacroix que conmemora la revoluci\u00f3n de julio de 1830, que derroc\u00f3 al rey Carlos X de Francia.<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>Una mujer del pueblo con un gorro frigio que personifica el concepto de libertad conduce a un grupo variopinto de personas hacia delante sobre una barricada y los cuerpos de los ca\u00eddos, sosteniendo la bandera de la revoluci\u00f3n francesa \u2013 el tricolor, que nuevamente se convirti\u00f3 en la bandera nacional de Francia despu\u00e9s de estos eventos \u2013 en una mano y blandiendo un mosquete con bayoneta en la otra. La figura de la Libertad tambi\u00e9n se ve como un s\u00edmbolo de Francia y la Rep\u00fablica Francesa conocida como Marianne. A veces se cree err\u00f3neamente que la pintura representa la revoluci\u00f3n francesa de 1789.<\/li>
- Ubicaci\u00f3n y dimensi\u00f3n europea: <\/strong>La Libertad guiando al pueblo se expone en el <\/em>Louvre<\/a> en Par\u00eds.<\/li>
- Posible uso did\u00e1ctico: <\/strong>Esta pintura fue bastante pol\u00e9mica cuando se hizo p\u00fablica por primera vez, puede ser interesante para los estudiantes indagar sobre las diferentes reacciones que cre\u00f3, por qu\u00e9 tuvo cr\u00edticas bas\u00e1ndose en la observaci\u00f3n social y qu\u00e9 y por qu\u00e9 a algunas personas les gust\u00f3.<\/li><\/ul>\n
Obra de arte n\u00ba 2 Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt<\/em> (1971)<\/strong><\/h2>\n\n
Emory Douglas, We Shall Survive Without a Doubt (1971). <\/em>Cortes\u00eda de Black Lives Matter website<\/a>.<\/em><\/p>\n\n
- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>\u00abEl arte revolucionario comienza con el programa que Huey P. Newton instituy\u00f3 con el Partido Pantera Negra\u00bb, el dise\u00f1ador gr\u00e1fico y ministro de Cultura de Pantera Negra Emory Douglas escribi\u00f3 en el peri\u00f3dico The Black Panther en 1970. \u00abEl arte revolucionario, como el Partido, es para toda la comunidad y se ocupa de todos sus problemas. Le da al pueblo la imagen correcta de nuestra lucha, mientras que la ideolog\u00eda revolucionaria le da al pueblo la comprensi\u00f3n pol\u00edtica correcta de nuestra lucha\u00bb. A continuaci\u00f3n est\u00e1 el p\u00f3ster de la contraportada de Douglas para la edici\u00f3n del peri\u00f3dico del 17 de febrero de 1970, que tambi\u00e9n dise\u00f1\u00f3. (La leyenda dice: \u00abSobreviviremos, sin duda\u00bb.) \u00abRechazando el imperialismo, el capitalismo y la brutalidad policial, Douglas describi\u00f3 a la polic\u00eda, los pol\u00edticos y los banqueros como cerdos y ratas\u00bb, escriben los curadores de Soul of a Nation<\/em>. \u00abMujeres negras heroicas luchan contra ratas reales en viviendas de calidad inferior. Los trabajadores valientes se muestran como soldados revolucionarios. Un ni\u00f1o sonriente sostiene su cabeza en alto, usando gafas de sol cuyas lentes son fotograf\u00edas del programa de desayuno gratuito que el partido implement\u00f3 para alimentar a los ni\u00f1os de familias pobres y trabajadoras.<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>Encabezado con la frase: \u00abSobreviviremos. Sin duda\u00bb, la imagen representa a un ni\u00f1o afroamericano brillantemente sonriente usando gafas y, en lugar de lentes, son im\u00e1genes de los j\u00f3venes que est\u00e1n siendo educados, asumimos en las escuelas comunitarias de los Pantera Negra. Sobre su cabeza hay un sombrero flexible, estilo zoot<\/em>, que irradia rayos rojos citados directamente por los revolucionarios chinos…Tradicionalmente, en las im\u00e1genes de origen chino, uno ver\u00eda los rayos rojos irradiando detr\u00e1s de Mao, el l\u00edder, pero en sus obras, Douglas los relaciona con los ni\u00f1os, otorg\u00e1ndoles [como los] agentes del cambio. Se desconoce la ubicaci\u00f3n exacta.<\/li>
- Posible uso did\u00e1ctico: <\/strong>Analizar el significado del texto de esta obra de arte. \u00bfQu\u00e9 trata de decirle Douglas al espectador? \u00bfC\u00f3mo se relaciona esto con las im\u00e1genes de los ni\u00f1os? Reflexiona sobre los a\u00f1os y la \u00e9poca, el marco temporal en el que se complet\u00f3 esta obra de arte.<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #3 Salvador Dal\u00ed, El rostro de la guerra<\/em> (1940)<\/strong><\/h2>\n\n
Salvador<\/em> Dal\u00ed, \u200b\u200bEl rostro de la guerra <\/em>(1940), \u00f3leo sobre lienzo, 64cm x 79cm, Boijmans Van Beuningen Museum<\/a>, Rotterdam, Pa\u00edses Bajos.<\/p>\n\n
- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>La cara de la guerra (1940) es una pintura del surrealista espa\u00f1ol Salvador Dal\u00ed. La pint\u00f3 durante un breve periodo en que el artista vivi\u00f3 en California. \n \nEl trauma y la visi\u00f3n de la guerra hab\u00edan servido a menudo de inspiraci\u00f3n para la obra de Dal\u00ed. A veces cre\u00eda que sus visiones art\u00edstica eran premoniciones de guerra. Esta obra se pint\u00f3 entre el final de la Guerra Civil Espa\u00f1ola y el comienzo de la Segunda Guerra Mundial.<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>La pintura representa una cara desencarnada flotando frente a un paisaje des\u00e9rtico est\u00e9ril. El rostro se marchita como el de un cad\u00e1ver y tiene una expresi\u00f3n de miseria. En la boca y cuencas oculares, hay caras id\u00e9nticas. En las bocas y ojos, encontramos m\u00e1s caras id\u00e9nticas en un proceso que pretende ser infinito. Alrededor de la cara grande pululan serpientes mordedoras. En la esquina inferior derecha est\u00e1 la huella de una mano que Dal\u00ed insisti\u00f3 que fue la suya propia.<\/li>
- Ubicaci\u00f3n y dimensi\u00f3n europea: <\/strong>La pintura se encuentra en el museo Boijmans Van Beuningen de Rotterdam, Pa\u00edses Bajos<\/li>
- Posible uso did\u00e1ctico: <\/strong>Salvador Dal\u00ed tiene un estilo de trabajo muy interesante. \u00bfQu\u00e9 hace que sus pinturas y obras de arte sean \u00fanicas? \u00bfEn qu\u00e9 se diferencia su trabajo de las otras obras de arte de este periodo de arte de resistencia? Reflexiona como m\u00ednimo sobre el uso que hace del color, el realismo, la sombra…<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #4 Pablo Picasso, Masacre en Corea (1937) <\/strong><\/h2>\n\n
\n Pablo Picasso, Masacre en Corea, 18 de enero de 1951, \u00f3leo sobre madera, 110 x 210 cm, Mus\u00e9e Picasso Paris<\/a>, MP203 \u00a9 RMN-Grand Palais\/Mathieu Rabeau \u00a9 Succession Picasso, 2018 ; fuente : Mus\u00e9e Picasso Paris. Esta obra de arte est\u00e1 bajo un derecho de autor, por lo que no est\u00e1 disponible en mayor resoluci\u00f3n. La obra original puede verse en el Museo Picasso de Par\u00eds, Francia.<\/figcaption><\/figure><\/figure>\n\n
- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>Masacre en Corea es la tercera de una serie de pinturas antib\u00e9licas creadas por Picasso. Precedida por el monumental\u00a0Guernica<\/a>, pintado en 1937, y\u00a0la \u00a0Casa Charnel\u200b<\/a>, pintada de 1944 a 1945. El t\u00edtulo de esta pintura se refiere al estallido de la Guerra de Corea<\/a>, que hab\u00eda comenzado el a\u00f1o anterior, pero el tema es ambiguo, ya que Picasso no apunta directamente a un per\u00edodo o ubicaci\u00f3n dentro de la composici\u00f3n.<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>La pintura puede representar un evento similar a la Masacre de No Gun Ri en julio de 1950, cuando un n\u00famero indeterminado de refugiados surcoreanos fueron masacrados por soldados estadounidenses, o la Masacre de Sinchon del mismo a\u00f1o, una matanza masiva llevada a cabo en el condado de Sinchon, provincia de Hwanghae del Sur, Corea del Norte. La masacre en Corea muestra a civiles siendo asesinados por fuerzas anticomunistas. La cr\u00edtica de arte Kirsten Hoving Keen, dice que est\u00e1 \u00abinspirada por informes de atrocidades estadounidenses\u00bb en Corea. De 1,1 m por 2,1 m, la obra es m\u00e1s peque\u00f1a que su Guernica, con la que tiene un parecido conceptual y una vehemencia expresiva. \n \nLa obra de Picasso est\u00e1 influenciada por la pintura de Francisco Goya El tres de mayo de 1808<\/em>, que muestra a los soldados de Napole\u00f3n ejecutando a civiles espa\u00f1oles bajo las \u00f3rdenes de Joachim Murat.[6] Se sit\u00faa en la misma tradici\u00f3n iconogr\u00e1fica de una obra anterior inspirada en Goya: la serie de cinco pinturas de \u00c9douard Manet que representan la ejecuci\u00f3n del emperador Maximiliano, completada entre 1867 y 1869. Al igual que con El tres de mayo de 1808<\/em> de Goya, la pintura de Picasso se caracteriza por una composici\u00f3n bifurcada, dividida en dos partes distintas.<\/li>
- Ubicaci\u00f3n y dimensi\u00f3n europea: <\/strong>La pintura se expone en el Mus\u00e9e Picasso de Par\u00eds.<\/li>
- Posible uso did\u00e1ctico: <\/strong>Utiliza la imagen para descubrir qu\u00e9 otros artistas crearon obras de arte con perspectiva, color y significado similares. Tal vez comenzar echando un vistazo a la L’execuci\u00f3 de l’emperador Maximili\u00e0 de M\u00e8xic<\/em> (1868), \u200b\u200bEdouard Manet<\/a>. \u00bfQu\u00e9 diferencia la obra de Manet en comparaci\u00f3n con la de Picasso? \u00bfG\u00e9nero? \u00bfUso de color? Estilo \u2013 \u00bfcubismo, modernismo? \u00bfY la obra de Francisco de Goya?<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #5 David Alfaro Siqueiros, Tormento y Apoteosis de Cuauht\u00e9moc (detalle), 1950-5<\/strong><\/h2>\n\n
David Alfaro Siqueiros, Tormento y Apoteosis de Cuauht\u00e9moc (detalle), 1950-51 (Museum of the Palace of Fine Arts, photo: Jaontiveros ; source : Wikipedia<\/a>)<\/em><\/figcaption><\/figure>\n
- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>El movimiento muralista mexicano comenz\u00f3 poco despu\u00e9s de la revoluci\u00f3n mexicana, que tuvo lugar de 1910 a 1920. Despu\u00e9s de la revoluci\u00f3n, el gobierno asumi\u00f3 el dif\u00edcil proyecto de transformar un M\u00e9xico dividido. Durante este tiempo, hubo una preocupaci\u00f3n por definir la identidad mexicana, por lo que el gobierno busc\u00f3 establecer una nueva sociedad mexicana fundada en su rica tradici\u00f3n, pero con mucha visi\u00f3n de futuro. Tambi\u00e9n quer\u00edan una manera de promover el orgullo y el nacionalismo en el pueblo mexicano. De todos estos deseos surgi\u00f3 el movimiento del muralismo. \n \n\u00a0 \n \nEl movimiento comenz\u00f3 como una forma de arte p\u00fablico financiada por el gobierno, encargaron crear arte a los artistas que ilustrara la historia mexicana. Dado que la mayor\u00eda de la poblaci\u00f3n era analfabeta, el gobierno mexicano vio en los murales una manera efectiva de difundir visualmente el mensaje de orgullo y nacionalismo.<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>En El tormento de Cuauht\u00e9moc<\/em> Siqueiros retrata la violencia venida con los conquistadores espa\u00f1oles: muestra al espa\u00f1ol torturando al emperador azteca, Cuauht\u00e9moc, para que le indicara el lugar donde estaba escondido el tesoro de Montezuma. Lo torturaron quem\u00e1ndole los pies, pero no muestra ning\u00fan dolor f\u00edsico, sino m\u00e1s bien un dolor emocional. Al lado de Cuauht\u00e9moc, hay un hombre que est\u00e1 llorando y orando como para salir de tal castigo. A la derecha, hay una mujer que parece estar cubierta de sangre; tambi\u00e9n se parece a la madre de Jes\u00fas cuando estaban crucificando a su hijo, rog\u00e1ndole que deje de sentir tal tortura.<\/li><\/ul>\n
Esto hace que Cuauht\u00e9moc parezca divino y como s\u00edmbolo de patriotismo, un s\u00edmbolo que ser\u00eda utilizado despu\u00e9s de la revoluci\u00f3n mexicana en muchas obras de muralistas de la \u00e9poca. Usando al \u00faltimo emperador azteca como s\u00edmbolo, permiti\u00f3 que volviera a surgir el pasado, inspiraci\u00f3n para empujar a los mexicanos a luchar por sus ra\u00edces.<\/p>\n\n
El ej\u00e9rcito espa\u00f1ol parece que no es humano, como si fueran s\u00f3lo conchas vac\u00edas sin alma; tal falta de humanidad les permitir\u00eda seguir haciendo los da\u00f1os que cometieron. Tambi\u00e9n hay un perro que parece un poco dar a entender que son tan humanos como los aztecas, los muestra c\u00f3mo animales rabiosos al igual que el can que tienen al lado.<\/p>\n\n
- Ubicaci\u00f3n y dimensi\u00f3n europea: <\/strong>El cuadro se encuentra en el museo del Palacio de Bellas Artes<\/li>
- Posible uso did\u00e1ctico: <\/strong>En la \u201cApotheosis de Cuauht\u00e9moc\u201d, se muestra la pregunta del \u201c\u00bfy si?\u201d Siqueiros muestra c\u00f3mo ser\u00eda si el ej\u00e9rcito de Cuauht\u00e9moc hubiera derrotado al ej\u00e9rcito espa\u00f1ol, si hubieran tenido \u00e9xito con el poder y la fuerza para mantener alejados a los invasores. Los alumnos analizan los detalles de la pintura y la diferencia de estilo y t\u00e9cnicas entre esta pintura y la pintura de Salvador Dal\u00ed y Pablo Picasso. Mira su retrato y dibujo de figuras humanas – trabajo, los colores, la perspectiva del dibujo, etc.<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #6 Regla de oro, Norman Rockwell (1961)<\/strong><\/h2>\n\n
Golden Rule, <\/em>Norman Rockwell (1961). \u00d3leo sobre li<\/em>enzo, 113cm x 100cm Ilustraci\u00f3n de la historia para The Saturday Evening Post, <\/em>1 de abril de 1961<\/figcaption><\/figure>\n
- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>En la d\u00e9cada de 1960, el estado de \u00e1nimo del pa\u00eds estaba cambiando, y la oportunidad de Norman Rockwell de librarse de la afirmaci\u00f3n de los intelectuales del arte de que era anticuado estaba al llegar. Su Regla de Oro <\/em>de 1961 fue el precursor del tipo de tema que pronto ilustrar\u00eda. Un grupo de personas de diferentes religiones, razas y etnias sirvi\u00f3 como tel\u00f3n de fondo para la inscripci\u00f3n \u00abHaz a los dem\u00e1s lo que quieres que te hagan a ti\u00bb. Rockwell era un hombre compasivo y liberal, y esta simple frase reflejaba su filosof\u00eda. Despu\u00e9s de haber viajado toda su vida y haber sido bienvenido donde fuera, Rockwell se sent\u00eda como un ciudadano del mundo, y su pol\u00edtica reflejaba ese conjunto de valores.<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>A partir de las fotograf\u00edas que hab\u00eda tomado en su viaje alrededor del mundo Pam Am de 1955, Rockwell hizo referencia a los trajes y accesorios aut\u00f3ctonos y c\u00f3mo se usaban. Cogi\u00f3 algunos disfraces y dise\u00f1\u00f3 otros en su estudio a partir de objetos ordinarios, como usar de una pantalla de l\u00e1mpara a modo de fez. Muchos de los modelos de Rockwell eran estudiantes de intercambio locales y visitantes. En una entrevista de 1961, indicando que el hombre llevaba un sombrero de ala ancha en la esquina superior derecha, Rockwell dijo: \u00abEs en parte brasile\u00f1o, en parte h\u00fangaro, creo. Luego est\u00e1 Choi, un coreano estudiante de la Universidad Estatal de Ohio. Aqu\u00ed hay un estudiante japon\u00e9s en Bennington College y aqu\u00ed hay un estudiante jud\u00edo. Estaba tomando cursos de verano en la Escuela del Museo de Indian Hill\u00bb. Se\u00f1alando al rabino, continu\u00f3: \u00abEs el director de correos jubilado de Stockbridge. Hizo un buen trabajo de rabino, en la vida real era un devoto cat\u00f3lico.<\/li><\/ul>\n
Obtuve todas mis caras de Oriente Medio de Abdalla, que dirige el mercado de Elm Street, a solo una manzana de mi casa.\u00bb Algunos de los modelos utilizados tambi\u00e9n eran de la ilustraci\u00f3n anterior de Rockwell, Naciones Unidas.<\/p>\n\n
- Ubicaci\u00f3n y dimensi\u00f3n europea: <\/strong>Golden Rule<\/em> y Las Naciones Unidas<\/em> se encuentran actualmente en el museo Norman Rockwell.<\/li>
- Posible uso did\u00e1ctico: <\/strong>Explora las expresiones faciales y las caracter\u00edsticas de todas las im\u00e1genes incluidas en la obra de arte. Sabiendo que esta pieza fue creada en la d\u00e9cada de 1960 y que actualmente vives en la d\u00e9cada de 2020, m\u00e1s de 60 a\u00f1os despu\u00e9s, \u00bfpodr\u00edas argumentar que esta obra de arte sigue representando a las Naciones Unidas? \u00bfPor qu\u00e9 no? \u00bfQu\u00e9 podr\u00eda faltar? Intenta recrear esta pieza de trabajo con fotos de los que te rodean. Nota: Nota: \u00a1No pierdas de vista el rayo cuando hagas fotograf\u00edas!<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #7 Guernica, Pablo Picasso (1937)<\/strong><\/h2>\n\n
\n Reproducci\u00f3n mural del Guernica<\/em> de Pablo Picasso. Obra realizada sobre azulejos, en Gernika-Lumo, en la calle Allendesalazar 11, en Espa\u00f1a. Esta foto ha sido publicada bajo licencia Creative Commons 3.0 por Papamanila en Wikicommons. La obra original de Pablo Picasso (Guernica, 1937, \u00d3leo sobre lienzo, 349,3cm x 776,6cm) puede verse en el Museo Reina Sof\u00eda, Madrid, Espa\u00f1a.<\/figcaption><\/figure><\/figure>\n\n
- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>Picasso pint\u00f3 el Guernica en su casa de Par\u00eds en respuesta al bombardeo del 26 de abril de 1937 de Guernica, una ciudad del Pa\u00eds Vasco en el norte de Espa\u00f1a que fue bombardeada por la Alemania nazi y la Italia fascista a petici\u00f3n de los nacionalistas espa\u00f1oles. Una vez terminado el Guernica se expuso en el pabell\u00f3n espa\u00f1ol de la Exposici\u00f3n Internacional de Par\u00eds de 1937, y luego en otros lugares de todo el mundo. La exposici\u00f3n itinerante se utiliz\u00f3 para recaudar fondos para remitir la guerra espa\u00f1ola.<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>El Guernica es una gran pintura al \u00f3leo sobre lienzo de 1937 del artista espa\u00f1ol Pablo Picasso. Es una de sus obras m\u00e1s conocidas, considerada por muchos cr\u00edticos de arte como la pintura anti-b\u00e9lica m\u00e1s conmovedora y poderosa de la historia.<\/li><\/ul>\n
La pintura gris, negra y blanca, de 3,49 metros de altura y 7,76 metros de ancho, retrata el sufrimiento causado por la violencia y el caos. En la composici\u00f3n destacan un caballo con cuernos, un toro, mujeres gritando, un beb\u00e9 muerto, un soldado desmembrado y llamas.<\/p>\n\n
- Ubicaci\u00f3n y dimensi\u00f3n europea: <\/strong>Se expone en el Museo de Reina Sof\u00eda de Madrid.<\/li>
- Posible uso did\u00e1ctico: <\/strong>Es interesante comparar esta obra de arte con la Masacre en Corea. Un an\u00e1lisis m\u00e1s profundo de los personajes principales, los colores y la teor\u00eda de los colores podr\u00eda ser un buen ejercicio.<\/li><\/ul>\n
Obra de arte #8 Servir y proteger,<\/em> Gregory Ragland (2013)<\/strong><\/h2>\n\n
Serve and Protect<\/em>, Gregory Ragland (2013) Bronce, 6m x 6m x 0,5m \nDurante las protestas de #BlackLivesMatter, el 29 de mayo, manifestantes desconocidos la pintaron de rojo.<\/figcaption><\/figure>\n
- Su posici\u00f3n-relaci\u00f3n con el tema: <\/strong>Servir y proteger, muestra la simbolog\u00eda para servir. Las mismas manos elegantes que nos sirven tambi\u00e9n son manos lo suficientemente fuertes para protegernos y cuidarnos. Esta escultura de bronce refuerza la permanencia de la fuerza y act\u00faa como un poderoso s\u00edmbolo de nuestra confianza en esos individuos. Esta poderosa y elegante escultura es una prueba s\u00f3lida de que nuestros h\u00e9roes m\u00e1s valiosos que la vida estar\u00e1n all\u00ed para servirnos y protegernos a todos.<\/li>
- Breve descripci\u00f3n: <\/strong>El artista de Park City Greg Ragland <\/em>cre\u00f3 una escultura de bronce titulada Servir y proteger.<\/em> La escultura representa dos manos, una al lado de otra, con las palmas hacia arriba. La obra se encuentra en el jard\u00edn de la plaza y est\u00e1 dise\u00f1ada para fomentar el tacto y la escalada.<\/li>
- Ubicaci\u00f3n y dimensi\u00f3n europea: <\/strong>La pintura se encuentra en el Edificio de Seguridad P\u00fablica; 475 S 300 E; Distrito 4<\/li>
- Posible uso did\u00e1ctico: <\/strong>En su obra de escultura, Gregory Ragland no incluy\u00f3 la pintura roja. El original no tiene nada en la mano. \u00bfCu\u00e1ndo apareci\u00f3 esta pintura roja en la escultura? Observa los cambios en torno a esta obra de arte.<\/li><\/ul>\n
Obra de arte n\u00ba 9 Pu\u00f1o cerrado<\/em>, Everett Spruill<\/strong><\/h2>\n\n
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